"UP": La aventura de soñar

Si señor. En Pixar lo han vuelto a hacer tras las espléndidas "Ratatouille" y "WALL-E". Han dado de nuevo en la diana de la perfección, e incluso se superan con esta maravillosa película que llega a las carteleras con su (curiosamente) titulo original, "Up". Carl Fredricksen, un vendedor de globos de 78 años, finamente consigue llevar a cabo el sueño de su vida al enganchar miles de globos a su casa y salir volando rumbo a América del Sur. Pero descubre demasiado tarde que la mayor de sus pesadillas se ha embarcado también en el viaje: un Explorador de la Jungla llamado Russell, que tiene 8 años y un optimismo a prueba de bombas. Libreto sensacional, nuevamente, escrito por los creadores de la que para mi es la peli de Pixar más floja "Monstruos S.A." y la genial "Buscando a Nemo", ambos también directores del film Pete Docter y Bob Peterson. Que puedo deciros, el film tiene un inicio argumental sensacional, "Up" nos cuenta en menos de 10 minutos una preciosa historia de amor y vida, quizás los diez minutos más geniales que he visto en una sala de cine ultimamente, y los minutos más sensacionales de la historia de Pixar, pues sin diálogos apenas, el film expone la historia del entrañable ancianito Carl Fredricksen, incluso el trasfondo dramático de este inicio hace saltar las lágrimas y puede que muchos niños vean llorar a sus padres, pero da igual, el mensaje de Pixar es universal, válido para niños y adultos, con dos cojones. Luego, la narrativa se lanza a la aventura, nunca mejor dicho, pues el tema de la industrialización hace que los sueños sean realidad, como en las mejores películas de Spielberg o Disney, Fredricksen persigue el sueño de su amada, hacer volar una casa mediante globos y situarla en mitad de una ladera Sudamericana. Hay que dejarse llevar por el humor, los entrañables personajes (ese crío "repelente" gordito pero eficaz, que simboliza el espíritu joven del verdadero protagonista de la historia, Carl). El nudo está cargado de acción, estamos ante una película de aventuras al 100% en este tramo , para muchos dicen que decae el mensaje del film y se pierde, para mi, totalmente falso, el film gana adeptos y toma un rumbo sencillamente sublime, con escenas trepidantes, un humor fresco y delirante (Ojo al pavo gigante, a la voz de pito de uno de los perros, la camada de perros propiamente dicha o lo que acontece en el interior de la nave del "villano" del film, Charles Muntz, que es el alter ego de Carl).

Y hacia el tramo final, Pixar vuelve a emocionarnos, porque saben que hemos conexionado con cada uno de los personajes de la película, saben que es imposible despegar la vista de la pantalla, de esos colores preciosos, de esa magnífica puesta en escena de Pete Docter y Bob Peterson (planazos por cierto, muy buena dirección, las escenas de acción por ejemplo, son trepidantes), la fabulosa y mágica partitura de un genio prematuro, el señor Michael Giacchino que compone un score lleno de ternura, de cuerdas potentes cuando son necesarias y de extrema dedicación al proyecto, eso se nota (a ver si le dan el Oscar este año, yo creo que lo merece con creces, y si no, tiempo al tiempo, este hombre es grande). Retomando el final, que me lío, Pixar consigue transmitir la enormidad de su mensaje, la aventura reside en los corazones, pues la escena en la que Carl, el entrañable ancianito descubre que el verdadero destino de su viaje ha sido vivir su vida con su mujer fallecida lo mejor posible, decide despojarse de todos sus bienes materiales (incluído el dinero, bonito, muy bonito, espero que enlacéis el mensaje al verlo) para lanzarse a descubrir nuevas fronteras, nuevas almas que llenarán su vida, un optimista mensaje que no está hecho con cursilería, todo lo contrario, la genialidad de estos señores de Pixar no tiene límites, es fantástico.

Qué más decir de esta nueva joyita, hablar claro, de los personajes: TODOS son fabulosos, desde el anciano, pasando por el chaval, Kevin el curioso pájaro que es el verdadero sentir del conflicto del guión en su parte central, el entrañable perro Dug, los chistosos perros del malo de la cinta, el señor Charles Muntz, un malo que realmente parte de la frustración de la vida (curiosa ironía, y tema por cierto muy serio) que acaba viendo su final en los ojos de lo que Carl jamás podrá ser, un ambicioso. Ambición, otro tema importante, Pixar nos deja claro una cosa: Soñemos amigos, soñad con vuestros personajes más queridos (en el caso de la película con este séquito tan interesante y colorido jeje) aprovechad lo que ofrece la vida, pues esa es la verdadera aventura, y no las distancias, el afán de cabezonería, el pragmatismo del futuro que creamos inútilmente. "Up" da de lleno, emociona, divierte, tiene los elementos del buen cine de aventuras, tiene los elementos también de la casa (Pixar), y vuelven a dejarnos amablemente y sin pretensión, una obra maestra. Estos señores son imaginación, vida y sueño, espero que no toquen techo en mucho tiempo, pues estas películas son tan necesarias para los corazones como el comer, ahora, no habrá mucha gente (por desgracia) que se la tome en serio, que sueñe con lo que yo llamo CINE CON MAYÚSCULAS, que se deje llevar, que sea niño, adulto, perrito, amor, sueño.

La realidad de "Up" es donde yo me quedaría, en ese mundo contenedor también de maldad y drama pero en el que finalmente se consigue vivir con una sonrisa. Es por ello que os la recomiendo, eso si, dejaros la dura realidad en casa, llevad al niño soñador que todos tenéis, ¡Ah! una cosita: No olvidéis que tarde o temprano envejecer será maravilloso, si pensáis en Carl, Russell y compañía. Touché, un merecidísimo 10, de lo mejor del año junto con "Revolutionary Road ".

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Id a verla. Punto.
AÑO: 2009
DURACIÓN: 96 min
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"Six Feet Under" Temporada 3: La Falsa Estabilidad

No entiendo muy bien las malas lenguas que decían y aseguraban que la tercera temporada de "Six Feet Under" ("A dos metros bajo tierra") bajaba la calidad de las dos anteriores, eso si, era difícil seguir la estela de la que para mí es la mejor de todas hasta ahora, la segunda. Puesto el punto y final a la tercera guinda de la serie creada por Alan Ball, tengo que decir que sí, es tan imprescindible como las demás, y también, que la serie sigue siendo emblemática y maravillosa en todos los sentidos. Tema principal de esta temporada, quizás más lineal para todos los personajes (Es por ello que también se critique y se diga que es más floja como temporada) es, el tema del falso equilibrio. Ese primer y magnífico (aunque extraño) episodio con el que se nos pone en expectación tremendista al espectador (genial el juego de la muerte-vida de uno de los personajes principales) para adentrarnos luego en unos episodios asentados, digo lo de asentados, porque todos los personajes siguen evolucionando en una edulcorada "realidad-equilibrada" que ellos mismos hacen ver, pero que en realidad oculta bastante, y no estalla del todo hasta el espectacular final de temporada (drama puro y duro, brutal, seco, distante, el final de temporada más tristes de la serie en mi opinión). El personaje de Nathe (Peter Krause vuelve a ser maravilloso, que maduración de su personaje, que final, impresionante su interpretación) expone quizás la base de la que toma riendas todos los personajes de la serie hacia esa supuesta "mascara" social de falsa estabilidad, Nathe se encuentra nuevamente atado a las normas, y paga el pato al final, ojo con su trama, realmente lo mejor de la temporada. En segunda posición Claire, que ve en la escuela de arte todos los problemas de la hipocresía mundial, en ella está el espíritu de la ingenuidad, pero también encontrando ese afán luchador por considerar la moral, Lauren Ambrose le da vida a Claire, volviéndola más interesante si cabe, un personaje que cada vez me gusta más y más, genial (por cierto el profesor de la escuela es toda una revelación dentro de lo que la serie critica también: El patetismo humano, genial, al igual que otro personaje nuevo de esta temporada, Russell, intepretado por Ben Foster, buen rol),. Ruth sigue siendo un personaje espiritual, pero esta vez conoce nuevas fronteras en el amor, sobretodo hacia el final de la temporada, la inclusión del fantástico actor Rainn Wilson (el inolvidable Dwight en la serie "The Office") da un juego bastante interesante.

Quizás lo único reprochable sea que el personaje de Brenda, siempre extraordinaria la actriz Rachel Griffiths, no aparezca hasta mediada la temporada, y ciertamente se nota, eso si, sus apariciones y el juego que da en el spint final, es para quitarse el sombrero. En resumidas cuentas una temporada fría que te revuelve las entrañas en más de un episodio (a mi me afectaron varios especialmente, no sabría explicarlo), introspectiva, tratando ese tema que quizás sea el que lleve la raza humana más pegado en la frente: la rutina y el equilibrio creado ante la evidencia de una decadencia sentimental y personal, esto se ve también en la complicada relación entre Keith y David, donde nuevamente Michael C. Hall deja claro que es fabuloso, su final de temporada, al igual que el del personaje de Rico (Freddy Rodríguez) es tremendo, no hay palabras. "Six Feet Under" abre un abanico muy frío para la cuarta temporada (aunque igualmente interesante) simplemente porque los personajes parecen más perdidos que nunca, más desesperados por encontrar ese equilibrio que aquí se expone pero esta vez de manera verdadera, pues no les será fácil creo pensar. La capacidad de sorpresa y mi admiración para esta serie se vuelven a hacer realidad, creo que eso es lo importante. Una tercera temporada que NO tiene altibajos, simplemente se desvía hacia caminos nuevos, igualmente interesantes, caminos que hay que pasar para comprender un poquito más la vida humana. No tiene desperdicio, hasta puede que inconscientemente (aunque siga predicando que la segunda temporada fue la más redonda) esta temporada sea la que más me ha afectado anímica y personalmente. Seguiremos ahora con la cuarta, veremos, por lo que me han dicho, ahora le toca el turno al tema sexual...je.

"Tetro": Luces y sombras

La última producción del gran Francis Ford Coppola, viene rodeada de escepticismo por parte de la crítica y el público, mezcla de su mejor cine y con síntomas de cansancio o redundancia. Eso si, "Tetro" bebe de un cine independiente que el director de "El Padrino" puede permitirse ya el lujo de hacer, ese cine que como se dice con una posición cómoda como la del cineasta: El cine que le da la real gana. Bennie (Alden Ehrenreich),es un adolescente inexperto e ingenuo que llega a Buenos Aires para buscar a su hermano mayor, el cual antes de desaparecer juró que jamás volvería a tener contacto con nadie de su familia. Procedían de una familia de inmigrantes italianos afincada en Argentina, pero debido al gran éxito musical de su autoritario padre, Carlo (Klaus María Brandauer), reconocido director de orquesta, se trasladan a Nueva York. Cuando Bennie encuentra a su hermano, el brillante y melancólico escritor Tetro (Vincent Gallo), éste no le recibe precisamente con los brazos abiertos. Ya no es el ídolo de su infancia, el Tetro de ahora es distante y auto destructivo que cambió su nombre y ya no escribe. Anda con muletas después de un accidente en el que se quedó hipnotizado con los faros de un autobús que venía hacia él. Rechazado por su hermano, Bennie busca consuelo en la novia de Tetro, Miranda (Maribel Verdú).

No firmaba el propio Coppola guión propio desde "La conversación" uno de sus films más destacados por el propio cineasta. Decir que la narrativa de "Tetro" parte de un inicio bastante prometedor, los personajes son bastante atractivos, y si bien, los diálogos parecen ser pocos, basando la interpretación con insignia, esto es solo un pequeño sueño. Me explico. Coppola es realmente el protagonista de toda la película, la personalidad introspectiva de lo que cuenta, y de como lo cuenta esta impresa en cada fotograma. El autor, o el cine de autor, tiene estos alicientes, por un lado llena 127 minutajos, de los cuales, el guión, pero sobretodo el pulso del mejor Coppola está en los 100 primeros. Los personajes a priori funcionan, magnifico y alma sin duda de todo el film es el señor Vincent Gallo, el extravagante (Y "Dylanizado") Tetro el escritor torturado, al estilo clásico, genial interpretación de Gallo incluso cuando el film se pierde por veredas absurdas.

