Rinconcito de cine - El Blog de Luigi R.p. -

Sobre el cierre de Megaupload

2012-01-20T02:12:00.004+01:00

La pregunta es: Pagarías 4 o 5 euros por ver cine en streaming todo el que quisieses todos los meses? yo creo que si. Las productoras deberían regresar al siglo XXI y dejar la mentalidad de millonarios, el cine y la música ha cambiado sus formas de distribución, pero no, la culpa la tiene la pirateria, culpa de que no se puedan limpiar el culo con billetes de 50 dólares.

El ombligo del tiempo

2012-01-11T00:43:00.002+01:00

No hay una línea muy bien diferenciada que nos diga las respuestas. Nos empeñamos en ir buscando las respuestas de nuestros fallos, de nuestro fracaso hacia las personas que queríamos, que se nos van inevitablemente. Pero a veces la vida, que es sabia e hija de puta como nadie, nos coloca en un determinado momento, en un cruce, en una parada, en un término, nos coloca a esas personas para que reaccionemos. Es lo que llaman todos un momento tenso, una situación que prefieres agarrar y salir corriendo para que no dure demasiado en la cocotera, pero bien es sabido que es inevitable pensarlo, si al menos se es humano, se es coherente con los sentidos, gilipollas hay en todos lados también es verdad, pero va, pongamos algo de fe -ciega-. Escuchar es la pieza clave, nadie escucha. Todos nos preguntamos ¿Qué le hice?, ¿Por qué me hace el ataúd?, es claro, los clavos estaban comprados hace tiempo. La pregunta, las preguntas, carecen de sentido. El espejo de uno mismo es nuestra manera de expresar, de vivir la vida, es eso lo que nos sitúa en el tiempo, sabio manipulador de manecillas y de corazones perdidos. Sé que cada persona tiene su momento, que quizás la nostalgia alimente la felicidad de aquellos días. Sé que lo que hay ahora es precisamente lo que nos toca, lo que más afín va con nuestro pensar, con nuestro ser actual, concordando con el sentido de bienestar. Y cuando eso pasa, uno conoce realmente donde está, lo que es, hasta que la vida vuelva a dar un giro hacia alguna parte. Este texto va para aquellos y aquellas que ocuparon unas páginas de algún libro que escribimos, porque si, lo que sucede no es fruto del olvido, es parte de nuestro futuro, y desde ese futuro os digo que tengáis suerte, y que si la vida nos brinda ese parabólico destino, nos volverá a colocar en el camino, o no, no obstante, sabed que os quise, os quiero y os querré.

Luigi.

Año Nuevo

2011-12-31T14:44:00.000+01:00

El blog de Nohappyendings Films

2011-12-27T18:26:00.001+01:00

Para todos aquellos que seguían el blog de Luigi Arts, hemos cambiado la dirección. Como bien sabéis, Luigi Arts cerraba sus puertas al final de año para dejar paso a la nueva productora independiente que hemos ideado, Nohappyendings Films. A partir de 2012 nos esperan nuevos proyectos e ideas en esta productora que ya lleva cinco cortos en post-producción. la dirección es: www.nohappyendingsfilms.blogspot.com y el diseño weblog sigue siendo el mismo que el que teníamos en Luigi Arts hasta nuevo aviso. Gracias.

Lo mejor (para mi) del 2011

2011-12-27T16:37:00.002+01:00

Personalmente, el 2011 ha sido un año cinematográfica mente hablando, muy curioso. Por un lado ha tenido meses de sequía de buen cine y por otro, una cantidad de películas originales, frescas y muy peculiares que se han colado directamente en la memoria de un espectador centrado en darle la taquilla a quien menos se lo merecen (piratas, torrentes y vampiros varios). Por mi parte, un año con buenos films (no contaré la mayor parte de películas de los Oscars que se estrenan en España en el 2011 cuando realmente pertenecen al 2010, como es el caso de por ejemplo, "Cisne Negro", "Winter´s Bone" o "127 Horas", grandes películas, pero del 2010 chicos) y como es imposible analizarlos todos debido a la poca vida del blog, os dejo mi top 10 personal de lo que más me ha llamado la atención en el cine este 2011.

TOP10: NÚMERO 10 - "RANGO" (Gore Verbinski)

Gore Verbinski, será recordado mundialmente por ser el director de las tres primeras películas de "Piratas del Caribe", más allá de eso, este señor siempre me ha parecido un director muy interesante, con una imaginación genial y de ahi parte la genialidad de "Rango". Film de animación que con toda seguridad se ganará adeptos y votos en los Oscars de este año (Pixar no manda en esta ocasión,"Cars 2" personalmente me pareció un tostonazo). "Rango" es original, un western animado con humor, grandes escenas de acción y un trabajo de animación espectacular (de ILM por cierto). Johnny Depp es la voz y el caminar del camaleón, y el esmero se nota con creces. Recomendable para cinéfilos, amantes de las películas de animación que ofrezcan otra cosa, una alternativa visual y esta vez, con el género de géneros en el tintero, el Western. A mi personalmente me encantó la inteligencia que desprendía el guión de John Logan.

TOP10: NÚMERO 9 - "El Origen del Planeta de los Simios" (Rupert Wyatt)

Quizás la mayor sorpresa del 2011. Una película por la que todo el mundo apostaba más bien poco y que fue un film palomitero de gran calidad narrativa, con un subtexto de gran crítica social y una humanidad dramática inusual para un film de supuesto dinero fácil, cosa que no fue. Descubrimos al debutante Rupert Wyatt (al que habrá que seguir de cerca) en la dirección del film, y vimos como Andy Serkis volvía a bordar un papel en su enmascarado simio digital. La película viene a la mente inmediatamente con muchos momentos para el recuerdo, de esos que se quedan en la memoria colectiva, quizás de ahi parte su éxito de crítica y público, carisma, algo que han olvidado muchos directores que lanzan grandes blockbusters. Lo peor imagino, vendrá ahora, con las secuelas de este film que por cierto, tuve el placer de analizar en el blog en su momento.

TOP10: NÚMERO 8 - "Red State" (Kevin Smith)

Brutal película en el estreno del siempre interesante Kevin Smith, esta vez en el género de terror. A mi me empequeñeció en la butaca y disfruté sus 88 minutos en su totalidad. Un film que expone como terror la realidad ignorante de la sociedad en general, pero en concreto la Americana, el fanatismo religioso o la incompetencia humana. No se anda con chiquitas, y esa mala leche es lo que hace grande "Red State", inclusive sus formas, su dinámico, enfermizo y endiablado montaje, que no te deja respirar ni un solo segundo, sacan a un Kevin Smith muy inspirado. También nos deja una interpretación legendaria de Michael Parks, que seguramente será ignorada en los Oscar, con mucha mucha injusticia, es uno de los papeles del año amigos. Os la recomiendo fervientemente.

TOP10: NÚMERO 7 - "Un Dios Salvaje" (Roman Polanski)

Con toda seguridad, la película más sencilla, corta y teatral de el genial Roman Polanski, uno de mis directores fetiche. "Carnage" o "Un Dios Salvaje" expone la hipocresía de sus personajes a niveles dantescos, cómicos, desesperados, es un análisis de la individualidad humana y de la guerra de sexos, invadida en un solo escenario, cual obra teatral. Y es ahi donde toca de lleno, su minutaje pasa volando y cuando empiezas a sentirte partícipe de una genialidad (que lo es) se acaba. Kate Winslet, Jodie Foster, Christoph Waltz y John C. Reilly están fantásticos en sus papeles. Sin duda una película para relamerse los dedos, un film de actores y para actores, con Polanski jugando muy bien (aunque sin efectismos ni nada por el estilo) con un solo espacio, con su buen hacer. Genial.

TOP10: NÚMERO 6 - "The Artist" (Michel Hazanavicius)

He aquí la gran triunfadora (o perdedora, según se mire) de los Oscars de este año. La película de Hazanavicius, arrasa por donde quiera que vaya, y no es para menos. Tuve la suerte de ver "The Artist" en el cine Cervantes de Sevilla, de esos cines con palcos y clásicos de los que quedan poquitos, eso ayuda. Más cuando es una película muda, en blanco y negro, rodada en 4:3 y en 2011. Todo un prodigio de película, fantástica en todo, deja boquiabierto desde el primer hasta el último plano. Aire fresco para el cine actual, y film imprescindible para cualquier cinéfilo que se precie. La escena: Aquella donde el protagonista sueña con el sonido y sin duda alguna el final. Ya estáis tardando en ir a verla.

TOP10: NÚMERO 5 - "L'illusionniste" (Sylvain Chomet)

Para mi, la mejor película de animación del año y me atrevería a decir que una de las que más perfectas me han parecido en mi vida. Basada en un guión inédito de Jacques Tati, Chomet hace grande tanto la animación, como la historia del Ilusionista. Un personaje que ve en decadencia el mundo de la magia al encontrarse con la modernidad de nuestros dias. Una historia muda prácticamente, con mucho hincapié hacia el detallismo extremo (cosa que me encantó) y con un final que impacta por su crudeza y dramatismo. No es un film al uso, pero es tan precioso y mágico que merece la pena darle una oportunidad. Me arrepentí de no verla en una pantalla grande, pues es donde realmente se merece verla.

TOP10: NÚMERO 4 - "Melancholia" (Lars Von Trier)

Lars Von Trier ha vuelto a dejar a medio mundo impresionado, tras su inmenso trabajo en "Antichist". Aquí con una historia tremenda, una espiral claustrofóbica y paranoide de lo que vendría a ser el final de nuestro mundo tal como lo conocemos. "Melancolía" es una película de enorme en cuanto a lo visual, pero también es fantástica en como expone (y casi juzga de manera descabellada) el final del mundo. Kirsten Dunst hace el papel de su carrera, y mi amada

Charlotte Gainsbourg, vuelve a demostrar lo gran actriz que es. No se puede explicar, es un film que hay que ver, sus diez primeros minutos (como pasaba en "Anticristo", de la que por cierto, bebe mucho en sus formas narrativas) son impresionantes, y su final, desgarrador. A muchos le parecerá otra "paja mental" de Von Trier, a mi personalmente, me ha parecido un film increíble en muchos aspectos, altamente corrosivo, delirante, poético y hasta macabro.

TOP10: NÚMERO 3 - "Midnight in Paris" (Woody Allen)

Woody Allen siempre es sinónimo de genialidad, pero esta vez ha convencido a mucha más gente de que su medianoche en París, es otra de las películas de su carrera. He ahi las nominaciones a los Globo de Oro y su capacidad innata de ensimismar al espectador con esta historia de viajes en el tiempo y sueños perdidos, bañado con el Paris de Woody, una ciudad mágica también para el que os escribe. Owen Wilson más comedido que de costumbre, hace un papel genial, pero a mi la que me gana siempre es la señorita Marion Cotillard, fantástica y deslumbrante en sus escenas. Una película para soñar, lo más criticado de ella, su final, para mi, fantástico, como su genial también inicio con el Si tu vois ma mère de Sidney Bechet. Magia amigos.

TOP10: NÚMERO 2 - "Super 8" (J.J. Abrams)

J.J. Abrams podrá ser odiado en medio mundo por ser el creador de "Perdidos", pero para mi es uno de los directores actuales que siempre propone evadirnos con algo nuevo. Esta vez, nos traslada a los nostálgicos 80, esos años donde el cine era un tanto especial, donde las palomitas y la ciencia ficción no eran más que explosiones sin más. "Super 8" es una historia fantástica, llena de aventura y con un amor hacia el cine como pocas veces se ven en la pantalla. A mi me fascinó, y de hecho, se convierte en mi segunda película favorita del 2011 porque saca al mejor niño que llevamos dentro. Es una película que habla de la aceptación, de la ilusión, de encontrar tu camino, de dejar marchar los prejuicios y al pasado (con un sentido de la metáfora fantástico en su escena final). Mezclados con ese humor tan macarra de aquellos films con niños ochenteros ("Stand by me", "Los Goonies", "E.T.") y su arrastre visual. Nostalgia y calidad se dan la mano, film 10 y entrañable para los cinéfilos que de verdad crecieron con este tipo de películas geniales. A mi me encantó y pienso muy sinceramente, que quedará en la memoria cinéfila más allá de 2011.

TOP10: NÚMERO 1 - "El Árbol de la vida" (Terrence Malick)

Terrence Malick ha dejado a medio mundo decepcionado, frustrado y cabreado con "El Árbol de la Vida". Y yo que me alegro. El film es toda una oda visual al sentido de la propia vida, de la naturaleza incomprensible de las cosas, de la jerarquía del silencio. Una poesía visual que no tiene porque entenderse como una historia lineal. Que pase esto en 2011 es lógico, todo el mundo quiere que le digan lo que tiene que pensar al ver una película, y Malick ha rodado un film que no pertenece a esta época. Para mi, es una película que merece dos, tres, diez visionados, una película para rascar, para dejarse llevar. Un film de sentimientos, para abrir los ojos y reflexionar en silencio, sin palomitas, en soledad. Salí tremendamente impactado con cada imagen, con su grueso metraje, con su magnifica manera de representar los misterios del universo. Y es por eso que me parece un film arriesgado, que consiguió el número 1 gracias a Brad Pitt (asi somos los españoles señores) y que pasará también a la historia de las películas de culto en un futuro. Hay que verla sin prejuicios, hay que sentirla dentro y dejar que te lleve, como encontrarse con la naturaleza y aceptar su magia invisible, es algo asi. Y ya de paso, maravillarse con el sensible y genial papel de la maravillosa Jessica Chastain. Para mi el film del 2011, inusual, arriesgado y fantástico en muchos sentidos. Os dejo la crítica que le dediqué en el blog.

Poco más señores, esperar el 2012 como agua de Mayo, pues en él, veremos de nuevo en cartelera a Eastwood, Allen, Spielberg, Jackson (con la primera entrega de "El Hobbit"), Nolan (Con la última entrega de "Batman"), Scott (Con su precuela de "Alien"), Burton, y un sinfín de buenos estrenos que iran anegando la pantalla desde ya. Feliz año a todos y espero que disfrutéis de buen cine, tanto en soledad como en buena compañía.

La ciudad Esmeralda

2011-12-27T14:39:00.003+01:00

El blog ha estado mucho tiempo de capa caída. Empezar asi un post, me pone en la situación que vivo actualmente, me sitúa en la realidad que vive la red. Es cierto que muchos soñamos con nuestro pequeño refugio cultural, como si dentro de esa ciudad Esmeralda de pura invención, estuviese el pequeñajo mago de Oz, esperando fugarse con un globo inmenso, sin escuchar nuestros deseos. Quizás el blog esté enfocado como coletilla de lo que viene a ser el mastodonte de las redes sociales, sin más. No sé cual será la causa, pero cualquiera que sea, me entristece no seguir con la buena rutina (casi ritual) de generar post, analizar las películas que veo a lo largo del año, o simplemente de generar vida dentro del rinconcito. Lógicamente me propuse nunca dejar esto, es un blog al que tengo especial cariño ciertamente. Me gusta tener este sitio para dejar constancia de mis opiniones, mis sueños y desvaríos varios. La verdad, es que debería haber dedicado más espacio en navidades, como casi siempre hago. Pero este año todo es diferente, todo va en constante cambio y la nostalgia no apoya en gran medida al avance, lo entorpece con desmesura. No obstante, seguiré fiel a la idea, al progreso de continuar llenando el blog (aunque quizás de una manera menos abusiva y constante, como es evidente desde hace ya meses) de pensamientos y miscelánea, quizás le importe ya a muy poca gente que hable de tal o cual cosa, lógico. Os deseo un feliz año a todos, que vuestras vidas sigan brillando como el corazón de los personajes de Oz, esa ilusión que no debe perderse nunca. Feliz Navidad a todos, y gracias por seguirme todos estos años si de verdad, seguís por ahí.

Luigi.

Poster Art: Eyes Wide Shut

2011-12-14T14:38:00.001+01:00

- "Eyes Wide Shut" (Stanley Kubrick, 1999) -

De negro y amarillo

2011-11-18T04:57:00.001+01:00

"Nunca ha habido nada que perder
ni en alta mar ni en tierra.
Somos casi tan gigantes como tiempo atrás."

- Mäbu -

Teaser Trailer y Póster de "Sinécdoque"

2011-11-17T14:38:00.001+01:00

Os presentamos nuestro nuevo corto (uno de ellos) pendiente de estreno en 2012. "Sinécdoque" está dirigido por Luigi R.p. en conjunto con Marina Sánchez ("Room Service), y contará la historia del declive amoroso de una pareja en tres semanas. El estreno está previsto para inicios del año que entra y el cortometraje (tercero de la saga nohappyendings films, de los seis que hay previstos) está protagonizado por Chema Caballero y Carmen Cabello. Arriba tenéis el póster oficial, y aquí abajo os dejo el teaser trailer y escena de apertura del corto. Espero que os guste y seguiremos informando de cara al estreno.

Reminiscencia

2011-11-13T18:11:00.001+01:00

- "Watchmen" (Zack Snyder, 2009)

- "Sucker Punch" (Zack Snyder, 2011)

Infancia

2011-10-22T03:47:00.003+02:00

Yo no fuí nunca un niño que pensaba en crecer, o en qué sería de mayor, a que chica podría amar. Simplemente me preocupaba en ser un niño, con su inocencia, ingenuidad e imaginación, parece que el resto de la clase lo olvidó.

