2009/03/31

"El Quimérico Inquilino": Fantasmas desconocidos

El ecléctico y genial Roman Polanski, rodó en Francia (1976) un thriller psicológico titulado "Le Locataire", o en español "El Quimérico Inquilino", un film extraño, que en su día fue un estrepitoso fiasco entre la crítica y público de todo el mundo, pero que a día de hoy es uno de los films más oscuros y reconocidos de su autor. Tenía curiosidad por ver este film desde hará un año más o menos sin ninguna razón aparente, y reconozco la acidez de extrañeza que respira el film nada más comenzarlo a ver. Guión del propio Polanski (también lo protagoniza) en colaboración con Gérard Brach. El argumento a priori, parte de una desgracia ocurrida en una comunidad de pisos, en los que los extraños vecinos dan cabida al nuevo inquilino, que ahora pasa a vivir en el inmueble donde una joven, semanas antes, decidió acabar con su vida y suicidarse por la ventana de dicho piso. Lo que parece un argumento claro de suspense y terror, Polanski lo deriva a la psicología de su personaje, el protagonista se ve inmerso en una lucha por preguntarse (introspectivamente para con el espectador, nunca de una manera efectista o superficial en lo que se ve en la película) quién es de verdad, si realmente puede encontrarse como persona, o simplemente acaba siendo un rebortijo de recuerdos y cualidades de esa persona que marca tu vida (en este caso, la psicosis del protagonista por comprender la muerte de la joven acaban consumiendo muy a su pesar sus conexiones mentales y vitales, y caen junto al espectador en una reminiscencia terrorífica, donde el verdadero terror es pensar que lo ficticio se convierta en real, lo psicológico gane la partida, de hecho lo hace y de manera).

Así pues, un guión curioso, que parece beber del terror clásico, pero que más bien deriva en una extraña metamorfosis que hace que el público sienta claustrofobia, es un film tenebroso, con detalles específicos hechos para que el cerebro no pare de pensar en enigmas que quizás no tengan una solución radical (esa parafernalia egipcia por ejemplo, muy concreta dentro del film que engloba puntos mitificantes como puntos representativos, las naranjas en la escena del hospital, el grito del final sumándose a la paranoia visceral que es el film, los cigarrillos, la extrañísima forma de ser del vecindario entero...) quizás lo peor del libreto, sea que tenga puntos no muy explotados o simplemente de relleno, hablo por ejemplo, del personaje de la chica de la que se enamora el protagonista, que simplemente contribuye al respiro del film, sin más, o al amante de la fallecida que aparece en el piso que se emborracha con Polanski en el film, los amigos del trabajo del protagonista, quizás sobre un poco todo eso, aunque lo que se tolera bastante bien es el tremendismo exagerado y con algo de humor negro del final, quizás sumido demasiado en una paranoia extrema (incluyendo la locura que lleva el prota encima, travistiéndose y pagando el pato con los niños del parque, esta parte es genial) pues no se consuma el drama, más bien la mala leche del director al desafiar a la muerte, jodiendo al protagonista hasta el último minuto con bastante sangre fría hacia todo lo construido con anterioridad en el guión y hacía el espectador, quizás esto sea conscientemente de la propia cosecha mental del director (obsesionado por no dejar ir en su mente la fatídica muerte de su esposa, la actriz Sharon Tate, que como bien sabréis fue asesinada en los 70 por una panda de descerebrados encabezada por Charles Manson cuando esta estaba embarazada del director). Así pues sin molestar en absoluto su más extraño todavía final, El guión replantea la búsqueda de la mente hacia la personalidad, algo que sucumbe la mente humana hoy en día, no hay más que ver las noticias y ver la oscura realidad de las perturbadas mentes que existen, así, el trabajo de Polanski queda superado por la realidad, y cinematográficamente funciona, eso si, si te dejas conducir y estar abierto a la parsimonia argumental de la quimérica narrativa de Polanski.

El reparto está centrado principalmente en el protagonismo del propio Roman Polanski, que no lo hace mal dentro de su extrañísimo papel, e incluso tiene sus momentos de gloria hacia el final, cuando muestra el cambio radical que sufre, sumido en un desorden de personalidad demencial. Secundarios muy correctos, destacar la comunidad de vecinos, sobretodo el inquietante personaje de Monsieur Zy, interpretado por un genial Melvyn Douglas, o la chica del film, que pone un puntito de serenidad a tanta rareza, interpretada por una sensual y belleza setentera Isabelle Adjani, guapísima y correcta. El resto muy correcto, quizás señalizar el papelito de Lila Kedrova como Madame Gaderian, asusta mucho sin mucho que decir (ojo a la escena del ataque nocturno en plan loca, jajaja) y la genial Shelley Winters que tiene un pequeño papel dentro del film. En la dirección, el director tiene verdaderos momentos muy logrados. La técnica que usa es lenta, pausada, con mucho olorcito a Hitchcock en muchos momentos (el uso muy lento de la dolly en los momentos de suspense) o por ejemplo el caos intencionado de la cámara al hombro en secuencias muy concretas que dan más rareza aún a la realización, genial (la escena en la que el protagonista va al baño para mirar por la ventana es sencillamente magistral e inquietante). Uso por tanto excepcional en la dirección con sello propio incluso y un uso electrizante de la técnica además del pulso narrativo muy bien logrado y equilibrado durante las dos horas del film (un ejemplo de sobriedad es bastante evidente, no hay más que ver el plano secuencia inicial que recorre la fachada del edificio para ver que Polanski se siente bastante inspirado en lo que rueda). La banda sonora original me ha gustado, pues es bastante abrumadora, y nuevamente vuelve a poner los pelos como escarpias al espectador en momentos muy destacados, siendo protagonista de la fría y tenebrosa atmósfera, genial score compuesto por Philippe Sarde.