Volviendo a Coppola, el film retrata a modo de melodrama la historia de una familia y sus secretos, que acaban cayendo en el drama más oscuro y secreto (con triquiñuela de libreto barato en el giro argumental del final, una pena). Parece que este tema trae de cabeza al director, que nos ofrece como ya he dicho, 100 minutos llenos de su mejor pincel, llenando el cuadro con una fotografía y unos planos impresionantes (para babear realmente impecables, con guiño a "Rebelde sin causa" incluido en una de las escenas, donde uno de los personajes mira a Tetro con vista subjetiva mientras se levanta). El film expone sutilmente (en esos 100 minutos, recalco) la rivalidad de los hermanos, la atracción impulsiva entre Bennie (Alden Ehrenreich, que está bastante correctito, sin más) y Miranda (Maribel Verdú, que está bastante bien, aunque dejando mucho que desear al final, y ojito, verla con doblada es bastante extraño). Un estudio psicológico sobre la fama, la frustración tanto personal como por parte familiar, quizás hasta aquí un servidor se quite el sombrero ante la sencillez e impacto visual bien hecho de Coppola (el juego de luces y sombras en la pared de una de las escenas es precioso y muy simbólico), que incluso se da el caso donde vuelven a encontrarse elementos de su cine, propios como el suspense por ejemplo (la escena del atropello está perfectamente rodada, el dinamismo y la resolución es impecable, recordando a la famosa escena del atentado de Corleone de "El Padrino", quizás la psicología de los planos tenga que ver, pues parece que va a pasar algo, y pasa, sin esperarlo) el sueño y la poética puesta en escena mezclada con el blanco y negro, con alguna escena en color (cosa que me recordó inevitablemente a la genial "Rumble Fish") parece desvanecerse en una tediosa media hora (quizás más, cuarenta minutos) final, donde los personajes y el propio director, se pierden sin remedio.

Cuarenta minutos insufribles, donde Coppola redunda y redunda sin pararse a pensar en el público, quizás el verdadero juez de sus películas. El dramatismo es extremo, casi incongruente, giros simplones y un final soso (Por cierto, Carmen Maura es de lo peor del film, está para no recordarla jamás dentro de esta película, horrible). Entiendo a Coppola, el hace lo que quiere con su película, muy bien, se te perdona genio, has hecho grandes films, de hecho "Tetro" no es un mal film como he oído y leído por ahí, si no más bien un intento de..., al señor Coppola se le va de las manos al final, tomando al espectador ganado y entusiasmado como tontos, engañándolos de mala manera, desmereciendo una vez más al espectador, una pena. Destacar más cositas, la banda sonora, llena de buenos temas no originales pero que se mezcla perfectamente con el score compuesto por Osvaldo Golijov.

Tetro es un curioso film bipolar, con un Coppola entregado al principio y totalmente desmesurado al final. Dos caras de una misma moneda que cuesta bastante analizar. No obstante, no olvidemos que este hombre es puro cine, sus películas son historia y para mí, está curado de espanto. Redundante como el propio film, diré que "Tetro" no alcanza la perfección, pero si consigue ser un film bastante superior a algunos que actualmente se exponen en la cartelera, ¿Porqué?, simplemente por ser de Francis Ford Coppola, así de claro, os guste o no. Un 6,5.

NOTA: 6,5/10
RECOMENDACIÓN: Fans del director. Si se puede, ver en V.O.S.E., el doblaje es bastante confuso.
AÑO: 2009
DURACIÓN: 127 min
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"Fotos": Nuestro nuevo cortometraje

Volvemos en Luigi Arts a la carga con nuevos proyectos, esta siendo una carrera impecable de hacer pequeños guiones con una plantificación sencilla (que no fácil) donde todo el trabajo sea de actores y dirección, en definitiva cortos no tan ambiciosos (como está siendo "La Bella confusión" o como lo fue en su día "Iris") pero con ideas frescas e interesantes. "Fotos", es nuestro nuevo cortometraje, ya terminado en su rodaje y ahora metido de manera inminente en la sala de montaje. Interpretan a una pareja que empieza a desequilibrarse en tiempo real (todo a golpe de tragicomedia, un género que no habíamos tocado y que bebe sobretodo de una inspiración "Woodyallensca") Esteban Somosierra y Beatriz Camino ("El Paseo"), con un guión de diálogos rápidos, cómicos, pero siempre con un trasfondo dramático. No os quiero contar mucho más, creo que el factor sorpresa es determinante para ver el corto. Estrenamos con los cibernautas el día 7 de Agosto, con la fresquita xD. Para que vayáis abriendo boca hasta la espera, arriba tenéis el póster del corto y abajo podéis pinchar en el enlace después de la foto para ver el trailer que he podido realizar sin destripar apenas nada, o eso creo.

P.D.: El corto no será en Blanco y negro, por si hay dudas.

- Ver el TRAILER DE "FOTOS" AQUÍ -

Atrapado

Recuerdo ahora lo que mi madre me decía: "Nada es imposible, menos la muerte", al recordarlo me alivio por tener un huequecito de luz por el que sale el humo. Por otra parte hoy siento que no entiendo porque algunas personas eligen morir, quizás si que me importe la gente a pesar de todo, quizás me haya dado cuenta de mi idiotez cuando mi entorno ha sido el protagonista del peor cortometraje que he oído contar. Auna bastantes cosas, recuerdo la última vez que lo vi y entiendo otra vez, mi idiotez. Todo lo que critiqué, eso de los simbolismos ocultos en las palabras que defiendo como poco común que creo ver poco en la gente de hoy, la metáfora, la ironía, las palabras sinceras que me tomé sin importancia alguna, todo eso me lo comí, lo ignoré, y él lo tenía. No siento culpa porque si uno opta por quitarse la vida, alguna razón tendrá por cobarde que suene el hecho en sí, la vida no le iba mal a simple vista, pero eso es otra vez una ignorancia por mi parte, ¿Qué más da que la vida te vaya bien para acabar atrapado?. "Atrapado" fue su obra, mensaje claro y directo, reflexivo, introspectivo si se ve, se entiende y se compara con la vida del autor, cosa que no hice, de nuevo, infame de mí, que voy pregonando a los cuatro vientos mi algarabía simbólica sin importarme que se entienda porque así me siento superior según creo ahora mismo, eso me duele, pero no me culpo joder. No entiendo de nuevo, el que decidió dejarnos con sus ideas frustradas, con conversaciones en una bonita cafetería (la más bonita de todas en ese pueblo que siempre he visto horrible, Torremolinos) cual ironía agazapada, donde disipábamos humo de un futuro idílico, donde me decía curiosamente con una sonrísa: ¡Luigi, que cosas más tristes escribes en tu blog!, donde recordaré siempre unas palabras que aquí escribí en su tiempo, todo eso se ha ido sin avisar apenas, se esfumó con la encapuchada, joder. Para mí era modélico en cierto sentido: Gran trabajo y dinero, una casa para ti solo (lo que casi siempre he soñado hacer sin miedo, hasta ahora), y vale, era exigente y se frustraba con la gente, con el medio, con él, con el mundo, desmesurado, sí, pero yo también soy así, él era siempre así, era normal, o eso creíamos todos. La gente modélica es optimista, hasta hoy.

Trazando una telaraña de sueños perdidos y yo escribiendo en su maquina de escribir sin tinta a la que llamé "La Bella Confusión", se anunció sola esa cosa tan hija de puta llamada muerte, se fue atrapado, atado, frustrado, como en su corto que tanto autocriticaba. A mí, me abre un abanico extraño, lleno de vida, pero por otro lado de miedo a. Pues también es una lección kafkiana sobre la pretensión del ego que hay que controlar, tratemos de entender, yo el primero, la importancia de liberar al atrapado sin darle un discursito moral, apático, borde, bebedor de delirios de grandeza como yo hice, quizás podría haber cambiado el hecho, retrasarlo, o quizás era inevitable.

Hoy grabaremos Esteban, Bea y aquí el que os habla, un corto sobre la incomunicación, de eso el señor del que os hablo en un post de Internet que nada hace justicia, sabía mucho y trataba por evitarlo. Va para él de parte de otro frustrado que ha abierto los ojos un poquito.

Hasta nuestro próximo café en algún lugar donde todo sea libre y no estés atrapado, señor Cosano.

"Coffee and Cigarettes": Introspectiva de lo anodino

Me inicio cual colegiala en celo al cine del estimado Jim Jarmusch con este experimento cinematográfico titulado, "Coffee and Cigarettes". En el año 1993 un corto de Jim Jarmusch titulado "Coffee and Cigarettes" recibió la Palma de Oro del Festival de Cannes al mejor cortometraje. Once años depués Jarmusch recupera el espíritu y estética de aquel genial corto para rodar "Coffee and Cigarettes", una serie enlazada también de cortometrajes que componen un largometraje. Cada secuencia muestra a diversos personajes sentados alrededor de una mesa, tomando café, fumando cigarrillos y discutiendo diversos temas como la correcta preparación del té inglés, las teorías sobre la conspiración contra Elvis Presley, Abbot & Costello, la ficticia banda de rock SQÜRL, París en los años veinte o el uso de la nicotina como insecticida, entre otros temas. El guión de los cortometrajes o fragmentos como queráis llamarlos, los firma el propio Jarmusch, quizás todos ellos redunden en un tema bastante interesante, o por lo menos así lo veo yo; la incapacidad del ser humano por llenarse espiritualmente con la soledad de un café y unos cigarrillos, la necesidad inútil de llenar los sentimientos con palabras vacías o también dar cierta frialdad y pasividad moral sin ellas, de los fragmentos que más me impresionaron, destaco el de la chica leyendo la revista e "incordiada" por el camarero (mi preferido), un corto sin apenas palabras que lo dice todo, es ahi donde Jarmusch consigue mucho con muy poco...algunos cortos redundan quizás con el uso de mucha terminología reminiscente o más bien repetida, funcionando alguno más que otros en el juego de ajedrez que ve y expone el propio director (ese tablero que está presente de alguna manera en el atrezzo de las mesas de algunos cortos, como si fuera un simbolísmo de la estrategia emocional).

Lo anodino de las situaciones hacen que el visionado sea fresco y natural, todas las situaciones que el libreto nos ofrece son ni más ni menos que para perfilarnos a nosotros mismos como personalidades, cada uno sacará juicio de los fragmentos, y eso a priori es bastante interesante. Recalco alguna de las historias, muchas de ellas interpretadas por celebridades de la talla de Roberto Benigni, (quizás la suya sea la más absurda e inconexa de todas) Steve Buscemi, Cate Blanchett, (genial como siempre, haciendo dos personajes a la vez, mastodóntica) Bill Murray y Alfred Molina (autoparodia de sí mismos, y muy buena sobretodo la historia de Alfred Molina, que analiza la desconfianza, la supremacía y la incomunicación, de los mejores cortos del film), Iggy Pop, Tom Waits, Steven Wright, o la paranoica parte que interpretan Meg White y Jack White (Sí, los mismos, los White Stripes) que acorde con sus protagonistas, me ha parecido demasiado extravagante y hueca, pero ojo, ninguna historia carece del interés mínimo, cosa que aprecio.

La película, los guiones de ella en sí, nos dan rienda suelta para explorar a los personajes, que son sencillamente pinceladas de muchas vidas que quizás conozcamos en nuestro entorno, las catalogamos en nuestra mente, Jarmusch lo sabe, y pone como método identificatorio el café y los cigarrillos, uniendo de alguna manera historias y espectadores por partes iguales. Una mezcla social interesante, una crítica mordaz hecho con una sutileza indescriptible (quizás la crítica más modesta y humilde que haya visto hacia la sociedad actual). Es curioso, la historieta de los dos ancianos del principio (la que cierra es otra, donde se usa la muerte y la vejez como metáfora, siendo reminiscente con esta que os comento) que juegan a auto-criticarse, donde el nieto de uno de ellos pone el punto de inflexión al no decir ni una palabra, hay comedia aquí, pero hay bastante mensaje en el que profundizar. Como digo, hay cortos para sacar buena tajada introspectiva (quizás hay más de ellos que sean muy buenos que malos, todo quede dicho) para un espectador no lineal, me explico: El guión expone con realidad, no utiliza la metáfora simplista, hay que escarbar en la ironía del subtexto, si sois cinéfilos de este tipo sabréis lo que digo cuando véis "Coffee and Cigarettes", no es un film escrito y mostrado al uso de todos, es por ello, que el film y lo que narra, pueda pasar por superfluo, vacío, duro, realista, seco, frío y banal como he leído en algunas reseñas, pero ahora bien, os digo: ¿Acaso no es así la vida? yo creo que sí, la magia reside en el fondo de los corazones de cada uno, y aquí, en esta película la hay, solo que hay que buscarla bien, casi con lupa señores.

