2009/08/31

"El Rey pescador": El Santo Grial

Es difícil escribir sobre una película que, al menos personalmente, te lo ha dicho todo, tanto moral como cinematográficamente hablando. "El Rey Pescador" del magnífico Terry Gilliam, es un claro ejemplo de films completos en todos los sentidos, una pizquita de felicidad que nos va adentrando en su propio universo (incluyendo la extravagante cabecita de Gilliam) poquito a poco, con los personajes, con una historia sencilla pero lleno de grandes valores, de verdades, de magia. Un famoso locutor de radio tiene un exitoso programa nocturno en el que habla y aconseja a multitud de personas desde las ondas de su emisora. Vive instalado en el lujo y la fama, pero de la noche a la mañana, tras una terrible experiencia con un oyente, se abandona hasta convertirse en un vagabundo. Entonces conocerá otra gente y otra forma de vivir, personas que conviven -y sobreviven- en la misma ciudad que habitan millones de ciudadanos normales.

Guión firmado por Richard LaGravenese, haciendo una labor estupenda, pues entremezcla la dramática historia de la metrópolis de Manhattan personificando unos protagonistas únicos, perdidos, locos pero a la vez más cuerdos que el resto del mundo, y digo "mezclando", porque el film expone la búsqueda de un Grial como punto alegórico a la búsqueda de la felicidad, del equilibrio en la vida, o del amor desinteresado y verdadero (algo que recomendaría visionar, para muchos egoístas de este mundo). La extravagancia casi surrealista (y fantasiosa) de algunos pasajes, se mezclan con un humor rebuscado pero sencillamente magistral. Unos discursos impresionantes ya sea desde el primer minuto hasta quizás la media hora final, donde el film se vuelve algo afixiante y un poquito, pero solo un poquito, lineal. El drama, la complicidad de unos personajes perfectamente escritos y todos los elementos que se entrelazan, casan perfectamente haciendo una historia tremenda, perfecta, idílica incluso y disfrutable, una vez estás dentro de la búsqueda del grial como arma metafórica, bohemia y soñadora de todo lo que rodea el film, te adentras en el celuloide, sin saber muy bien explicar (como me está pasando en estas líneas) de que va, lo que trasmite, supongo que lo que suele pasar con las joyas de la vida, inexplicables, bellas, trasmiten y hablan por propios méritos. El film juega con eso y entra muy dentro, podría decir que es una búsqueda introspectiva hacia nuestros caminos correctos, hacia la locura que de vivir, esa que debemos tomarnos con poca cordura o realmente nos eclipsarían todo lo que importa, como pasa en el film, si sabemos ver más allá, dentro, sucios, vagabundos, pegados de inutilidad, sabiendo con personalidad quienes somos, encontraremos bellos motivos para seguir y seguir, con perspectivas.

Solo hay que fijarse en la escena que ilustra la foto de arriba, donde los personajes encuentran la satisfacción de lo que les brinda la sencillez de la vida, para darse cuenta de que aparte de tener un guión estupendo, el reparto y sus respectivos personajes funcionan a partes iguales, siendo magistrales en lo interpretativo y a su vez de forma narrativa. Así que poco hay que decir sin que deje de elogiar a Jeff Bridges en el papel del indeciso locutor de radio (Además de que este actor siempre me gusta en cada papel que hace sea buena o mala la película), perfecto, un personaje evolutivo, muy carismático y memorable. Igual le pasa al genial y entrañable papel de Robin Williams como Parry, el actor firma para mi ( De todos los films que he visto de él hasta la fecha) su mejor rol, pues su interpretación es perfecta y redonda, sin más. Ni que decir tiene que las chicas de la película son realmente alucinantes en sus respectivos papeles, Mercedes Ruehl se llevó el Oscar por este papel, y merecidísimo, el un personaje enamorado y sufridor, con todas sus consecuencias, lleno de vida y aunque al principio parece secundario, toma una relevancia tremenda en la segunda mitad del film, siendo interesantísimo y perfecto. Amanda Plummer (la mítica "Honey Bunny" de Pulp Fiction) es la chica antisocial e incomprendida, un personaje nuevamente entrañable, lleno de vida, de introspectiva femenina que llena la pantalla de sentimientos. Las escenas que comparte con Williams son memorables. Un reparto excelente, con unos secundarios (ojo al personaje del vagabundo que se siente mujer, impecable) de lujo, que conforman unas magistrales interpretaciones, sumamente disfrutables de principio a fin.

Terry Gilliam es el hombre tras la cámara. Impecable su dirección, creo que este hombre es uno de los directores vivos más imaginativos, creativos, artesanales e inexplicablemente incomprendidos del cine. Su técnica rebosa de planos con unos encuandres imposibles y psicodélicos (llenos de vida), la cámara en mano, la imaginación de las escenas donde Williams se imagina al caballero rojo son una muestra de la creatividad del patito feo de los Monty Python. La dirección de actores es realmente impecable, no se le puede reprochar nada a Gilliam porque con su estética (esos decorados tan barrocos, expresionistas, oscuros, coloristas a su vez que tanto molan) y su manera de rodar (casi parece que va improvisando sobre la marcha, pero a su vez denota un control creativo meticuloso) dan vida a la película, sin él, no se yo que hubiese sido de esta película, sinceramente. George Fenton compone la banda sonora original del film, llegando con fuerza cuando la ocasión lo requiere, perfecta, pues no molesta ni destaca demasiado, simplemente sigue el camino del film fluyendo de forma natural.

"El Rey Pescador" es un film con un guión impecable, pues su mezcla e idiosincrasia de la no-linealidad que lleva impreso, hace que el espectador no espere los giros de la comedia al drama, hace que sientas los personajes, que vayas con ellos a un mundo de magia, no necesariamente realista, aunque en muchos momentos, duros, Gilliam ya lo deja claro con esos fuegos del final y los edificios encendiéndose en la noche, que, el cine es pura magia, pura vida, una pasión para amar y sentirse amado. Esa es la belleza de esta obra maestra y joya trascendente, que hay que sentirla, sin poder explicarla luego. Eso que ya hace tiempo que nos os suelto en las reseñas, CINE CON MAYÚSCULAS. Un 10 porque ha sido la película perfecta para cerrar un Verano lleno de sensaciones y bellos recuerdos en la búsqueda del Grial entre tanta basura suelta, jeje.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Soñadores. Ver en V.O.S.
AÑO: 1991
DURACIÓN: 137 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube





2009/08/30

Frases de cine

"Asi es como muere la libertad, con un estruendoso aplauso".
- Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith -
(George Lucas, 2005)