El maestro Michael Kamen a la batuta...

2011-10-06T02:30:00.000+02:00

- Band of Brothers (HBO, 2001) -

75 aniversario, Jim Henson (:

2011-09-24T20:40:00.000+02:00

Volar

2011-09-21T01:15:00.002+02:00

Avanzar. Resistir. Realidad. Ella ya surcaba tus cielos sin pisar la tierra que iba haciendo fértil cuando la mojaba. La imposibilidad de tocar el cielo, de enjaular tu marcha. Tus sueños de incomprensión para mis besos rotos, perdidos en el recorrido de un tren vaporoso, nocturno. El tiempo que siempre nos apremia mal, como queriendo decirnos lo evidente, la negación de la posibilidad. Mi negación. Resignados a vagar por el minutero, buscando algo que no sabemos bien que es. Comunicados al fin de cada palabra que escribimos, encadenados a nuestros puntos finales y tildes sin tildar. Presos, yo preso a mi cárcel de libertad. Libres, tú libre a tu cielo, a tu sueño. No importa lo que hagas nubecita, el viento idiota, ahora si que sirve para algo más que para despeinarnos. Sirve para traerte de vez en cuando a mi cielo azul, con tu pomposidad, con mi anhelo de no estropear tu forma.

20/09/11 - Palabras tuyas y palabras mías: Colorines/ Pensamientos/ Lazos/ Agua/ Reloj/ Yo/ Tú/ Personas/ necesario/ Arte/ Vida/ Palabras/ Honestidad/ Sinceridad/ Silencio/ Volar/ Realidad.

"El Árbol de la vida": Sinergia

2011-09-19T04:24:00.001+02:00

Director: Terrence Malick

Año:2011

País:USA

Duración: 138 min.
Sinopsis: Años 50. El film narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre, que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre, que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en la edad adulta. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes.

NOTA: 9/10 Ficha en IMDB

Con enormes ganas de asomarme a lo nuevo del director que me fascinó con "El Nuevo Mundo", Terrence Malick nos deja ahora un film que redondea con puntillismo su estética, su estilo más personal, y nos remueve el alma. "El Árbol de la vida" es un film de un lirismo visual imponente. Un muestrario de sensaciones encontradas y sinérgicos planos donde el significado parece inconexo, donde la algarabía del mensaje parece un tanto pendulante, denso y complejo. Pero curiosamente, se llega a un estado de armonía impetuosa, majestuosa en muchos momentos y reflexiva a las horas de salir de verla, donde creo que da en la diana, una de esas películas de segundos, terceros y hasta cuarto visionado, hipnótica de algarabía técnica y artística, creativa. Será odiada ahora, pero dentro de unos años, todos aquellos que la odiaron, la pondrán por la nubes, la estudiarán en sus casas y escuelas, aprenderán de ella y sus contextos. Un film de una extrañeza atípica para nuestra cartelera actual, que ya no bebe tanto de títulos como éste, diferentes.

¿Y de qué nos habla "El Árbol de la vida"?, pues el guión del propio Malick, habla precisamente y drásticamente de eso, de un árbol lento, tortuoso y sinuoso, de la vida en estado puro, de sus matices desde su creación hasta la próxima destrucción de todo lo que brota. Malick sitúa dos líneas temporales para narrar su gran metáfora, a raíz de dos caminos, por un lado la conexión de la naturaleza, sinérgica y eléctrica que sigue sus propios caminos, libres, anárquicos y sufridos. Y la espiritual, con citas de Job, contraposición a la naturaleza, síntoma humano de la esperanza y los buenos valores que se diluyen en un mar de incertidumbre ante la inmensidad del universo. Y estas dos vertientes, valerosamente exploradas (con mucho arriesgo por parte de Malick, lo cual valoro más todavía) se vislumbran en la familia que aparece en la parte central del film, en los años 50. En ella vemos el buque insignia de lo que verdaderamente expone el film. Un conjunto de emociones humanas que explora el alma, la oscuridad, el sentimiento de culpa, la pérdida de la fe, la realidad, el choque hacia el fracaso, la mentira, la espiritualidad de lo que nos rodea y como sentimos cada resquicio de vida en nuestro ser (el papel de la madre es esencial para entender este punto).

Y es fantástico, como Malick, expone los miedos, la culpa, todo lo ya comentado, el desconsuelo de esta vida (inexplicable en muchas de sus injusticias, que quedan mejor reflejada con la verdadera poesía y alegorías de sus imágenes, que con el poco diálogo que aparece en el film, como también pasaba en "El Nuevo Mundo") no solo se remonta a la época humana, si no que Malick se toma la libertad de narrar unos 15 minutos, al principio, esenciales, sublimes (polémicos y a disgusto para la crítica y el público por lo general) y para mi cumbres para entender la densidad del relato, la profundidad y complejidad y a su vez casualmente hermosa sinergia del cosmos. Me refiero a la escena que nos lleva a la creación de la vida, esa en la que un dinosaurio descubre que puede pisotear la cabeza de otro, que aprende el instinto de supervivencia, mientras el que yace en el suelo aprende a sufrir, a ver la vida como lo que es, una jungla de casualidades en el que la vida y la muerte parecen discutir todo el rato, danzando ante la impotencia, ante lo inexplicable de todo lo que conlleva nuestra existencia. Esos 15 minutos, cargados de imágenes hipnóticas y metafísicas (que yo siempre comparo con el final psicodélico del "2001" de Kubrick, eso si, cada uno en su terreno) son fantásticos, quizás desvía un poco el contexto del film, pero para mi es tan necesario como su parte central, esa donde se analiza perfectamente a la familia, donde se centra el film en mostrar el crecimiento de la vida en estado puro, con el crepúsculo del fin como preludio a un desenlace que evoca la muerte de nuestros propios universos. Una metáfora de la muerte, no solo de nuestras vidas individuales, cual paradigma hacia el fin del mundo, si no un crepúsculo hacia toda la vida, condenada siempre a perecer, a morir, sin respetar un convenio de tiempo, siguiendo el ciclo. El plano final (el puente del Golden Gate, creo, con el sol desapareciendo en el encuadre) nos alerta, nos inquieta hacia nuestros días, nos obliga a pensar en nuestro mundo, en la bajada a los infiernos que nuestra mente y nuestra actitud nos conduce hacia esa cascada, esa sensación de vértigo, indiferencia y desasosiego (lo que siente siempre el personaje de Sean Penn, rodeado de rascacielos que reflejan el cielo, ascensores que bajan abajo o suben muy arriba con un pitido que marca sus propios latidos, personaje que para muchos, y para el propio actor, está poco aprovechado, para mi, perfectamente integrado, funcional para lo que quiere la película contar en momentos muy determinantes).
El reparto, aparte de lo ya comentado de Sean Penn (que aparece poquito realmente), está centrado en la familia, compuesta por Brad Pitt, con un papel muy intenso, con una medición tremenda de los tiempos dramáticos y con un sentimiento importante, creo que de cara a los niños, es el papel que más conflicto y reflexión sobre la vida nos genera, ese y el contraste de la madre, interpretada por una bellísima, angelical y magistral Jessica Chastain, que imprime la sensibilidad de una madre hacia la vida, hacia sus hijos, la feminidad más etérea y personal, un personaje, hablando un poco por encima, muy Bergman para que me entendáis, Chastain se come la pantalla y eriza la piel en muchos planos en los que aparece llenando de belleza los perfeccionistas encuadres de Malick. Del resto, destacar a los niños hermanos del film, Hunter McCracken, Tye Sheridan y Laramie Eppler, geniales todos pero en especial el protagonista de la función, Hunter McCracken. Y llegados al punto de la dirección, Terrence Malick, no firma su mejor película, pero quizás si su film más personal, más estético y perfeccionista. Denso en su montaje, en la grabación de mil planos perfectos, inmaculados y poéticos (aunque se ensamblaban mejor a los sentidos creo, en "El Nuevo Mundo", que comparte muchas cosas con esta película, sus formas, su narración en off y sus simbología). Malick rueda unos planos bellísimos (la escena de los bebés, con la fanfarria de Bedrich Smetana Má, y la manera en la que se muestra el crecimiento, la evolución de los niños, de la vida misma, es sin duda una de mis escenas preferidas de todo el film). Los paneos, el uso de los angulares, de la atmósfera inmaculada y crespuscular, de esa steady caótica y a su vez elegante, esas composiciones pictóricas, líricas, bellas, de lo mejor que se ha visto en una sala de cine en muchos años, Malick recrea un sello impecable, difícil de digerir de una tajada, comprometido a ser analizado y reflexivo en todo lo que muestra en la pantalla. Aplauso de 10 también a la edición del film (muy densa, quizás tanto que le sobran algunas pocas cosas, pero me gustaría volver a verla para poder decidirme en este sentido) y a lo que Alexandre Desplat aporta a la poquita banda sonora original que suena en el fim, (pues el resto son piezas clásicas muy bien inyectadas a lo que el sentido anímico del film requiere)

En conclusión: "El Árbol de la vida" es sinergia de vida. Densa en lirismo. Metafórica y aforismo visual. Poéticamente bella, inconexa sin serlo para nada, eléctrica y fuerte de sentimiento. Una interpretación (o miles de ellas en una) sobre lo aciago, lo desgraciado, la debilidad del credo humano, una avalancha de energía que hace de espejo y trampolín, al abismo del fin del mundo. No ese que anuncian los falsos metalingüísticas del cosmos, si no ese que es seguro, el fin de nuestro propio tiempo, de nuestra propia existencia natural o precipitada. Tender la mano a la ternura de la muerte. Dejar paso a la generación que se perderá efímera como todas las demás que vengan, pero que perdurará de alguna manera en el recuerdo de la propia poesía de la vida, cuando ese árbol los vea crecer, alto, verde, resplandeciente. Un 9, porque haría falta un tiempo y unos visionados más para que como el buen vino, se asiente y me vuelva a decir cosas, no obstante, es una película para paladares selectos, para un público cinéfilo muy determinado, la odiaréis, os encantará y os golpeará fuerte, dejaros llevar y sacad la verdadera alma poética y emocional que tengáis, ese es mi consejo.

La Escena/ Lo mejor: Es tan densa que cuesta quedarse con algo concreto. En especial me gustó mucho su inicio, los 15 minutos de creación del mundo, que son realmente hipnotizantes// La parte central del film con la familia y sus conflictos (la escena en la que el niño roba el vestido es para mi sublime en cuanto a significado del subtexto, de los silencios, de la propia culpa humana, inexplicable hacia lo oscuro de la mente), la escena final que simboliza el fin de los tiempos, y la ya comentada escena de evolución de crecimiento con los niños, sublime con Bedrich Smetana Má de Vlast Moldau sonando de fondo.

Bitter Heart

2011-09-15T16:45:00.001+02:00

- Mason Jennings, new album -

Grandes reflexiones de "Californication" (Parte 2)

2011-09-09T04:41:00.000+02:00

"Mia: Quiero volver a empezar, volver a ser niño.
Hank: Yo también. Bueno no un niño exactamente, pero me gustaría volver al año 94, fue un buen año.
Mia: ¿Por qué?
Hank: Porque conocí a Karen, luego nació Becca. Fue el año que cambió mi vida. Además, no había internet, ni móviles, ni mensajes de texto, ni twitter y esas mierdas.
Mia: La puta edad oscura
Hank: ¡Si!, el cine costaba un dólar. La gasolina diez céntimos el galón. Las mamadas eran gratis, hablando de eso, Clinton estaba en la casa blanca, Nirvana en la radio. Y he tenido que joder lo mejor que me ha pasado jamás. Sabemos lo que tenemos que hacer Mia...
Mia: ¿El qué?
Hank: Necesitamos perdonarnos. Nadie va a hacer eso por nosotros."

El Fotograma

2011-08-30T23:48:00.002+02:00

[Solución del fotograma anterior]

Drogados

2011-08-30T04:24:00.000+02:00

No hay situación que nos cambie. Las personas nos salvan. He cometido tantos errores emocionales en mi vida, he sentido tantas cosas verdaderas que han sido erróneas. Me he dado cuenta de lo jodido que están las cosas cuando de verdad pasan en otros lugares. Somos tan conscientes de drogarnos con el pensamiento del mañana, del papel, de la escala de valor, del estudio, de la memoria olvidable, del valor del coste, que nos hemos olvidado de destapar lo esencial. Es como intentar gritar en un sueño y no poder hacerlo. Algunas personas pueden salvarte, no será eterno, no será pleno, no habrá equilibrio posible, todo está condenado por la elipsis de la realidad, siempre un paso por delante. La droga del pensamiento, la pedantería del miedo, la autosuficiencia retroalimentadora del supuesto genio, insalvable en su coz mental, insoluble de humildad, carente de un ingenio atrayente, porque al menos salvaría sus consonantes. No avanzar, no contestar al teléfono, beber algo fabricado, guitarras y sudorosas voces, pensamientos. La carencia de ver fantasía y realidad por partes iguales, de imaginar que de verdad nos necesitamos. De creer que una vez más, necesitas que te salven y que me salven, cuando el reloj llegue a cero, cuando la droga llegue a ser placebo con el tiempo. Soy incapaz, no tengo papeles, ni academia, ni a nadie a quien llamar. Pero si he sabido amar tan profundamente como para hundirme hasta la extenuación de mis propios anhelos, y ahí al fondo, está oscuro, solitario, pero siempre arriba, las burbujas de tu boca son oxígeno para mis pulmones encharcados, siempre, nunca.

Tabú

2011-08-25T02:51:00.004+02:00

. No puedo evitarlo, me idiotiza. Me gustaría decirle cosas más bonitas, muchas veces me salen solas como en una buena película y otras, mis diálogos parecen sacados de "Agárralo como puedas 15" oséase, sin Leslie Nielsen y carentes de gracia alguna.

Los hombres a veces somos unos capullos, unos imbéciles integrales. Penes ~~pensantes~~ andantes.

- Los hombres no, las personas por lo general.

Eso me calla. Las mujeres inteligentes son las mejores. Uno nunca puede saber si están jugando con uno con perversión, o si realmente juegan porque les gusta ver como titubeas. En cualquier caso, juegan. Quiero decir que jugar es un coñazo, casi siempre pierdo. Mis hijos que no tendré nunca no podrán jugar a nada. Eso es un radicalismo, porque realmente pienso que deben jugar, los juegos son las alas de la ilusión, o la proyección de conseguir algo que ansías mediante una diversión sumisa o dominante. Eso también es adherente al sexo y toda su parafernalia. Una vez le conté a una amiga que el sexo tiene capas. La primera es seductora, besos, caricias, y más besos, la tercera es el acto en sí, con todas sus fases, no solo la penetración. Pero el acto de en medio es realmente bochornoso, cómico y carente de erotismo. Ver como nos quitamos la ropa, de manera torpe, decidir si calcetines si o no, ese diálogo abyecto de la chica y el chico, cuando hablan de como se tiene que desabrochar un sujetador en plan onomatopeya del batman de los 60, para que después acabe desprendiéndose siempre una teta por uno de los lados, rompe cualquier cosa. El sexo no es un juego, es un trámite que hay que pasar para uno estar contento. Dicho eso, mi amiga no hacía más que reír, y venga a reír, mientras mi cabeza, solo podía recordar al tipo que vi cagando en la estación de tren, diciendo: "¡Perdone, no,no, está ocupado!" pues claro, ya lo veo imbécil, que quieres que haga ya estoy dentro y he visto que debería de haber llamado, me he equivocado, lo siento, deme la mano como buenos amigos, ¡Ah, no! que tiene papel. La imbecilidad humana y sus palabras. No las tomen nunca demasiado en serio.

"Cuenta conmigo": El valor de la amistad

2011-08-25T00:14:00.001+02:00

Director: Rob Reiner

Año:1986

País:USA

Duración: 90 min.
Sinopsis: En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro jóvenes amigos emprenden una aventura en busca de un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, el sentimental Gordie, el rudo Chris, el extravagante Teddy y el miedoso Vern se adentran en un ambiente hostil en el que deberán valerse por sí mismos.