En lo referente a la dirección, he de decir que Jim Jarmusch me ha dejado bastante helado. Por un lado me ha fascinado la fotografía, es excelente, y también los planos. Digo lo de helado, porque su técnica es muy directa, sencilla e incluso a veces intuitiva, pero todo está perfectamente narrado que hay que aplaudir la sencillez bien hecha y remarcada, casi siempre se usa el plano general, los contraplanos y unos pocos picados para mostrar siempre a los protagonistas, el café o los cigarrillos en sus estados anímicos, que corresponen a como sean los personajes de cada historia. Por lo tanto genial la dirección, destacaría como punto interesante las localizaciones, que enmarcan muy bien cada fragmento, es sumamente importante porque hace que recuerdes bien todas las partes del film, el carisma del lugar es otro trabajo sencillo pero rematado con elegancia por Jim Jarmusch, si señor. El film carece apenas de banda sonora, pero hay que destacar los temas de los créditos iniciales y finales.


En definitiva, "Coffee and Cigarettes" es un film CRUDO, con todas las letras, que te gustará muchísimo por esa sencillez y franqueza que respira (frescura lo llaman algunos, me incluyo) o si no sabes ir más allá dentro de un cine minimalista pues pasará por tu retina como un vago recuerdo que olvidarás a la mañana siguiente (si no te has dormido antes de terminarla claro). No obstante, un film interesante, en mi opinión, de un director que iré descubriendo ahora con más ahínco e interés. Un 8.

NOTA: 8/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2003
DURACIÓN: 95 min
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"All About Eve": El poder del ego

"Eva al desnudo" en español (horrible traducción) es el clásico inolvidable del que os vengo a hablar, dirigido magistralmente por el mítico Joseph L. Mankiewicz y ganadora de seis Oscars. Una joven, que aspira a convertirse en actriz y triunfar en los escenarios, se las ingenia para introducirse en un grupo de actores de teatro. La chica admira a una veterana artista a la que consigue conocer y convertirse en su amiga y confidente. El deseo de actuar y los celos la consumen hasta el punto de traicionar a sus compañeros en su escalada hacia el éxito. Ella halaga, atrae, seduce y, algunas veces, pisotea a todo el que se cruza en su camino: escritores, directores, productores..., e incluso sus esposas. Sólo un inteligente crítico teatral adivina lo que se esconde tras su dulce apariencia, sólo él es capaz de ver a "Eva al Desnudo". Libreto perfectamente escrito por el propio Mankiewicz, un guión que se apoya sobretodo en unos sólidos y trabajadísimos diálogos que perfilan una y otra vez (cual brillante reinvención dentro de la propia historia) a unos personajes que viven para la actuación. Hay cierta ironía impresa, es un film de actores, y para los actores, pues de eso trata "All About Eve" en líneas muy superficiales, pues el film es un relato bastante más frío, enrevesado y fatalista de lo que normalmente Hollywood solía mostrar en sus clásicos de aquella época (no obstante también se critíca a Hollywood dentro del film con miras muy directas y nada discretas, cosa que sorprende por su afilada manera de ser pragmática, no olvidemos que es una película de los ¡50!).Frío, porque las apariencias cálidas del inicio del film engañan, donde por cierto, el guión se toma la libertad de contarnos TODA la historia en un perfecto flashback olvidando que estamos ante uno que ocupa todo el metraje, quizás el flashback mejor contado de la historia del cine (brutal). Enrevesada porque el film da por sentado cosas al espectador, y cuando todo parece ir por otro lado, sorprende, Eva es el personaje mejor escrito, siendo el hilo conductor, manipulador y estratega de todo el film (Ojo a la perfecta actuación de Anne Baxter y su impresionante evolución de chica naïf a una completa arpía sin sentimientos, genial). Margo Channing, el personaje que marca historia dentro del cine, Bette Davis es un portento de actriz, aquí demuestra ser el verdadero alma de la película, el personaje más reflexivo, profundizando sobretodo con el problema de la pérdida de la fama por culpa de la edad, el amor, la extravagancia, el existencialismo, un personaje FEMENINO DE PRIMERA, de esos que a mi personalmente me fascinan de principio a fin, de lo mejor de la película.

Es curioso el tema del poder dentro del film, siempre terminando en tragedia para todo aquel que abusa del engaño, del ego desmesurado y mal construido, o como la perspicacia es más delictiva que la propia belleza, un ejemplo de esto es el impactante papelito de Marlilyn Monroe, que digo lo de impactante porque representa casi una autobiografía de su persona dentro del film, siendo la rubia guapa que se camela a los productores pero que no llega a conocer el reconocimiento unánime (de ahí que el film reflexione mucho en el tema y el juego mental de sus personajes femeninos, a cual más increíble y bien trazado). Celeste Holm, la tercera chica del juego de titanes, ese tridente de mujeres con coraje visible que el film hace caminar, interpreta a la esposa del dramaturgo teatral (Hugh Marlowe), un personaje que no ansía más que estar con su marido y hacer el bien, pero que tiene un papel imprescindible en la trama, liándolo todo en el último momento sin malas intenciones, pero con uno de los giros más memorables del guión. Y para poner el broche de la crítica, el sentido común o el desparpajo moral, los personajes masculinos, quizás eclipsados por las mujeres, pero igualmente interesantes, sobretodo el actor y director de Margo, interpretado por Gary Merrill, el ya comentado dramaturgo, o el mejor para mí; el crítico teatral que descubre los propósitos y se marca (sobretodo al final) las mejores reflexiones sobre lo vacía que es la vida de las personas que utilizan a otras para encontrarse solas ante tanto poder y fama (tema que es sumamente critico en el film, y que comparto a la perfección, la fama y los premios son el show político más reconocido que la propia profesión artística que sea, a día de hoy esto sigue siendo así, aquí y en Hollywood), excelente el dual papel de George Sanders.

En lo referente a la técnica de Joseph L. Mankiewicz, pues decir que "engaña" por completo al espectador, pero ojo, no lo digo despectivamente. Centra el ojo del público en las actuaciones, en que el espectador no siga los decorados (son poquitos pero son hermosos, aunque digo, esto no es importante para Mankiewicz), ni el vestuario, ni los planos, ya que al escribir él mismo los extensos diálogos (la película no deja de ser hablada y dialogada en sus dos horas largas, hasta los últimos 30 segundos, donde un plano final con el espejo encima nos da de lleno en la alegoría del mensaje moral, toma ya) se centra en las actuaciones, en que los actores se muevan mientras dicen las parrafadas. Hay ritmo, pero como única objeción para no dar el 10 al film, diré que a veces cae en un inevitable agotamiento natural del espectador, que intenta estar a la altura de comprensión de cada una de las líneas, sobretodo si se disfruta en versión original, lo cual amigos, me hizo sentirme un poco idota y a su vez, ver con admiración que ya no se escriben películas tan compactas y de diálogos tan inteligentes ni en Hollywood ni en ninguna parte. En resumidas cuentas, Mankiewicz creo (porque a mi me engañó bien, cual mago profesional) que dirige con suavidad, sin efectismos ni grandes encuadres, pero en realidad ya ha hecho todo, el guión perfecto, y unos actores entregados a la causa desde el primer hasta el último minuto, por lo tanto, "ole sus cojones", perdonen la expresión pero dicho bien claro. Todo esto me recuerda a otros clásicos de factura y estructura similar, donde el guión y los actores eclipsaban la dirección más técnica: una de ellas es "La gata sobre el tejado de Zinc" y otra es "El Halcón Maltés" aunque esta ultima si que tenía algun que otro malabar en lo referente a la cámara. No puedo irme sin mencionar al gran Alfred Newman, compositor de la banda sonora que está correcto durante sus pequeñas apariciones en el film (siendo quizás mas arrebatador en los créditos que dentro del film en sí).

"All About Eve" es un clásico que trasciende en todos los sentidos, deja K.O. al espectador también en todos los sentidos, pues quizás sea más compleja de seguir en su primer visionado (le debo un segundo, lo cual haré como promesa para subirle un poco la nota, prometido), el diálogo es extenso, perfectamente construido, los actores lo mejor de todo el show (sobretodo los femeninos, quizás la película donde mejor se represente a las mujeres en todos los aspectos). Un film hecho para los cinéfilos, un análisis déspota, con buenas razones, del ser humano, de la ambición. Todo un clasicazo (Quizás uno de los más importantes de la década de los 50) del Hollywood dorado que no hay que perderse por nada del mundo, esta película es de esas que ya no se hacen, pero os lo digo de verdad. Un 9,5.

NOTA: 9,5/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.E./ Dar un segundo visionado obligado.
AÑO: 1950
DURACIÓN: 138 min
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El mundo del Cómic

La verdad, admiro a los aficionados al cómic y todo lo que rodea este mundo me parece respetable, tanto que casi me da miedo opinar de él, creo que ni por asomo soy un fan del cómic, (me habré leído de pequeño innumerables ediciones de "Mortadelo y Filemón", "Capitán Trueno" y hace unos años flipé literalmente con "Sin City" de Frank Miller meses antes de que saliera la famosa película) eso si, me gustaría serlo, aunque sé que para eso hace falta gran cantidad de dinero que ahora mismo prefiero invertir en cine, lo siento, jeje. Y por ahí guardados en una estantería tenía en mi poder cuatro tomos bien alargados de la (creo) desconocida novela gráfica "Rapaces", dibujada de manera sublime (los dibujos son tan realistas que da gusto pararse a mirar cada detalle) por Enrico Marini, un dibujante Europeo que llena de oscuridad cada viñeta, de perfectos encuadres (muy cinematográficos y precisos) donde la ciudad de New York es la protagonista, y porqué no decirlo, el detallado y obsesivo trazo del cuerpo femenino (el cómic deriva en muchos pasajes del guión, escrito por Jean Dufaux, en el erotismo, como pasaba con "Sin City" por poner un ejemplo tonto). Decir que la historia se distribuye perfectamente en cuatro tomos, los dos primeros llenos de misterio cual narración noir, la historia se va desabrochando la camisa poco a poco, con sutileza y suspense, mezclado eso, con el mundo fantástico de los vampiros, que es sin duda el atractivo principal. El argumento pues, está muy bien contado a pesar de tirar a una sencillez peligrosa. El espectador olvida esta minucia y queda prendado por cada pieza, lee sin prisas pero con interés por cada cosa que pasa, yo podría comparar esto con una buena película de los ochenta, donde todo lo que ocurría tenía pasión, era divertido y estaba contado con colores, con formas muy dinámicas. Encima si le sumamos los toques de humor de los personajes (también al estilo de las viejas películas de los ochenta) la capacidad que tiene el cómic de sorprender en la narración (saltando de una localización a otra de manera brillante), y el potencial carismático que tiene en su haber me deja con ganas de más. En fin, recomendado, os dejo la web oficial aquí, en ella hay diseños, fondos, información..., la verdad, se podría hacer una película interesante con este cómic..., quizás algún día la veamos.

Musas perdidas

- Jean Seberg -

Imperio de Decepciones

De verdad no entiendo nada, venga, ya podéis pensar de nuevo y acertaréis: Luigi el previsible, Luigi el quejica, Luigi el que odia a las personas y no puede convivir con ellas ni consigo mismo. Muy bien, pensad, echad sal y vinagre en cantidad industrial. TODO lo que pensáis es superfluo, banal, superficial. Soy una persona que cree sobre todas las cosas de este mundo en el arte, principalmente el cinematográfico. Pienso que como único sustento de mi vida que es el cine, la ilusión y la pasión salen a relucir cuando comento un proyecto con alguien, cuando lo hago, e incluso me enfado cuando sale bien, lo aclaman o lo ponen verde, es parte del proceso. La gente joven, por naturaleza, como he oído, les gusta el cine, se hacen llamar actores o actrices de cortometrajes sin llegar a más, la palabra es demasiado explícita como para que el cerebro les deje pensarlo bien. No os engañéis, no hay amor en estas personas, no hay enamoramiento e ilusión (con lo cual la magia no existe), quizás lo único que alcancen a ver sea el mensaje sexual inexistente por mi parte (es posible que parezca un acosador, pero también lo parece el prota de Crepúsculo…), sexo, sexo, este director quiere desnudarme, este director me va a convertir en Nacho Vidal, ¡OH no! Este director se ha enamorado de mí, pero es tan feo y yo valgo tanto que es mejor mirar para otro lado, necios, mirad a vuestro lado, todos os están haciendo perecer, dejad de buscar, buscar y buscar cuando tenéis un plato bien cocinado delante. Sí amigos, hay connotación de misoginia, la hay, lo siento mucho, pero os pongo un ejemplo cinéfilo, no soy yo el que ha llegado solo al pensamiento, más bien las circunstancias, las personas, el engaño, la frustración del que os habla, pues yo no soy más que un niño acomodado (pues como decía Woody: Cuando el dinero no es un problema, aparecen todos los demás) que sueña con volar en aviones parados, que es abandonado a su suerte en plena erupción de bombas que los demás han inventado, ahora entiendo como “El Imperio del Sol” es tan perfecta, inocente , concisa, al carajo críticos, no tenéis ni puta idea.