2009/08/29

Retomando "La Bella Confusión"

Me alegra que después de toda la tormenta que rodeó ha nuestro próximo cortometraje, "La Bella Confusión" durante estos meses atrás se hayan calmado con la llegada de Ariadna Morales, actriz que está haciendo realidad el personaje de Clemenza, el único que queda por contar y grabar dentro del cortometraje. Serán dos días más de rodaje, creo que rodar al personaje de Ariadna es como desarrollar un nuevo proyecto, es tal la plantificación que llevamos con esta parte de "La Bella Confusión" que así lo parece. Asi que si todo va según lo previsto, terminaremos el rodaje (en exteriores) de una vez por todas. De nuevo, y siguiendo la estela de los otros personajes del corto, he hecho un póster acorde con el personaje de Clemenza, además de algunas pruebas de estética en fotogramas que os dejo a continuación, algo que se asemejará bastante al resultado final del corto, aun sin ser definitivos, estoy bastante satisfecho de como se va viendo y perfilando los momentos que compondrán el proyecto final. Sin duda, "La Bella Confusión" se ha convertido en el proyecto más ambicioso que yo recuerde haber hecho en Luigi Arts. A estas alturas mostraré el corto entero a base de fotos, jajajaja.

2009/08/26

Momentos futurísticos


- "Regreso al Futuro Parte II"
(Robert Zemeckis) -


"Por un puñado de Dólares": El tipo perfecto en el lugar correcto

Desde la honestidad diré, ¡Qué grande es Sergio Leone!, maestro de Western y creativos planos, me decido por seguir con su cine en la primera entrega de la trilogía del Dólar. Tras visionar la genuina "El bueno, el feo y el malo", retrocedo atrás en el tiempo para ver la primera película que forma la peculiar trilogía protagonizada por Clint Eastwood. "Por un puñado de Dólares" es un film redondo cual moneda, corto, intenso, puro Spaghetti Western. Tras la muerte de Juárez, en México dominan la injusticia y el terror. Joe, un pistolero vagabundo, llega al pueblo fronterizo de San Miguel, donde dos familias se disputan el control del territorio, y entra al servicio del clan Rojo. Una noche, Joe es testigo del intercambio de oro por armas entre mexicanos y soldados de la Unión. Es curioso que el tema principal del guión parta siempre del elemento del forastero americano que llega al pueblucho para (con inteligencia) sacarse un puñado de Dólares. Esta primera mitad, donde Eastwood llega y arma la pajarraca pero de verdad, es solo la la puntita de un iceberg que Leone se tiene reservado tras la manga (como en los salones del viejo oeste), su libreto consigue, entre muchas otras cosas, levantar al espectador del letargo que producen los sonidos del desierto, el viento o las cabalgadas a galope de las diligencias, es maestro de lo simplista y anodino, pero ojo, la mezcla convierte la historia en una épica de un dinamismo tremendo. Eastwood parece estar en el momento oportuno del sitio oportuno, haciendo caja aprovechándose de la confrontación de las bandas que se han formado en el poblado (Los míticos Rojos y Baxters), esta parte es divertida, Eastwood con su carisma y su poncho marrón al hombro, llenan el film de pasajes memorables (ese donde carga dos muertos a ambos grupos para beneficiarse a costa de ellos es sencillamente sensacional). La cosa cambia cuando el héroe decide pasar del dinero que gana, para instaurar la paz en el poblado, es ahí donde le dan para el pelo, donde la vuelve a liar, y finalmente la mítica y cruel venganza de los malvados, que tendrá una última parte realmente acojonante, donde Leone se luce de arriba a abajo, un duelo de los de aupa, cinematográficamente impecable (de hecho, en "Regreso al futuro" homenajean esta parte), quizás uno de los mejores duelos que se hayan visto en el género del western, o eso me lo pareció.

Y con un guión cerrado, lleno de diálogos típicos y tópicos del Spaghetti Western, que a los que de verdad nos gusta el cine no vemos como aspecto negativista, sino todo lo contrario, algo que DEBE estar por narices y disfrutarlos, los momentos y salidas de Eastwood son memorables, como las frases de los villanos (esa por ejemplo de que siempre apunta al corazón, las del "Sheriff"o la que compara el rifle con la pistolita de Eastwood, sencillamente geniales). Y he ahi a los personajes del film, corales por supuesto, estereotipos del western épico, por supuestísimo que sí, pero que más da, es Sergio Leone, a este hombre le permitiría meter elefantes en el puto desierto sin que me chocase lo más mínimo. Clint Eastwood empezaba aquí su papel más memorable, el del salvador, el héroe inteligente y carismático, con poncho y puro en ristra de las películas de Leone. No difiere mucho de su papel en "El bueno, el feo y el malo" (desconozco aun su rol en "La muerte tenía un precio"), eso si, creo que Eastwood está perfecto en la piel de Joe. El malo malísimo, lo protagoniza Gian Maria Volontè, emitiendo (sí, literal) esos caretos de circunstancia tan buenos (en serio lo digo, son cojonudos, vaya villanaco de los de antes, artesanal, jodido, duro de roer, como debe de ser coño, ya está bien de tontear con los villanos en el cine de hoy en día), genial. Wolfgang Lukschy como el líder de los Baxter, las mujeres (que aquí tienen algo de presencia, algo que no pasa ya en "El bueno, el feo y el malo") Marianne Koch como Marisol (bonitos ojos por cierto), Margarita Lozano como la señora Baxter (Vaya final que tiene, si esto no es el duro oeste, si esto no es misoginia que venga Kubrick y lo vea). No me olvido de los míticos personajes del sepulturero y el barman, Silvanito y Piripero , interpretados por Joseph Egger y José Calvo. Un reparto que no se olvida porque es carismático en todo momento. Leone lo sabia, había que dotarles de una personalidad única e irrepetibles. Lo consiguió con creces.