Mis expectativas con "El Quimérico inquilino" han quedado bastante bien cubiertas, puesto que es un film tremendamente curioso de ver y analizar, recomendable quizás solo para mentes abiertas y cinéfilos de devoción, lo que está claro es una cosa, habrá muchos films de terror psicológico, pero ninguno tan extrañamente sorprendente, extravagante y con tanta clase como este. Un 10.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos.
AÑO: 1976
DURACIÓN: 126 min
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"Marisa": Excepcional cortometraje de Nacho Vigalondo

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Ayer mismo, el director de la chula "Los Cronocrimenes", Nacho Vigalondo, estrenó en exclusiva en Buenafuente, su nuevo cortometraje para el festival de cortos nacido de Internet, "Notodofilmfest.com". El corto me dejó bastante satisfecho, la idea me parece muy original, concisa, bonita y directa. "Marisa" que así se llama el corto, es por tanto una obra bastante recomendable, os la dejo arriba por si queréis darle un ojo, o los dos si es necesario.

2009/03/30

"Together through Life": Lo nuevo de Bob Dylan

Bonito título (y portada, arriba en la foto) para el nuevo disco del maestro Bobby, "Together through Life", cuatro años después del genial "Modern Times". Aunque poco tiene que ver según han dicho con ese trabajo, englobando el propio Bobby los nuevos temas, al Dylan del período Cristiano, el período post-colombino, el Prerrafaelita…, para ser más claros, Dylan retornará a los sonidos del sello Chess de los años 50, con referentes en HowlinWolf y Muddy Waters. El nuevo disco saldrá a la venta el 28 de Abril, y como ya estoy esperándolo como agua de Mayo, el tema del single para ir abriendo boca, un blues un tanto atípico titulado " Beyond Here Lies Nothin’", pinchad abajo para oírlo. ¡Larga vida al de Minnesota! jeje.



Póster Final "La Bella Confusión"

Pues aquí os dejo el póster final (y el principal) de nuestro último cortometraje, "La Bella Confusión", ha sido larga la tarea de asignar un póster definitivo después de tantos ya. En cuanto al corto, deciros que aun no empezó la fase de montaje ya que el rodaje no ha concluido del todo, en unas semanas finalizaremos de rodar toda la fotografía principal, está siendo complicado rematar la faena por otros temitas que hasta dentro de unos días nos os puedo contar oficialmente (creedme es una locura). En cuanto a fechas, el primer tráiler para mediados de Abril, y el corto creo que se alargará toda la post-producción hasta Mayo. ¿Qué os parece el póster?.

"The Office: 5x01": La genialidad hecha episodio

Es posible que "The Office" sea la serie melodramática más inteligente e imprescindible de nuestro tiempo en cuanto a territorio audiovisual. Reconozco que muy al principio la serie me parecía muy realista y "seca" para conectar con su argumentación, pero creo muy a pies juntillas que me equivocaba mucho, pues ese era el verdadero punto original y divertido de la serie creada por el genial Ricky Gervais. Y así, se acabó hará unas semanas la cuarta temporada en televisión, una cuarta temporada genial con capítulos enormes (de los cuales los dos últimos son realmente geniales), parecía que poco más podía aportar esta serie en cuanto a argumentos sólidos y flexibles, pero no es así.

Capítulo especial, el primero de la temporada 5, muchas cosas por contar y muchos personajes por introducir. Impresionante, en mi humilde opinión este capítulo es sin duda el mejor episodio de todos hasta la fecha, no solo por durar más de 40 minutos, sino porque TODOS los personajes avanzan, dicen algo, te ríes, te emocionas, aplaudes, genialidad de guión, con varios puntos de trama, giros inesperados, diálogos bien construidos y desternillantes. El episodio es también una crítica hacía la obesidad, la anorexia y la imágen física por partes iguales (tremendo Steve Carell disfrazado de obeso, o el personaje de la chica hindú (Kelly) teniendo una dura y grotesca terapia para adelgazar. Stanley ejercitándose a su puta bola (para variar, ojo a la foto que muestra cuando era joven), el fantástico trío amoroso que se ha creado ahora entre Dwight, Angela y Andy (para no parar de reir). Jim y Pam en uno de los mejores momentos de la serie (bonito bonito de verdad, amenizado por la lluvia, inolvidable), el nuevo personaje interpretado por una sobresaliente Amy Ryan, un personaje que va como anillo al dedo a la serie (que tiene mucho que decir y hacer junto con el de Michael). El regreso desternillante también de Ryan como secretario (ojo a su primera escena, tremenda), e incluso hay tiempo al final para saber el destino de Toby, último personaje en salir de la serie.

Empieza así de bien la quinta temporada (la cual ya casi está terminando en USA, yo la estoy viendo ahora por Internet, por primera vez en versión original, decir que gana bastante más, sobretodo por la interpretación de Steve Carell), "The Office" está en plena forma, si sois seguidores de la serie, no os diré mucho más, supongo que los fans también verán la genialidad narrativa de este episodio (como he dicho, un guión para estudiar, incluyendo las escenas, los diálogos, los chistes, las elípsis temporales, realización, etc...) para los que no veáis "The Office" solo me queda recomendárosla encarecidamente (Eso si, desde el principio). Que gran serie, que gran capítulo.