NOTA: 9/10 Ficha en IMDB

Pendiente tenía yo este film de los ochenta, marca de la casa, dirigida por Rob Reiner, "Stand By me", título de una canción de Ben E. King, que da nombre a la película y a su contexto histórico también, una película entrañable e icónica dentro de las películas memorables que marcaron una década tan prolífica como lo fueron los ochenta. El libreto de "Cuenta Conmigo" está basado en un relato del gran Stephen King, adaptado en formato guión por Raynold Gideon & Bruce A. Evans. La historia se centra en la aventura de cuatro niños (protagonistas absolutos de la función) que parten en busca del cadáver de otro niño a las afueras de un pueblo perdido de la América profunda. Con esa premisa tan simplista, el film ahonda en un tema precioso, esa amistad efímera de niñez. Esos niños fantásticos, deslenguados y cara duras que cuando uno crece recuerda con cierto cariño, pero que al crecer, se ha perdido totalmente el contacto con ellos y su realidad. La amistad certera y verdadera de los 12 años. A través de la aventura, de pictóricos paisajes, podríamos estar ante una road movie, con esos elementos tan característicos del cine americano de ese subgénero, pero llevado a las experiencias de estos niños. Niños que se cuestionan sus propios miedos, su pasado, su futuro incierto, que sueñan con ser algo o con ver la realidad de una inocencia que parecen ir perdiendo a cada paso que dan, en cada carrera detrás de un tren que los arrolla a madurar inevitablemente.
Toda esa catarsis dramática, todo ese aforismo sobre la pérdida de la inocencia, sobre el compañerismo, el valor de la amistad, queda tan bien explorado en la cinta, que uno llega a ver su propia vida, su propia infancia, reflejada en cada uno de los personajes, a cual más carismático, ochentero y característicos. Un guión con un final triste, nostálgico y empecinado de la mejor forma en mostrarnos el paso del tiempo, en señalarnos lo básico y los grandes momentos de la vida, esos que nunca se olvidan, aunque las personas que lo vivieron contigo ya no estén. Una oda al recuerdo y al valor de la amistad, muy bien escrita, con sus toques de humor canallesco (esos chistes que se gastan los niños entre ellos mientras fuman o se meten con la madre del otro, la forma de hablar tan ingeniosa que solo los ochenta tenia por bandera y que parece que hoy en día el cine se ha achantado en ese aspecto) y el drama metidos con muy buen hacer. En el reparto, tenemos dos grupos, los niños (en su tiempo desconocidos, pero hoy en día todos ellos muy famosos), protagonistas absolutos de la función, fantásticos y muy metidos dentro de la película todos ellos. Así pues, se pasean por la pantalla Wil Wheaton, el desaparecido River Phoenix, Corey Feldman (que también marcó la infancia de muchos apareciendo en otro film de los 80, la memorable "Los Goonies") y Jerry O'Connell, geniales todos. Por otro lado, aparecen los mayores, adolescentes que ponen el contrapunto macarra al film, entre los que destaca un mítico de los ochenta, Kiefer Sutherland, en un papel que le va como gomina al pelo. Otros secundarios que vemos dentro del film, es un jovencísimo John Cusack, en los flashback de la película, y el genial Richard Dreyfuss apareciendo en narración y al final de la película. Un reparto genial, centrado sobretodo en los cuatro pequeños protagonistas que llenan la película de unas interpretaciones memorables e inolvidables.

En la dirección Rob Reiner mueve la cámara con sobriedad, colocando cada plano en su perfecta armonía con el paisaje y el momento en el que se encuentra la historia. La técnica es bastante normal, sin artificios, pero bien rodada, como digo, con unos planos perfeccionistas y bien fotografiados (la fotografía de Thomas Del Ruth evoca a un sueño, con destellos y luces difuminadas en su mayor medida, como si estuviésemos viendo un constante flashback no declarado, pero si objetivo durante su análisis). La banda sonora original (pues el film también tiene algunas canciones clásicas de la época que van perfectamente dentro del film) corre a cargo del gran Jack Nitzsche, que hace un score funcional y distendido que va bien con el tono y con frescura en el film, en todo momento.

En conclusión: "Cuenta conmigo" es una película fantástica, llena de valores, buen cine y mensaje. Toda una cinta icónica de los ochenta que no mucha gente ha tenido el gusto de conocer del todo y que para todo cinéfilo y admirador de aquella década, debería ver. Un 9.

La Escena/ Lo mejor: La escena del tren// La de las sanguijuelas// la escena del ciervo, enigmática y cargada de simbolismo// el tramo final.

La piscina de "Californication"

2011-08-23T23:56:00.003+02:00

Mis impresiones no pueden ser mejores. Tres temporadas terminadas (de las cuatro que existen) de una de las series que más me están haciendo pensar, reflexionar, aprender. "Californication" de Tom Kapinos. ¿Por qué me gusta?, supongo que porque sus dos temporadas ahondan en lo más primigenio del ser humano, de sus vacíos emocionales, de sus encuentros sexuales, del coctel tan atractivo que hace entre el drama y la comedia negra. Es una serie diferente, con sus tópicos, como todas, con sus temporadas mejores y peores (como todas), pero una serie que me recuerda lo mejor que he vivido dentro de la ficción televisiva, actualmente mejor que la cinematográfica tengo que decir. El ejemplo más claro es "A Dos metros bajo tierra". Fue una serie terapéutica, que me hizo sentir cosas, pensarlas, vivirlas dentro y fuera de la pantalla. "Californication" sigue esa línea, quizás algunos puntos por debajo de aquella serie de Alan Ball. Hank Moody, es el protagonista de la velada, un escritor de sinceridad extrema, de sarcasmos rápidos y envenenados. Un personaje que enamora tanto a hombres como a mujeres desde su primera aparición, un escritor cara dura, presumido y arrogante, pero magistral. Es cierto que la evolución de la portentosa interpretación que se gasta David Duchovny, se repite esquemáticamente durante las tres temporadas que he visto.
Pero también es cierto que el público no sabe analizar en profundidad el subtexto de la serie. Hank está pasando por un "purgatorio", una prueba de vida que lo alejan y a la vez lo acercan de su familia, ese es el nexo de unión. La serie muestra que la vida no es tan sencilla, que mantenerse estable en una piscina rodeada de agua y tentado por las sirenas del camino no es trayectoria para el que pierde los remos. Esa gran metáfora con la que acaba la tercera temporada, define perfectamente el hilo central de "Californication", una serie que más que humor, sexo y desvaríos dialogados, va más allá, explora los sentimientos, los acaricia. Y cuando eso ocurre, se convierte en magia, se convierte en una serie superior, magistral, muy inteligente. Su irreverencia, convierte su lenguaje en algo único. Personajes como el de Charlie y Marcy Runkle, Collini, Rick Springfield y sus alocadas tramas, contrarestan la perfecta armonía del hilo que conduce todo, la historia de amor de Hank, entre él, Karen y el resto de mujeres, a cual más esperpéntica, interesante, fatales, repulsivas o magistrales. Y es curioso, porque ahi donde expongo, está uno de los personajes para mi importantísimos de la serie. El de Becca, la hija de Hank y Karen. Un personaje que auna siempre el global narrativo de Hank, que pone el punto de cordura en el mundo adulto, un personaje tan fantástico como el propio Hank, que para mi define mucho el contenido, a veces hablando por el propio espectador. Becca ama a su padre, pero no deja de decirle de vez en cuando lo que hace mal (lo que siente el espectador). El final de la temporada tres, me parece un punto de inflexión maravilloso hacia una cuarta temporada (espero) con cosas muy interesantes. Para mi las dos primeras temporadas son impecables, la tercera es la más deshinibida en el sentido narrativo, la que más líos de faldas acomete, enderezándose con fuerza en su tramo final y con un último episodio cargado de aforismo y brillantez. Hank siempre dice que tiene que tocar fondo para volver a salir a la superficie (es uno de los temas recurrente durante las temporadas), aquí se hunde en su propia piscina de alcohol, mujeres y descontentos de vida. Kapinos nos da una de cal y otra de arena, como la vida misma, pues la irregularidad que el espectador medio vea (Ese que solo ve a Hank como un follador, bebedor y fracasado temporada tras temporada) no estará ahondando realmente, o no entendió nada del proceso de "Californication". Una serie que recomiendo ver, pero más que verla por su visceralidad, que también es genial, hay que verla por lo que nos dicta con total derechazo, una lección sobre las cosas de la vida misma.

"Rise of the Planet of Apes": Extinción y revolución

2011-08-23T21:59:00.001+02:00

Director: Rupert Wyatt

Año:2011

País:USA

Duración: 110 min.
Sinopsis: Will Rodman es un joven científico que está investigando con monos para obtener un tratamiento contra el alzheimer, una enfermedad que afecta a su padre Uno de esos primates, al que llaman César, experimenta una evolución en su inteligencia tan notable que el protagonista decide llevárselo a su casa para protegerlo. Le ayudará una bella primatóloga llamada Caroline .

NOTA: 9/10 Ficha en IMDB

Después del fatigoso film de la franquicia de "El Planeta de los Simios" que nos dedicó Tim Burton, quién iba a imaginar que un director, novicio y algo desconocido como Rupert Wyatt, iba a dejarnos con tan buen sabor cinéfilo en una saga que ya nos dijo lo suficiente en el pasado. "El Origen del Planeta de los Simios" es una película fresca, centrada en focalizar sus fuerzas en el contexto dramático de la revolución de los simios como especie que supera con creces los efectos de la raza humana. Un film con una fuerza embaucadora que eleva el ancla del buen cine. Guión firmado por Rick Jaffa & Amanda Silver. Libreto que básicamente se sitúa unos años antes de los acontecimientos ocurridos en la película del 68 dirigida por Franklin J. Schaffner, de la que por cierto, bebe en muchas ocasiones esta nueva, con sendos homenajes y reminiscencias, e inclusive enlaces directos a aquella, narrativamente hablando. Es curioso como se expone el tema de la rebelión, lógicamente partiendo de una base científica más allegada a la ciencia ficción que a la realidad, pero conectando los matices dramáticos directamente al protagonista de la función, César. El simio inteligente que consigue "liberar" la opresión de los suyos y cambiar el mundo tal cual se conoce. La descabellada idea no lo parece tanto, cuando el film subraya con hechos, inteligencia y moralejas bien construidas, como el ser humano es capaz de destruir toda su existencia por intereses. Ya sean, intereses constructivos (Will intentando curar la enfermedad de su padre) en los que prevalece siempre el sentimiento de afectividad a costa de todo lo demás, y los intereses monetarios y de poder (bien expuestos, aunque quizás algo usado el recurso). Lo bueno de esto, es que inevitablemente, estamos condenados a no dejarnos llevar por la naturaleza de la vida, a ir en contra de lo que dicta, a sentirnos capaces de crear una jerarquía de poderes, a no sentir empatía por lo que a veces ocurre a nuestro alrededor. A obviar la inteligencia. Y es ahí donde entra César, el simio que observa, que aprende de nuestros errores.
Se podría decir que el belicismo, que la rebeldía, nace dentro de la humanidad de César (lo cual es nuevamente curioso), y que al igual que el personaje de James Franco, que representa los buenos valores humanos que se pierden y caen un un baúl de sueños rotos, César es la esperanza hacia un mundo sin artefactos, natural y cooperativo entre todos, eso sí, para los simios, nuestro lado queda extinto y carente de esperanza dentro del film, un punto totalmente acertado. Un llamamiento a nuestro pensamiento, para que realmente veamos como actúa el mundo, como nos movemos en círculos, como nos perdemos ante la inmensidad de nuestro propio caos. El libreto se mueve en esos derroteros, teniendo a César como máximo exponente de lo que representa un cuadro lleno de sentimientos, pues el film, contiene unas dosis dramáticas bien escritas, sumamente estremecedoras, y pese que todos los simios del film, son digitales, desde el minuto 10, entras dentro del film, te conviertes en un simio más, conexionas con los pensamientos de César, con su sufrimiento, humano, justo. Es ahí donde se mezcla el blockbuster, con pasajes de acción trepidante (la escena del puente, la fuga de los simios, la parte final) y con la textura dramática que faltan en muchos films actuales, esa que nos hacen ver personajes, que nos hacen vibrar y que nos creamos la historia, por muy inverosímil que parezca (como es el caso), un acierto en toda regla, un libreto muy fresco y sorprendente.
Debo nombrar primero a Andy Serkis, en el reparto, por su inmejorable aportación en la captura de movimiento para César. Su interpretación debería ser ya reconocida, Serkis no solo crea un personaje fantástico, memorable y lleno de matices dramáticos, si no que Andy, es César, pese al "maquillaje" de CGI que hay de por medio, es sin duda el protagonista absoluto del film. Le sigue James Franco, en un papel que le viene como anillo al dedo. Franco es un actor que cumple siempre, aquí, aunque contenido y encorsetado, tiene una relevancia muy decisiva en los giros del guión. Mención aparte para el gran John Lithgow, que vuelve a recordarnos lo buen actorazo que es y lo olvidado que lo tiene siempre el Hollywood de nuestros días. Lithgow es para mi, de lo mejor de la película junto con César, fantástico y entrañable en cada escena. Secundarios que se pasean (sin mucho que aportar en gran medida), Freida Pinto y Brian Cox, a mi parecer, personajes que simplemente cumplen una función anecdótica dentro del grueso global del film.

En la dirección, gran sorpresa la de Rupert Wyatt, un director a tener muy en cuenta a la hora de seguir su, espero, fructífera carrera futura. Wyatt rueda con una pasión y artesanía impecables. Los planos están cargados de belleza, de imaginación, de saber hacer. Las escenas de acción están perfectamenteefectismos y algarabía visual, que expone con mucha sobriedad el buen hacer de su director, y sobretodo su pasión a la hora de contar la historia, algo que muchos directores de hoy, olvidan. La Banda sonora la firma el siempre correcto, Patrick Doyle, una banda sonora funcional, con algún que otro resquicio de carisma pero simplemente correcta, que va perfectamente con el film sin más aspavientos. Y para cerrar, no está de más aplaudir el trabajo que Weta Digital (encargados de los efectos de "El Señor de los Anillos" y "Avatar") ha desplegado para recrear a los simios y su compleja manera de moverse, andar, mirar y sentir en la pantalla, huele a Oscar para ellos este año y si no es por ésta, lo tendrán igualmente por "Tintín", y si no al tiempo.

En conclusión: "El Origen del Planeta de los Simios" es un film digno de disfrutar con todos los sentidos puestos en la pantalla. Una película con un ritmo endiablado, pero también comedida y pausada cuando los personajes hablan, trasmiten. Cine de entretenimiento con mayúsculas, aire fresco para una cartelera que más que nunca pedía un alivio como éste. Toda una sorpresa que a mi, me dejó muy buen sabor de boca, y lo más importante, quitando las explosiones, me hizo pensar mucho en como somos, como la raza humana está destinada a fallar, a tropezar una y otra vez con su propia moneda de cambio, eso si, la revolución amigos, siempre será una opción para aquellos que sientan de verdad, estar reprimidos, para aquellos que como César, valoren el amor y ante todo, la libertad de la naturaleza, no olvidemos nunca de donde procedemos, lo que fuimos.

La Escena/ Lo mejor: La escena del puente.// César planeando la fuga de esa "cárcel" de simios improvisada.// Los guiños al film original como el mangerazo, la estatua de la libertad con la que juguetea César, Los diez mandamientos o el viaje espacial que aparece en el televisor// El final.

"Me and You and Everyone We Know": Dejarse llevar

2011-08-17T23:55:00.001+02:00

Director: Miranda July

Año:2005

País:USA

Duración: 96 min.
Sinopsis: Christine trabaja como taxista, pero su verdadera pasión es el arte, donde expresa sus fantasías. Richard tiene dos hijos y es dependiente de una zapatería. Cuando conoce a Christine sabe que ha vuelto a enamorarse. Richard tiene dos hijos, Peter de catorce años, es el ratón de laboratorio de unas vecinas que le utilizan como preparación para futuros romances, mientras que el pequeño, Robby mantiene una peligrosa relación por Internet.

NOTA: 9/10 Ficha en IMDB

Me habían recomendado hace tiempo la película que os traigo hoy al blog. Un film independiente, dirigido por la actriz Miranda July, en España la titularon: "Tú, yo y todos los demás", un film diferente, original, fresco, parsimonioso, detallista, costumbrista, diferente en esencia, interesante para el que os escribe. El guión lo firma también la directora, July nos cuenta un relato de historias cruzadas, con puntos de reflexión muy concretos sobre la cotidianidad de su narración, pausada, de un aire lírico inustiado y de un costumbrismo minimalista que rozará lo soporífero para todo aquel que no trague en vena este tipo de cine. Un cine centrado en puntualizar matices, sensaciones, detalles ocultos entre sus fotogramas y diálogos. Quizás lo más especial del film es su capacidad de originalidad a la hora de tratar la inocencia de sus personajes, de las situaciones frías, poéticas, llenas de inexplicable coherencia, pero que a su vez las posee. Hay que irse a dos escenas clave, la del pez (inmensa por cierto) donde se expone con cierta perplejidad el camino de la vida hacia nuestra inevitable muerte, los senderos de la propia suerte o la indiferencia humana ante esta situación. Una escena que contiene mucho más de lo que expone, superficial para el espectador que no sepa rascar, insustancial para el que no lea entre líneas del relato de July, y pernicioso para los que ven autor en estado puro, que tampoco. El guión nos habla de la inocencia, para mi el tema principal, tanto de adultos, como de la infancia, (marcada con el niño pequeño y sus encuentros escatológicamente magistrales en sus conversaciones vía chat), la pérdida de esa inocencia tras su anterior miedo al fracaso, al abismo. Personajes perdidos en la vida, rimbombantes de orgullo, dispuestos, como bien se puntualiza dentro del film cual metáfora, a no cambiar de zapatos pese a que nos hagan daño los nuestros. Empeñados en ver el futuro, en llegar cansados o con los deberes hechos a lo que creemos que es la vida.