Sergio Leone tras la cámara, sensacional, como siempre. El tío se guarda los mejores planos y encuadres para la escena final o los momentos clave (de ahí que su técnica sea bastante influyente, pues sabia administrar muy bien su creatividad y talento depende del estado anímico del film) de hecho memorables son los planos del trueque entre bandas, o el de la mencionada escena final, donde Leone coloca la cámara a ras de las espuelas, con primeros planos marcados de los personajes, detalles, un montaje rápido y a su vez parsimónico, una delicia para ser estudiada al detalle, pues la tensión dramática, y de nuevo, la épica eran solo propias de Leone. El resto del film, está estupendamente dirigido también, quizás lo típico de este género sea usado por Leone, planos amplios, las famosas noches americanas (muy bien hechas todo sea dicho), la técnica quizás fuese más espectacular en los otros films de la trilogía, pero aquí, destaco la sencillez del film en su totalidad, sencillez que se resume en un montaje de hora y media que son sencillamente redondos, llenos de calidad y dinamismo (quizás en ese aspecto gane a "El bueno y el feo y el malo" pues es redonda, nada falla, nada sobra, es una delicia que no dura ni mucho ni poco, sino lo perfecto). La música, como siempre, sensacional el maestro Ennnio Morricone, creando otro score memorable en el subconsciente de todos los que amamos el cine, magnifico. Un punto que quiero debatir para acabar la reseña, ¿Alguien sabe si la versión original del film está rodada en Inglés y no en Italiano como aparenta ser?, yo la he visto en Inglés, y luego he visto trozos en Italiano, tengo que decir que creo que en Italiano, el sonido está claramente doblado, mientras que en Inglés, parecen las voces rodadas en directo, pues la sincronización de las bocas es perfecta. Nunca se sabe con estos films la verdad, al poseer actores de multinacionalidad pues es difícil, a ver si alguien resuelve la duda.

La primera entrega de la trilogía del Dólar, "Por un puñado de Dólares" es sencillamente cojonuda. Una obra maestra que te mete de lleno en la épica del western y no te suelta hasta su sensacional cierre. Leone es un maestro, Morricone otro, y Eastwood toda una leyenda. No sabría decir cual de las dos pelis de la trilogía (que he visto) me han llenado más, pues las dos son dos grandes films, quizás por el hecho de que el disfrute de esta ha sido pura adrenalina, sin respiro, donde me han brillado los ojitos cinéfilos le de más valor, pero esto es tonto, ambas me gustan. Y como dirían en el film, un merecido 10, amigou.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos.
AÑO: 1964
DURACIÓN: 99 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube



2009/08/25

Las 10 películas más influyentes de los 70

Hace tiempo en alguna web, puede leer uno de esos curiosos rankings (la mayoría muy cuestionables, pero este la verdad que acierta bastante en mi opinión) donde se daban a conocer los diez largometrajes Norteamericanos más influyentes en la densa sociedad de los 70. Y es que, amigos, según afirma la propia Jodie Foster, en los 70, se hicieron grandes películas, quizás una de las mejores edades doradas de Hollywood. Este es el ranking, he visto todas menos una, lo cual me hace sentirme orgulloso, jajaja. Vamos con el rankig:

10. M*A*S*H (1970)
Comedia dirigida por Robert Altman que relata las andanzas de los médicos y enfermeras de campaña que cumplían con su labor durante la Guerra de Corea. Premiada nada menos que con la Palma de Oro en Cannes, y reconocido su excelente guión en Hollywood, su gran éxito originó una aclamada serie de televisión que continuaba relatando las peripecias de estos abnegados médicos con buen humor. Este es el film que precisamente ocupa el último lugar del top 10 que me falta por visionar, estamos en ello...je.

9. Taxi Driver (1976)
Para mí, sin duda una de las mejores películas no solo de la década de los 70, sino de la historia del cine y mi preferida de la filmografía del GRAN Martin Scorsese. El inolvidable y camaleónico taxista de New York Travis Bickle que se verá perdido en la inmensidad de la soledad que rodea la inmunda sociedad de las calles Neoyorquinas, toda una alegoría sobre la oscuridad del mundo, de la mano del guionista Paul Schrader. Una obra maestra con todas las letras, uno de los films que mas me impactaron cuando lo vi, un Robert De Niro inconmensurable, un desconocido e irreconocible Harvey Keitel, una jovencita Jodie Foster haciendo de la prostituta Iris, uno de los films que adoro y no me canso de ver.

8. Tiburón (Jaws) (1975)
No podía faltar el maestro Steven Spielberg con este clásico instantáneo. Un film que pone los pelos de punta, y una de las obras maestras del Rey Midas. Tiburón no solo fue un film que caló cinematográficamente hablando, sino que tuvo a medio mundo acojonado a la hora de meternos en el agua para disfrutar de un bañito sin tener que oír en el subconsciente la inquietante y genial melodía de John Williams. Quién no se acuerda de esta película, de la persecución final en el bote, del tiburón robotizado que da yuyu saliendo del agua a asustar al recientemente fallecido Roy Scheider, de la magistral secuencia inicial. Spielberg jugó bien a ser Hitchcock, y le salió una obra redonda, memorable y fantástica. Aquí tenéis mi reseña sobre el film de Spielberg.

7. La naranja mecánica (1971)
Quizás la película mas sobreexplotada de Stanley Kubrick, pero es evidente que es un film muy influyente en la historia del cine, inclusive si apuráis, hoy en día. Imperecedera en el tiempo, los geniales drugos capitaneados por un sobresaliente Malcolm McDowell. Este film realmente impacta por la potencia visual que arrancan al espectador de la butaca, la dureza de un clásico irrepetible e inolvidable. Personalmente no creo que sea el mejor film de Kubrick, pero si que es una de las películas más influyentes, criticadas, adoradas, odiadas, de la historia del cine (en Inglaterra la prohibieron durante 20 años, ahi es nada).

6. Annie Hall (1977)
Woody Allen rodó su mejor película en los 70. Un film redondo, autobiográfico que arrasó con varios Oscars, entre ellos el que se llevó Diane Keaton, una de las muchas musas del director. Es un film con un contenido muy denso, memorables escenas y perfección en su totalidad. Para mí, este film de Allen es una de las muchas joyas que nos ha dejado el director Neoyorquino. ¿Quién puede olvidar ese cierre tan poco común, en el que Woody pierde a la chica comparando su situación con una metáfora sobre los huevos de una gallina?, sin duda, una obra maestra.

5. Apocalyse Now (1979)
Francis Ford Coppola será recordado por aquellas palabras tan ególatras y ambiciosas que dijo en su día, en un tiempo donde rodaba clásicos como éste: "Apocalyse Now no es una película sobre el Vietnam, es el Vietnam...". Con esa premisa, de acuerdo estoy, para mi es la mejor película que se ha rodado sobre el Vietnam, porque sin duda es totalmente atípica, psicotrópica, paranoica y abstracta en todos los aspectos. Inolvidable el papelón que se marca Marlon Brando, la salida del agua de Martin Sheen con esos colores tan definidos que marcaron un hito en la fotografía. El ataque inicial de los helicópteros, la música, los personajes, el cierre tan apocalíptico y pesimista del film. Supongo que otra de las joyas de la historia del cine, uno de los mejores films de Coppola, nada convencional, le debo un segundo visionado pronto.

4. Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)
Milos Forman rodó un peliculón de terror psicológico memorable. Un Jack Nicholson que parece el más cuerdo entre los locos, una enfermera hija de puta que está considerada como uno de los villanos más crueles de la historia del cine. Un canto pesimista (como casi todo lo que se hacía en los 70 que mereciera la pena, supongo que por eso molaban tanto las películas) hacia la libertad de las personas, la injusticia, un film crudo y tremendamente duro. Cuando pienso en esta película, me vienen rápidamente a la mente las escenas del final (esa tan parodiada y memorable donde el indígena se escapa del manicomio mientras Nicholson está medio vegetal), o la parte optimista (curiosamente) donde todos los pacientes parecen que van a escapar en el barco de los sueños, pero no, recuerden, estamos en los 70, época de bulevares donde los sueños están rotos. Aquí hice la reseña cuando la visioné.

3. Chinatown (1974)
Influyente supongo, que por el tema tan socialmente crítico y político que trata. El film que he podido ver hace poquito de Roman Polanski contiene elementos algo originales, atípicos del cine noir, y a su vez mezcla los elementos del mejor cine negro de los 50 con la época en que se rodó. De nuevo con Jack Nicholson y Fane Dunaway (que se marca un papelón). Quizás lo más memorable (no es mi film preferido de Polanski, y tampoco lideraría mi lista personal de los más importantes films de los 70, pero aún así, una gran película) sea sus últimos 30 minutos, donde se descubre el pastelazo, los giros parecen entenderse con meditación moral, sin olvidar ese final tan setentero, tan Polanski en sus formas, tragedia cruda y real. Aquí tenéis la crítica que le dediqué.

2. La Guerra de las Galaxias (1977)
La gente aguardó largas colas para ver los revolucionarios efectos especiales y la aventura espacial que había creado un tal George Lucas, que en Mayo se refugiaba con su amiguete Spielberg con el miedo a que el film fracasara estrepitosamente. No fue así, la historia de Luke Skywalker, Han Solo y Leia Organa marcaron un hito en la historia del cine, "Star Wars" fue un fenómeno de masas y un buen soplo de aire fresco en los 70, con un espacio inmaculado (como el de Kubrick de "2001" pero más pintoresco). Quién puede olvidar la batalla final en la estrella de la muerte. La primera vez que Vader se apodera de la pantalla. C3-PO y R2 perdidos en el planeta de las dos Lunas. Hoy en día, "Star Wars" sigue siendo un film que no pierde con cada visionado, que queda clavado en la retina del que la ve, influyente (no solo en la sociedad, sino en un grupo de cineastas que vinieron después) pues en casi todas las películas de ciencia ficción que vinieron e inclusive en el cine de hoy, "Star Wars" sigue vigente. Una obra maestra que dio el pistoletazo de salida a una nueva manera de hacer y ver cine, no como lo que se dice por ahí que pasará con "Avatar".

1. El Padrino (1972)
Coppola la lió buena. Dirigió el estupendo papel de Marlon Brando como Don Corleone (Todos recordaréis que Brando ganó el Oscar y la armó en la recogida del mismo) y se alzó con una de las películas más influyentes del cine Norteamericano (por no decir, la más destacable, quizás el buque insignia del Hollywood de los 70 como ya fuera "Casablanca" en su día). Obra maestra que tuvo una segunda parte magistral que bien podría entrar en el Top 10 éste, pero bueno, como pieza única, "El Padrino" funciona perfectamente, y para todo cinéfilo debe ser de visionado obligado. Como olvidar las escenas tan memorables del film: Corleone en la escena que abre el film, siendo atacado en un plano cenital, Al Pacino tomando el relevo en una de las evoluciones más conseguidas en un personaje escrito para el cine. Esa catarsis final, con Diane Keaton cayendo en el olvido de Michael, un cierre con desasosiego y frialdad tremenda (final made in 70, si señor) con la puerta del despacho cerrándose a cal y canto, pura metáfora de la oscura vida que tendrán los Corleone de ahí en adelante. Un magistral film (en realidad la trilogía es bastante magistral) de la que ya os hablé hace tiempo en ese especial "Trilogía El Padrino" que os dejé aquí.

Puestos a echar de menos algún film (personalmente hablando) en el ranking, diría alguna película que para mí, si que merecen estar en la lista de lo más influyente de los 70, son estas: "Encuentros en la tercera fase", "El Padrino II", "Alien, el octavo pasajero", "El Exorcista", "El Cazador", por poner algunos ejemplos.


Love Me Or Leave Me



Billie Holiday, como siempre, funciona en esos momentos donde llega la nostalgia, la flaqueza de las emociones. Este tema me encanta. Para vosotros.

Una pequeña historia



- "Vivre sa vie" (Jean-Luc Godard) -


2009/08/24

"Jurassic Park III": La mejor comedia surrealista de la historia del cine

Una de las cosas que me encantaría hacer en el mundo, sería analizar secuencia tras secuencia lo absurda que me parece (cada vez que la veo) la tercera entrega de Parque Jurásico, cosa que no haré del todo, esto la verdad no parece una reseña normal, más bien sacaré algunos puntos de esta cosa hecha en celuloide. Película de Joe Johnston, director que a priori no me disgusta para nada (a el le debo grandes momentos de mi infancia viendo "Jumanji"), pero tanto Spielberg de productor, tanto Michael Crichton y Sam Neill se lavaron las manos para conseguir algo aceptable y pusieron sus nombres en un film puta, osease un film para ganar dinero, sin mucho más contenido. Es curioso, porque el tonto que soy yo, ha visto el film más de tres veces, he de admitirlo, creo que en mi pubertad, la tercera entrega me entretenía, el ritmo endiablado (siempre dije que la tercera parte era un ¡Corre, Corre que me comen los dinos! todo el rato, estaba bien, pero para historia y guión las otras dos, sobretodo la primera, que es la buena). Acabo de revisionarla (Pues las dos anteriores de Spielberg las he visto muchas más veces y me siguen gustando a día de hoy) y la verdad, pierde muchísimo con los años. Después de ver mucho cine de aventuras, esta peli la verdad es bastante horrenda. Hay momentos de puro surrealismo, donde nada se toma en serio, los gráficos por ordenador y los muñecos de Stan Wiston se confunden y no se mezclan bien. La fotografía parece sacada de un telefilm barato, los actores (sobretodo Téa Leoni) están muy poco correctos. En general un desastre hecho cine. Una deshonra que cierra la trilogía de la peor manera imaginable, y os diré más o menos porque lo veo asi.