"Un mundo perfecto": Viajando a la imperfección humana

Clint Eastwood rodaba en el 93 "Un mundo perfecto", película dirigida e interpretada por él mismo con un Kevin Costner en alza y como protagonista del film. El libreto de John Lee Hancock enfatiza en dar rienda total al género "Road movie", con dos líneas argumentales, el fugitivo y su rehén, y el cazador (en este caso, el Ranger que interpreta Eastwood). Pero ojo, nada se deja ahí, pues estamos ante la profundización de temas como la libertad, la fraternidad de los protagonistas, el fugitivo y el niño, figuras que se encuentran en un viaje que cambiará sus vidas, por un lado, la del protagonista, que se irá corrompiendo a cada paso perdido por la imperfección de un mundo que se escapa de su comprensión, y la del niño, disfrazado cual fantasma, que arrebata el alma (valga la redundancia) de la inocencia, que conoce realmente la figura de la amistad, y que inevitablemente se ve enfrentado a la solitaria necesidad dramática del propio camino de la vida (todo ello enjaulado en un final bastante lírico y recordable, todo sea dicho). Por otro lado, la caravana que persigue al fugitivo, Eastwood se mete de lleno en plasmar un sistema algo perdido, machista y directamente socarrón, teniendo aquí el humor negro del film, ese tan socorrido en los films de Eastwood, que dan alas a que el público se meta de lleno en la historia. Y por otro lado, los temas morales, (genial los diálogos, señalar la alegórica escena en la que Costner simboliza el coche con una máquina del tiempo), que bien metidos están dentro del film, destacando para mi, uno de los puntos claves y decisivos de la oscura reflexión del guionista, la parte en donde Costner hace entrar en razón (a base de amordazar a toda una familia) y claro, decide el destino final del film, magistral. El libreto contiene casi todo lo que puede desear un buen film, suspense, caminos llenos de golpes, drama, humor, en fin, casi todo. Quizás la única pega, es que sea el "Bonnie and Clyde" de Clint Eastwood, porque realmente la historia y su pilar básico, es muy parecido.

Reparto centrado en dos líneas argumentales, como bien he dicho, por un lado, el protagonismo de un Kevin Costner realmente excelente en su papel, quizás de los papeles más memorables del conocido actor, en plena fama en la época del film. El niño, genial papelón de T.J. Lowther, que recrea muy buenas escenas con Costner y está prácticamente perfecto y muy creíble. Por otro lado, el señor Clint Eastwood, interpretando a un duro pero amable Ranger, que tiene momentos antológicos dentro de la sobriedad y el carisma que Eastwood pone en estos personajes tan peculiares, genial. Destacar como no, a casi la única presencia femenina de toda la película, la señorita Laura Dern ("Jurassic Park") que tiene la presencia inteligente del lado de los Rangers, un punto de inflexión y buena aportación en el film. En general, un reparto que funciona en partes iguales, ninguno por encima de otro y dando a la película una seguridad muy conseguida.

Y en la dirección, que decir ya de Clint Eastwood que no se sepa. Como viene siendo habitual, el clasicismo (en mayor medida proporcionado por el género que le dio la fama, el Western, con gran influencia aquí) con el que coloca la cámara es fantástico, el uso de la cámara es suave y sutil, destacar los momentos de suspense, donde Eastwood consigue dar un aliciente de calidad al espectador (la escena de los matorrales por ejemplo, o la comentada escena de la "tortura"), y sobretodo la lírica a veces impuesta a las imágenes, ejemplo, el final, que hace el cierre circular con el montaje (ya que el film empieza por el final) muy dinámico también por cierto. Un gran trabajo por tanto del señor Clint Eastwood, como casi siempre. En la banda sonora original, tenemos al compositor Lennie Niehaus, que tiene bastante presencia a lo largo del film, con una partitura muy bonita, que acompaña estupendamente el recorrido del film.


En reglas generales, "Un mundo perfecto" es considerada como una de las mejores películas de Eastwood como director, no le quitaré mérito al tema, pero decir que para mí, es un film muy bien acabado, con unos pasajes y diálogos por momentos excelentes y otros simplemente reminiscentes de la filmografía de la road movie americana, tan amplia y memorable. Un film recomendable, muy recomendable, que para mi no llega a tal categoría de obra maestra, pero sin duda, sí de un excelente relato cinematográfico, donde se demuestra una vez más, que el mundo no está hecho para todo el mundo, el viaje siempre será imperfecto chicos. Un 8,8.


NOTA: 8,8/10
RECOMENDACIÓN: Seguidores de Eastwood. Amantes de las "Road Movie".
AÑO: 1993
DURACIÓN: 138 min
Ficha en IMDB

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2009/03/20

Viento Idiota

Viento idiota que nos trae de vuelta la arena que pisamos un día, que dejó una huella demasiado densa como para pensar que tu pie no podría caber en ella. Viento idiota que evoca genios de medianoche, de alborotados pelos, que dictó sentencia ante el viento, que cantó a los cuatro vientos que la fama era tan falsa como la inmortalidad. Viento idiota que devuelve al cauce de tu vida, a aquellos sabios amueblados que hablaron de individualismo con una razón tan pragmática como certera, amada y dispuesta. Viento idiota que atrae a la masa, que remueve sus conciencias, que los hacen caer en la mortalidad de sus actos, que se llenan de pájaros, vendajes amplios y bordados que llevan a la caricia de la oscuridad, con falsa apariencia, con luz de demasiado voltaje. Viento idiota por el interés, interés de no observar la verdadera belleza ¡Ingénuos, todos!, esa que al pasar rápido con el coche vemos por la carretera, un paisaje que siempre sonríe, pero que nadie observa. Y maldito viento idiota, que trae de vueltas papelitos volantes con mensajes escritos, de esos que solo se pierden en el viento, de esos que significan pero que la mente deja ir para siempre. Andrajoso y contradicho me siento, pues el viento remueve mi conciencia, esa que piensa conocer mejor el absurdo mundo humano, y esa que dice que todo se muere a cada paso, que el mar no baña tus pies, los descalza cruelmente, de esas veces que con un pesimismo realista dices: El viento idiota, no acaricia tu pelo, tus mejillas, las golpea.