Este mensaje suena egoísta, cabreado y ensalivado de veneno. Correcto. Pero es como el que intenta proteger a su hermanito, en mi caso, ponedle la cara del Cine, y es como si el resto de personas contaminasen la ilusión, la magia. Sí, soy un ignorante, pero hoy más que nunca entiendo que algo que medianamente me hace feliz es el cine, por él lucharé, el resto es solo paja hasta que la suerte decida darme una lección, con mis 23 años ya os digo que eso es probable, pero ojo, no me asombrará, estoy construyendo mis principios sobre una tumba de injusticia, mala suerte, incomprensión y timidez.


Este mensaje también da bombo al ego… ¿Perdón?, ¿Eso es malo? Puede ser, tachadme de ególatra, pero por favor, por caridad, vosotros haced bombo de algo que se ha olvidado, haced bombo del compromiso, del respeto y de la ilusión por la vida, por el arte.

Soy un niño, un inmaduro, no quiero crecer nunca. NUNCA.

Cuando llegue el momento

En la quietud de la noche, en la antigua luz del mundo / Donde la sabiduría se abre paso a golpes / Mi cerebro desconcertado trabaja en vano / A oscuras por los senderos de la vida / Cada rezo invisible es una nube en el aire / El mañana sigue dando vueltas / Vivimos y morimos, no sabemos por qué / Pero voy a estar contigo cuando llegue el momento // Comemos y bebemos, sentimos y pensamos / Vagamos calle abajo / Río, lloro y me obsesiono / Por cosas que nunca deseé ni quise decir / La lluvia de medianoche sigue al tren / Todos llevamos la misma corona de espinas /Alma con alma, ruedan nuestras sombras /Y voy a estar contigo cuando llegue el momento // La luna da luz y brilla en la noche /Cuando apenas siento su ardor /Aprendemos a vivir y después a perdonar / En el camino que nos lleva /Son más frágiles que las flores estas horas preciosas / Que nos atan tan fuerte uno al otro / Llegas a mis ojos como una visión del cielo / Y voy a estar contigo cuando llegue el momento // Junté un flor, floreció en mi ropa / Seguí el arroyo ondulante / Oí el ruido ensordecedor, sentí alegrías pasajeras / Sé que no son lo que parecen / En estos dominios terrestres, llenos de desilusión y dolor / No me van a ver poniendo mala cara / Te debo mi corazón y esa es toda la verdad / Y voy a estar contigo cuando llegue el momento.

ESTRENO:"El Fantasma der Málaga: La leyenda tras el personaje"

Y lo prometido es deuda, con vosotros el estreno de nuestra última producción, la nueva entrega de "El Fantasma der Málaga". Espero que os guste, es un documental corto sencillo pero hecho desde el cariño y la nostalgia de los otros tres cortos que compusieron la trilogía de nuestro personaje estrella allá por 2003. Como siempre y de antemano, gracias por vuestra atención.

Sinopsis: Seis años después de que terminara la trilogía de "El Fantasma der Málaga", Manolo el hincha del Málaga C.F. vuelve a Luigi Arts a modo de un falso documental donde se exponen los problemas del equipo para realizar una supuesta cuarta entrega de la saga...

Cortometraje "El Fantasma der Málaga: La leyenda tras el personaje":

.Versión Online:

.En Dailymotion (HD): VER AQUÍ

El Fotograma

"El Manantial de la Doncella": Instinto humano

Retorno de nuevo al cine del maestro Ingmar Bergman, que vuelve a dar en el clavo (y yo me pregunto ¿Cuándo no?) con este film que bien podría ser un segundo acto de la fabulosa "El Séptimo Sello". "El Manantial de la Doncella" ("Jungfrukällan") saca a relucir los instintos más humanos e inhumanos a partes iguales, Bergman recita un crudo y duro relato que estremece con una vertiente insistente en el cine del director sueco, el silencio y las alegóricas palabras e imágenes que evocan todo tipo de sensaciones, esta vez, como ya lo hiciera en "El Séptimo Sello" revuelve la tripas, se clama a la incomprensión, de la mejor manera: la sutileza de Bergman, puro cine, del de verdad. Como cada verano, una doncella debe hacer la ofrenda de las velas en el altar de la Virgen. El rey Töre envía a Karin, hija del propio rey y de la reina Mareta, acompañada de Ingrid, una muchacha acogida en casa de Töre que odia a Karin secretamente. Antes de cruzar el bosque, Ingrid se detiene y deja a Karin sola. Karin prosigue su camino encontrándose a unos pastores, aparentemente afables, que la invitan a compartir su comida...

El libreto de Ulla Isaksoon está perfectamente escrito, y se nota. Los diálogos parecen encajar suavemente cada pieza, perfectamente escritos, hay poca palabrería, pero la que existe está compuesta de una brillatez impresionante (mención especial para el monólogo del párroco sobre el humo agonizante, todo un alarde poético). Nos situamos de nuevo en la edad media ,donde las historias de Bergman juegan siempre con elementos clave que parecen dar más sentido aún a un argumento sencillo, pero ojo, lleno de introspectivos mensajes para el espectador menos modélico, todo un acierto. Los temas más importantes, sobretodo para mí, el film retrata con acierto el instinto animal que el ser humano es incapaz de controlar, siendo casi siempre consecuente con los actos, irracional, visceral. La inocencia, tema que se expone en la doncella, (la guapísima actriz Birgitta Pettersson) que evoca cierta provocación, es curioso, porque Bergman saca a relucir con la belleza el tema religioso, donde la controversia (sutil siempre) está servida, el guión retrata la religión como una excusa para que los personajes se aferren a sus actos descontrolados, la película es muy natural, y como la naturaleza propia, es cruda. La religión es estricta y de nada sirve, nos viene a decir el guión, esas metáforas que hablan de esto y en parte del ser humano y sus problemas, cosas que evoca el film, por ejemplo:

El manantial (que metafóricamente da el título de la película) que se abre camino cuando parece nombrarse a Dios (a veces Dios es el propio espectador, Bergman da esa libertad para que este sea el verdadero y único verdugo que juzga cada acto del film, toma ya) pero que retrata a todos los personajes en una ignorancia autocomplaciente en el final del film dejando como única verdad el paso de la naturaleza que es la verdadera razón entre todo lo que pasa, bueno y malo en la película, El Rey Töre (el mítico Max von Sydow en otra interpretación para el recuerdo) expurgando su ira con un árbol (y que curiosamente corta tres ramas, para lo que más tarde acontece) fustigándose antes de cometer la insensatez del instinto y la lógica, algo muy curioso. El cuervo como simbología de que algo malo va a ocurrir (al igual que el sapo o el personaje de Ingrid interpretado por la enigmática Gunnel Lindblom, que representan la ingenuidad del pensamiento, el odio incontrolado y los terribles actos que pueden llevar estos, tremendo), el niño, el único personaje que no habla, es el propio director representado en otro tipo de inocencia, que incluso rechaza la vida (rechazando nutrir la moral después de la atrocidad, representado con la comida que el niño siempre rechaza, genial metáfora), sin usar la palabra, el crío juzga de bochornosos los actos deleznables del ser humano (la secuencia donde se panea hacia todos en la mesa comiendo es sencillamente magistral sin haber diálogo, todo se entiende, se leen los pensamientos de cada personaje, sublime lenguaje cinematográfico). El momento en el que la madre de Karin recibe el vestido (sin levantar la mirada hasta el final, genial y portentosa la actuación de Birgitta Valberg, papelón). Dos hombres (no diré quienes, es hacia el final del film) peleando por ganar a la muerte tras las llamas del fuego, completa simbología del infierno para ambos personajes, sea cual sea el ganador, ambos son culpables y pagan el pato.

Y así, el film contiene muchísimos puntos interesantes, siendo bastante psicótico en su análisis, estamos ante un completo desglose de la mente humana, pasamos por la ingenuidad, la desconfianza, el odio, el deseo sexual, la muerte, la venganza, la religión, la ignorancia. Ingmar Bergman tras la cámara, grabando como siempre, alegóricos fotogramas y manteniendo una narración excelente, sin alardes, cruda, realista, con una bella fotografía (para que el film choque aún más con lo tremendista y lúgubre de su argumento) y poca música (la partitura de Eric Nordgren aparece en pocos momentos, pero siempre acierta, efectivo y muy cuidadoso con cada nota). Un reparto excelente, grandes interpretaciones, cuando un actor o una actriz se apoya en sus miradas, sus gestos y encima recita perfectamente el texto escrito todo parece tener un aire mágico que aquí se muestra con mucha naturalidad y soberbia, todo perfectamente hilvanado. Como curiosidad aparte, hay dos películas posteriores que están descaradamente NO reconocidas como remake del film que nos ocupa, título: "La última casa a la izquierda" de Wes Craven en el 72 y una que ha salido en cines actualmente de mismo nombre que la de Craven, que se llevará posiblemente los méritos (de los más despistados por no decir ignorantes, lo cual sería irónico y reminiscente con el film, ja) al ser más taquillera y conocida que la original, la de Bergman.

"El Manatial de la Doncella" es prácticamente perfecta, no hay nada que sobre en sus 89 minutos bien dinamizados. Bergman rueda otra joya que merece la pena visionar si queremos darnos cuenta de lo oscura, demente e instintiva que es la mente humana. Sencillamente genial, como siempre en el cine de este maestro. Un 10 y queda recomendada si no la habéis visto, claro que sí.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos.
AÑO: 1960
DURACIÓN: 89 min
Ficha en IMDB
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"Casshern": Si/No a la guerra. No rotundo al cine.

"Casshern" es un film (o más bien adaptación literal del manga de mismo nombre) del director Kazuaki Kiriya. Un film que él solito se compara con grandes films como "Blade Runner" o "Matrix", amiguitos, estamos ante una idea equivocada desde mi punto de vista.El futuro no pinta nada bien. Japón se ha impuesto a otras superpotencias pero su población se resiente: demasiada contaminación. En un mundo agonizante sobrecargado de individuos desesperanzados surge la esperanza: las neocélulas, un descubrimiento reciente del que podría depender la supervivencia de la raza humana. Como no todo puede ser tan fácil ni tan bonito, a raíz del estudio de las neocélulas, aparece una nueva raza humana: los neo-sapiens, quienes no terminarán de encajar entre los "humanos normales" y buscarán su destrucción ...pero surgirá un héroe dispuesto a interponerse entre los neo-sapiens y los humanos, alguien conocido como Casshern. Guión que parte de una idea bastante curiosa, el tema de la creación de seres humanos con células "mutantes", y la mezcla del drama espiritual (muy asiático) que funciona bien durante los primeros 40 minutos de película.