La película empieza con el ataque de..., estooo, de, ¿Qué coño ataca al barco para que se estrelle con la única roca que hay en el maldito mar?. Luego se presenta al mítico Dr. Grant en casa de Ellie (eso si, chapó para Laura Dern, quizás la única con sentido común en la peli) donde Grant juega con muñequitos a su puta bola, la ostia. La presentación del personaje de Billy, impecable por decir algo, pues la metáfora de confundir roca con huesos de dinosaurios derivando al el tema sexual es de lo peor que se podía hacer en "Parque Jurásico", no se como Crichton permitió esto. El caso, confunden al doctor Grant por el dinero para ir de vuelta a la isla (Después cual hipócrita reprochará a Billy que robase los huevos de raptor con la mejor intención, claro, la excusa de Grant para que el alma de Billy se corrompa por ambición es que es joven, ¿Y tú qué Grant? anda anda). El momento que más risa causa y que parece sacado de los mejores films de los Monty Python, es sin duda, ese que Grant está soñando y un raptor le habla con la voz de Billy, escena memorable donde las haya, jajaja. El nuevo dinosaurio, el puto Spinosaurio, es para echarle de comer aparte, pues se carga los menos de dos minutos que el gran T-REX tiene en la peli (Spielberg, ¿Como pudiste permitir esto?) pues con una llave cual ninja, el dinosaurio encorvado se carga al rey de los dinosaurios en un abrir y cerrar de ojos, olvidándose de sus presas, más tarde. Y asi sigue la peli, la primera escena de los raptores, está curiosa, ahora, los nuevos "modelos" de raptores son verdaderamente horribles (con plumas en la cabeza, parecen Indios) sinceramente dan mucho menos miedo que en las otras dos, y sí, son estúpidos por mucho que el film se empeñe en decir que son muchísimo más listos que en las otras dos películas (no hay más que ver la cochambrosa trampa que les gastan a los protas, vaya tela, al guionista le deberían haber recomendado leerse la secuela, pero la novela de Crichton y no el film, claro, "El Mundo Perdido", donde los raptores si que son listos y temerosos, tienen una escena con unas chocolatinas y una jaula que esperaba que Spielberg hubiese rodado, pero bueno...).

El niño perdido en la isla se marca las escenas mas tontas de la peli, ¿Como es posible que tres tíos armados hasta los dientes (con bazookazo incluido en su presentación), mueran a los 3 minutos de pisar la isla, y un criajo de mierda que se dedica a robar pis de T-REX (como escucháis) sobreviva ocho semanas en un bunker de mierda?, increíble, para fliparlo, para descojonarse. Luego, critican Grant y piojoso juntos a Ian Malcom por toda la cara, llamándolo prepotente, sin venir a cuento. Más tarde, la famosa escena del dichoso teléfono móvil, que supuestamente suena entre los intestinos del encorvado, pues vaya guay. El encorvado logra no comerse a Grant y el crio por vago, porque con una zancada de más podría hacerlo. Cuando parece que el grupo se ha puesto a salvo, el encorvado rompe una SUPER verja de metal para proseguir con su caza, casualmente, había por alli un refugio hecho de ¿Madera y una puerta de hierro? que nuestro amigo el encorvado no puede abatir después de cargarse un pedazo más grande de la otra verja, si esto no es un What the fuck, que venga Dios y lo vea (oséase, John Hammond xD). Y entramos en la quizás única escena donde se consigue un poco de suspense, la jaula, donde aparecen los dinosaurios voladores con mala leche, que no paran de dar por culo a los personajes, intentando comer algo de nuevo, Grant metiéndole una patada a uno, Billy con su momento heroico, las crías con espasmos, Alan descubriendo que están en una jaula de pájaros oliendo la mierda (literal) de los bichejos ( Alan dice: ¡Es una jaula! a lo que Téa Leoni responde cual embobada: ¿Para qué?, hombre digo yo que para guardar cocos, ¿No? , eso o para que los luchadores de la WWE se metan de leches con los dinos jajaja).

Y asi, llegamos al último tramo (venga, ya no puede ser tan mala), pero cuando la cosa parece mejorar con la adquisición del barco y esa conversación medio decente que Grant mantiene con el crío sobre la diferencia del estudio con poder ver y tocar, aparece, ¿Quién? ¡Nuestro amigo el teléfono! sonando entre un montón de mierda, de nuevo literal, una buena máquina si señor, soportando jugos gástricos y encima funciona, la "reostia" (la cara del dinosaurio que aparece por la cara oliendo la mierda del encorvado y se marcha ido de la olla no tiene precio xD). Luego, escenita de acción con el encorvado que no entiendo porqué no se come al personaje de William H. Macy cuando este cuelga de la grúa, tiempo tiene de sobra antes de que le tiren la bengala. El caso, H. Macy haciéndose el héroe y salvando su matrimonio, ole los huevos del guionista. Y tras llamar a Ellie en el último momento, llega el final con los raptores, una escena sencillamente absurda, pues, los bichos cual estúpidos, se creen que Téa Leoni ha robado los huevos por ser mujer (otro What The Fuck con todas las letras, el primero, hay muchos más en la misma escena, que dura menos de dos minutos), Alan saca la mochila y le da los huevos al personaje de Leoni, esta se los pone a los Raptores. Y lo mejor, Alan tiene en la mochila de Billy la caja de resonancia falsa de raptor de los cojones, que sirve para que al usarla los raptores se rallen (cual flautista de Hamelin) y se vuelvan más agresivos, a lo que el elocuente personaje de William H. Macy, responde: "¡No,no! ¡Haga que se vayan!", yo soy Grant y dejo que se lo coman, porque ya me dirás tú, como se comunica uno en velocirraptoriano con una mierda prefabricada, en fin, que los raptores huyen como putas cuando oyen los barcos, helicópteros. Dios santo, ¡El ejército! increíble, según otra vez el personaje de H. Macy, la embajada estadounidense no movería un dedo, pues o Ellie se tira al presidente o no se, porque tal exageración es ya el colmo.

Y recordando (a su manera claro) al final de la primera parte, el señor Joe Johnston se convierte por fin en John Hammond, con la escena "bonita" final. Billy sobrevive y está ya subido en el helicóptero con su risa de palo (Otro What The Fuck, con todas las letras), Los bichejos voladores salen libres y bellos, para colmo sin atacar al helicóptero (parece que se han calmado, o han admitido que son unos inútiles por no haberse podido comer ni al que tenían a huevo, Billy). Así, emigrando, termina el film con la música de un John Williams que fue inteligente y decidió no meterse en este despropósito. Y la verdad, esto si que es un análisis, no completo del todo (hay alguna cosa que ahora me ha venido que he olvidado escribir por el camino, pero bueno, ya es suficiente), que ha servido para cambiar mis principios sobre este film. Pasa como con la tercera parte de la momia, que nunca debió de haber existido como la conocemos. Spielberg es grande, ahora, como productor a veces, la caga, este "Jurrasic Park III" es un ejemplo. Le doy un 3 siendo benevolente, y que conste que soy fan de la saga jurásica, también me he leído "El Mundo Perdido", por si quedaba alguna duda sobre mis gustos.