2009/03/15

"Amarcord": Momentos estacionales

Sigo descubriendo a ese gran director llamado Federico Fellini, tras ver la increíble "8½". "Amacord" es una sátira irónica de un pueblecito italiano en plena dictadura fascista en la Italia de Mussolini, ligada por supuesto y como su propio nombre indica (Amarcord: Recuerdos, o en el dialecto de la Romagna, la región italiana de Rimini, ciudad donde nació el propio Fellini) a los momentos vividos por el propio director en su infancia y juventud (Algo que ya mostraba un poquito en "8½") y arrastrando cierta psicodelia e incluso onirísmo en sus chinescas formas. Pues "Amarcord" marca momentos puntuales para narrar su global y coral historia, a través de sus personajes (en concreto una familia bastante vulgar pero tremendista en todos sus aspectos) y para ser más metafóricos y poéticos, Fellini utiliza las estaciones del año para el estado anímico de su guión, algo genial y sutil, una proeza. Y así, el guión lleva momentos únicos de la historia de esta familia pero más en concreto de todo el pueblo. Fellini empieza fuerte, ningún personaje o momento se olvida de su complicada manera de ver las cosas, pues la religión (tremenda la secuencia de la confesión del joven Titta, pues aquí se vuelve a mostrar un Fellini juguetón con las mujeres, genial y divertido), la política con el fascismo italiano de por medio (en toda una secuencia de un abstractismo que la realidad fijo que superó en su día, pues la escena de la boda es toda una ironía del exagero que el fascismo lleva a los extremos, importando al pueblo lo más mínimo el poder desmesurado, demostrando que la feliz ignorancia de la presunción, es hasta más valiosa que un propio régimen, fuera de lugar siempre, el grado de mala leche e ironía de Fellini es genial aquí). Tanto es así, que la secuencia del enorme barco es una declaración a la vida, a la tradición y el sentir moralista de un pueblo bastante costumbrista, memorable, pues en esta parte está el alma del film (junto con el final).

De ahí, a ver como la infractuctura (la parte del Hotel es sencillamente brillante) forma parte de hechos y anécdotas (un tanto imaginativas) del propio pueblo, es divertido ver por ejemplo como el equilibrio andante del pueblo se ve representado en el personaje de La Gradisca, que cierra cual estación primaveral el film del mismo modo que este empieza. Y es que la naturaleza marca las pautas anímicas del guión, pues la primavera y Verano marcan el punto loco e imaginativo del propio film (con moralejas incluidas, la escena del árbol, donde el tío de familia se queja por encontrar una mujer para apaciguar su locura transitória, es un punto divertido y bastante especial para pensarlo un momento). Y en cambio, el Otoño e invierno, marcan el pesimismo (la nevada, y ese espontáneo laberinto helado que marca el destino de Titta y La Gradisca de manera sutil) la estravagancia, la muerte y el choque casi espiritual con el pueblo entra en escena (el pavo real, el toro en mitad de la niebla). Y para rematar, el final, puramente italiano (festivo, boda, despedida, nostálgico) y representativo, el público deja al pueblo (estos siguen viviendo hasta el último suspiro del fundido en negro final) y sigue avanzando, como la propia película, formando un bonito recuerdo de momentos, de experiencia, de sueños, de niebla, de vilanos cogidos en el aire. Fellini convence, eso si, denso, muy denso, analizable, para pensar, reír y desconcertarnos, él es así, genuino.

Sería imposible nombrar al excelente elenco de actores del film, por el mero hecho de que son tantos, son todos tan importantes dentro de la globalización de propio film que estaría horas y horas. En general un reparto genial, muy creíble (ejemplo de esto es la primera escena de la familia reunida y comiendo es tremenda) donde todos aportan su peculiar granito de arena a la visión de Fellini. Destacar a varios personajes, el actor que da vida al padre de familia, Aurelio, interpretado por Armando Brancia, genial en sus partes cómicas y serias. La madre (que tiene unos momentazos de estos para la posteridad en los que te descojonas, de garra maternal...eso si, su final es agridulce) interpretada por Pupella Maggio, Bruno Zanin en el papel de Titta, el joven de la familia con sus momentos impecables. El GENIAL personaje femenino de La Gradisca, que le pone el portento y la belleza italiana de Magali Noël, un personaje que funciona como encantadora de serpientes y que lleva la batuta de Fellini cuando se le antoja, he ahí la debilidad del director por retratar a la mujer de esta manera, impecable. Otros personajes (Femeninos sobretodo) que me han llamado la atención, es el de la "pechugona" estanquera, o la prostituta del pueblo, un personaje extravagante y muy muy "Felliniesco", que aunque su presencia sea algo cortita, da un juego tremendo, encantador.

Fellini rueda un film amplio, de mucha globalización (su técnica es intachable, pero el espectador pierde un poco el norte cuando pasan tantas cosas dentro del plano) con un pulso innegable, de calidad visual impactante y lleno de bellos momentos. El uso del plano estático está presente en muchos momentos, el paneo y en puntualidad, la dolly para recorrer las calles del pueblo, Fellini no deja cabos sueltos y experimenta cuando se requiere (la famosa secuencia del Hotel es extraña y muy curiosa de ver, pues es como un cortejo sexual mostrado con la propia cámara, que va de arriba a abajo sutilmente, de un lado a otro, enmarcando a La Gradisca de manera interesante), quizás me guste más el Fellini estético y anti-lineal de "8½", pero aquí está impecable también. Mención aparte para la fantástica partitura (Que aparece en el film teniendo protagonismo propio, como casi siempre) de Nino Rota, todo un maestro y habitual de Fellini en la música, aquí está realmente genial.