Ahí sorprende la estética, la historia se deja ver, hasta el mensaje no parece obvio y se juega con la imagen para que el espectador sienta a los personajes. Fin de la historia, lo que viene después son dos horas de puro bochorno cinematográfico. El guión se pierde en las formas, cae en los diálogos facilones de manga barato donde los personajes tienen tal grado y aires de superioridad que se alejan del espectador que intente tomárselos en serio, es por ello que el final es infumable, lento, bobalicón y no trasmite nada, bueno si, solo confusión narrativa. Vale, está bien el mensaje de paz en el mundo, la guerra es inútil, vale, pero no proclaméis esto queridos guionistas y en dos minutos se haga apología de la guerra con personajes olvidándose de los hechos (un personaje pasa de agradecer a los humanos, a odiarlos y causar una hecatombe con una bomba nuclear, la hostia vaya) y volviéndose totalmente locos, con esas frases malas de manga, sin olvidar los redundantes discursitos, se hace desesperante el visionado. Si ha esto le sumamos que las actuaciones de casi todos los miembros del reparto dejan bastante que desear, donde por cierto, la música de Shirô Sagisu no deja de sonar a cada segundo para apoyar esta carencia, lo cual resulta más pesado todavía de soportar, el film hubiese ganado más sin el apoyo continuo de una partitura tan machacona, y con unas actuaciones menos sobreactuadas (aunque alguna se salve casi de milagro). De ahí el principal problema del film, basa sus raíces en el manga-anime, eso en el papel, funciona, en un film queda cutre y lioso. Las escenas de acción son calcos mal hecho de otras películas del género (por no decir que todas son mareantes, confusas y aunque resultas con algo de luz, la verdad no crean el interés de despertar al espectador).

Y lo peor de todo, es que el film se repite, se recrea pretenciosamente (culpa del director cuyo nombre no volveré a pronunciar en mi vida) en muchas partes, el apartado visual vale que sea notorio, pero cansa la vista, en "Blade Runner" por ejemplo (obra maestra que nada tiene que ver con esta, os lo aseguro) el diseño artístico era genial, cada persona recordará las localizaciones, lo que representan dentro de la película, su significado y simbología. Aquí, el diseño no sirve, yo no paraba de ver cromas por todos lados, nada se distingue (quizás la guarida de los no-humanos sea lo más elaborado y reconocible del film) los personajes saltan de un sitio para otro (a veces esto de forma literal, lo cual me dejó pensando: ¿Comor?) a ritmo de música electrónica y un montaje que se pasa de listo, que toma al espectador como estúpido (recordando cada momento 3 o cuatro veces a base de flashback o simplemente siendo redundante en lo que no hace falta). Una pena, porque el film empezó bien, con unas bellas imágenes en el jardín (quizás la parte que más me gustó) y todo lo que acontece antes de que el monolito salido de la nada irrumpa y haga cobrar vida a los muertos, la hostia.

Y ya, prefiero no extenderme más, porque no merece la pena, eso si, ha sido una de las películas que ha sacado de mi un mosqueo tremendo, de esas que hacen que como espectador, te sientas idiotizado y engañado. "Casshern" tiene todo lo malo (o lo que yo considero malo) del manga y anime japonés, eso si, parte de una idea interesante pero desaprovechada al máximo, si tuviese elementos del buen anime, de ese que es reflexivo, apasionante e inteligente (vaya, del que no abunda hoy en dia, os pongáis como os pongáis otakus) el film sería otro cantar. Pero no, dos horas y medias insufribles y horrorosas (las cuales se podría haber cortado todo a la hora y media, ¿no? digo yo, pues se podría perfectamente y se llevaría mejor). Iba a ser algo más tolerante, pero después de mi mosqueo y de reflexionarla durante un rato, no puedo. Un 2 y salvando los primeros 30 minutos como logro, que ya es mucho.

NOTA: 2/10
RECOMENDACIÓN: Amantes del manga facilón, el resto, cinéfilos verdaderos abstenerse.
AÑO: 2004
DURACIÓN: 141 min
Ficha en IMDB
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Fecha de estreno para "El Fantasma der Málaga: La leyenda tras el personaje"

Hace unos días os informaba del regreso a Luigi Arts (a modo de documental) del personaje más cómico que hemos tenido en nuestras producciones, El fantasma Manolo, aficionado del Málaga C.F., que tras sufrir un asesinato mientras cagaba se dedica a dar por saco a los inquilinos de su casa, siendo el fantasma oficial del equipo malacitano, armado como siempre, con su bufanda y su mítico bastón. "El Fantasma der Málaga: La Leyenda tras el personaje" se estrenará finalmente este Viernes 17 de Julio para todos los usuarios de Internet. Estoy bastante contento con el experimento, creo que hemos vuelto de una manera un tanto rara, a un género que teníamos algo olvidado, la comedia. Y os digo desde ya, que no será la última comedia de nuestra cosecha, habrá más, prontito. Pues nada, esperamos vuestra colaboración como siempre para arropar al fantasma en el estreno el Viernes.

Sobre Orson Welles

Es curioso, todo ha salido de una conversación bastante absurda con unos amigos. Todo esto que voy a deciros me ha parecido un tanto loco, es algo sobre el gran Orson Welles que quizás muchos ya sabían, pero que yo (como muchas otras cosas en la vida) desconocía totalmente, viviendo en una ignorancia total. Resulta que Welles falleció oficialmente en Los Ángeles en 1985, pero mi amigo, con su información, señaló que Orson Welles estaba enterrado en Málaga, concretamente en Ronda y tenía pensado llevarme algún día como sorpresa. Tengo que admitir que me ha hecho gracia, no he podido evitar reírme con esto (además que mi amigo llevaba ya unas pocas cervezas en el cuerpo...), parece surrealista, un argumento salido de una comedia de Jesús Bonilla. Pero no amiguitos. Orson Welles pidió ser incinerado tras su muerte, también pidió que sus cenizas se enterraran en una hacienda del torero Antonio Ordóñez, en Ronda. Wikipedia ha dado la respuesta. ¿Absurdo y extraño, verdad?, porque no decirlo, como diría Iker Jiménez (el cual haría cuatro temporadas de cuarto milenio con este tema), inquietante. Pues tiene huevos el tema...

Frases célebres

"El humor es el resultado de la tragedia macerada
por el paso del tiempo." -Woody Allen -

Noche de Jazz

- (Portón del Jazz 2009 - Alhaurín/ John Scofield Piety Street Band) -

Noches de Jazz en Alhaurín de la Torre, una pasada, os recomiendo ir, hay 3 actuaciones más a lo largo de Julio y el precio es de risa (10 Euritos), genial, me ha encantado oir Jazz en directo.

Agenda:
17/07/09 VICTOR BAILEY GROUP
24/07/09 STEVE OLIVER TRÍO
31/07/09 GRANADA BIG BAND
(22:30 PM)
www.portondeljazz.es

What'd say

Temazo. Me encanta.

Jennifer´s Body: Lo nuevo de Cody con la cara de Megan Fox

Aunque no me creáis diga lo que diga, para mi, el mayor atractivo de "Jennifer´s Body" film que protagoniza la maciza Megan Fox y que se estrena casualmente el día de mi cumpleaños en USA, no es la señorita Fox (de hecho creo que hay actrices mucho más bellas y de más talento que la Fox, no entiendo a la gente...en fin...), sino más bien la que firma el guión, la señorita Diablo Cody. Me considero fan de su trabajo, gracias a ella tuvimos la genial "Juno" un film emblemático, o la divertida serie de televisión (co-producida por Spielberg) "United States of Tara" que también os comenté por estos lares. "Jennifer´s Body" es una comedia americana con tintes de terror adolescente (sí, habéis oído bien). Os dejo el trailer que está curioso. Por cierto, no hay fecha de estreno en nuestro país. Para variar.

Adiós Michael

Ayer mismo lo hablaba con Esteban, la muerte de Michael Jackson, y en concreto el funeral emitido por televisión y ese homenaje mediático que se le ha rendido en Los Ángeles ha sido un pelotazo a nivel mundial, a la altura de la ceremonia de Lady Di en audiencias televisivas, más del 10% de la población global viendo el último adiós al rey del Pop. El tributo, contó con las actuaciones (con la imperiosa y extraña imagen del féretro de Jackson abajo, en el escenario... algo que a priori, es bastante escabroso) de Lionel Richie, Mariah Carey, el gran Stevie Wonder (que para mí se marcó la mejor actuación de todas, emotiva, directa, sencilla), y algunos de sus amigos que también le rindieron homenaje en este útltimo adiós. Qué queréis que os diga, cuando lo vi, algo dentro de mi me decía, "vaya circo, vaya espectáculo" (sobretodo cuando la hija de Jackson, Paris, rompió a llorar en uno de los momentos finales), pero viendo los momentos de el señor Stevie Wonder cambié bastante de parecer, he incluso llegué a comerme mis lágrimas en el emotivo final, donde todos los amigos de Jackson cantaron de seguido dos temazos del Rey del Pop, "We Are The World" y "Heal The World". Supongo que la nostalgia y el evento se mezclaron (Jackson como músico nos marcó a muchos, a mi, especialmente en mi infancia con mi familia entera volcada con sus discos, en especial mi primo, que incluso lo imitaba muy bien). En fin, bonito, os dejo los enlaces de los dos vídeos que me gustaron especialmente, Aquí el de Stevie Wonder, y aquí el final de la gala con las dos últimas canciones. Ahora sí que sí, hasta siempre Michael.

Relato: Apesta a Sexo

Tengo 16 años. Conozco a María. Es muy guapa, me gusta su cuerpo.

Somos novios. A los dos meses pruebo por primera vez eso que dicen "hacer el amor", ... No se, creo que deberían llamarlo "hacer el espasmo", no ha sido para tanto... mientras le tocaba la espalda, noté algo en María. Sí, tiene algo en la espalda, letras, ¿en relieve?.

Tengo 18 años. Rompí con María. Dos veces. Conozco a Paula.
Me gusta su pelo.
Tiene algo en la mirada. Hacemos el amor una noche de Verano. Toco su espalda. De nuevo. Letras en relieve. Mientras grita de placer alcanzo a deletrear con el tacto lo que ponen. ¿S-E-X ?

Tengo 21 años. Conozco a Ana y Rosa. No, no he roto con Paula. Beso a Rosa. Tengo sexo con Ana. ¡Otra vez la maldita espalda! ¿Qué misterio es este? ¿Por qué todas las chicas que me proporcionan placer tienen las mismas letras en relieve en sus espaldas?, No lo entiendo.

Tengo 22 años. Rompo con Paula. Ana se ha ido a Francia para siempre. Pruebo con Rosa.
¿Tendrá letras en relieve?..., suspense, me gusta su desnudo. Sí, empiezo a cansarme, aunque sea algo menos descarada, tiene las dichosas letras. Esto es un suplicio...

Tengo 25 años y no he conocido a mujer sin letras. Paula ha vuelto a hablarme. Le va de lujo con su novio Argentino. Me alegro, espero que hayan hecho una sopa de letras con sus espaldas.

Tengo 28 años, esto es horrible. Ando por la playa. Esto es bello, pero yo soy horrible. Veo a una chica. Es increíble con su presencia. Lee. No mira a nadie. La molesto. Me cala su mirada. Me gusta como toca sus cabellos cuando el viento le molesta para seguir leyendo. Dice que se llama Sol. Que nombre más extraño, igual me miente. Nos vemos por casualidad al día siguiente, volvemos a hablar. Parece que se llama Sol. Nuestra conversación es fluida, genuina, interesante.

Tengo 29 años. Ella creo que algo menos, da igual. Me llama en año nuevo, eso quiere decir que le importo, quizás, no veamos tópicos amigo. Pasa la navidad, la he besado hoy, con la nieve silenciando cualquier sonido. La conocía desde hace un año y la he besado hoy. Ha sido fantástico y extraño, me pierdo con ella. Llega la primavera. Hago el amor (ahora sí) con Sol. Ahora si, ahora si. No hay letras, su espalda es suave, es preciosa, Sol, Sol. Te encontré.

(Dedicado a ti, Esteban, se que te gustan mis relatos pseudo-pornos xDD)

The Story

Simplemente quería recordar otra vez este vídeo que hice hace tiempo cuando fui a ver a mi madre a Asturias. Me gusta, es de los pocos que he visto que para mi, ha ganado bastante con el tiempo. Música y letra de Norah Jones, "The Story".