NOTA:3/10
RECOMENDACIÓN: Evitar.
AÑO: 2001
DURACIÓN: 92 min
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2009/08/23

"La doble vida de Verónica": Almas gemelas que quieren encontrarse

Hacia ya tiempo que trás descubrir la filmografía del director Krzysztof Kieslowski con "El Aficionado", tenía pendiente la reseña de un film no lineal, de poética belleza visual y potente calado moral, "La doble vida de Verónica". Veronika vive en Polonia y tiene una brillante carrera como cantante, pero padece una grave dolencia cardíaca. A miles de kilómetros, en Francia vive Verónica, otra joven idéntica físicamente que guarda muchas similitudes vitales con ella, como sus dolencias o su gran pasión por la música. Ambas, a pesar de la distancia y de no tener aparentemente ninguna relación, son capaces de sentir que no están solas. Cuando Veronika muere, durante un recital de canto, la otra vida de Verónica da un vuelco. Abandona la música, la relación con su padre no es buena y poco después se enamora de un autor de libros para niños que escribe pequeñas historias relacionadas con la misteriosa duplicidad de la joven. Un día, éste descubre, entre las fotos que Verónica guarda de un viaje a Polonia, la clara figura de Veronika al fondo de la imagen. El fantástico libreto, corre a cargo de Krzysztof Piesiewicz & Krzysztof Kieslowski, un sutil relato lleno de simbolísmos, metáforas visuales (el diálogo es más bien aclaratorio, pero pefectamente el film podría ser mudo en sus formas), temas existencialistas. La idea con la que Kieslowski juega es interesante, la aparición de nuestra alma gemela en otra parte del mundo con el claro mensaje de la soledad de por medio, un tema que se asoma a la película de manera inocente pero que complementa otro tema, el completarse como persona, el encontrarse entre la multitud de personas que ven la vida de los mismos colores, y si no se logra, uno debe resignarse y cubrirse con su mortaja (representado aquí de manera metafórica con las excelentes marionetas del escritor, quizás la sutileza más clara del film en cuanto a linealidad, que ya os digo, es inexistente, el film hay que entenderlo siempre con una manera propia de ver la vida, si no entráis en el juego metafórico o bohemio de Kieslowski, de nada servirá la intensa hora y media del metraje).

Dos mitades, o dos caras de una misma manera representada a través de un solo cuerpo, aun así, con mucha espiritualidad, con matices de una paleta de colores bie expuesta (de eso hablaremos luego), donde la historia se desenvuelve con fuerza, trasmitiendo directamente al corazón y al alma humana, no hacen falta las palabras, quizás los detalles, la modestia de los personajes, ese aire ingenuo que tiene todo ("Amélie" debió beber algo de este film, tanto visual como narrativamente hablando) logran una ilusión que hipnotiza y atrapa al espectador desde el primer minuto. Quizás el final sea lo más brusco, pero para mi, representa algo bastante reconfortante, encontrarse, requiere del sentir natural de las cosas y de la propia incomunicación de las palabras, las personas encontramos nuestros lazos (como el que el film simboliza en esas cartas que el escritor le manda a Verónica) porque sí, no se puede explicar, viene del interior, sea en Francia o en Polonia, a veces, la conexión es introspectiva. De hecho, el film trasmite algo inexplicable en muchos momentos, no digo que os transmita a todos, depende de lo que os evoquen las imágenes (por ejemplo, a mi la escena en la que Mónica se la foto de su doble y se echa a llorar, trasmite una sensación desoladora, pero a su vez llena de ternura y amor, es uno de los mensajes claves del film, encontrarse finalmente ante la inmensidad de la desesperación por saber quienes somos y dejar la ingenuidad. La inocencia de Verónica desaparece al final, ya no ve el mundo al revés a través de su bolita con dos estrellas iguales pero diferentes, aprecia los detalles sin quedarse con los ojos cerrandos sitiendo el serrín del techo, ahora sin pensar en la consecuencia fatal, siente cuando hace el amor, ve con la perspectiva correcta, sabe que es ella. Todo esto muy alegórico, con imágenes ya digo, muy sutiles para rebuscar en ellas o analizarlas).

Y el guión recoge unos personajes donde profundizar, sobretodo la protagonista, la verdad, uno de los personajes femeninos que más me han impactado últimamente. La bellísima actriz Irène Jacob se inventa los gestos, las miradas, las sonrisas, las bocas entreabiertas, la sencillez y sutileza de un personaje MAGISTRAL de arriba a abajo, un alarde de actuación hecho con lo introspectivo desde la belleza que emite esta actriz, también ya os digo, mis palabras son difíciles de explicar, hay que verla a ella, simplemente. De entre todos los secundarios, destacar el papel del escritor y marionetista, quizás de todos los masculinos el mejor (junto con el padre de Verónica), interpretado por Philippe Volter. Los personajes secundarios están todos bien, pero vuelvo a decir que el de Verónica es el único que existe verdaderamente, es el que mejor escrito está, en realidad el alma de la función. En la dirección, Krzysztof Kieslowski coge la cámara por los cuernos, directamente, haciendo una realización sencillamente genial, mezclando unos encuadres perfectos llenos de minucioso detalle, pasándo por la espontaneidad de la cámara al hombro en muchas escenas. Es curioso como rueda Kieslowski en ciertos momentos, pues la cámara parece ir tímida de la mano de la protagonista y se va soltando al final, es como si la cámara fuera su estado anímico, su visión (ese plano en un bello bulevar de atardecer en el que Verónica se desfallece que se adapta a la oblicuidad de ella como si el espectador se acostumbrara poco a poco a su vida, a su sufrimiento), de hecho hay un plano donde la protagonista hace el amor que me parece muy curioso, pues está grabado con un macro objetivo donde todo lo que esté a más distancia de un primerísimo primer plano, se difumina, este efecto parece estar ligado a la bolita que lleva la protagonista, y está visto como si mirásemos a través de ella. Es un ejemplo de muchos dentro de la peli. Destacar aparte de la genial dirección de actores, la fotografía, creo que hay pocos films que tengan unos colores tan característicos (aunque este director se caracteriza por dar significados con ellos) los tonos amarillentos, verdosos y rojizos, son una verdadera maravilla, los filtros usados son anteriores supongo a la tecnología digital, son un marco perfecto y precioso para el estilo visual del film, sin este elemento, sin duda la película no sería la misma.