"Amarcord" es inteligente, porque no es un film que destaque por ser épica pura, sino porque se va a quedar guardada en el espectador para siempre cuando se vea, y eso tiene una sencilla explicación, pues contiene varios pasajes originales, increíbles e inolvidables, para mí son estos: El inicio con la fiesta de la quema, El colegio y las perrerías que hacen los alumnos, la comida familiar, el momento del fascismo, El momento de la confesión eclesiástica, el Hotel (mi preferida), la carrera de coches, el día de la nevada, el final. Y es por ello, que se convierte en un film increíble, imprescindible para los amantes del cine y sobretodo, inolvidable. Un 9,5, rozando la perfección.

NOTA: 9,5/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos.
AÑO: 1973
DURACIÓN: 123 min
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MENCIÓN ESPECIAL: Oscar- Mejor film extranjero.


Nuevos Posters de "La Bella Confusión"

Últimamemente he de reconocer que me está costando un poquito avanzar con "La Bella Confusión", por un lado, faltan aún 3 días de rodajes por completar, dos de los cuales aún sin confirmación oficial por parte de dos miembro del equipo, Eulogio Varela y Ilona Sha. Sin prisa pero sin pausa supongo, lo más gordo está ya rodado y además las últimas noticias (que aún no puedo publicar porque me lo impiden oficialmente) en Luigi Arts nos están quitando el tiempo por otro lado. No obstante, sigue la maquinaria encendida, ayer mismo se rodaron tomas extras que se han añadido, o bien porque faltaban, o porque salieron mal,del primer día de rodaje , así que la cosa sigue, he aquí más "promoción" (antes del trailer) a modo de pósters individuales, el de arriba pertenece a una toma que se ha añadido en el rodaje extra. Espero que os guste, aun sigo sin fijar la fecha de estreno, paciencia pues. (Podeis verlos más grandes sin pincháis en las letras de enlace).



"Muertos de Risa": Showmans a la española

Retomo nuevamente (tras ver la magnífica "La Comunidad") a la filmografía de Álex de la Iglesia, un director de nuestra tierra que lo hace de manera diferente, que cimenta sus películas en lo mejor del cine comercial con la cotidianidad española, eso precisamente es en todo su haber "Muertos de Risa", un film muy correcto que sería su cuarta película como director. La película narra la ascensión y la caída de Nino (Santiago Segura) y Bruno (El Gran Wyoming), un par de infelices que consiguen un gran éxito como humoristas pese a que se odian mutuamente. Julián (Álex Angulo), su mánager y descubridor, debe lidiar con los odios y los celos de la infeliz pareja. El guión esta firmado por el propio de La Iglesia ayudado de Jorge Guerricaechevarrí. Un libreto a priori bastante curioso, pues empieza por el final, y cuenta a modo de flashback (hasta que se vuelve al punto de partida al final del film, con una secuencia en el hospital que sobra y rompe el excelente punto climático) lo que acontece a los dos protagonistas, dos cómicos que se ven en conflicto por simplemente hacer de la risa un puro drama jugando a matar casi. Esto sería un plomazo con todas las letras si se contase solo desde ese punto de vista, pues es cierto que el guión a veces se tambalea (recupera fuerza con un par de secuencias, ambas son puntos de giro importantes y suceden a su vez en las casas adosadas de los cómicos, a cual más desternillante e ingeniosas, incluyendo la persecución final, y quitando la comentada escena del hospital, forzada, y fuera de lugar por muy buena intención que tenga de La Iglesia por quitarle sal gorda al asunto), lo que consigue que el guión no se caiga, es la perfecta armonía entre lo que sucede en la vida de los protagonistas, con lo que sucede en la España de la transición, vamos viendo como la televisión (el mítico "Uno, dos, tres" o "Directísimo" con el propio Iñigo interpretándose a sí mismo) marca algunas pautas importantes de manera inteligente dentro del film, el 23-F, o las olimpiadas de Barcelona mantienen el interés del espectador y el argumento tiene esa picaresca forma (incluyendo también lo típico e inevitable supongo: tetas, caspa españolizada, pero con vaselina así que no duele demasiado) de ir intercalando, siendo original y sorprendente en alguna ocasión. Aunque los diálogos se huelen a la distancia, quizás es un guión más de acontecimientos, porque cuando llega a la cuota de "brillantez" (el final por ejemplo) el guión vuelve a ser intrascendente por la cabezoneria de los creadores por ser cómicos hasta el final (de ahí la escena del hospital) tirando por tierra algunos méritos, pero bueno, el film consigue mediante otros puntitos, no molestar al espectador, con lo cual, una curiosa y correcta historia de dos Showmans (curiosa reminiscencia que me venían a lo largo del film con los míticos Martes y trece, de hecho, Josema aparece en un cameo) a la española.

En el reparto, se centra principalmente en sus dos protagonistas. Por un lado Santiago Segura, que ya trabajó con Alex en uno de los mejores films del director, "El día de la bestia" (hasta la fecha su mejor papel, por mucho que digan), que aquí se limita a poner algunas caras, a meter su propia personalidad de por medio (Recordemos donde empezó Segura...) y a veces está correcto, otras no tanto. Tenía curiosidad por ver al Gran Wyoming en una peli, queda demostrado que es un genio dentro de la televisión, pero fuera algo chirriante. Wyoming no se cree su actuación, está un poquito rancio en muchas ocasiones y es de todo el reparto, el que no me convence para nada. Y para variar, el mejor de todos, Álex Angulo en el papel de representante, realmente este actorazo es la caña, de lo mejorcito que tenemos en este país, chapó señor Angulo. Por ahi se pasean amiguetes en los secundarios, pequeño papel para la explosiva y televisiva Carla Hidalgo (con desnudo integral incluido), Jesus Bonilla que siempre me hace gracia nada más verlo y más siendo sargento. Y por último Eduardo Gómez, que se marca un divertidísimo personaje, que aunque aparezca poco te descojonas literalmente en cada secuencia (sobretodo la final, por lo bizarra y burra que es). Un reparto correcto, sin más, aunque Angulo se come la pantalla cada vez que aparece, las cosas como son.