Y es precisamente el final (en concreto la escena que cierra, desconcertante hasta que no se medita con atención tras el visionado) la que nos dice que la vida lleva su propia idiosincrasia, sus propios desvaríos, su constante inexplicable y su vertiente nerviosa que acapara más allá de lo explicable. Para mi, la película recolecta de manera casi sinergética esas preguntas, esa poética real, con todos sus personajes, los casa, los evoluciona con un Karma (esa palabra que nos metemos en el coco para citar lo inexplicable de la casuística vida). De acuerdo que el guión no es perfecto, pero creo que su pretensión no es serlo, ni marcar una circular perfecta, de diez. Es una historia de personajes, de situaciones y circunstancias reales, maceradas con pizquitas de especialidad, de magnificencia humana, de ingenio lírico, hay que buscárselo, si sois intrépidos, os encantará, está llena de detalles que os harán sonreír, decir: me siento identificado, o de abrir mucho los ojitos, interesados en algo que no podemos explicar, pero que ahonda dentro, y si no, siempre podréis recomendarla al rarito de vuestra clase, ese que todos se empeñan en ignorar, pero que está cargado de cosas chulas. ESO, es la película de July.

Película de actores, gran reparto, geniales interpretaciones, coral film. Por un lado genial la propia directora del film, su personaje es el eje central que une los puntos, el que da sentido a muchas cosas que explican el contexto real del film, Miranda July esta especial, risueña, encantadora en cada escena. John Hawkes, ese actorazo que es, aun recuerdo su papelón en "Winter´s Bone", se marca un papel genial, entrañable, contenido, acordaros de él porque pronto lo veremos trabajando para Spielberg. Los niños, geniales todos, hacía tiempo realmente que no veía una película con unos niños tan fantásticos, tan carismáticos dentro de todo lo que se cuenta en ella. Miles Thompson, como Peter, impasible ante la indiferencia que vive en su día a día, para mi su escena clave es la que comparte con las dos adolescentes en pleno descubrimiento sexual, unas desternillantes e geniales Natasha Slayton y Najarra Townsend, que se marcan las escenas más graciosas de la película. Destacar a los dos niños pequeños del film, un portento de interpretación y de papel, fantástico Brandon Ratcliff, de mis favoritos, por no decir el mejor del film (su tema de la caca de ida y regreso es para tirarse por los suelos de la risa) y Carlie Westerman, que pone con inusitada inteligencia su papel sobre la palestra (obsesionada por recolectar utensilios que le sirvan en su vida futura, entrañable y da que pensar). En general un reparto coral, perfecto en cada escena, muy diverso, carismático y llenos de vida en todo momento.

Miranda July tras la cámara, rueda con soltura, con cierta armonía, muy discreta y como decía, basándose en una realización que trata más de trasmitir emociones, que maneja unas paletas coloristas muy concretas, que no se llena la boca de artificio (aunque muchos digan que si lo hace), bebiendo directamente del cine independiente más reacio al vanguardismo y más pegado a la cotidianidad. Los planos muchos, son a hombro, otros son largos (la escena en que Richard y Christine pasean por la calle como aforismo al trayecto que juntos puedan hacer en sus vidas, por cierto, escena genial también, que se representa con un plano largo con la steadycam). Los detalles, por ejemplo como empieza el film (con la fotografía y el relato de Christine) son muy originales, o la escena que encabalga la luna con la linterna improvisada en la mente de Christine. Digamos que es una dirección correcta, con pinceladas de frescura, para mi cumple perfectamente con el tono del film. La música minimalista y extravagante (lo siento no se me ocurren más calificativos) la firma Mike Andrews, pega, está presente en algunos momentos, el "tufillo" indie es evidente, pero le va como anillo al dedo a las imágenes de la película.

En conclusión: "Me and You and Everyone We Know" es recomendable desde mi punto de vista, para todo aquel cinéfilo empedernido que se atreve a ver films que emocionalmente le den frescura, originalidad, que les haga pensar. Un film que habla de la vida en estado puro, de dejarnos llevar por ella, desquiciados, perdidos y finalmente encontrados.Es para un público muy concreto, no es perfecta tampoco, ni una obra maestra absoluta, pues no gustará a muchos y encantará a la minoría, de eso va la cosa, me gusta que así sea. Si has llegado hasta aquí, a que esperas para verla, y si la viste ya, pues eres de la familia. Un 9.

La Escena/ Lo mejor: La escena del pez// la escena donde Richard y Christine cruzan la calle y la comparan con el camino que recorren en la vida// Las escenas del pequeñajo en el chat, y su resolución final en el parque// el tramo final.

La genialidad de Giacchino

2011-08-16T16:36:00.000+02:00

A unos días del estreno de "Super 8" en nuestro país (la cual comentaré aquí unas horas antes, puesto que tendré la suerte de asistir a la maratón "Spielbergiana" que ha montado Yelmo cines para la ocasión con el pre-estreno de la peli y la proyección de una de mis películas preferidas, "E.T.") os dejo uno de los temas de su banda sonora original, compuesta por el maestro Michael Giacchino, otra genialidad más para su casillero de grandes bandas sonoras.

Frases célebres

2011-08-10T04:01:00.000+02:00

“Tienes días buenos y días malos. Se puede componer algo, y sin embargo, la semana siguiente te das cuenta de que es inútil y estás obligado a tirarlo a la papelera. Yo siempre estoy escribiendo. En cada ocasión me digo que lo haré mejor la próxima vez.” - John Williams, Compositor -

La Mer

2011-08-08T04:02:00.005+02:00

Siempre he comparado el amor verdadero con París. Es en la ciudad donde anhelo guardar mis deseos, donde albergo mis sueños mágicos. De la que estoy enamorado, la que admiro e idealizo. Sólo he estado una vez, pero nunca, dicen, se olvida la primera vez de todo. Amo esa ciudad, la amo de verdad, con todas mis fuerzas, pero no puedo estar allí.

¿Comprendes lo que quiero decir?.

Estreno: "Café"

2011-08-02T01:28:00.004+02:00

Hoy estrenamos en la red, nuestro segundo cortometraje de la nueva productora, "Nohappyendings films" de la que os hablé hace unos días. Cortometraje no obstante, número 30 del computo global de Luigi Arts, por lo tanto "Café" es un corto, especial. El cortometraje, está protagonizado por Pablo Fortes y Carmen Titos, con la colaboración técnica de Marina Sánchez y Rubén Martín. Espero que os guste, opinéis si os apetece y no olvidéis pinchar la pestaña de 1080p (HD) en Youtube para verlo en la máxima calidad posible en alta definición, es nuestro primer cortometraje oficialmente en FULLHD. Muchas Gracias anticipadas a todos.

Sinopsis: Simón ha quedado con Clara en una cafetería. Tiene algo que decirle.

FICHA:
Año: 2011
Duración: 6:22 min.
Dirección y guión original: Luigi R.p.
Reparto: Pablo Fortes, Carmen Titos.

Cortometraje "Café":

.Versión Online:

.En Youtube (HD 1080p): VER AQUÍ

"La Playa": El Paraíso

2011-08-02T01:02:00.004+02:00

Director: Danny Boyle

Año:2000

País:USA

Duración: 118 min.
Sinopsis: El deseo de vivir experiencias interesantes, empuja a Richard a ir a Thailandia. Una vez alli, se aloja en un hotel donde encuentra a una pareja de franceses: Étienne y Françoise. Pero conoce a Daffy, un viajero destruido por años de sol y drogas que cuenta a Richard una historia sobre una isla paradisíaca, sobre una playa perfecta que nunca ha sido profanada por los turistas.

NOTA: 8/10 Ficha en IMDB

Reconozco estar valorando mucho más el cine del señor Danny Boyle, director del film que nos ocupa entre sus últimas películas que he analizado en el blog como: "Slumdog Millionaire" o la fantástica "127 horas". "La Playa" es una análisis con cierta trascendencia contextual de la sociedad humana, de las condiciones más instintivas, primitivas y libertinas del ser humano, y todo lo que eso repercute en los protagonistas, y a su vez, en el espectador que se deje guiar por la historia, ojo, no apta para todos, eso os lo digo desde ya. Guión de John Hodge, que a su vez se basa en el material novelístico de Alex Garland. Un libreto que va como un tiro, que deja un dinamismo y sus principios muy claros de primera mano. Se ha tildado al argumento de film de efectista, insustancial y demás calificativos. Creo que la película se sostiene en parte no realmente por la acción que cuenta en primer plano, si no que es un film que ojea el alma humana, la expone, cuestiona esos lujos que algunos humanos consideramos como buenos, me refiero a la libertad. Situándonos en una isla apartada del mundo, supuestamente construída por una sociedad mejor, más civilizada y armoniosa, donde todo es todo y se convive en paz. El problema lo trae el protagonista, un turista Americano y sus dos amigos franceses, llegando a generar el conflicto narrativo que pone patas arriba la concesión de principios morales y el buen rollo que se destiñe en varios puntos del film. Un juego psicológico que no llega a las altas coutas cerebralmente viscerales de "Apocalypse Now" de Coppola (por poneros un ejemplo de símil con este film, de hecho aparece una escena de la película dentro del film de Boyle) o "El Cazador" de Michael Cimino. El aislamiento clautrofóbico en una superficie enorme, hacen la paradoja, hacen la paranoia de los personajes, el film se mueve en una espiral. Y por momentos consigue ser embaucadora, bella, aterrorizante, directa. Pero al igual que pasa en "Slumdog", Boyle tiñe el final de previsibilidad y cierra con benevolencia lo que sucede dentro de la isla, el happyending con coletilla a ritmo de voz en off.

Y quizás no sea una de esas películas que trascienden en el tiempo, no es una historia que vaya a perdurar en la retina, pero creo, que tampoco pretende ser tediosa y valga la redundancia, pretenciosa en esos aspectos. Como digo, el film nos quiere hacer pensar mientras lo vemos, mientras juzgamos con nuestra mente lo que ocurre en la isla, lo que piensan sus personajes. Nos quiere introducir en la paranoide distorsión de las estrellas, la playa anegada de tiburones, enemigos sociales, y nos hace creer que la idealización es la perfección de nuestro ideal. Ese es el mejor mensaje que posee el libreto, ese, y sin duda como se va desarrollando gracias a unos personajes bien metidos dentro del film, tanto el siempre fantástico Leonardo DiCaprio en un papel que le va perfecto (aunque reconozco que ahora sabe perfilar mejor sus interpretaciones que en su época superpop). Genial el papel también de la maravillosa Tilda Swinton, como siempre, perfecta, femenina, misteriosa y sugerente femme fatale por excelencia dentro de la trama. Destacar también los personajes franceses que interpretan Guillaume Canet y la guapa Virginie Ledoyen, correctos sin más. Y la breve aportación (pero siempre agradecida) de Robert Carlyle, con un papel que borda y que deja alguno de los momentos más memorables de la cinta. Un reparto lleno de secundarios, muy coral, pero centrado ante todo en DiCaprio y su rol protagonista.
Y que decir de Danny Boyle que no os haya contado ya. Su acabado visual es sensacional. Un director que sabe mover la cámara, que inyecta plasticidad a cada encuadre y que rueda con un carisma especial. Su dirección aquí, es, de lejos, lo mejor de la película, pues imprime mucho de su estilo, elevando en gran medida todo lo que se cuenta, cosa que hace que el film se siga con un interés elevado. Es sencillamente magistral ver como están rodadas algunas escenas, por ejemplo la del ataque del tiburón (con el montaje como punto para desarrollar la escena de una manera original, a modo de flashback casi por sorpresa), la escena de amor entre DiCaprio y la francesita (estéticamente muy bella), los parajes de la isla, las lujuriosas y nerviosas escenas en Bangkok, o el tramo final que como he dicho, recuerda y homenajea a films como "Apocalyse Now", esa paranoide visión de la transformación animal e instintiva del protagonista (la escena donde se cree que está en un videojuego es fantástica). Boyle está estupendo en este film, como casi siempre. Destacar la banda sonora de Angelo Badalament, muy correcta dentro del film.

En conclusión: "La Playa" es un film correcto, entretenido, que hace pensar en cierta medida. Danny Boyle imprime un sello fílmico impecable en cada marco. No llega a la perfección cinematográfica de otros films más "adultos" en este aspecto, pero no deja de ser una película interesante en muchos aspectos. Un 8.

La Escena/ Lo mejor: DiCaprio/ La dirección de Danny Boyle/ Las escenas de la paranoia de Richard, con cierto aroma al Coppola de Apocalypse Now y las ya comentadas.

Wake up time

2011-08-01T19:51:00.003+02:00

Sigues tus sentimientos, sigues tus sueños
Sigues al líder entre los árboles
Y lo que hay allí esperando, ninguno de nosotros lo sabe
Tienes que mantener un ojo abierto cuanto más lejos vayas
Nunca soñé que iba abajo sobre una rodilla, pero ahora
Quién podría haber visto, que sería tan difícil complacer de alguna manera...
Te sientes como un niño pobre, muy lejos de casa
No eres más que un pobre muchacho, muy lejos de casa

Y es hora de despertar
El momento de abrir los ojos
De resurgir y brillar...

Te pasas la vida soñando, coriendo hacia un rastro.

Te cuelgas para siempre y todavía te pierdes el baile
Y si tienes suerte, puedes encontrar a alguien
Para ayudarte a superar el dolor que vendrá
Sí, estabas tan fresco en el instituto, ¿qué pasó?
Estabas tan seguro de no tener el espíritu humedecido
Pero sólo eres un pobre chico solo en este mundo
No eres más que un pobre chico solo en este mundo

Y es hora de despertar
El momento de abrir los ojos
De resurgir y brillar...

Bueno, si tiene suerte, un chico encuentra a la chica
Para ayudarle a acarrear el dolor en este mundo
Y si sigues tus sentimientos
Y si sigues tus sueños
Puedes encontrar el bosque que hay entre los árboles
Seh, Estarás bien, sólo tómate tu tiempo, pero ahora
Quién podría haber visto que sería tan difícil complacer de alguna manera
No eres más que un pobre muchacho, muy lejos de su casa
No eres más que un pobre muchacho, muy lejos su casa

Y es hora de despertar
El momento de abrir los ojos
De resurgir y brillar...

Porque es hora de despertar
Es hora de abrir los ojos
De resurgir y brillar.

Frases célebres

2011-08-01T19:29:00.001+02:00

-"Ningún hombre debería ver su cara cuando se corre" -

Hank Moody, Californication.

Entrevista y nacimiento de "Nohappyendings Films"

2011-07-31T03:25:00.000+02:00

Os presento oficialmente (y de momento, dentro de Luigi Arts), nuestra productora alternativa, Nohappyendingsfilms. Una manera de recolectar los cortometrajes que estamos produciendo últimamente en Luigi Arts. De rápida producción, rodaje y duración. El vídeo presentación os dejará mucha más clara cual es y será de aquí al futuro, la idea de Nohappyendings films. En otro orden de cosas, os dejo la entrevista que me hicieron hace un mes y medio aproximadamente en la radio local, Prensa FM. La entrevista fue por la participación de "Deseo" en el Festival de Cine de Málaga, y en general hablamos un poquito de todo. Aquí abajo os dejo el enlace para que la escuchéis si os place.

Las 15 mejores frases épicas del Chuache

2011-07-29T15:35:00.001+02:00

Grande Arnold, donde los haya. Creo que de todos los héroes de acción, el chuache siempre ha sido mi favorito, mi padre y yo nos tragábamos todas sus películas, era como para los católicos, ir a misa los Domingos xDD. Me quedo con una línea épica que sale en el vídeo de un peliculón de mi infancia, "El Último gran héroe" del siempre genial John McTiernan, cuando el chuache dice lo siguiente: "Lo he dejado helado, toma galleta".

Broken dream club

2011-07-28T22:29:00.002+02:00

Música que descubro por el factor más especial de todos, la curiosidad. Una tarde paseando por la fnac, en la sección de música rara, que no existe pero asi la denomino yo, me topé con la portada que os pongo arriba. Me llamó poderosamente la atención su simplicidad, su costumbrismo descarado de ese señor con el mando del televisor que congela un fotograma de la genial "Un Verano con Mónica", de Ingmar Bergman. Me apunté el nombre del grupo, "Girls" y gracias a internet, di con ellos. Me gustan, suenan a verdadero indie, ese que suena autentico solo en los Estados Unidos y que nacionalmente está muy de moda.

Grandes reflexiones de "Californication"

2011-07-27T02:49:00.005+02:00

He aquí, algunas de las perlas que se sueltan en una serie que estoy ahora mismo descubriendo, la cual recomiendo encarecidamente, "Californication". Con un grandioso David Duchovny en el papel del mítico Hank Moody, genial serie, me recuerda a los tiempos en los que "Six Feet Under" parecía hablarme, que me invitaba a la reflexión y la complicidad narrativa, en fin, tremendo.

"-¿Cual es tú última obsesión?
Hank Moody: .Que la gente sea cada vez más estúpida. Tanta tecnología, y los ordenadores se han convertido en máquinas para masturbarnos. Internet iba a liberarnos, a democratizarnos, pero solo nos dio a Howard Dean y su candidatura abandonada y pornografía infantil las 24 horas del día.
La gente ya no escribe, "bloguea". No habla, se "mensajea". Sin puntuación, sin gramática, M.R.A.C y M.R.C.N, me parecen un grupo de estúpidos que se seudocomunican con otros estúpidos en una protolengua que se parece más a una lengua cavernícola.
- Sin embargo, tú perteneces a ese grupo. Blogueas con gran parte de ellos.
HM: .De ahí que me aborrezca."

"-Me encanta ese aire de superioridad moral, Hank...
HM: . Pareces pensar que tengo una percepción estrecha de ti, pero eres tú quien la tiene de mí. Yo amo a las mujeres, tengo todos sus álbumes."