Destacar el montaje (la hora y media de metraje pasa en un suspiro) y la preciosa música original compuesta por Zbigniew Preisner, que casa perfectamente con el tono del film en todos los momentos en que aparece. "La doble vida de Verónica" es apta para unos pocos paladares, supongo, es un film con una visión muy particular sobre las cosas, los sentimientos y la vida. Con una técnica intachable y cinematográficamente muy disfrutable. Una pequeña y dulce joya, un 10.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S
AÑO: 1991
DURACIÓN: 98 min
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"Las mil y una noches": La verdad no está en uno, sino en muchos sueños

Sigo con el visionado de las películas del director neorealista italiano, Pier Paolo Pasolini tras visionar la correcta "Accattone" y la dura pero magistral "Saló o los 120 días de Sodoma". Película inspirada en cuentos eróticos del medio oriente. Su principal historia trata de un inocente joven que busca a su amada, una esclava de la cual fue separada al ser víctima de un engaño. La adaptación guionizada está llevaba por el propio Pier Paolo Pasolini, enhebrando varias historias, mezclando el tono dantesco que le caracteriza con la comedia, el drama crudo, la sexualidad de los personajes (todo es explícito y desinhibido), y en esta ocasión, dejándose llevar por la lírica de la imagen, el surrealismo y la creación de un mundo abstracto, un elemento que ya de por sí me gusta como le ha quedado. El film explora a través de unas pocas historias paralelas (con personajes diferentes) la búsqueda de la verdad a través de los cuentos eróticos. Pero más bien, profundizando, el film relata con suma claridad la búsqueda un tanto oscura del alma humana arraigada siempre en el amor, sentimiento de enormidad que no es correspondido en su mayoría, siendo el ser humano culpable de sus actos de egoísmo y auto destrucción. Pasolini recrea con maestría la ingenuidad de todos sus personajes, haciéndoles caer en la dura experiencia de una realidad tosca y bañada en el deseo del instinto (de hecho en un par de momentos, los animales son simbolismo de raciocinio, en una ocasión un personaje se convierte en un simio y es venerado como erudito, en otra, un león guia el camino correcto al fantástico personaje Nur Ed Din.

De hecho, el guión desglosa el alma del sentimentalismo humano de tal manera, que la poesía tiene sentido, el cuerpo y lo exótico tan naturista del libreto, hacen que la historia se comprenda en un marco muy actual, aplicable a la sociedad de hoy con alguna diferencia escasa, quizás quitándole el elemento poético. De los pasajes del guión, la principal trama entre los enamorados (en ese inicio tan rompedor) Nur Ed Din, interpretado por un simpático y entrañable Franco Merli (un habitual del director) y su esclava prometida, la bella Zumurrud, interpretada por una correcta y sensual Ines Pellegrini, de aquí, la constancia y el amor que perdura a pesar de la adversidad o la perdición, ese sentimiento inicial que vence cualquier clase social o barrera (determinando el destino a golpe de crucifixión de los que han obstaculizado el verdadero amor de por medio, algo muy literario y polémico supongo), genial, es la trama principal de la película. Del resto, me quedo con la fantástica historia del demonio, todo parece sacado de un sueño pesadillesco con toques fantásticos que me ha dejado impresionado, creo que es la parte que más me gustó de la película, la dureza del relato (su final es humilde y realmente espiritual), destacar el papel del demonio, interpretado por Franco Citti, que está perfecto. Y otro pasaje mucho más introspectivo y una oda directa al amor, la infidelidad, la muerte, el deseo y el egoísmo, la de los primos Aziz y Aziza, si la historieta del demonio no apareciese en el film, me quedaría sin duda con esta parte de la película, con unos diálogos mejores escritos que al inicio, muy buenos poemas, reflexivos y bellos, (con esa noche americana usada artesanalmente por Pasolini), es curiosa la representación femenina de esta parte, pues se presenta a la mujer como la completa Diosa de la sabiduría, conocedora del amor (Aziza) o la total perdición para el hombre de la mujer estratega y maléfica (la chica de la que Aziz se enamora) los actores están estupendos, Ninetto Davoli como Aziz, pero sobretodo mención aparte para Aziza, interpretado por una adorable Tessa Bouché. Un guión completo, algunas historias (como la del chico que vence a la montaña y acaba pagando el precio en uno de sus sueños asesinando) decaen un poco en ritmo y determinación, pero son totalmente imaginativas y muestran a un Pasolini entregado a recrear un mundo bastante extravagante y alegórico.

A la cámara, Pasolini lleva en todo momento (y casi todas las escenas de la película) su cámara al hombro, para relatar cual documental, esa realidad onírica, adentrar al espectador más si cabe en esos sueños que va creando. Su técnica es artesanal (el uso de la noche americana en alguna ocasión se nota, pero es bastante bonita, eso o el uso de las maquetas y algún efecto especial sencillo, pero bien hecho, como el croma o uno que me ha parecido genial, los teletransportes del demonio con un sencillo fundido en negro). Pasolini crea para mi (y de las pocas pelis que he visto suyas) su mejor y más inspirada dirección, con una fotografía excelente, una dirección artística impresionante (los decorados, vestuarios y sets son realmente asombrosos). A la partitura original, un maestro de maestros, el señor Ennio Morricone vuelve con Pasolini para orquestar una partitura preciosa, llena de matices y sonidos exóticos, un score genial, me ha encantado. Destacaría el montaje, que tiene un ritmo bastante conseguido y una gran variedad de cortes.

Lo único reprochable a "Las Mil y una Noches" de Pasolini, es que su crudeza es literaria, incluso sus diálogos, a veces se toman demasiado inocentones y teatrales, y otras, son realmente impecables. Digamos que el film tiene dos extremos en los que se balancea, puedes quedarte con el conjunto y ver una película muy digna, o simplemente quedarte con algún pasaje si el film no llega a cumplir tus expectativas. No obstante, y personalmente es un film muy recomendable, no sabría decir si es lo mejor de Pasolini, pero para mí creo que está al nivel de Saló o quizás esta me guste algo más por ser mucho más alegórica y poética que aquella (que era todo lo contrario). La dirección de Pasolini es completa y genial, la música es una maravilla. Una película hecha solo para los cinéfilos que abran sus puertas a un cine que hoy en día, creo pensar que no se hace. Como último, le doy un 9, además de dedicarle esta crítica a Charly Ramone (amante del cine de este director, el cual descubrí gracias a su insistencia xD) por su cumpleaños, os citaré la última línea de la película, que me parece muy reflexiva y existencial:

"¡Que noche!, Dios no ha creado otra igual
Su principio fue amargo, pero cuan dulce su fin."