A la dirección, Álex de la Iglesia pone buenas formas detrás de la cámara (aunque no es su mejor película técnicamente hablando, eso está claro), me ha convencido sobretodo el uso de la cámara en interiores, donde mueve la cámara, la recoloca, se habitúa con clasicismo y naturalidad, ahora, en exteriores, Álex no suspende, pero hay que reconocer que ha mejorado mucho en sus últimas películas en este aspecto, ya que cuando la acción se sitúa fuera de las paredes (algunas escenas de acción incluidas) el pulso narrativo parece ortopédico y de manual, sin vislumbrar imaginación en los puntos claves, es una pena, porque hubiese sido más liberador ver a un de la Iglesia menos contenido y más desatado creativamente como en "La Comunidad" o "Operación Mutante", no obstante, los puntitos de fallo argumental, se los lleva la narración de Álex. La música original parte de la batuta de Roque Baños, un habitual del realizador que compone una partitura genial, como casi siempre (a destacar el tema principal de los ingeniosos títulos de créditos iniciales), este señor creo que se merece muchos elogios por hacer grandes scores en nuestro país, eso si, harían falta más como él en eso que llaman "industria" del cine español, ejem.

Definir "Muertos de Risa" como un film correcto, es algo que he oído ya. Yo me la imagino de una manera curiosa, pues hay un Álex de la Iglesia que mima el proyecto, se queda dormido en algunas partes cual niño con jueguecito, y se despierta con hiperactividad, pues es en esos momentos donde le seguiremos siempre el juego: El humor negro, la paranoia de los personajes y la acción descafeinada que tanto gusta a los fans del realizador (Esperemos que le vuelva, tras la mediocre "Los Crímenes de Oxford"). Así que dualidad, correctísmo en sus partes flojas, y un par de secuencias para aplaudir. Creo que un 7 es más que merecido.

NOTA: 7/10
RECOMENDACIÓN: Amantes del cine del realizador.
AÑO: 1999
DURACIÓN: 113 min
Ficha en IMDB


2009/03/13

John Ford dijo:

"¿Que muevo poco la cámara?...los actores son más caros que las máquinas, de modo que son ellos quienes tienen que moverse."

"Sombras y Niebla": Ilusiones existenciales

Una joya más señor Allen, una más. De nuevo se repite la historia, Woody Allen firma "Sombras y niebla", un film que "homenajea" a los clásicos films del expresionismo alemán de los años 30 con una soltura al estilo Allen, eso si, un film entrañable en todos los sentidos, redondo, sublime, tito Allen lo ha vuelto a hacer, me ha convencido de lleno. Un estrangulador está sembrando el terror en la ciudad, sumida en una espesa niebla. El insignificante Kleinman es despertado en mitad de la noche para participar en un plan que acabe con la captura del criminal. Sin embargo, su papel concreto dentro de ese plan no termina de estar claro. Sus temerosos pasos por las calles desiertas se cruzarán con los de una tragasables del circo que acaba de abandonar a su hombre, uno de los payasos. El guión de Woody vuelve a formular las preguntas recurrentes en su cine, el hombre y su existencialismo moral, aquí se expone con algo de lírica e ironía, tenemos al personaje de Allen bajando entre el asesino, siendo culpado por la multitud, eludiendo con maestría algunos pasajes (ese en el que la iglesia aparece cual mafia, interresada en el dindero de Allen, junto a la policía es tremendamente genial). El mundo del circo y el tema ilusorio, donde Allen juega a ser Fellini una vez más con bastantes buenas cartas (El final es un canto de amor al mundo de la ilusión y la ficción, ya que Woody insiste en que solo es una persona más en la masa, pero que siempre sueña con estar en la farándula, en el mundo mágico del cine, genial).

El personaje de Mia Farrow, que juega uno de los papeles más especiales que le visto hacer en los films de Allen, pues se debate entre que es moralmente bueno y malo en el poder femenino, en ser maternal, creo que es un personaje genial que parece que Allen la va a tratar de seducir pero no, aquí parece fría y realista. Realismo que se ve envuelto entre el asesino y la niebla que ocupa todo el film, es con esa niebla, lo que parece metafórico y lírico, todo ocurre en una misma noche, todos parecen sucumbir a la propia locura de los planes, de la humedad, la metrópolis de neblina y social que Allen representa en un pequeño pueblo (burdel incluído a modo de reflexivas paradas y seguidas del film, cual Edén) se ve magnificamente argumentado en una pequeña secuencia donde Allen ve las estrellas con Mia Farrow, y ambos, sueñas con la perfección efímera, soñadora y existencialista. En general, Woody nos viene a contar lo mismo, el cine es magia, la ficción siempre será bella, superará cualquier atrocidad (pues el final del asesino, es lo de menos, la magia del cine lo hace perecer, sin más, chapó Allen), el sexo es solo sexo, o dinero en todo caso, dinero que irá del burdel a comisaría o a la iglesia (genial ironía), hambrientas que se verán socialmente recompensadas, pues como dice Allen dentro del film, nada es justo, que razón tiene. Habrá también tiempo para las frases elocuentes del maestro, humor en dosis que aportan frecura y respiración, y un final del que tuve que arrancarme en aplausos.