"-Bebes mucho, escribes poco y solo haces ejercicio en la cama. Amas a las mujeres, pero te odias a ti, así que a cualquier mujer que le gustes, la consideras una tonta. Y como esa mujer puede ser casi cualquiera, esta te dice adiós."

"- Becca Moody: Quiero ser virgen a los 40 años.
* Mia Lewis: ¿Por qué?
BM: Porque parece que una vez que te acuestas con alguien, la vida se vuelve una mierda.
M* No es tan grave.
BM: ¿Tú lo has hecho?
M* Claro.
BM: ¿Cómo es?
M* Bueno... malo. Extraño. Poderoso. No sé."

Alan Silvestri

2011-07-26T14:11:00.002+02:00

- Maestro de maestros el señor Silvestri. Track perteneciente a la bso de "Capitán America" de Joe Johnston -

El Fotograma

2011-07-25T15:37:00.003+02:00

SOLUCIÓN: "Heat" (Michael Mann -1995)

El Futuro de Luigi Arts

2011-07-25T00:17:00.001+02:00

Hoy tenía el placer de hacer memoria, tiempo atrás, de todo lo que llevamos en Luigi Arts. Nuestra pequeña productora de historias. Son casi 10 años trabajando en casi 30 proyectos, muchas caras que han ido desfilando por ellos, muchos amigos, mucha tensión y momentos vividos, claro que sí. A día de hoy, Luigi Arts está prácticamente cerrando su propio ciclo, cerrándose por dentro y, supongo, que como todo en la vida, se cerrará de aquí a muy poco tiempo definitivamente. Han sido muchos años, y ahora nos preparamos para llegar al cortometraje número 30 y 31 respectivamente, ambos en producción. Uno de ellos, pertenece al grupo de mini-cortos de "Nohappyendings Films" una franquicia alternativa que hemos creado, para proyectos más sutiles, pequeños y poco ambiciosos, de tan solo un día de rodaje, es el caso de "Tan Solo Palabras" y el que acabamos de rodar y del que os estaba hablando, "Café" con Pablo Fortes y Carmen Titos en su reparto. "Ruido" ha sido otro de los cortos que estamos produciendo simultáneamente, 5 días de rodaje, multitud de equipo técnico, tanto material como humano, y un proyecto ambicioso donde los haya, quizás el que más. Mentiría si no os dijese que por partes iguales, me he sentido muy arropado por mi equipo, pero también, muy solo en dicho proyecto que me está costando la misma vida sacar adelante para poder terminarlo. "Ruido" será el último. Será el que ponga fin a nuestra ambición por ir cada vez más allá. Ojo, no digo que se acabe la maquinaria, no de momento al menos. Mi intención es seguir con los cinco cortos que comprondrán "Nohappyendings Films" y acabar con los cortos que se quedaron en el tintero hace tiempo (entre ellos, "La Bella Confusión" que imagino, será el que de verdad ponga el punto y final a 10 años de Luigi Arts, es el que más merece ese puesto).

Hay algunos cortometrajes que realizar aún, esta claro que no nos vamos a ir definitivamente hasta dentro de un par de años o quizás año y medio. Luigi Arts dejará de existir para hacer cositas más pequeñas, para esporádicamente seguir la estela de "Nohappyendings Films" y labrar desde ahí un nuevo rumbo. Luigi Arts no habría sido posible sin un montón de gente, algunos siguen con nosotros desde los inicios, otros se han ido despegando cada vez más hasta decir adiós, y otros se han subido al carro en los últimos años. Han sido como digo, casi 10 años estupendos, y repito, esto no es una despedida formal, tan solo un sentimiento que se verá realizado dentro de poco, cuando acabemos de verdad y volvamos con otras cosas, cosas que nos entusiasmen y nos den la vida. Para mi los cortos, es mi forma de ver la ficción, mi realidad, con ellos puedo meterme en la piel de quien represente las historias, de ser capaz de soñar con cosas que la vida no puede brindarme, y con ello, ante todo, sentirme bien con los demás. Es por eso por lo que no puedo desquitarme de este mundo, lo llevo en la sangre, lo anhelo cuando no lo tengo, pero también es verdad, que a veces, hay que parar, cambiar y valorar, todo en esta vida, tiene, nos guste o no, un final.

Rip Amy

2011-07-24T16:52:00.001+02:00

Nos deja Amy Winehouse, a los 27 años de edad, una verdadera pena que se veía venir ya desde hace un tiempo, debido a las recaídas continuas de la cantante al mundo de las drogas. Personalmente, creo que Amy era un talento nato, una voz como las de antaño, un resurgimiento del soul, jazz y R&B moderno. "Back to black", su disco más icónico, es creo, uno de los discos más importantes e impecables que yo haya podido oír en estos tiempos modernos que corren, donde la música necesitaba algo como lo que firmaba Amy. En fin, una pena, descanse en paz, siempre nos quedará su música.

La Escenaza: Human Nature

2011-07-16T16:34:00.000+02:00

- Conversación entre mujeres. Real como la vida misma.

"Human Nature" de Michel Gondry, una locura genial! :) -

Indiferente

2011-07-12T00:42:00.002+02:00

El tiempo nos ha matado. El reloj que marca el ritmo de tu guitarra suena cansada, agotada sin la separación esterofónica. Los tiempos que soñamos se quedaron simplemente en sueños. Los tiempos que vivimos juntos parecen sueños. No hay escapatoria hacia la rutina, no hay remedio para la desidia, el cambio, el cansancio. La edad y los pesos de más nos arruinan la continuidad del juego. Perdido el misterio, se acaba la magia. La indiferencia y el mazo del ejecutor tampoco se han diluido, ahi siguen, conspirando, manipulando información. Las manos que mecieron tu cuna han ido cayendo en el olvido. Los moralistas han sido corruptos. La abadía de los sentimientos no se entendió en una sola vía de escape. Todo eso ya acabó. Todo anhelo queda aislado en una caja bajo el mar. Carente de sentido, carente de vida se haya el latir de tu corazón. Pero da igual, todo deja de tener importancia. Y quizás eso, sea lo peor de todo, aceptar el tiempo, irremediablemente perdido en mil cosas. Yo no aprendo, me desgasto, y con ello agarro la cuerda y tiró todo por la borda, incluido a mi mismo, lo que haya abajo no le importa a nadie, y menos a mi. Podría morir de la caída y nadie se enteraría de nada hasta que por interés, fueran al pozo a sacar agua, al amanecer, o quizás al alba. Pero sigo repitiendo, que todo eso da exactamente igual, y créanme, sé que piensan que eso es negativo, falso, evaucadoramente sombrío. Saben que en el fondo, no puedo estar más acertado, su corazón lo sabe, su egoísmo y su afán de controlar sus vidas lo saben. Yo hoy dejo de ser títere, dejo de darle importancia a todo, incluso dejo de darme importancia a mí mismo, de nada sirve, todo es indiferente.

El Fotograma

2011-07-05T01:06:00.003+02:00

- "Young Sherlock Holmes (El Secreto de la pirámide)"

(Barry Levinson, 1985) -

Buenafuente

2011-06-30T21:03:00.002+02:00

Bueno, esta noche acaba definitivamente "Buenafuente", lo echaré de mucho de menos para que engañaros...son muchos años. Parece que todo ultimamente le da por acabarse...

Parecido

2011-06-25T03:51:00.000+02:00

Esto debe ser una sensación parecida a eso que llaman: la felicidad...

The Hobbit, primeras imágenes

2011-06-24T17:36:00.000+02:00

La Escenaza: Atrápame si puedes

2011-06-23T15:44:00.000+02:00

- La fantástica introducción de la pelicula, a lo Hitchcock.

Con un John Williams entregado -

La más bella de las estaciones

2011-06-23T04:44:00.002+02:00

Ahora es el momento,

Ahora que la aguja de las horas

ha llegado al final.

Ahora, es real.

Ahora que los sueños

han dado de sí todo lo que podían.

Quiero saber.

¿Me quedo, o me voy?

E intentarlo otra vez, quizá.

¿Está en mi mano poder olvidar?

Ahora que lo he intentado.

Ahora, que me he dado cuenta

de que ese no es el camino.

Ahora, que me he dado la vuelta.

Ahora, que siento que es el momento

de aprovechar la noche.

Quiero saber.

¿Me quedo, o me voy?

Y quizá, finalmente, partir en dos la melodía.

¿Entiendo realmente todo éste entramado?

Sí, y la mañana me tiene cogida.

Mirándote a los ojos.

Y viendo como los míos me alertan

para leer las señales cuidadosamente.

Ahora, que es de día.

Ahora que la vela se consume en mi cabeza.

Ahora que está aquí.

Ahora que casi no estoy tan lejos detrás.

Quiero saber.

¿Me quedo, o me voy?

Y seguir, quizás, otra señal.

¿Tengo relamente alguna canción

sobre la que cabalgar?

Ahora que puedo.

Ahora, que es fácil, más fácil que nunca.

Ahora, que estoy aquí.

Ahora, que caigo hacia las luces y la canción.

Quiero saber

¿Me quedo, o me voy?

Tengo que hacer yo alguna

Y, ¿puedo escoger otra vez, si pierdo la razón?

Sí, y la mañana me tiene cogida.

Mirándote a los ojos.

Y viendo como los míos me alertan

para leer las señales cuidadosamente.

Ahora, que sonrío.

Ahora, que me río por dentro.

Ahora, que veo.

Ahora, que he encontrado finalmente

lo que había negado.

Es ahora cuando lo sé.

¿Me quedo, o me voy?

Y finalmente decido

que me iré

en la más bella de las estaciones.

"El Nuevo Mundo": la naturaleza de la vida

2011-06-22T22:35:00.001+02:00

Director: Terrence Malick

Año:2005

País:USA

Duración: 172 min.

Sinopsis: Siglo XVII. Encuentro de las culturas europea y nativa americana durante la creación de la colonia Jamestown en 1607. Inspirada en la leyenda de John Smith y Pocahontas, historia de dos personajes fuertes, una apasionada mujer nativa de alto linaje y un ambicioso buscador de fortuna que se encuentran divididos entre las exigencias de sus deberes cívicos y las de su corazón.
NOTA: 9/10 Ficha en IMDB

Me asomo por primera vez (lo cual tiene algo de delito) al cine del valorado Terrence Malick. Y lo hago con "El Nuevo Mundo", película inspirada en la leyenda que todos conocéis, la historia de amor entre John Smith el saqueador y la nativa Pocahontas. Un film cargado de una fuerza poética inusitada, un pulso narrativo lento, pero infinitamente bello. El guión lo firma el propio Terrence Malick, su visión sobre la historia no podía estar mejor enfocada. Quizás peque de densidad, de complejidad narrativa, pero también eso la hace diferente, las formas como se cuenta absolutamente todo está enfocado todo, es a través de los sentidos. Malick expone el nuevo mundo, como un título de doble sentido. Se universaliza el concepto de descubrimiento, y si bien podríamos decir que es la visión derrotista y casi onírica del personaje de John Smith (que tiene unos monólogos fuera de cámara que son exquisitos, fantásticamente bien escritos y que bien se podrían aplicar a la sociedad de nuestros días), que intenta alcanzar un sueño, que vive en una pesadilla, una realidad y un mundo que el considera irreal. Realmente el peso del éxtasis narrativo, lírico cual caudaloso río lo lleva el personaje inspirado en Pocahontas, el más evolutivo de todos. En ella vemos la naturaleza de la vida misma, en una mujer que descubre el horror, el amor, la caída de su pueblo, su nuevo mundo, la felicidad, el amor imposible y la muerte. Y todo ello con muy poco, Malick consigue levantar muchísimos sentimientos al espectador más sensible y predispuesto a sumergirse, pues no será del gusto de todos. Es una película con un guión conocido, pero densa, que ahonda principalmente en la introspección de la vida misma, en su naturaleza y capacidad de seducción, belleza y muerte a su vez.
Un alegato, un canto directo a la catarsis de la naturaleza, con dureza y a su vez con una belleza difícil de explicar con palabras, porque sinceramente se trasmite con los bellísimos parajes del film, con las expresiones de los actores, con los sonidos, y de verdad, los vellos se erizan. El mensaje del film es directo, capacidad de cambiar las cosas, afán de superación ante la adversidad, apreciar los sentidos verdaderos, sentir la naturaleza que nos rodea, criticar duramente la sociedad cuadriculada y extremista que tenemos, unos mensajes que hoy día, como decía, son aplicables. Y detrás de todo eso, muchos se quedarán en que es una historia de amor (o dos, más bien, pues la parte final del film es sencillamente abrumadora y a su vez natural, como la vida misma), que Malick se olvida de enfatizar en la habilidad narrativa, en mi opinión, esto no es Avatar, y Malick va mucho más allá que unos colonos matando a indios, no se trata de eso. El análisis hay que arañarlo, hay que mimarlo (como las caricias de Smith y Pocahontas, más profundas y determinantes que un beso o, perdonar la expresión, que un polvo en mitad de la selva, van directas al corazón del espectador). El plano final muestra un árbol enorme al que un fruto se le cae, pero él, inmutable, sigue en pie, mirando hacia el sol que lo cobija (otro de los mensajes del film), y de eso trata el guión de Malick, al que lo único que puedo achacarle es la meseta que crea en su narración, quizás ondulante en continuidad, pero evocadora a su vez, es extraño, hay que verla.

El reparto no se queda corto. Por un lado, para mi la sorpresa directa ha sido sin duda alguna Q'orianka Kilcher, en el papel de Pocahontas, su papel muchos dicen que se le queda grande, para mi es el pilar base del film, Kilcher está en su correcta medida, sutil, fantástica en sus escenas de amor con Smith, aunque le achacaría un poco a Malick que no la enfoque demasiado en esas escenas y prefiera centrar más sus cortes en la estrella, Colin Farrell, que nos hace un Smith totalmente decaído por el tiempo y la propia vida, un derrotista y cazador de sueños perdidos (antítesis del Smith de Disney) que no hace más que caer en la oscuridad de la culpa, de la pesadilla que le rodea, la vida real que genera su repulsión. Farrell está bien en el papel, aunque a veces (sobre todo con Kilcher) se olvida de dar algún matiz más a su personaje, a su rostro, pero me ha gustado, que conste. Y cuando la película lleva las dos horas largas (de las casi tres que dura, al menos la versión que yo vi, la firmada por Malick que dura 172 minutos en comparación de los 133 minutos que vimos en los cines comerciales) aparece en pantalla el siempre fantástico Christian Bale, interpretando un pequeño papel en la parte final del film, que casi se come al Smith de Farrell, si no fuera porque su presencia es más bien para apoyar el cambio evolutivo de Pocahontas, de todas formas, Bale está estupendo. Del resto, cabe destacar al gran Christopher Plummer.

Y quizás uno de los mayores virtuosismos del film, sea precisamente la dirección de Terrence Malick, que rueda con un puntillismo y una precisión que embriaga. Los planos son una delicia, todos ellos están medidos con una belleza y capacidad de trasmitir sublimes. Las composiciones, los paisajes, los encuadres de los enamorados Smith y Pocahontas (a cual mejor), la fotografía de Emmanuel Lubezki, que eleva el film hacia lo inimaginable. Belleza, poesía narrativa, atrayente por méritos propios o hipnotizadora, son muchos de los adjetivos que podrían aplicarse a la técnica del film. Destacar también la curiosa manera que está montada la película, montaje (la escena en la que Smith es apresado, tiene unos cortes fugaces para analizar, una secuencia rodada de manera algo diferente y curiosa de ver, o la manera que Malick tiene de mostrar la naturaleza, con planos muy sugerentes, con la Steadicam entre los árboles y plantas, una maravilla) que cuenta por capítulos toda la historia, que mezcla diálogos con voz en off (por cierto, y lo hace con originalidad, mezclar lo digo de manera literal) y la música de James Horner, que genera un clima indiscutible, y está perfecto con el tono del film, Horner hace un gran trabajo de violines y minimalismo étnico, que consiguen hacer mella en las escenas donde se requiere su presencia, sin ser efectista, con cuotas de belleza y fragilidad.

En conclusión: "El Nuevo Mundo" es una película sencillamente magistral, con una fotografía y narración exquisitas. Respira cine por todos sus costados, y cine es eso, capacidad de trasmitir con lo que muestra, un reflejo directo a los sentimientos del espectador. Un film pseudo mudo, que nos transporta a otro mundo, que nos lleva con su poesía. Unos entrarán, otros lo verán inerte, pero en el espectador selectivo están destinado los ojos de esta joya. No es una obra maestra, porque se le achacan algunos desniveles narrativos importantes, y quizás su puntillismo no al deje del todo respirar en muchas partes. Pero para mi, y estoy seguro que en un segundo visionado futuro, pisará el cielo de los clásicos contemporáneos. Malick creo, es uno de los pocos directores que van por la senda de aquellos grandes maestros de antaño y eso se nota. Un 9.

La Escena/ Lo mejor: Los monólogos de Smith sobre su mundo idealizado.// Los 20 minutos finales, algunos lo tildan de hueco, a mi me parece magistral.// Los momentos poéticos que muestran a Pocahontas y Smith juntos, bellísimos.