El Fantasma der Málaga regresa a Luigi Arts

Seis largos años han pasado ya desde que viera la luz, el tercer corto de Luigi Arts que componía el fin de la trilogía de ese personaje hincha del equipo futbolístico del Málaga C.F., un personaje humorístico y soez al que dio vida un antiguo miembro del equipo, Iván González Martín, "El Fantasma der Málaga". Después de largos años, de ser los cortos de Luigi Arts más visitados en Youtube, allá por 2005 se decidió dar un lavado de cara a los cortometrajes, ediciones especiales de la primera entrega, y de la segunda parte ("El Fantasma der Málaga y la Rana asesina") para sus respectivas proyecciones en pantalla grande. Tal fue el acontecimiento, que grabamos nuevo material que podría pertenecer a la presentación de la segunda parte remasterizada, o lo que también sonaba por aquellos días: Una nueva entrega del fantasma (con un Iván perdiendo su melena tan característica y un poco cansado de interpretar su personaje estrella). Al final, nada de nada, la segunda parte no llegó nunca a proyectarse y el material nuevo quedó en el recuerdo del abismo en los archivos de Luigi Arts, este era otro proyecto (de los muchos) que se quedaban en el tintero. A día de hoy, he recuperado parte de ese material, del que por cierto, os digo que se mostrará en un documental que hablará sobre la no-realización de la cuarta entrega y de lo que supone el personaje del fantasma. "El Fantasma der Málaga: La leyenda tras el personaje" es un corto que bien podría ser la cuarta entrega, pero también podría no serla, pues la estructura nada tendrá que ver con los anteriores cortos. Será una "falsa" visión sobre lo que ha hecho el fantasma todos estos años, su decadencia artística, y claro, todo el material rodado se incluirá dentro del cortometraje (muchos cortes que he visto, son realmente buenos, muy divertidos, es por ello mi motivación para hacer el documental). Quién nos lo iba a decir, habemus Fantasma, una última vez y ya es definitivo, supongo que por motivos del tiempo, motivos personales, ha llegado la verdadera última aventura que no acaba en la tercera parte ("El Fantasma der Málaga y la última venganza"), sino aquí, seis años después, curioso. El corto-documental se estrenará dentro de unas semanas y el póster lo habéis podido ver arriba, ilustrando la noticia.

El Fotograma

"Vivir su vida": 12 momentos de catarsis

Jean-Luc Godard es quizás uno de los directores más prolíficos que existan, y quizás también, uno de esos cineastas que me inspiran ciertas sensaciones y creatividad al realizar historias anodinas, pero sutilmente bellas, metafóricas, alegóricas. "Vivir su vida" no es una excepción, dentro de su cine, es un film importante, tremendo, dramático, duro, ingenuo, preciso, altruista, complejo, analítico, ya veis, miles de adjetivos imaginables para un libreto no lineal, que a través de doce escenas separadas y divididas por capítulos, nos contará el declive moral y físico de Nana (una bellísima Anna Karina, la protagonista absoluta, musa de Godard que aparece en todos los planos del film, resaltando sobretodo su rostro, su figura en luces y sombras diversas, una maravilla hecha mujer, sin duda esto a muchos les puede disgustar, lucimiento de la chica, pero realmente entiendo a Godard perfectamente, centra todo el conflicto en la figura femenina y deja que el espectador que entre junto a él, se deje seducir en cada pasaje, no es simple ni fácil entrar por la estrecha visión del director francés de la nouvelle vague). "Vivre sa vie (Vivir su vida)" cuenta un fragmento en la vida y la evolución de una joven que acaba ejerciendo la prostitución, de una forma natural, sin ningún dramatismo, simplemente impulsada por el estilo de vida impuesto en la sociedad del dinero. Su vida a partir de entonces se decide en la calle y en los cafés, en el lugar de trabajo o en habitaciones de hotel. Es un retrato en doce viñetas de una prostituta parisina enamorada del cine. El retrato de lo que un personaje es capaz de expresar, y la posibilidad de observar su vida a través de la mirada de un autor.

Si hablara de guión que se apoya en lo visual para narrar los hechos, estaría sin duda en lo erróneo. Godard constituye gracias a la imagen un sello propio, una poesía que más que mostrar de manera visceral, se juega con aquello que no se ve (quizás sea la película más explícita en cuanto a la prostitución, la denigrancia humana y los sentimientos en declive que he visto jamás, pero ya digo, sin verse a simple vista, hay que rebuscar en cada fotograma, en cada imagen y palabra). También por supuesto, unos excelentes diálogos, como siempre Godard parte de la cotidianidad para ir introduciendo filosóficos momentos y alarde a la figura de la protagonista en un complejo amasijo de sentimientos hacia la figura de la mujer, que se muestra en plena evolución aquí a través del rostro de Anna Karina, sus vivencias, que parten de los sueños un tanto ingenuos, para toparse con un muro de realidad, que hacen que el personaje de Nana se vaya introduciendo en un mundo oscuro y pierda ese aire Naïf, para convertirse en una autentica estratega de hombres, una mujer que pasa de lo sencillo a lo caótico (la escena donde Nana se emociona viendo "Juana de arco" es sencillamente el punto más positivista, auténtico y natural de la película, curiosamente el cine dentro del cine es el elemento idílico donde de verdad, se muestra la personalidad de Nana ante la vida).

La sensación de dureza y claustrofobia que se va haciendo patente en cada capítulo, hace que el espectador entienda muy bien al personaje de Nana, y es casi indescriptible la sensación y el impacto visual que deja el film, pues, cuando parece que Nana encuentra una supuesta salvación donde la filosofía (en una escena con un monólogo sobre la vida impresionante, para quedarse boquiabierto y luego no parar de aplaudir el fantástico momento que Godard ha creado, en un café, Nana y un señor más mayor que él, de lo mejor del film, toda una lección de vida) juega un papel relevante, y el amor parece tener unos brotes menos fríos, el personaje de Luigi (con el cual me he sentido contento al llamarse como un servidor, je) hace que Nana sea alguien más dentro de un rebaño de perdición, y cita textualmente a Allan Poe en una escena impecable, inspiradora, bella, poética, donde las palabras de amor son subtituladas (curiosa alegoría sutil, donde Godard se expresa de verdad con el silencio, al igual que la escena inicial en el cine) también de lo más bonito que recuerdo haber visto en una película. Para terminar en un minuto y medio tremendista, fatalista, pesimista, como pasaba en "Pierrot le fou" o mejor en "Al final de la escapada" con la que este film tiene algo más que ver de lo que aparenta, pues a Godard siempre le ha atormentado la catarsis final de sus personajes, algo muy común en las películas de la nouvelle vague, como también pasaba con "Jules et Jim" de Truffaut, (a la que Godard le hace un guiño en una escena en la que se ve un cine que la proyecta) todo se resuelve con un golpe de guión que deja al espectador en un K.O. sorprendente e inimaginable, tremendo, redondo.

Dentro de la técnica del director para llevar al film por el buen camino, la frescura y la originalidad que caracterizaba ese movimiento tan espectacular que fue la "nouvelle vague" (Y que por cierto, amigo Quentin, veo que has sido influenciado por Godard más de lo que pensaba, inclusive has hecho tuyo el bailecito a ritmo de "Youll Be a Woman Soon" y peinado de Uma Thurman de Pulp Fiction, cuando Anna Karina se marca uno, sospechosamente parecido en esta película, curioso de analizar jeje). Así pues, Godard rueda con maestría los doce pasajes, usa la dolly cam en muchos momentos, los planos secuencias donde graba las conversaciones de forma teatral, los detalles (de una protagonista absoluta llamada Anna Karina, que queda desnuda ante tanto detalle y minimalismo análisis por parte de Godard, el potencial y tensión sexual que respira la señorita en cada encuadre es bárbaro). También la dirección escapa de la no-linealidad en sus formas, y si bien hay algunas "leyes" que caracterizaban la nouvelle vague (hay cortes bruscos, mirada directa a cámara, repetición de frases en planos diferentes, repetición de momentos para resaltar el dramatismo de la escena, acción retrasada al comienzo de la acción, etc...) el film parece tener un lenguaje propio, estudiado, muy muy cuidado, que respira curiosamente (y no es contradictorio, simplemente maestría) un aire de improvisación y anarquía en la cámara muy inusual en el cine de hoy en día, he incluso en el de aquella época. Godard ha rodado su film más puntillista, perfecto y sombrío, lleno de detalles, plagado de belleza y poesía cinematográfica que hay que saber leer, para mí, uno de sus mejores trabajos, no hay nada reprochable, sencillamente impecable.

"Vivir su vida" es un retrato tan duro y bello como la vida misma. Anna Karina se lleva todo el mérito del reparto (no lo comenté en general, porque creo que ella sola hace toda la película y sería absurdo comentar nada más). Un film perfecto, preciso y muy potente cinematográficamente hablando. Una maravilla de la mano del maestro Godard, que más se puede pedir, yo he quedado maravillado. Un merecido 10.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E./ Cinéfilos/ Amantes de la nouvelle vague.
AÑO: 1962
DURACIÓN: 80 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube

Matthew Fox y el dinosaurio

No me cansaré de decirlo, "El hormiguero" con Pablo Motos y cía perdió toda su fuerza y gracia cuando el programa pasó a ser diario. Yo era seguidor habitual hasta que cayeron en el abismo creativo, hace ya tiempo. Cada entrevista que le hacen a un actor o personalidad internacional, parece más psicodélica y absurda. Aquí con Matthew Fox (Jack en "Lost") me he quedado un poco pillado viendo esta parte de la entrevista donde un dinosaurio hace improvisadamente y casi con seguridad, las mejores escenas de humor de la temporada del hormiguero (atención al ostión que se da en el final del vídeo xDD). Tremendo por lo surrealista del tema... ¿Qué se fuman los guionistas de Pablo Motos?.

Magníficos: Woody Allen

Reportaje de algo menos de media hora, que repasa la trayectoria cinematográfica de uno de los cineastas que la cadena TCM considera con gran acierto, entre los 10 magníficos de la historia del cine. Se repasa grandes momentos de sus películas, así como las influencias del director Newyorquino (entre las que se encuentran Fellini, Bergman, los Hermanos Marx...). Y que deciros, que si os apasiona el cine de Woody (al cual adoro hasta decir basta) pues es de visionado obligado, se lo curran estos de TCM.

Tarea pendiente

- "La Bella Confusión" cada vez más confusa...
Esto no va a ser fácil -

Frase célebre

"En la vida, si estás en armonía con el fluir natural de las cosas,
obtienes mejores resultados que si intentas ir contracorriente"
- Francis Ford Coppola -

Autocomplacencia

No comprendo muy bien porque hay personas que se empeñan en que si han vivido un momento único, o varios momentos únicos en varios lugares, tienden a tirar de la mala nostalgia y de otros lugares (y lo que me parece incluso más bochornoso, los mismos lugares) para intentar decir las mismas palabras y dejar que la casualidad o si bien el destino, los llame de nuevo para auto-complacer lo que ellos propiamente llaman momentos irrepetibles, no os engañéis, todos esos momentos son únicos pero de verdad, os pasarán otros nuevos, pero jamás os auto-engañéis de esa manera, es absurdo, es rutinario (con lo cual me resulta el doble de patético, el ser humano es matemático por ser conservador, yo siempre he suspendido y repudiado esta asignatura obligatoria, ¡Qué dilema!) carente de personalidad y además pienso que muchas personas viven de esto para hacerse sentir felices, bueno, más bien una falsa sensación de que son felices, de que el momento que ellos crean basándose en otro es preciso, único y bello. Esto no se busca señores, aparece y es efímero, es obra de un segundo, de dos, pero no de la misma hora del día siguiente, eso no existe, ni existirá jamás. Las cosas pasan por que si. No obstante, somos lo que somos, por lo que nos pasa en la vida, pero no me interesan las vidas que viven de una repetición continua y asesina, he dicho NO, es por ello que como supongo que muchos, este mundo no es el que nos prometieron, al menos de momento.

"Six Feet Under" Temporada 2: La Incomunicación

Pues si amigos, después de quedar prácticamente maravillado ante la primera temporada de esta serie (quizás una de las mejores series de la historia) la temporada 2 de "Six Feet Under" ("A dos metros bajo tierra") saca a relucir la artillería pesada que tiene todo su planteamiento. Pues todo parece funcionar mejor, los personajes evolucionan (y de que manera) las tramas son excelentes (destaco el capítulo en el que Claire y Nathe van de viaje en una furgoneta, donde se presentan nuevos personajes y conflictos de una manera genial, original y destacable). Argumentos que siguen analizando al detalle la vida humana en todos los sentidos, y es que para mi, el tema principal de esta segunda temporada es, sin duda, la incomunicación, la soledad, el declive moral existencialista de TODOS los personajes, y porsupuesto la muerte y vida que penden de un hilo. El punto de giro que acontece a la verdadera estrella argumental de esta temporada, Nathe, deja muy claro como funciona todo a raíz de ese debate eterno entre la vida y la muerte (Por cierto, excelente la escena en la que Nathe ve a Dios y el Diablo jugando a los "médicos" mientras juegan al poker). La lírica está servida en muchos sentidos, y el final de la temporada es pura poesía desgarradora en imágenes. Allan Ball, creador y guionista a conseguido elevar a la máxima potencia su material, explorado con sutileza en la primera temporada, pero que aquí deja el listón muy arriba, explotando en calidad y adrenalina (la discusión de Nathe y Brenda en los episodios finales es para enmarcarla, tremenda) para el espectador que sepa apreciar las cosas bien hechas, los guiones elaboradísimos, y que sepa sin duda entrar en el universo que expone esta gran serie.