Reparto plagado de estrellas. Para empezar, Woody Allen de protagonista, con su neurotismo característico, a mi me parece genial cuando veo a Allen en pantalla, en cierta medida es casi reconfortable verlo, uno se siente en sintonía, asi que genial, en su línea. Mia Farrow (Creo que después de Diane Keaton es la mejor chica Allen) está como siempre, preciosa, genial y bella, un personaje frío pero curioso de ver dentro de la filmografía de Allen, pues es bastante atípico. Le sigue el testarudo personaje de John Malkovich, correcto, John Cusack como universitario, tiene algunos momentos bastante buenos en el burdel. Burdel por cierto que tiene pequeñitos papeles curiosos de Kathy Bates o una jovencísima Jodie Foster que comparte escena con Woody en un momento muy gracioso y representativo (los que conozcan a Allen sabrán porque lo digo). Y así, pequeñitos papeles (curioso esto) para los habituales de Paul Thomas Anderson, John C. Reilly o William H. Macy, salen poco, al igual que la aportación de Madonna, que hace de lo que mejor sabe hacer. Destacar a Michael Kirby con su portentosa figura de asesino, o al papel misterioso y macabro del doctor, que lo interpreta el genial Donald Pleasence (Dr. Sam Loomis en la originaria saga de "Halloween"). Un excelente reparto, plagado de buenos nombres, pero que Allen y Farrow vuelven a cubrir cual nieba acompañados eso si, de largas sombras también con talento, je.

Curiosa y espléndida dirección de Woody Allen trás la cámara. Allen utiliza la cámara de manera curiosa, determinando muy bien la estética y la actuación, muy "nouvelle vague". Filma cada secuencia con largos y geniales planos secuencia moviendo la cámara por el set siguiendo a los actores (algo que Allen ya ha hecho en varios films suyos, pero no en todos, no es una práctica común en su cine en mi opinión, me vienen a la memoria otros ejemplos de esto: "Maridos y mujeres" o "Misterioso Asesinato en Manhattan"). Destacar la primera secuencia dentro del prostibulo, donde Allen panea en círculo (sin cortes) a las damas en una conversación, y centra la mirada en Farrow, es genial (Esta peculiaridad lo usa mucho en su cine el director Gus Van Sant , concretamente recuerdo un plano similar en "Elephant" con los estudiantes o en "Milk") Allen demuestra con genial soltura una técnica a la altura de los grandes cineastas franceses, italianos, y porque no, Norteamericanos (¿Orson Welles?) para mi es una película donde su técnica y estética es muy recordable (Recordemos que la fotografía es un blanco y negro, aquí totalmente justificada, no como por ejemplo en "Recuerdos", ya que a veces Allen la usa por estética, aquí, por homenajear a esos films expresionistas de los años 30). La música, aunque poca, tiene temas típicos de la filmografía de Allen, el jazz llena la pantalla en muchas ocasiones, genial, van como anillo al dedo incluso tratándose de un film de época. Así pues, Woody rueda un film lleno de referencias a otros, pero a su vez, incluye todos los elementos de su cine y genera un film de cierto encanto especial, de cierta ambición pero también con aires humildes de gran cine clásico.

"Sombras y Niebla" podría signficar un enigma, eso a priori es una contradicción, pero asi lo expone Allen, Sombras sociales que están repleta de niebla, solo, unos pocos, ven las estrellas entre tanta nube negra, y cuando parece que el mal llama a nuestra puerta o nos culpa sin razón o motivos (cual muerte, algo que Allen recurre como temor personal, como le pasaba a Bergman) siempre, el arte, la ilusión y la mágia, vencerán, pues amigos, que bella es la ficción, que jodidamente condenada está la realidad, con sus clichés (ser padres, sexo, religión, dinero, representadas en el film muy sutilmente) sus injusticias, sus gentes. Woody es un genio, y como genio este film me ha dicho cosas, me ha alegrado de ver que no estoy solo en la ficción, que la realidad ya es demasiado ilusoria y lo mejor, que Woody y yo estamos conectados en un mismo camino, ¿Lo compartiréis?. Un 10 aunque para la mayoría no será de lejos de lo mejor de Allen, para mí, sí.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E. / Amantes del cine de Allen y del expresionismo.
AÑO: 1991
DURACIÓN: 85 min
Ficha en IMDB

Trailer en Youtube


2009/03/12

Premio desde la casa de las hojas azules

Desde el blog de la amiga Mia, nos han premiado con una especie de premio-meme, desde aquí gracias. No soy dado a hacer este tipo de cosas, pero bueno, creo que siempre hay una primera vez (y quizás última) para todo. Gracias.

Las reglas del meme son las siguientes:

- Exhibir la imagen del sello.

- Elegir 5 personajes famosos de la vida real con los que te gustaría cenar y decir por qué.

- Poner el enlace de la persona que te lo ha regalado.

- Elegir 10 personas para pasárselo.

- Escribirles un mensaje en su blog para que se enteren de su premio.

. En mi caso, creo que no podría cenar tantas veces con cinco personajes célebres por el mero hecho de que hay un problema económico bastante evidente, pero dado que esto es imaginativo y hipotético, cenaría con: Steven Spielberg, Natalie Portman, Ellen Page, Bob Dylan, y Andreu Buenafuente, si puede venir con Punset mejor, jajaja, ¿Porqué?, pues porque me inspiran, me gustan y aunque no charlara de nada, sería gratamente bueno verles con mis propios ojitos.