Fantasmas

2011-06-21T03:43:00.003+02:00

Si el ser humano fuese capaz de borrar, fuera capaz de canalizar y seccionar a golpe de pluma lo que siente y padece. Pero es imposible. Es curioso, la palabra para siempre queda expuesta a la duda, mientras que la palabra imposibilidad es un hecho tan tangible como impotente. Espectros dañinos y malignos del pasado, que se hacen llamar nostalgia. Espíritus divergentes del presente que no hacen más que alargar una declive latente, una catarsis ineludible al futuro más tenebroso. No tienes luz, ni cuerda, ni voz. Solo tienes uñas, esperanza, corazón valeroso para escalar y salir de ahí. Fuera te esperan los fantasmas del futuro, estos van en motos, escuchan a sus títeres. La música calma a las fieras, y a los mansos. Se te olvida el tacto de la piel femenina, el paladar de los labios, el apetito por la aventura. Se te descuelgan hilos de sangre en tus encías y tus dientes rechinan presos de una presión invisible pero real. Ahora mismo se está forjando el tallo que florecerá en una rosa roja durante el Verano. La cosa más bella para los mortales, la cosa más aterradora para mi, que solo espero a que el último pétalo rompa el hechizo y deje caer el Verano para que vuelvas. Algunos ya han partido en primavera, con la cabeza bien alta en heroicidades de prepotencia, olvidándose de quienes fueron un día. El ser humano, aplasta al gusano, pero los demás saben que tarde o temprano serán pasto de sus colmillos. Egoísta y visual. Octogenario de juventud. Cansado, trémulo. Admitamos pues, que llevamos condenados desde el origen de nuestros días, condenados a sufrir irremediablemente, a encorvarnos hacia la tierra que pisamos, hacia las más oscuras y promulgadas profundidades del universo.

No amarás

2011-06-20T02:02:00.001+02:00

- "Krótki film o milosci" (Krzysztof Kieslowski, 1988) -

Roar!

2011-06-19T17:48:00.001+02:00

- A Michael Giacchino le debemos grandes bandas sonoras como las de "Perdidos", "Up" o "Los Increíbles", pero si fuisteis de los que pasaron de ver los créditos de Cloverfield, os perdisteis los 9 minutos de música original que compuso Giacchino para la ocasión, de lo mejor de su carrera, un gran tema, de lo mejor sin duda de la película de Matt Reeves. -

Frases de cine: Savages

2011-06-19T17:05:00.001+02:00

"-Todavía le queda tiempo de vida...

.¿Cómo lo sabe?

- Por los dedos de los pies. Todavía no han empezado a retorcérsele por debajo. Los dedos de los pies se retuercen unos días antes de morir.

. ¿Qué es eso? ¿Un apunte de folklore jaimaicano o algo asi?

- Lo aprendí trabajando aquí. Siempre lo comentamos. Siempre pasa.

. ¿Que se le retuercen los dedos?

- Como a la bruja de "El Mago de Oz". Unos días antes de se vayan.

. ¿Y por qué cree que pasa eso?

- Dicen que es porque el oxígeno abandona el cuerpo. Y soy nigeriano, por cierto."

- The Savages (Tamara Jenkins,2007) -

El bueno de Humphrey

2011-06-18T03:06:00.001+02:00

- No puedo evitar descojonarme al ver esto, pero joder, que grande es siempre Bogart :) -

"El Graduado": El sonido (seductor) del silencio

2011-06-15T05:45:00.001+02:00

Director: Mike Nichols

Año:1967

País:USA

Duración: 105 min.

Sinopsis: Benjamin vuelve a casa después de terminar sus estudios universitarios. Es un joven que alberga un gran rencor contra la hipocresía y la corrupción de la sociedad que lo rodea. La señora Robinson, una amiga de la familia, se encapricha de él y lo hace su amante. Pero cuando Benjamin conoce a Elaine, la hija de la señora Robinson, todo se complica...
NOTA: 10/10 Ficha en IMDB

Podría acabar en dos líneas esta reseña a "El Graduado" film dirigido por el sensacional Mike Nichols en el año 67, diciendo que es una película sensacional, brillante y que entra directamente en el top imaginario de los films que me han marcado en cierto sentido, pero no, creo que esta joya merece un análisis como es debido. El magnifico libreto lo firman Calder Willingham & Buck Henry (Basados en la novela homónima escrita por Charles Webb), un relato impecable sobre el poder de seducción, la inestabilidad humana, el poder del deseo y un claro análisis sobre el camino hacia ninguna parte, el naturalismo moral y sin sentido que compone muchas veces la vida. Un camino de silencios que nos hablan (lo cual se nos recuerda constantemente dentro del film con la excelente banda sonora de Simon & Garfunkel), que nos conducen hacia una parábola de sensaciones y momentos que conforman la mezquindad, la incomprensión y los impulsos. La pérdida de la inocencia queda reflejada en el personaje de Benjamin, protagonista que borda Dustin Hoffman en uno de los papeles más impecables de su carrera. En él se descubren los vacíos existenciales, las decisiones morales, se confunden y distinguen deseo carnal, con amor puro, y se deja a la intemperie los silencios, la reflexión alegórica de la soledad en sí misma, el hermetismo (que se ve representado con varios simbolismos acuáticos: bajo el agua, la pecera de su habitación, el traje de buceador, la escena donde la lluvia destapa la verdad...), no solo del protagonista, si no de la vida en sí. Un camino sin destino, y si ese final no es un llanto agridulce hacia la libertad y a su vez hacia la penuria representada en ese el autobús que nos conduce por la vida, no se puede explicar de mejor forma, y sin palabras. No nos engañemos, el guión de "El Graduado" se disfraza de comedia, cuando en realidad es una total dramaturgia directa al espectador con millones de metáforas y metalenguaje de silencios con un significado en el trasfondo que solo poseen ciertas películas, las buenas. En este guión redondo está la lectura del fracaso y el éxito, que no se diferencian en mucho, ambos requieren de vacíos. Vacíos que se subsanan con el egoísmo, con el placer, con la codicia, la indiferencia social.

Y no puede haber mayor liturgia dentro de la historia, que poner al protagonista contra las cuerdas, al filo de buscar lo imposible, de derrochar su cambio, todo ello, provocado por dos mujeres. Dos personajes femeninos que enamoran, en especial el de la femme fatale que interpreta Anne Bancroft, el personaje que da también nombre a una famosa canción de Simon & Garfunkel, Mrs. Robinson. Un personaje fumador, calculador, femenino hasta decir basta, seductor, impecable, magistral, arquetipo de clasicismo que se respira en ella, personajes como los de antes, duros, hijas de puta con todas las letras, pero maravillosos e inspiradores, fantástica e irresistible. Le sigue la que hace de su hija en la ficción, el personaje de Elaine, interpretado también a la perfección por la guapísima Katharine Ross ("Dos hombres y un destino"), que toma protagonismo hacia la mitad del film. Del resto, destacar a Murray Hamilton como el señor Robinson, y a William Daniels & Elizabeth Wilson como los padres del Benjamin. Actuaciones de Oscars, donde destacan ante todo un Dustin Hoffman maravilloso y una Anne Bancroft que se come la pantalla cuando sale. Destacar como último del guión, su maravilloso uso de los silencios y a su vez de los cuidados diálogos, una delicia que en equilibrio (y no es fácil de conseguir) casan perfectamente, consiguiendo cuotas de cine con mayúsculas.

Si la película ya funciona en guión y a nivel interpretativo, tengo que babear hasta la extenuación, con la impecable dirección tras la cámara de Mike Nichols. Sin duda la película mejor rodada de ese año (me atrevo a decirlo sin titubear), la creatividad de cada encuadre es sencillamente para aplaudir. Cada fotograma dice alguna cosa, cada encuadre es mejor que el anterior, la cámara de Nichols se mueve dependiendo del estado anímico de la historia. Desde vistas subjetivas (la escafandra de Benjamin cuando se mete en la piscina), el nerviosismo del montaje en la escena donde la señora Robinson se despelota delante de Benjamin (genial el montaje, mostrando la visión del personaje con rápidos cortes, con la repetición de la acción, el frenetismo y la neura visual es bizarra, sublime), el encabalgamiento de secuencias (una puerta se cierra, otra se abre. La elipsis visual y musical que nos lleva mediante cortes del hotel a la habitación de Benjamin cuando este no hace más que pensar en lo que hace con la señora Robinson, con una originalidad y capacidad de trasmitir para estudiar, de verdad os lo digo). La escena inicial (que te deja pegado al asiento), los planos cortos y de larga duración documentando casi a mano lo que ocurre. La llegada de la señora Robinsondescerebradamente irreal, como a su vez duro y realista (contradicción que tenéis que ver para entender dentro del film) maravilloso en todo su haber. Nichols ganó el merecido Oscar por su dirección, la verdad es que es una de las películas americanas de los 60, menos arraigadas al clasicismo y más a la frescura (me recuerdan mucho a las maneras y formas de la nouvelle vague en ocasiones) original y arriesgada de la creatividad, algo que quizás en nuestros días, se atrevan a hacer muy pocos. La poética de cada plano, el subtexto que imprime la música de Simon & Garfunkel (que parecen conducir también la historia, con cierta ironía, con letras que parecen hablar del momento) apoyados por la partitura original de Dave Grusin, consiguen un resultado artístico inmejorable, inspirador para el que aquí os escribe.

En conclusión: "El Graduado" Nos habla de la crudeza, en estado puro. De la complejidad de los impulsos y de los caminos que se trazan en la vida, nos habla del presente. Un film infinitamente original en sus formas, cinematográficamente perfecto, analizable, disfrutable (su hora y cuarenta pasan en un suspiro), una película hecha para cinéfilos de verdad, de esas que cuando las ves te quedan dentro, no de la mente, si no del corazón. Una joya que para mi, ya está dentro del rincón de mis películas favoritas. Un 10 y tenéis que verla si no lo habéis hecho todavía.

La Escena/ Lo mejor: Yo me quedaría con la película en su totalidad, pero por destacar algunos momentos geniales: La parte donde Benjamin y la señora Robinson conversan en el hotel, tanto en el hall como en la habitación, sublime. El final, que dice todo con muy poco. La escena donde Benjamin a ritmo de Simon & Garfunkel, mezlca recuerdos y realidad, en su casa y en el hotel, el montaje de esa escena es fantástico. En definitiva, una maravilla de principio a fin.

"Piratas del Caribe: En mareas misteriosas": Nuevos Rumbos

2011-06-14T21:10:00.001+02:00

Director: Rob Marshall

Año:2011

País:USA

Duración: 141 min.

Sinopsis: Cuando Jack Sparrow vuelve a encontrarse con Angelica, no está seguro de si se trata de amor o si ella es una estafadora sin escrúpulos que lo está utilizando para encontrar la Fuente de la Juventud. A todo esto, Jack es capturado por el temible pirata Barbanegra, que lo obliga a unirse a su tripulación, lo que le hará vivir una inesperada aventura...
NOTA: 8/10 Ficha en IMDB

El regreso de la saga "Piratas del Caribe" a las pantallas, no podía estar precedido de tan mala fama. Se marchan casi todo el elenco de las primeras películas, incluída la marcha del para mi, admirado Gore Verbinski, director de la trilogía. Así pues, y casi un mes después de su estreno en las pantallas, ayer me acerqué a darle una oportunidad (sin ron en la sangre, eso si) al pirata más emblemático del cine, Jack Sparrow, en esta nueva aventura de la mano del equitativo Rob Marshall ("Nine", "Memorias de una Geisha") y tengo que decir, que al menos, esperaba bastante menos de ella. "Piratas del Caribe: En mareas misteriosas" sigue contando con los guionistas de las anteriores aventuras, Ted Elliott, Terry Rossio, que esta vez han tirado del recurso novelístico (más en concreto de "En costas extrañas" de Tim Powers) para situar las nuevas andaduras de Jack Sparrow. Porque no lo olvidemos, Piratas del Caribe, es Jack Sparrow. Ya desde la primera andadura en la perla negra, los guionistas han tratado de explotar al máximo los registros de un Johnny Depp que parece no cansarse nunca de interpretar al excéntrico pirata. Teniendo esto como seguro, el guión arranca a la velocidad de vértigo, expone en muy poquito tiempo las premisas necesarias para hacer saber al espectador, que el rumbo a tomar ahora en la saga, es diferente, que contiene más elipsis directa hacia la aventuras, los orígenes de la saga que muchos pensaban que ésta, había perdido (sobre todo en la tercera entrega, para mi, la más infravalorada de todas). Sigue habiendo referencia directa con las tramas que se dejaron pendientes en la tercera entrega, en especial la evolución de Barbossa como el verdadero pirata malvado y épico de la saga (por debajo siempre del inconmensurable Davy Jones), su evolución narrativa es genial.

De Sparrow, el personaje sigue siendo igual de sinvergüenza, histriónico y locuaz (los chistes están mejor medidos, y el personaje no se pasa tanto de la ralla como en la tercera parte, para todos aquellos que odiaban este aspecto) siendo él, el protagonista absoluto del film, de todas las subtramas posibles, y timón visible de la franquicia de Jerry Bruckheimer en un futuro. El personaje de Angélica (una inspirada Penélope Cruz, de la cual esperaba mucho menos) ayuda también a dar sustancia a Jack, a la película en sí, y la química, aunque descabellada en un principio, hace mella en el espectador de alguna manera, el juego de amor-odio, entre los dos no consigue ser espectacular en plan Bogart-Bacall, pero si que consigue sus objetivos dentro del film. Una de las cosas positivas, es la reducción del metraje, el guión va a piñón, parándose cuando es necesario, utilizando sus fórmulas del pasado para exponer la siguiente pista (se nota mucho al final, cuando se prepara el mantel para la secuela que vendrá tarde o temprano) y siendo mucho menos densa y simplista que la tercera entrega (esto para mi era un pro en aquella, pues se daba otro punto a la saga diferente, más de ahondar, más de profundizar en el grueso narrativo, aquí se recurre un poco a los orígenes de la primera parte, pero sin llegar a lo que fue aquel film, un brillante relato de aventuras, con diversión y buenas maneras), "En mareas misteriosas" se atribuyen buenos momentos, pero no deja de haber la sensación de que algo le falta, algo no deja de atribuirle méritos propios, algo que, personalmente, si hacían las otras tres, por separado.

Y quizás en eso falla precisamente la nueva entrega. Le falta garra, fuerza narrativa en sus escenas clave (algo que achacaremos a Marshall) algo que nos haga recordarla. A mi me basta con un pequeño ejemplo: Dos grandes momentos de cada una de las películas de la saga. De la primera: La lucha bajo la luna llena y la huída de Sparrow en Port Royal. De la segunda, La Isla de los caníbales y todo lo que ocurre allí o el Kraken precedido por un Davy Jones sensacional como villano. De la tercera, la batalla final y Jack en el mundo de Davy Jones. De esta cuarta, me quedaría tan solo con la escena de las sirenas, porque no hay otro momento destacable, que consiga quedarse dentro de la memoria. Es más, Barba Negra, interpretado por Ian McShane, es el villano más plano y desaprovechado que he visto en mucho tiempo, decepcionante en muchos sentidos. Y quizás tampoco deja de cuajar la historia amorosa entre el misionero interpretado por Sam Claflin y la sirena interpretada por Astrid Berges-Frisbey, total reminiscencia a Will y Elisabeth Swan, en las anteriores. Por lo demás, el film se solventa por su dinamismo narrativo (no se detiene casi en ningún momento) y quizás sea el trampolín hacia las siguientes, que prometen a mi parecer, mejores tiempos para Sparrow y compañía, me gustaría ser optimista, con esta saga que me ha dado buenos ratos, para que engañaros. Eso sí, el reparto está entregado, no se ve desgaste ni por Depp (que sigue estando genial) ni por el siempre sublime Geoffrey Rush, que su personaje siempre consigue sacarme algunos aplausos.

Quizás los achaques que más veo, la partida de Verbinski por Rob Marshall en la dirección. Creo que Verbinski le dio entidad a la franquicia, consiguió cuotas creativas muy dignas, y marcaba perfectamente la épica con los momentos de diálogo más pausados. Eso tenia varios pros, y algunos contras (se iban mucho de minutaje, en especial la segunda y en especial la tercera parte). Rob Marshall es un director más teatral, quizás con un estilo muy alejado de lo que son las películas de este estilo, y se nota. Creo que mide bien el ritmo (de hecho apenas se para, va como un cañón) eso consigue que el film se siga con interés y se haga ameno. A nivel industria, esto es un total acierto. A nivel creativo, Marshall no imprime el sello que a mi humilde opinión Verbinski consiguió en las tres anteriores. Las escenas son algo planas en su planificación, los planos carecen a veces de carisma y son rutinarios (esos planos aéreos que casi rozan lo mecánico), las escenas de acción están rematadas con poca fuerza de llegada (Sparrow en Londres es un ejemplo de la poca épica que se trasmite en una escena de tal magnitud), y creo que completo acierto creativo está en la escena de las sirenas, y la escenas de Depp con Cruz, bien equilibradas (en especial la final en la isla) quizás lo más impecable de la película. Marshall no hace una mala tarea, pero su aportación a la saga queda muy por debajo de lo que llevamos visto y del trabajo personal (ahora lo puedo decir con la boca bien llena) que imprimió Gore Verbinski a la saga. el gran Hans Zimmer, vuelve a poner la partitura original a la película, el rendimiento de ésta, es medio. Zimmer bebe poco de lo original, para hacer un refrito casi constante de las otras tres entregas, pero aún así, nos deja una partitura concisa y con algunos atisbos de brillatez (en especial el tema de las Sirenas y el de Angelica), sin mucho más que añadir a la saga que no haya hecho ya (la bso de la tercera entrega es un ejemplo de que Zimmer es muy grande cuando quiere).