No sería muy justo decir que esta segunda temporada es la que considero mejor, cuando todavía me quedan 3 temporadas para acabar de cerrar la serie, pero sin duda, es insuperable en muchos aspectos. En el reparto, siguen estando geniales todo el elenco de la primera temporada, Peter Krause, denota sutilmente un curioso protagonismo donde su personaje juega un papel relevante en casi todas las tramas de la serie, genial. Michael C. Hall sigue explorando su papel quizás de manera más calmada y reflexiva, sus temas amorosos (la homosexualidad sigue siento un punto de partida muy interesante, aunque se ha dejado un poco de lado el tema religioso en esta temporada) con Keith son muy interesantes (el personaje de Mathew St. Patrick da mucho juego aun siendo un secundario). Ruth, la madre, que genialidad interpretada por Frances Conroy, que esta vez tiene varios debates introspectivos para quitarse el sombrero, y a eso le sumamos la incorporación de un nuevo personaje en su vida , Nikolai (Ed O'Ross) la sesión está servida. Y si una cosa destaco son los papeles femeninos, mis preferidos, Brenda, ahora con un serio declive psicológico y sexual que lleva al espectador a criticar, juzgar y perdonar al personaje de manera indescriptible, es fabuloso, genial de nuevo la actríz Rachel Griffiths. Claire, personaje adolescente que quizás sostenga la mejor evolución en esta dos temporadas, un personaje extraordinario muy bien escrito, que esta temporada ha jugado en varios bandos, que al final ha salido victoriosa siempre con esa rebeldía innata que iguala sus aires de chica naïf , mezclando a su vez su inconformismo y creatividad que la caracteriza, muy bien Lauren Ambrose. Podría estar horas y horas hablando de la calidad del reparto y de la magnificencia de sus argumentos, pero creo que solo me queda recomendar la serie encarecidamente (a mi en cierto sentido me ha cambiado la manera de ver la vida, con lo cual es totalmente imprescindible para aquellos que buscan respuestas, preguntas o simplemente se debaten en temas existenciales, para todas las personas que se sienten perdidos alguna vez, la serie es una terapia casi drogadictiva, en el buen sentido claro). Ahora dentro de poquito empezaré la tercera temporada, la que dicen que es la más floja de todas, veremos, yo estoy totalmente entregado a esta maravilla televisiva.

Serve Yourself

You say you found Jesus. Christ!
He's the only one you say you've found Buddha
Sittin' in the sun You say you found Mohammed
Facin' to the East You say you found Krishna
Dancin' in the street

Well there's somethin' missing in this God Almighty stew
And it's your mother (your mother, don't forget your mother, la)
You got to serve yourself
nobody gonna do for you
You gotta serve yourself
nobody gonna do for you
Well you may believe in devils and you may believe in laws
But if you don't go out and serve yourself, la, ain't no room service here

It's still the same old story A bloody Holy War
I fight for love and glory Ain't gonna study war no more
I fight for God and country We're gonna set you free
or put you back in the Stone Age, If you won't be like me - y'get it?

You got to serve yourself
Ain't nobody gonna do for you
You got to serve yourself
Ain't nobody gonna do for you
Yeah you may believe in devils and you may believe in laws

'But Christ, you're gonna have to serve yourself and that's all there is to it.
So get right back here it's in the bloody fridge. God, when I was a kid.
Didn't have stuff like this, TV-fuckin' dinners and all that crap.
You fuckin' kids (are) all the fuckin' same! Want a fuckin' car now...
Lucky to have a pair of shoes!'

You tell me you found Jesus. Christ! Well that's great and he's the only one
You say you just found Buddha? And he's sittin' on his arse in the sun?
You say you found Mohammed? Kneeling on a bloody carpet facin' the East?
You say you found Krishna With a bald head dancin' in the street? ('Well Christ, la, you're goin out your bleedin' girth')

You got to serve yourself
Ain't nobody gonna do for you ('that's right, la, you better get that straight
in your fuckin' head')
You gotta serve yourself ('you know that, who else is gonna do it for you, it ain't me, kid, I tell you that')
Well, you may believe in Jesus, and you may believe in Marx
And you may believe in Marks and Spencer's and you maybe believe in bloody
Woolworths
But there's something missing in this whole bloody stew
And it's your mother, your poor bloody mother ('she what bore you in the
back bedroom, full of piss and shit and fuckin' midwives. God, you can't
forget that all too quick, you know. You should have been in the bloody
war, la, and you'da known all about it. Well, I'll tell you something.')

It's still the same old story
A Holy bloody War, you know, with the Pope and all that stuff
I fight for love and glory Ain't gonna study no war, more war
I fight for God and country, the Queen and all that
We're gonna set you free. yeah? all them "nig-nogs"? sure...
Bomb you back into the fuckin' Stone Age
If you won't be like me, you know, get down on your knees and pray

Well there's somethin' missing in this God Almighty stew
And it's your goddamn mother you dirty little git, now
get in there and wash yer ears!

"In Bruges": Pagan justos y pecadores

Vaya sorpresita me he llevado al ver un film que me llamaba la atención desde hace tiempo, pero que mis expectativas eran realmente inferiores. "In Bruges" es el film del debutante Martin McDonagh, que narra la historia de dos asesinos a sueldo en Londres que, debido a una operación que termina mal, reciben la orden de exiliarse por un tiempo en la ciudad de Brujas, en Bélgica. El libreto es bastante brillante (para los tiempos que corren esto ya es mucho) pues es capaz de mezclarnos el thriller "hitchcockniano" de los dos amigos que tarden o temprano tienen que enfrentar sus vidas, con el humor inglés más negro y satírico posible, además de todo el drama de una historia a priori no muy compleja, pero eso si, muy bien contada, sin artificio, con clarividencia, todo un acierto. El guión original fue nominado merecidamente al los Oscars de este año, y es que los personajes con sus efectivos y funcionales diálogos se pierden en un tema moral muy interesante, todos necesitamos las segundas (y hasta terceras) oportunidades por muchas veces que metamos la pata, y ojo, todos pagamos por nuestros hechos cual Karma, justos, pecadores, inocentes, esto sumado a las dudas existenciales que cual pinceladas cortitas va dejando la película. Y es que dos asesinos nos caigan bien es bastante difícil, sobretodo cuando uno de ellos comete un error tremendo dentro del film (y por el cual se lía el pato de cazador cazado), nuevamente todo esto es mérito de unos actores entregados a todos los personajes, tanto primarios como secundarios (que por cierto, todos ellos simbolizan en cierto sentido la metáfora que el film expone, el enano, la chica embarazada por ejemplo, evocan el perdón o la reminiscencia argumental con el protagonista).

Y hay tenemos a los protagonistas de la función (que sostienen mucho el film, todo sea dicho), los dos asesinos, uno interpretado por un correcto y versátil Colin Farrell que está bastante bien en su papel, mezclando como nadie el tono cómico con el dramático sin desmerecer pero tampoco sobresaliendo, muy correcto. El que sin duda me ha encantado es el otro asesino interpretado por el genial Brendan Gleeson, quizás el mejor papel que le haya viso interpretar, cada escena y sobretodo en la parte final del film (que por cierto a muchos les chocará y decepcionara por su catársis implícita, pero que a mi me pareció bastante redonda) donde sale a relucir todos los aciertos de su genial personaje. La chica, la guapísima Clémence Poésy, que pone una guinda bonita en un personaje femenino que entra y sale pero que marca la pauta en ocasiones , la escena del restaurante es genial, Poésy se marca una buena perfilación junto a Farrell que merece analizar bien este personaje secundario cuando nos dan la oportunidad dentro de la peli, que no son muchas veces, pero tampoco se echa en falta. Más secundarios, que la peli tiene muchos, los ya comentados, el de la dueña embarazada del Hotel, interpretada por Thekla Reuten ("Lost") o el actor enano (tremendo y absurdo su monólogo sobre la guerra entre blancos y negros xD) que es motivo de burla y a su vez perdón dentro del film (curiosa manera de hacernos pensar, muy bueno) interpretado por Jordan Prentice, que está muy bien en su papel y entre otras cosas le dio vida (bajo el traje) al mítico personaje de los ochenta Howard el pato. Ah! me olvido de un grande, Ralph Fiennes, que me ha parecido de lo más flojo del film curiosamente, con un personaje muy estereotipo y bastante forzado. Aunque cumple, esperaba algo más del señor Fiennes, que siempre está excelente incluso en papeles desaprovechados por el guión y la historia (sí, estoy hablando de su personaje Voldemort en Harry Potter, las cosas como son).

A la dirección bastante urbana de Martin McDonagh, le debemos que la bella ciudad Belga, Brujas, sea todo un personaje mágico más dentro de la película, siendo la puesta en escena muy movidita (que no mareante, todo está muy bien resuelto y planificado) con la cámara al hombro en muchas ocasiones, metiendo en momentos puntuales planos muy elegantes: sos que muestra la ciudad con una fotografía preciosa, la steady solo para desequilibrar un poco al espectador en la famosa escena del parque, donde las armas de los personajes se entrecruzan, o la carismática escena en el campanario hacia el final (muy Hitchcockniana en sus formas, aunque no se vea a simple vista, todo con autoridad y el buen hacer de McDonagh), una dirección muy acertada que narra perfectamente cada pasaje de la historia sin artificios ni pretenciosidades propias de un director novato, lo cual ya es mucho, con respeto a los personajes al planteamiento, genial. La música de Carter Burwell muestra una calma bastante acorde con el film, con temas a piano que ponen una atmósfera genial a las imágenes de la película.

"In Bruges" es posible que sea un film de suspense más, pero no, por lo dicho, sorprende en sus formas (aunque a veces se le vea su plumerillo con la flema británica que emite xD) , sus personajes (a cual más neurótico, extravagante y exagerados, pero muy bien escritos) en su guión (aunque no hay nada nuevo, repito, el espectador se deja llevar sin pensar en qué pasará, porque está tan bien narrado todo que no es necesario, es divertida, es disfrutable, sencilla, es, a ver como os digo, CINE bien hecho). Los elementos encajan bastante bien y rematan la faena con temas morales que no salen mucho a la superficie pero que ahí están, para el espectador que dicte algo más, para el que no, es una película divertidísima, impecablemente contada y muy directa. Una sorpresita que creo que os recomiendo por si no encontráis algo interesante que ver actualmente, se agradece. Un 8.

NOTA: 8/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E. Amantes del cine sin pretensión, bien resuelto.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 107 min
Ficha en IMDB
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"Caro Diario": Un paseo por la vida de Nanni Moretti

Es ciertamente entrañable la forma humilde y a su vez ácida mezcla que el director Nanni Moretti (de la que he visto tan solo como actor "Caos Calmo" y este film) introduce en sus películas. "Caro Diario" ("Querido diario" en Español) es ni más ni menos que el retrato pseudo-documentaloide de la vida y opiniones de Nanni Moretti, filmadas por él mismo con su indiscreta cámara y repartidas en tres episodios: «En mi Vespa», «Islas» y «Médicos». En el primero de ellos, el cineasta se acerca a la cotidianeidad de Roma durante el mes de agosto, y ofrece una nueva mirada a la capital italiana a través de su recorrido en moto. En el segundo, visita a Gerardo, un amigo que lleva once años viviendo en la isla de Lipari; juntos recorren otras ínsulas como Salina, Strómboli, Panarea y Alicudi. En el último capítulo el realizador rueda su propia quimioterapia y el recorrido por hospitales y especialistas incapaces de diagnosticarle la causa de unos insoportables picores. La curiosa narrativa de Moretti está marcada por mostrar una Roma paisajística que funciona líricamente unidas a una voz en off que funciona milagrosamente (no del gusto de todos, pero todo el film, aunque lo pueda parecer en la primera media hora, no es nada de esto), pinceladas de reflexión (como esa tan interesante que se hace Moretti en la parada de un semáforo al principio) entremezcladas con la comedia surrealista, directa y ácida que lleva la pullita de la mirada critica. En el primer episodio, es más una reflexión intimista a lomos de una vespa, donde el director se ofusca directamente con la realidad de la ciudad, y su realidad cinematográfica (de la que vive), esa donde prevalecen films superfluos apoyados sin causa (y olvidando la mágica relevancia del cine, como esa extraña película que Moretti observa en una tienda) y seguidos vampíricamente por una crítica tenaz, visceral y tremendista, de la cual, Moretti se saca un gag divertido en la que consigue hacer remover la conciencia del crítico duro e insensible, para acabar con la poética y preciosa escena donde Moretti se guarda las palabras, y se dedica tan solo a mostrarnos la evidencia de lo que piensa, cuando visita de la tumba "natural" de el gran Pier Paolo Pasolini (director de "Accattone" o "Saló" al que asesinaron brutalmente unos descerebrados), cerrando así su personal capítulo introspectivo sobre el cine y las calles de Roma. Mas tarde, Moretti se mofa de la sociedad consecuentemente (los intelectuales salen mal parados, pero ay Moretti, se te ve el plumero, tú también en el fondo, eres un intelectualoide amigo).