. Mis blogs nominados para proseguir el premio son menos de lo estipulado, pero bueno, mis nominados son:

- Que grande es el cine

-Creamos un cine mejor

-La taberna del replicante

-Albertos Creek


"Un Americano en París": Electo Perfume

Vuelvo con otro clásico Hollywoodiense, esta vez de la década de los 50. Ganadora de 6 Oscars, incluido mejor película, "Un Americano en París" está dirigida con pulso, solvencia y a su vez dificultad por Vincente Minnelli (padre de Liza y esposo de Judy Garland), un film que arrebata al espectador todo el pesimismo y crean ante los atónitos dioses del musical un vislumbrante espectáculo de cariño, puro Hollywood, eso sí, del que gusta. El guión de Alan Jay Lerner se llevó el Oscar no precisamente por contar una arrebatadora historia, sino todo lo contrario, pues estamos ante una base argumental bastante clásica, en el que el primordial mensaje es la elección del correcto camino, sobretodo en lo pasional, todo lo que eso conlleva en el amor, y el final feliz estará por supuesto. La cosa es bien distinta, cuando se ve el film, todos estos clichés no molestan en absoluto puesto el cariño del director o del propio Gene Kelly (que ejerció de coreógrafo en todos los números musicales, todo un genio) tienen al servicio de la historia. El guión recorre pasajes de manera curiosa, va saltando al siguiente punto sin que el espectador sepa realmente como aunque haya visto numerosas veces en otros films la esencia de la historia, no hay más que ver el EXCELENTE prólogo para ver la genialidad de un guión que ama la vida, que no busca más que colorear a ritmo de Technicolor los colores de las personas, y que mejor que con el telón de fondo de un París caricaturesco, pintado por los ENORMES y esplendorosos decorados del film (que se llevaron el Oscar, por mí, deberían haberles dado 20 más solo al equipo de arte, realmente impresionante), en ese aspecto, y pasito a pasito el film se convierte en una reconfortante experiencia (eso si, para los que amen los musicales, la danza en películas y lo más importante, el mensaje positivista moralmente hablando del argumento). Poco más que decir del guión, curioso los detalles del perfume (reminiscente para la parte final del film), los diálogos del clásico Hollywood tan bellos y clarividentes, o el sentimiento encogido al ver bailar a los dos enamorados, pensar, pelitos de punta y sentir la necesidad de decir: ¡Ya no se hacen películas así!.

Un reparto excelente, Minneli da en el clavo con sus personajes encarnados en las pieles, de Gene Kelly como protagonista indiscutible, este actor cada día me cae mejor, y eso que nunca me ha caído mal, pero considero que es uno de los actores que tuvieron garra para hacer un Hollywood genial (actúo, coreografió y dirigió, genial "Cantando bajo la lluvia" por ejemplo, con dos pelotas), aquí lo vuelve a demostrar marcándose unos números imposibles, complicadísimos y sorprendentes aun ha día de hoy, de siempre diría yo, insuperable, genial Kelly, dan ganas de vivir, por muy paupérrimo que sea su personaje en la vida real, pero esto es cine señores, es pura vida. Le sigue la bellísima (lo siento me ha cautivado esta mujer) Leslie Caron, que tiene una curiosa escena inicial donde se la representa en múltiples facetas a modo de baile que es una pura delicia, hace que te enamores de esta inocente y sutil señorita, que da el toque máximo cuando baila junto a Kelly, es increíble verla bailar, reitero, increíble. Los secundarios también magníficos, destacar la benefactora del protagonista en el film que está "no correspondidamente" enamorada de tito Gene, interpretado por la (actualmente fallecida) gran Nina Foch (actuó por poner dos ejemplos en "Los Diez mandamientos" o "Espartaco" de Kubrick) que se marca un genial papelón, quien dijo que los secundarios no eran relevantes que vean a Foch en este papel. Oscar Levant, genial papel el del pianista, muy cómico y directo (tiene un momento egocéntrico un tanto esperpéntico dentro del film, concretamente la secuencia de la orquesta, que deja al espectador en pleno KO, jeje). O el amigo de éste, que está prometido con el personaje de Caron, Georges Guétary, muy buen papel también (la escena de la escalera iluminada es algo que creo que no se me va a olvidar en la vida). Un reparto excelente que funciona equilibrada y genuinamente en la película, en todos los aspectos.

Vicente Minneli rodó en un tiempo alargado un film complicadísimo de filmar, sobretodo por la magnitud de los decorados, de los números y la estética. Su nominación al Oscar creo que está totalmente merecida, porque al principio, el film es muy correcto en su distribución de planos, sobretodo la cámara requiere ciertas maneras estáticas nada impresionables, como mucho, Minneli mueve mucho a los actores, y aprovecha los geniales decorados para mostrar con gran angular el potencial económico del film. Donde realmente entra en juego el director es en los números musicales, rodados casi secuencialmente, con mucha maestría, moviendo la cámara de un lado a otro sin aburrir (el ejemplo más claro es el número de Kelly y el pianista en la casa de éste, un decorado pequeño que es enfocado de mil formas solo desde una sola perspectiva, curioso), y siendo increíble (e insuperable) en los 17 minutos finales, 17 minutos solo de música y danza que parecen hermanar todos los elementos artísticos de la película sin que se noten los cortes, con una elegancia y minuciosidad tremendas, todo un alarde de técnica, una genialidad que recomiendo ver una vez en la vida, por lo que chapó, tendré que seguir a este director, porque con poco, consigue mucho, algo que le pasaba también al genial Billy Wilder, por cierto, este film recuerda mucho al cine de este grande (sobretodo a la genial "Irma la Dulce"). Me parece curioso, que la banda sonora, que es algo muy presente en el film, desacredite a Saul Chaplin, autor de la genial orquestación. Por último destacar nuevamente un aspecto genuino del film, y no es por repertirme, pero es que es realmente impresionante, pocas películas tienen decorados tan bellos y artísticos, genial.

"Un Americano en París" está hecho para los cinéfilos de corazón, pasión y amantes del musical, un clásico instantáneo y de siempre, donde Gene Kelly y Leslie Caron entran ya en ese inmenso libro que todos leemos a nuestra humilde manera, llamado Cine. Un 10 y recomendada queda, junto a "Cantando bajo la lluvia" otra joya del género.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E. / Cinéfilos.
AÑO: 1951
DURACIÓN: 113 min
Ficha en IMDB

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