En conclusión: "Piratas del Caribe: En mareas misteriosas" sigue adentrándonos en las aventuras, en el divertimento pirata que a mi parecer, tenían las anteriores entregas, todas ellas precedidas por la genial primera parte, que fue la verdadera joya del tesoro. Esta cuarta parte, deja claro que tendremos Sparrow para rato, y a nivel personal, está un poquito por debajo de las tres primeras. Eso si, un blockbuster en toda regla, entretenido, disfrutable y que gustará a los fans de verdad. Verbinski vuelve en la siguiente por fa. Un 8, y quedaros hasta el final de los créditos, que hay escenita sorpresa.

La Escena/ Lo mejor: La escena de las sirenas.// El personaje de Barabossa y su as en la manga.

Poor House

2011-06-04T15:17:00.001+02:00

Watching: "Band of brothers"

2011-06-03T00:54:00.001+02:00

- "Band of Brothers" (HBO, 2001) -

When You Wish Upon A Star

2011-06-02T03:26:00.001+02:00

Frases de cine: ¡Olvídate de mí!

2011-06-01T14:25:00.001+02:00

- "Puedes borrar a una persona de tu mente, sacarla de tu corazón es otra historia"

- Eternal Sunshine of the Spotless Mind
(Michael Gondry, 2004) -

My Friend And The Ink On His Fingers

2011-06-01T03:20:00.002+02:00

El Fotograma

2011-06-01T01:06:00.000+02:00

"Tess": Todo es vanidad

2011-05-31T23:48:00.004+02:00

Director: Roman Polanski

Año:1979

País:FRA

Duración: 170 min.

Sinopsis: En Inglaterra, a finales del siglo XIX, Tess Darbeyville, una hermosa y joven campesina es seducida por un hombre rico mucho mayor que ella. Adaptación de una novela de Thomas Hardy.

NOTA: 9/10 Ficha en IMDB

Prosigo la estela de uno de mis directores favoritos, el señor Roman Polanski, con la que está considerada, en lo general, como una de sus películas estrella, un film de época titulado con el nombre de su peculiar protagonista, y que ganó 3 Oscars de la academia, "Tess". Guión adaptado de la novela escrita por Thomas Hardy, por Gérard Branch, el propio Roman Polanski y John Brownstain. Un guión denso, que expone dentro del universo propio y autobiográfico del propio director (obsesionado por retratar en casi todos sus relatos una búsqueda hacia las tinieblas del ser humano) todo un análisis tremendo de la nadería existencialista, de la dureza de la vida misma, del orgullo y el prejuicio de la época, la pobreza, el amor como arma de libertad y de traición (la sinceridad y el romanticismo como carga derrotista está dentro de la historia con una fuerza directa y sustancial). La Inglaterra triste y paupérrima del siglo XIX se enfoca dentro de la historia con una delicadeza lírica y precisa, componiendo un lienzo paisajístico, no como elemento liberador hacia la poesía propia del relato, si no, todo lo contrario, una asfixiante metáfora sobre el encierro introspectivo de los personajes, en especial, Tess, uno de los personajes más frágiles, duros y a su vez bellos que ha compuesto el imaginario de Polanski en la pantalla, que vive en sus propias carnes la dureza de la vida como tal, la desgracia y la mala suerte más allá del tema religioso (que está, por cierto, como un elemento insustancial y déspota). El mensaje es sumamente claro: El ser humano es cruel, explotador, egoísta y mezquino ante la belleza, la fragilidad y la ingenuidad, el juego del más fuerte ante el débil y la caída del idealismo sobre la vida. Y es quizás el paso del tiempo, lo que hace evolucionar a los personajes dentro del film, por ello, su parte central y en especial su media hora final, componen un relato crudo, real, triste y a su vez lleno de simbolismo (el sacrificio final de los protagonistas ante el propio sol, en un juego visual que simpatiza directamente con el mensaje del film, presos de la vida antes de la salida del sol, en ese rico paisaje inglés). Agobiante en sus formas, precioso en su retrato a las miradas, a la fragilidad del drama, preciso en sus giros y rico en matices. Un libreto fantástico, denso y completo como obra artística.

En el reparto, grandes aportaciones para un relato tan especial. La protagonista de la función, la preciosa Nastassja Kinski en el papel de Tess. La actriz hace el papel suyo, lo llena de ternura, emotividad contenida y fragilidad. Guía y da el tono al film, Kinski está perfecta en todos los sentidos posibles, ella es el timón de Polanski y en este film. Destacar también a Peter Firth como Angel, un personaje tierno, pero con un matiz esencial que hace volcar la historia en su mitad, genial Firth. Leigh Lawson como Alec d'Urberville, un personaje manipulador y ostentoso en su franqueza, un reflejo de lo miserable que puede llegar a ser el ser humano, de lo que puede hacer una persona para conseguir sus objetivos de manera indecente, Lawson hace suyo el papel y deja muy buenos momentos en la cinta, teniendo su máxima aportación en la parte inicial del film y hacia el final. En general un reparto estupendo, muy acorde con el tono y la síntesis que muestra el film, quizás algo encorsetados por los diálogos (estos mejoran mediante avanza el film, pero al principio se muestran un poco torpes y poco rematados por los actores), pero no obstante, perfectos en sus roles.

"Si lo que acabo de escribir, no pasó por mis labios en tu presencia, aunque lo había repetido mil veces en mi corazón, fue por temor a perderte para siempre. Por amor a ti, conquistaré ese miedo y te llevaré esta carta. Una vez la hayas recibido, Ángel, tendrás el resto de mi vida en tus manos. Espero, tiemblo, te amo."

Llego a la parte más destacada del film. El apartado técnico, en concreto la dirección fantástica y de extrema delicadeza de Roman Polanski, que rueda con una lírica visual envidiable, su cámara se mueve elegante, sobria. Los parajes pictóricos y la fotografía de Ghislain Cloquet y Geoffrey Unsworth, son magistrales durante cada fotograma. Volviendo a la labor de Polanski, quiero destacar el uso de los planos largos en algunas de las escenas (por ejemplo, es sencillamente memorable la casi onírica representación de la perdición de Tess, en la escena donde Alec d'Urberville y la protagonista atraviesan el bosque y Tess se ve representada iluminada tan solo con unos rayos que se cuelan entre los árboles y el polvo exagerado del suelo que justifica el final de esa escena), la composición cual lienzo de muchos encuadres, o la belleza y sutileza a la hora de crear algunas de las escenas más memorables de la cinta (la muerte de uno de los personajes a través de la sangre que cae por el techo, Tess viendo a un grupo de cazadores entre la niebla, evocando sus propios fantasmas del pasado, la escena del almuerzo de los recién casados, dando mucha más libertad de encuadre a Angel que a Tess...) pequeños detalles que hacen grande y especial la película, todo ello claro, con la ayuda de una fantástica partitura de Phillie Sarde, que compone una banda sonora perfecta, bellísima, llena de magia. Os recomiendo que la escuchéis aparte, buscadla.

En conclusión: "Tess" explora la vanidad existencialista del ser humano, sin infantilismos ni edulcorantes típicos de los films de época (todos con un contenido expotencial hacia el romanticismo, aquí ojo, está implícito, pero hay algo más donde rascar, hay un subtexto mayor). A nivel personal, no es la mejor obra del director de "El Quimérico Inquilino", "Lunas de Hiel", la genuina "Repulsion"o la maravillosa "Rosemary´s baby", pero quizás si que entre en las mejores de su género con la mejor fotografía y banda sonora de la filmografía de Polanski. Un film de época con un gran guión, una dureza que merece la atención y remueve conciencias, como casi todo lo que ha hecho Polanski, siempre con su propio universo, su complejo mundo. Un 9.

La Escena/ Lo mejor: Personalmente me ha enamorado la escena donde las doncellas (Tess incluida) se encuentran con Angel en mitad de un enorme charco y él las va cruzando una a una hasta declare su amor a Tess de la manera más hermosa posible, es una escena preciosa.// los 30 minutos finales.

Poster Art: Une femme mariée

2011-05-30T23:45:00.000+02:00

- "Une femme mariée" (Jean-Luc Godard, 1964) -

Jack and Neal. California, Here I Come

2011-05-28T13:44:00.000+02:00

Carpenter´s glasses

2011-05-27T00:29:00.000+02:00

- "They Live" (1988, John Carpenter) -

Conversación

2011-05-26T01:09:00.003+02:00

. Últimamente no hago más que cerrar los ojos. En el autobús, en el tren, entre la gente. Cuando los cierro allí está ella, y cuando estoy ahí, todo es genial, pasan cosas, se prohibe la palabra deseo porque no hace falta que se formule. Entonces abro los ojos y vuelvo a ver lo que hay. Entonces, prefiero cerrar los ojos para siempre...cuanto antes para volver a verla.

- La vida está llena de cosas interesantes como para que estés pensando en la muerte.

. No lo entiendes, no te hablo de la muerte, te estoy hablando de los sueños, de la felicidad, y precisamente de lo maravilloso.

:)

2011-05-25T02:45:00.004+02:00

We don't always see eye to eye

But we see how the time's flying by

And we live with a daunting suspicion

That it might not go into remission

So against all the odds we're competing

Though we don't know for sure what we're reading

In the old testament we'd get fire and torment

But the new one says something 'bout healing

We're dying to live

We're trying to live

We're dying to live

Cause there's so much to live for

Miracles don't seem all that fair

If I were God I would know who to scare

And I'd try to repay all the losses

That were caused by incompetent bosses

They knew how to launch an attack

While unarmed you lay flat on your back

And wait for the poison to cure you

Since faith ain't enough to insure you

We're dying to live

Cause there's so much to live for

Angels always get the best lines

Fear not must have worked back in biblical times

But we're full of the facts it's the cross on our backs

When we pray are we just closing our eyes

We're dying to live

We're trying to live

We're dying to live

Cause there's so much to live for

Poster Art: The Complete Saga, ¡La quiero!

2011-05-05T15:37:00.002+02:00

Carátula oficial de la saga completa de Star Wars en Blu-Ray, me encanta ,es genial ,el dibujo define con una sencillez pasmosa las dos trilogías. De aquí a Septiembre me pillo un reproductor Blu-Ray sí o sí xD -

El Circo

2011-04-26T05:06:00.010+02:00

Marcaban las 1:17 minutos en su reloj de bolsillo. En ese minuto en el que su cerebro mandó la orden de sujetarse el bombín, el señor de supuesto porte altivo y mirada serena, pensó con nostalgia por aquella soledad que le invadía en las mas oscuras noches de aquel prolongado invierno londinense. Pensó en aquellos que perdió, su mejor amigo, las más bellas damas de la corte que decidió dar por imposibles, la risas que envolvían las fiestas de máscaras en casa de su hermano el archiduque. Pensó que su humildad y su condición (por voluntad propia) paupérrima, aclararían su moral, su ética de humanidad, lo harían vivir con serenidad y tesón. Allí, en aquella noche, también funesta e invernal, vio que había perdido un tesoro irrecuperable, quizás por sentarse a ver como todo pasaba, como la indiferencia se metía entre su espumoso abrigo negro. Así pues, cuando la calle se quedó vacía de bullicio, y las últimas parejas de enamorados despavoridos, se resguardaban los unos con los otros de la ventisca hacía un lugar más acojedor, el señor avanzó por una calle que cada vez se hacía más estrecha ante sus ojos. La candelería de las farolas se apagaron de un soplido que chilló el rugir del viento, pero el hombre no se asustó. Él se sentía cómodo en la oscuridad, había pasado demasiado tiempo en ella, conocía sus matices, sus susurros, su inmensa soledad. Tampoco se asustó, porque se moría más bien de curiosidad. Allí a lo lejos de la calle, divisó el final de ésta, y en ella, un muro de piedra que guardaba una puerta rodeada se surcos luminosos de amarillentos resquicios. Atisbó a un hombre igual de alto que él, con un laureado e interminable sombrero de copa y de rostro tapado por la oscuridad, inapreciable. Un ruido de jolgorio y caos habitaba tras la puerta, nuestro señor ataviado por una enorme curiosidad y receloso en su más profunda soledad, preguntó con la misma curiosidad ingenua de un niño, que era lo que allí dentro se celebraba. "¿Le gusta el circo, la magia?" le contestó aquel señor de negra figura y chistera al ristre. Extasiado, el señor lo miró, y casi sin palabras asintió, como si en realidad fuese su última esperanza de ser feliz en la vida. Seguidamente, con un gesto decisivo, como aquel que decide apagar su pipa de fumar, aquel hombre de dudosa figura le abrió la puerta con avidez. Dentro, pudo comprobar el sonido de una música nunca antes escuchada, miles de ropajes de todo tipo de colores. Bellas doncellas y apuestos príncipes sumidos en el placer de una orgía inigualable. Ríos de vino, frutas y comidas de anchura caricaturesca. Justo un instante que el señor paró, los vio. Allí estaban todos sus amigos, sus doncellas, sus familiares, aquellas personas que se perdieron en su camino. No pudo más que horrorizarse ante la vergüenza nuevamente infantil, como el niño que mira por un agujero la pasión desenfrenada del amor. Se percató de que era observado, humillado por risas y dedos que lo señalaban. Corrió hacia la salida y justo antes de salir, ya era tarde. Ahora formaba parte del circo, se ataviaba una capa roja, se pintaba una sonrisa de payaso y se recolocaba la chistera. El viento amainaba fuera en la ahora ancha calle, llena de gente, allí rescataría miradas, acercaría sus ojos a nuevas personas desconocidas y le preguntaría aquello de "¿Le gusta el circo, la magia?, mientras tras aquel muro, los secretos y las personas no eran ya las mismas que un día dejaron el deseo, el egoísmo y las máscaras como reclamo ante sus verdaderas personalidades, ahogadas en un manto amarillo de risas sin valor.

Johnny Guitar

2011-04-24T23:56:00.001+02:00

- Peggy Lee -

"Legend of the Guardians (Guardians of Ga'Hoole)": Sobrevolando la épica

2011-04-24T23:25:00.002+02:00

Director: Zack Snyder

Año: 2010

País:USA

Duración: 90 min.

Sinopsis: Soren es un joven búho que tendrá que luchar heroicamente para salvar a su pueblo pues la sombra del Mal planea sobre el reino de los búhos. Soren y sus amigos emprenderá un largo y angustioso viaje para buscar el Gran Árbol Ga'Hoole. Si son capaces de aprender unos de otros, pronto se convertirán en verdaderas lechuzas de Ga'Hoole: honradas y valientes, sabias y sinceras.
NOTA: 6/10 Ficha en IMDB

Sigo poco a poco el rastro que va dejando el que fuera en su día director de las famosas adaptaciones de dos cómics míticos, el primero de Frank Miller, "300" y el segundo de Alan Moore, la espectacular y fantástica "Watchmen". Zack Snyder, director que hace poquito nos ha dejado la que parece ser su película más contrariada por la audiencia ("Sucker Punch") nos sorprendió a todos con este film de animación un tanto atípico, con los artífices animadores de "Happy Feet" en sus filas técnicas. Una película que parte de un guión bastante sencillo, donde premian la épica narrativa y el género infantil, tirando como digo hacia esa épica de aventuras de toda la vida. Quizás lo que falla tanto en el guión de John Orloff y John Collee ( Basados en la novela de Kathryn Lasky), es que a priori, lo que se cuenta, no tiene un aliciente novedoso, todo es reminiscente a la misma historia mil veces contada, el afán de superación, la valentía de los débiles que se alzan ante cualquier obstáculo, los malos muy malos que quieren reinar ante todo (con uno de los motivos más surrealistas y pecaminosos argumentalmente hablando, unas gemas azules con un extraño poder que provienen de los residuos alimenticios que expulsan, por decirlo con sutileza, los búhos de la región, toda una fumada vaya, para que nos entendamos bien). Todos estos tópicos, se toleran más o menos bien, pues el guión va como un tiro hacia lo que quiere contar, sin pretender perderse en una reflexión que supere su target puramente infantil (aunque en realidad es un film que no se define hacia un público familiar...lo que lo hace más desconcertante todavía).

No deja de chocarme, hablando ahora como espectador, que el foto realista montaje visual de Snyder, coloque una historia de espadas, yelmos y valentía a unos búhos. El espectador se va haciendo a ellos al paso del film, pero no deja de chocar que los personajes, humanizados en todo su haber, carezcan de un carisma esenciales para una película de este calibre. Quizás la novedad precisamente sea esa, llevar a unos búhos la historia que Snyder quiere narrarnos y meternos entre oreja y oreja, para mi, no deja de funcionar al 100% por alguna extraña razón que los que sabemos mirar dentro del celuloide no podemos explicar, pero que si sentimos. El guión no carga el peso total del film, de ahí que no reproche mucho más, es una historia demasiado vista, demasiado sencilla y que no se detiene a reflexionar, lo que la hace más llevadera, y por que no, un poquito menos especial. No obstante contiene momentos donde se atisba un pequeño halo de buen hacer, pero cuando parece asomar, rápidamente se esconde entre lo de siempre, la estricta narrativa mil veces contada, con caras de búhos. Entre las voces e imagino que algún matiz interpretativo, que dan vida a los personajes, encontramos actores de la talla de Helen Mirren, Sam Neill, el siempre reconocible hasta con piel de búho y grandísimo Geoffrey Rush, Hugo Weaving, David Wenham o el guapete de Jim Sturgess.