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos.
AÑO: 1974
DURACIÓN: 130 min
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El Fotograma

2009/08/22

"Chinatown": El gusano en la telaraña

Según dicen, es uno de los mejores films rodados por Roman Polanski, "Chinatown" es un film de cine negro totalmente atípico que muestra como los telemanejes de los poderosos, pueden afectar a los que viven su infierno personal en el mundo real. Los Angeles, 1937. El detective Gittes, especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray, el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad. Ella cree que él la engaña, pero además Gittes descubre que a Mulwray los agricultores le acusan de corrupción por negarse a construir un pantano que paliaría la sequía que sufren. Poco después, el escándalo salta a la prensa, pero la cosa se complica cuando una mujer se presenta en el despacho de Gittes con una sorprendente revelación. Guión bastante original, pues el libreto escrito por Robert Towne, traslada con maestría, la intriga política del problema de abastecimiento de agua, a un telar de corrupción, "femme fatale" incluida para jugar bien sus cartas. Ambientado en los años 30, quizás el film noir más curioso y a su vez seco que haya visto. Por un lado, lo que caracteriza al género está, misterio desde el primer fotograma. Un protagonista a lo Humphrey Bogart en "El Halcón Maltés" (personaje que comparte muchísimas similitudes con aquel de Bogart) renegado detective privado que adelanta a la policia, pero se da cuenta de que todo el entresijo de giros mas o menos inesperados están tan corruptos como el propio mundo.

La injusticia, tema clave en el cine de Polanski, visto sobretodo por las autoridades, es curioso que toda la reminiscencia del título del film al barrio chino, denote cierta ironía con un chiste que se dice al inicio del film, para convertirlo en un drama autentico hacia el final del film, donde la espiritualidad asiática tiene un poco de manifiesto entre tanta moral corrupta, pero un poco, Polanski y el guionista, se guardan las mejores cartas, como siempre, para el final. Quizás al film le cueste arrancar, el espectador se mete muy poco a poco en los personajes y sobretodo en el tema del agua, simplemente porque atrae a distancias muy largas, pero es curioso que hacia la mitad, el film remonte para volver a perderse un poco en el giro de la supuesta amante de uno de los personajes. Es ahi cuando parece que el film se va ir al carajo, cuando la trama parece volver a resurgir, y lo que parecía un tipico y tópico desglose corrupto de la ciudad de Los Angeles, se transforma en personal, una historia tórrida, tremendamente dura para los personajes, un drama familiar que da por sentado el porqué Polanski dirigió este film, quizás no por el atractivo de rodar un film ambientado en los años 30, sino más bien por el conflicto final, ese último y peligroso giro final donde el personaje de Nicholson se ve atrapado cual gusano en una telaraña imposible de romper. El film cierra con una desgarradora escena, quizás la mejor parte de la película (tiene algunos pasajes muy buenos también, como la comida del detective y el director de la empresa hidráulica, o ese donde aparece el propio director marcando al protagonista,... para no desverlaros mucho). Un libreto con todos los elementos del cine negro, pero con un aliciente de extravagancia, crudeza y frialdad, ya digo, es difícil meterse de lleno y dejarse llevar con los actores, pero las tramas son bastante buenas. Gran reparto sin duda, geniales las interpretaciones. Por un lado el protagonista, el detective protagonizado por un (como casi siempre) genial Jack Nicholson, teniendo la chuleria, la galanteria y la clase de un antiheroe de los años 30, genial. Mención aparte para la belleza Faye Dunaway, para mi el personaje clave de la historia y la mejor interpretación que tiene el film, pues Dunaway hace de femme fatale, pero a la vez interpreta varios matices depende de los giros que esté tratando el film, nunca sabremos bien que piensa su personaje hasta los últimos minutos, los gestos, la feminidad impresa en cada mirada, creo que es un personaje muy bien escrito y la actriz de "Bonnie and Clyde" se marca una de sus mejores interpretaciones. John Huston también está fantastico en el papel del señor Cross, todas sus escenas son realmente geniales y determinantes para el desarrollo del film. En general, un buen reparto, centrado sobretodo en Nicholson y Dunaway, que son verdaderamente los que van contando la historia con cuentagotas, porque de eso se trata en una buena película (que esté siempre bien escrita, y sobretodo que no sea confusa en sus giros de guión) de cine negro.

Roman Polanski (aparte de su pequeño cameo) tiene una labor bastante distante en la cámara. Se preocupa en contar la historia de manera sencilla, con planos siempre pegados al trípode, aunque creo que su sello asoma de vez en cuando (esa cámara al hombro en alguna ocasión, los planos detalles tan peculiares, el uso de una música estridente para generar tensión), pienso que este film podría ser su película más contenida en cuanto a creatividad con la cámara. No obstante, la dirección de actores está perfecta, la luz tiene sus momentos de gloria, la fotografía es elegante y la dirección del Polaco es acertada, pero ni de lejos y personalmente hablando es su mejor trabajo. La música original corre a cargo de un grande, Jerry Goldsmith, que crea una inquietante partitura que va perfectamente con el estilo del director, a veces es bastante estridente, pero genera la atmósfera correcta, Goldsmith se caracterizaba siempre, por crear composiciones de una sutileza y belleza sublimes, mezclándo la experimentación de los sonidos para generar un contraste que muy pocos lograban hacer con éxito como él lo hacía.

"Chinatown" es un curioso film del género, personalmente no es la mejor película que he visto de su director ni tampoco la que prefiera del propio género, pero eso si, muy recomendable porque tiene un guión muy bueno, unas interpretaciones fantásticas y un final tremendo. Es un film al que cuesta humanizar, porque todo lo que cuenta esta viso desde un prisma bastante inhumano y pesimista (cosa recurrente en la filmografía del director) sucio, distante, otro tipo de cine Hollywoodiense, que tiene ramalazos de aquel cine "made in" pero que consigue liberarse de la telaraña mediocre para pasar por la visión de un cineasta que años más tarde sería expulsado del pais que le nominó a 11 Oscars por los poderosos, como el protagonista del film, curiosamente y cual película noir, todo por una femme fatale. Un 8 porque me guste más o menos, reconozco que fue una película muy influyente en el genial cine estadounidense que se hacía en los 70.

NOTA:8/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.
AÑO: 1974
DURACIÓN: 131 min
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