El segundo capítulo (quizás el más flojo, pero no deja de ser interesante) veremos al director intentando buscar la paz en islas de la bota italiana junto a su amigo Gerardo (inconmensurable el actor Renato Carpentieri, de lo mejor del film, está excelente, su personaje es extravagante pero tremendamente entrañable). Es aquí donde se hace hincapié en la sociedad, el director intenta buscar la paz y tranquilidad para estudiar su próximo proyecto en pequeños pueblos de la Italia de los 90, y se encuentra sin quererlo con un estrés social en demasía, pues se critica a los adaptados socialmente (el matrimonio que tiene un hijo y tiene miedo de tener más es sencillamente desternillante, la llegada al pueblo pijo, o la escena del teléfono y los críos es lo más raro, desternillante y absurdo del film) tanto como los que ven en la sociedad un declive moral y tecnológico (el último pueblo que visitan), aquí también está metida una curiosa reseña hacia la televisión, siempre criticada de basura vacía para las neuronas, y que aquí se defiende con autenticidad, pues el personaje de Gerardo cierra el capítulo 2 con la mejor escena de la película, donde no pude parar de reír, genial, queramos o no, seamos más listos, más intelectuales o no, la televisión llena los sueños de las personas, esto es así, y Moretti lo expone sin más, con razón, hay que verlo, como momento poético, el fabuloso plano donde Moretti parece que anda a la par que un barco y al salir del encuadre se para con señal de respeto, creo que simboliza perfectamente el alma libertina de los bohemios como él, genial. El tercer capítulo quizás sea el más redondo, dedicado a la enfermedad que Moretti sufrió de verdad, y donde los médicos lo mangonean de un lado para otro recetándoles medicamentos de todo tipo cuando todo lo que tenía era psicológico. Toda una crítica muy inteligente al mundo de los doctores, los métodos y las tonterias comerciales del mundo del fármaco. Tan real que es imposible no reírse en muchos momentos (casi todos los momentazos son tremendos, cada personalidad que visita Moretti le dice una cosa distinta, ya sea doctor, amigo, masajista, el mejor doctor de la ciudad...) para acabar de manera redonda, con el director rodeado de fármacos que ha guardado durante un año, bebiendo de la verdadera vida (la mente y opinión propia, un buen vaso de agua y al carajo con las dietas estúpidas de los médicos), si señor, con dos pelotas, no se puede cerrar de manera tan humilde y tajante.

Moretti se cocina y se come un film muy propio, se retrata a sí mismo pero sin delirios de grandeza, exponiendo su opinión como una más, sin excluir ni concretar una crítica brusca, siempre buscando la clase, ameniza el film con una preciosa banda sonora (todo sea dicho), tanto por la parte no original (con muchos temas interesantes) como la compuesta por el genial Nicola Piovani. Simplemente se encierra en un personaje que debo creer a pies juntillas que es él mismo (y si no es así, Nanni es el mejor actor del mundo, je) retratando la soledad de los conflictos introspectivos, mirando al resto no por encima del hombro, sino con buenas miras (como el director dice dentro del film, no excluye a toda la sociedad, sino que se fija en una minoría selectiva que es la que le hace creer en las personas, toma ya). "Caro Diario" no es una película al uso, es más bien un buen artículo de opinión filmado, con un personaje que existe de verdad, con situaciones edulcoradas, reales y líricas por partes iguales. Yo la recomiendo porque es muy franca y modesta, eso se agradece el doble. Un 8,8.

NOTA: 8,8/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E, Cinéfilos que vean más allá.
AÑO: 1993
DURACIÓN: 100 min
Ficha en IMDB
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El Fotograma

SOLUCIÓN: "El halcón Maltés" (John Houston -1941)

"Comida Rápida": Un cortometraje de Ezequiel Camacho

Os traigo hoy algo que os recomiendo ver, un cortometraje de la productora Kokama Films, os explico. Ezequiel Camacho es un compañero de mi socio en Luigi Arts, Esteban Somosierra, que tenía que hacer un cortometraje para una asignatura de la universidad. El corto en cuestión se llama "Comida Rápida" y la sinopsis os la dejo más abajo, pero por la parte que me toca os diré que lo veáis directamente, pues así se os hará más sorprendente. Esteban y yo mismo, estuvimos echando un cable a Ezequiel en el rodaje del cortometraje. El resultado final es genial, me ha gustado bastante y me ha hecho pasar un ratito muy agradable, una historia sin pretensión y con una vis imaginativa a la vez que cómica muy interesante. Espero seguir colaborando en más producciones ajena en un futuro próximo, es todo un privilegio.

Sinopsis: Marcos es una mala persona, pero un inesperado ser le hará cambiar de actitud...

VER CORTOMETRAJE AQUÍ

Hasta siempre Rey del Pop

Nos deja a los 50 años el gran Michael Jackson, Rey del Pop. Hace poco un amigo me decía que aparte de toda la polémica desmesurada y engordada que ha rodeado a Michael durante sus últimos años (las cuales algunas a día de hoy se han desmentido tras su muerte, curioso), el niño prodigio de los geniales Jackson 5 siempre ha sido eso, un niño que se ha resignado a crecer, que ha sido expuesto a una vida que muy pocos mortales han tenido y todo eso ha marcado en cierta manera cual juguete roto (como Elvis o Marilyn Monroe) al Rey indiscutible de los 90. Aparte de eso, lo importante es su música, que ha sido y es ya parte de la historia, pues marca un antes, un después, además de ser un hito y referencia para miles, los cuales me incluyo, pues en mi infancia, Michael Jackson ha estado sonando casi continuamente, sin olvidar los incontables visionados de los mejores videoclips de la historia de la música, que pertenecen a este genio (Ni más ni menos que el mismísimo Martin Scorsese le dirigió uno). Muerte polémica de una vida polémica, de un artista como la copa de un pino. Para mí, Jackson se convirtió en leyenda en los 90, y llevaba ya muerto bastante tiempo, por desgracia, ahora todos los medios y demás a beber del bote, como casi siempre. Hasta siempre señor Jackson. Os dejo con la que quizás sea mi canción preferida (quitando su etapa con los Jackson 5) del Rey del Pop.

"Corre, Lola, corre": La petarda Lola

Haciéndose ahora un huequecito en Hollywood, el aparentemente interesante director Alemán Tom Tykwer, rodó en las puertas del nuevo siglo una película que fue muy valorada en casi todos los sectores de la crítica Europea especializada, "Corre, Lola, corre" es el film del que os habla un servidor. Film que por otro lado a mi me ha parecido una total decepción y de una mediocridad narrativa tremenda, cuando a priori, las alabanzas hacia la originalidad y frescura del mismo me daban un aliciente para verla, no os equivoquéis, todo lo que sale en el film está en muchísimas películas y quizás, mostradas de mejor forma y dinamismo, sin tanta pretensión y sobretodo sin redundar. Ojo al simplón argumento del film: Una joven, Lola, deberá correr desesperadamente en búsqueda de una importante cantidad de dinero que salve a su novio de la muerte. Y ya, porque aunque os cueste creerlo, no hay más, esta historia se repite con mismo patrón 3 o 4 veces durante el film, cambiando el final y algunos puntos de vista para ver la misma historia, pero con distinto destino. Una tomadura de pelo que igual a la segunda pues hace gracia, tiene chicha, pero ya a la cuarta cansa, y encima cuando el film parece no tomarse en serio (la escena donde Lola atraca el banco del padre es sumamente patética, o la del Casino y el famoso "gritito" de la petarda de Lola es para apagar el DVD) es cuando falla. Pues todo el frenetísmo desmesurado del argumento es redundante, no aporta casi nada al espectador y se va perdiendo el interés. Si al menos sus mensajes calaran quizás un poco más, podríamos sacarle algo decente al film, pero no, los diálogos (por cierto, todos de manual Hollywoodiense, y sí, lo sé, el film es Alemán) y situaciones van a peor, quizás lo unico reseñable es cuando el film se para (que es poco tiempo) en mostrar a los protagonistas en la cama, teniendo un mínimo de interés en ellos, pero el resto es paja, carne de cortometraje que alarga cual chicle todo el guión.

En el reparto tenemos a la prota, la hiperactiva y superpetarda (dan ganas de pegarle un tiro durante casi todo el metraje) Lola, interpretada por una pelirrojisima (cual estilismo a lo Luc Besson, de la que os guste o no, el film tiene mucho) Franka Potente, que se dedica a correr, a llamar a su novio y a gritar, no me parece una interpretación reseñable, pero para nada. El que quizás sea el más correcto de la película, es el personaje de Manni, novio de Lola en el film, Moritz Bleibtreu que mantiene un poco de equilibrio interpretativo en el film, aunque claro, se queda solo. El resto de secundarios mejor ni hablar, el padre de Lola para ostiarlo (forzado, cargante, tópico), y así un montón de personajes chorras que parecen aguar la fiesta a Lola durante su recorrido, pero que sencillamente no aportan nada que nos haga quererlos, mimarlos, son simples monigotes. En general, un reparto flojo. En cuanto a la dirección de Tom Tykwer, mucho se ha escrito sobre la innovadora puesta en escena y el curioso montaje de secuencias y planos, nada más lejos de la realidad, el film vale, tiene sus cosas (eso de mezclar animación con travelings de steady, o dividir la pantalla en varias, usar la cámara lenta, zooms a lo Sergio Leone o ponerle el pelo rojo a Lola queda guay, pero vaya, no es NINGUNA INNOVACCIÓN ni ORIGINALIDAD) pero realmente no hay nada que no hayamos visto ya en el cine americano de este tipo (que lo hay) o si nos ponemos, en el cine francés de acción hay películas muy parecidas en cuanto a estética y estilo. Tykwer usa el "arte" esnob para recrearse y salir del paso, se huele pretensión en muchos momentos, y cuando se le exige calidad talentosa para crear por ejemplo, suspense, no lo consigue, pues por mucha cámara lenta y voz en off que nos diga que Lola no llegará a tiempo, no hay tensión (y mucho menos con esa música de discoteca tan horrible que no va para nada con el film en muchas ocasiones) no hay cine, no hay nada.Tykwer debe tener más en cuenta para sus próximos experimentos, la capacidad de atención a la hora de contar una historia mediocre y no "pajearse" tanto con su "maravillosa" técnica "creativa" con tanta pretensión, igual ya a día de hoy lo haya conseguido, o eso o un poquito de estilo propio, es posible, pero yo no lo sé.

En definitiva, un film que no recomiendo (aunque todo el mundo parece salir bastante contento de verla, para mi es un film olvidable a los dos días de verse) pues bebe de la decepción y el cansancio, parece correr hacia ningún punto justificable ni interesante. La incongruencia apareció en mi mente en muchas ocasiones, lo cual es alarmante. Y que decir del patético final, la cara de gilipollas del espectador que ha aguantado los más de hora y pico de película es completa. Un 3, sabiendo ya de antemano que la defenderéis a capa y espada, pero da igual, para mi gusto, esta película no entra dentro de mis prioridades cinéfilas.

NOTA: 3/10
RECOMENDACIÓN: Ninguna.
AÑO: 1999
DURACIÓN: 80 min
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