Zack Snyder, no obstante, dirige por primera vez un film enteramente animado. Su labor como director no deja indiferente, y entrega cada poro cinéfilo de su piel a narrar la historia con su sello inigualable (Esas cámaras lentas en escenas de acción, la fotografía tan marcada en los rostros de sus personajes, el pulso frenético), consiguiendo una paleta espectacular, unos fondos preciosistas y épicos, dignos del mejor videojuego con una lírica hacia lo visual casi de perfeccionismo extremo. Volviendo a las escenas de acción, Snyder sigue "r" que "r" con implantar las cámaras lentas, resaltando mucho los planos cortos en una acción amplia, apoyándose de los cortes o del difuminado de su enérgica manera de mover la cámara, funciona por momentos, otros recae el tedio visual del espectador, y el problema nuevamente viene a ser el mismo, si estamos en un entorno presumidamente foto-realista, la física de la cámara tiene que ser también realista, algo que suele pasarle a muchos directores cuando están envolviéndose en el mundo de la animación de este estilo (toc toc, Zemeckis). No obstante la factura y el resultado final es impecable a nivel técnico, pero hace falta, creo, algo más, una pizca de frescura, de carisma, algo se echa en falta, algo que empatize directamente con el espectador, algo que aun siendo malvado como el mundo de los villanos, no sea tan preciosista, barrocas y perfeccionista como las imágenes purificadoras que compone Snyder, y creo que es magia, como en aquellos films de los ochenta (remito por ejemplo a la sensacional película de la factoría de Jim Henson, "El Cristal Oscuro", film que me vino varias veces a la mente mientras veía éste). La banda sonora original, épica e incluso a veces demasiado endulzada por ese factor que tanto resalta la empalagosa estampa colorista del film, la compone David Hirschfelder, correcto sin más, un score que se deja llevar por la fuerza de la imagen, pero a la que, como al resto del film, le falta un poco de pasión.

En conclusión: "Legend of the Guardians (Guardians of Ga'Hoole)" es un film entretenido, sin más. A priori, sobrevuela como sus buhos, la épica, pero se queda algo redundante, corto, pues es un film que tarde o temprano se lleva la corriente. Quizás un punto más carismático, un toque de atención al guión y menos al entorno perfecto visual, hubiese sido otro cantar,o no, quizás Snyder no pretendía más que hacernos entretener durante hora y media, sin más, apostaría por esto último, a sabiendas de que quizás me la pegue a la hora de ver "Sucker Punch" sin muchas esperanzas ya puestas en ella, visto lo visto. Un 6 y me quedo con el Snyder de "Watchmen", todo sea dicho.

La Escena/ Lo mejor: El vuelo de Soren entre la lluvia. La parte inicial donde son hipnotizados algunos de los secuestrados y el toque de humor en esa parte en concreto, quizás el único de la peli. El personaje que da vida Geoffrey Rush.

"La Última tentanción de Cristo": La idea de un Jesucristo humanizado

2011-04-24T20:18:00.001+02:00

Director: Martin Scorsese

Año: 1988

País:USA

Duración: 164 min.

Sinopsis: Jesús, un carpintero de Nazaret, decide atender la constante llamada de Dios. Pero cuando está a punto de completar su misión, debe hacer frente a la mayor tentación de todas y realizar un sacrificio para salvar a todos los hombres.

NOTA: 8/10 Ficha en IMDB

A finales de los ochenta, el siempre grande Martin Scorsese, dirigió, ayudado en la narrativa con su guionista de lujo, Paul Schrader (guionista de la genial "Taxi Driver"), este film polémico en su tiempo y aún hoy, sobre la vida y muerte de Jesús de Nazarte. "La Última tentación de Cristo" expone y analiza una visión distinta y libre sobre los hechos de la vida de Jesús, su pasión y muerte en la cruz más allá de los evangelios conocidos, quizás más novelístico, en algunos casos especulador, pero personalmente quedándose en lo mismo que lo que la Biblia expone, bonitas conjeturas e ideas con un fin interesante, nada más. El libreto se basa en la novela homónima escrita por Nikos Kazantzakis. Schrader adapta con matices, los 134 minutos que la película se adentra en la vida y acción de Jesús, es aquí quizás donde, ligeramente pero sin desviarse, el film expone a su manera los hechos, pero como digo, los evangelios cuenta, o la historia que todos conocemos, de manera similar a lo que el film de Scorsese nos muestra. Los matices, algunos muy interesantes.

La relación de Jesús con Judas (inmenso Harvey Keitel), la humanización de un Jesucristo indeciso, perdido en lo moral de sus actos, en sus miedos, dudoso y ególatra, con matices faltos de humildad y cargados de pretensión hacia el poder. Una idea interesante que guarda uno de los puntos dialogados que hacen que la duración del film pase volando, con más gloria que pena, lo cual se agradece. El inicio es tan brillante como desconcertante por partes iguales, se muestra a un Jesús carpintero, constructor de cruces, participante directo de los romanos para sus planes de crucificar a todo supuesto mesías que aparezca. Nuevamente se lleva a un punto provocativo la figura del mesías, eso sí, para mi, trasciende en la más absoluta normalidad coherente en base a la realidad, como lo que se muestra de María Magdalena, la polémica es absurda, apostaría un brazo a que así vivían, de que así de humano, egoísta, pretencioso y charlatán fue Jesús en sus días de vida, una persona sin más, muy espiritual, quebrado por sus voces interiores (esquizofrénico en ocasiones como Scorsese lo muestra en unas escenas donde el rol de Willem Dafoe da algunos giros muy radicales para un personaje sin definir de todo...y ojo, estamos hablando de unos de los personajes más conocidos de la historia y menos definidos de ésta).

Pero quizás el problema no resida en esos matices más o menos bien expuestos con la maestría de unos buenos diálogos que Schrader escribe sin pudores y cargando su estilo siempre personal y autobiográfico a sus personajes, sino que el film se reduce como su título incluso indica, a la idea que explora en su media hora final, lo realmente interesante del film. Es allí, en el gólgota de la cruz, donde Scorsese, cual mago, se lleva a Jesús fuera de la creencia y el sacrificio por la humanidad, a una vida de amor hacia una mujer, Maria Magdalena, quizás la verdadera olvidada de los evangelios y la verdadera pasión de cristo, apuesto a que así fue (es curioso como a la virgen María, se la muestra apenas un par de veces en toda la película, restándole toda la importancia que la Iglesia le otorga, nuevo matiz interesante). En esa última media hora, vemos a un Jesús viejo, entregado al amor de sus mujeres y sus numerosos hijos, viendo como un rumoroso mensaje cristiano se expande como la pólvora cual mentira épica, y siendo un total fracaso para sus apóstoles, un fracaso tan humano como real, pues el ser humano, como aquí se muestra, es egoísta por su propio amor, por el disfrute individualista de la vida, Jesús no podía ser menos. Esa puesta en escena, donde Jesús vive su pasión con sus Marías, y su posterior vejez en Jerusalén, es quizás la parte más polémica del film. Pero cuando parece que el film va a dar en las narices de medio mundo, Cristo vuelve a aparecer en la cruz, como si todo hubiese sido una imaginación, una última tentación de lucifer para afrontar con total reafirmación su fé. Es ahí donde el mensaje queda cobardica y no se deja de mojar del todo, volviéndose incluso el doble de religioso (el film repito, sigue siendo, pese a todo, religioso al 100%) , y es personalmente donde falla. Nos quedamos en una idea interesante, se subraya lo ruin y humano que es Jesús (incluyendo a Judas como una buena persona, que traiciona a Jesús porque él mismo se lo pide), pero no obstante se queda en una superficie sin más calificativos que el de "interesante". En general un buen guión, que expone un hipotético "¿Y si Jesús hubiera hecho esto...?" pero que no dista del todo en lo conocido abriendo nuevos caminos y explorando con valentía lo que quiere decir con las mismas palabras, una pena, esperaba algo de más cañita, je.

Otro punto positivo de la película, es el amplio reparto. Scorsese, se rodea como viene siendo habitual, de los mejores para contar su historia. El papel de Cristo, recae en Willem Dafoe, que interpreta correctamente el rol que se le exige, quizás en algunas partes algo desmesurado, algo teatral o esperpénticoHarvey Keitel en el papel de quizás el mejor Judas que se haya visto en una pantalla de cine. Keitel hace suyo el papel y lo expone con garra y con mucha audacia, genial. Mención aparte también para el fantástico rol femenino de Barbara Hershey como María Magdalena, repito lo dicho con Keitel y Judas, quizás estemos ante la mejor y más fidedigna representación de lo que fue María Magdalena para el propio Jesús y todo lo que influenció sus pensamientos, su camino como hombre, Hershey está fantástica en cada fotograma que aparece. Del resto, destacar las apariciones de el recientemente fallecido Irvin Kershner (director de la mítica "El Imperio Contraataca" y colega de Scorsese), el siempre genuino Harry Dean Stanton que se come la pantalla cuando aparece, Roberts Blossom, o el mismísimo David Bowie, genial en la piel de Pilatos, eso sí, no deja de ser raro verlo en un film de estas características, jeje. Un reparto genial, como siempre en los films de el nacido en Little Italy. En la dirección, Martin Scorsese, rueda uno de sus films más eclécticos de su carrera. Por un lado sus tiros de cámara (casi siempre a nivel del actor, por debajo de ellos para realzar su poder, o en la mayoría de los casos, cenitales para cargar de tensión la épica del relato) son extraños, hipnóticos (la escena de la crucifixión es sencillamente paranoide y genial) en ocasiones y meditadamente nerviosos. Una fotografía bien saturada de matices, muy sententera (pese a ser un film de finales de los 80) y con un Scorsese a medio gas entre lo genial y lo dormitado, personalmente hablando, eso sí, su influencia clásica y a su vez vanguardista sigue en puro apogeo aquí. La partitura original, corre a cargo del mítico Peter Gabriel (Que en su día, fue componente de los míticos "Genesis"), una banda sonora, psicodélica, con muchos matices étnicos propios que van acorde con el film, pero que no dejan de ser sonidos, atmósferas que ilustran lo que exponen las imágenes, una banda sonora diferente, para mi, excepcional solo dentro de la película.

En conclusión: "La última tentación de Cristo" no es ni de lejos, el film magno de Scorsese, ni siquiera es ese film que el público etiqueta de "polémico" e "incorrecto". De hecho es más respetuoso de lo que pensaba, y más fiel incluso a la realidad de lo que muchos se han parado a pensar. Un film interesante, con algunas ideas para la reflexión humana, un análisis sobre lo insulso a veces de la religión, de lo individualista y solitaria que es la humanidad. Un 8, porque para tandem Scorsese-Schrader, ya me quedo mejor con "Taxi Driver".

La Escena: El incio. La Crucifixión, y sus 30 minutos finales.

"La Piel Suave": El amor en fuga

2011-04-23T17:43:00.001+02:00

Director: François Truffaut

Año: 1964

País: FRA

Duración: 113 min.

Sinopsis: Pierre Lachenay, un famoso escritor, casado con Franca y con una hija de 10 años, abandona el hogar conyugal tras iniciar una relación con Nicole, una azafata de vuelo. Pero, a pesar de su decisión, tiene constantes dudas acerca de sus sentimientos...

NOTA: 7/10
Ficha en IMDB

Retomo la senda de cine francés, con uno de sus directores más emblemáticos a nivel internacional, François Truffaut, también una nueva oportunidad para seguir explorando en el rinconcito y a nivel personal, su peculiar cine. Es por ello que "La piel dulce" film que rueda en 1964, y que curiosamente se aparta de la corriente que le dio popularidad (la nouvelle vague), recalca con cierta avidez y con sobriedad realista, la infidelidad, la algarabía nerviosa de los sentidos, del amor. El guión lo firman el propio François Truffaut, acompañado de Jean-Louis Richard. Un guión, que repito, basa sus pilares en la cotidianidad de los hechos y la casi obsesiva manera de recrear los sentimientos de una manera pseudo-documentalista. Truffaut dota de una sencillez extrema su relato, con unos diálogos coloquiales, casi anodinos, resaltando los sentidos del espectador sobre todo en su parte final, y sacándolos de quicio en contadas ocasiones, donde el relato empieza a parecer un culebrón (Eso si, bastante francés) sin camino definido. Es entonces, donde realmente al guión le sobran quizás algunas páginas, donde el film recae inevitablemente en una previsible catársis (que se ve de lejos en su parte final, quizás lo más destacado del film a nivel narrativo). Pero imagino que la intención, modesta por parte de Truffaut a la hora de contar la película, era dotar del mayor costumbrismo y algo de "cinéma vérité" al conjunto global, con lo que eso conlleva, para lo bueno y malo. Y ojo, la película tiene una síntesis emocional muy bien conseguida (quizás mejor exploradas en otros films de Truffaut, como "Los 400 golpes", la maravillosa "Jules et Jim" o mi preferida, "Besos Robados") pero quizás se quede bastante floja de dinamismo, algo falla por algún lado, la sobriedad se vuelve tosca, inevitablemente ácida.

Aún teniendo ligeras lagunas, donde el espectador espera que la historia avance y no se quede en un pozo de redundancia narrativa, la película consigue unos momentos brillantes sobre todo en su presentación (vertiginosa, nerviosa, con el personaje protagonista yendo al aeropuerto), toda la acción en el hotel donde los amantes se conocen (con una lírica visual muy enigmática, sensual y carismática), y la ya comentada parte final, con la resolución agresiva, dramática, propios de un cine francés que obviaba los finales tópicos del Hollywood de la época, hacen mella, quizás no de la manera más original y incipiente como otros títulos galos, pero no obstante, bien hilados por parte de Truffaut en el caso que nos toca. En el reparto, destacar como no, sus dos grandes protagonistas, los desaparecidos Jean Desailly, como el escritor protagonista de la historia, perfectamente mimetizado en su papel y siguiendo perfectamente la línea de la película. Y mi amada Françoise Dorléac, en el papel de Nicole. Un papel que la hermanísima de Catherine Deneuve, aborda a la perfección (aunque para mí, su mejor papel lo juega unos años antes de su repentina muerte, con Roman Polanski en "Cul-de-sac"). Destacar sin duda, el portentoso papel de Nelly Benedetti, dando vida a la mujer del protagonista, un personaje dramático, hermético de angustia y pena que llega como un tifón a arrebatar el destino de la película hacia el final, Benedetti está perfecta en su rol.

La dirección tras la cámara de François Truffaut es de sobriedad absoluta. Una dirección correcta, sin aspavientos técnicos, narrando la acción detrás siempre de los actores. Jugando con los planos largos (la escena inicial por ejemplo, o la que ilustra la foto, donde el personaje de Nicole decepciona al protagonista, monólogo donde los cortes apenas existen, Truffaut tenia estas formas a veces, de rodar una película, con muy pocos ángulos). Una sobriedad que deja algún atisbo de imaginación (pese que la dureza y realidad de relato deje esto en un segundo y lógico plano) como la ya comentada escena del hotel, donde los enamorados esperan en el ascensor, o recorren los pasillos con zapatos en cada puerta. Una dirección correcta, sin ser tampoco lo más destacable del realizador, pero sin duda, tampoco de lo menos destacado, estaría en un término medio. La música original de la película, la firma como viene siendo habitual en los films del realizador, el GRAN Georges Delerue, que con unas pocas notas consigue trasmitir la dureza del relato con total acierto.

En conclusión: Cómo su curioso y poético título advierte, "La piel suave", busca la fuga del amor, en todas sus vertientes posibles, de la manera más realista, amarga y sencilla de narrarlo. Quizás pecando demasiado en el dramatismo más oscuro y detallistico, lo que lo hace redundante, carente de interés en algunos pasajes, pero reconfortante en otros puntos, más destacados, como los ya mencionados. Un film corriente, para un Truffaut más comedido, menos exigente, pero igualmente enamorado por lo que hace, por lo que narra en todo momento. Un 7.

La Escena: Los enamorados en el ascensor y entre los pasillos del Hotel.// El final.

Away we Go

2011-04-14T02:04:00.006+02:00

" . Eres mi luz Verona, mi cielo. Ansío verte como mamá.

Sus manos diminutas junto a las tuyas.
Tu sonrísa en tu rostro.

- ¿Qué vamos a hacer?

. ¿A qué te refieres?

- Nadie está tan enamorado como nosotros, ¿Verdad?,
es muy raro, ¿Qué vamos a hacer?

. Ya veremos que pasa..."

- Away we go - Sam Mendes, 2009 -

El Fotograma

2011-04-04T15:11:00.003+02:00

Poster Art: Lost in Translation

2011-04-04T15:10:00.000+02:00

- "Lost in Translation" (Sofia Coppola, 2003) -

Otro Día en el Mundo

2011-03-21T02:03:00.001+01:00

- Mágico. Vetusta Morla. -

La Escenaza: Celebrity

2011-03-19T03:26:00.000+01:00

- Siempre grande Woody, siempre bello el amor representado en el cine. Sin mucho más que decir esta noche... pinchad el play. -

Dormido

2011-03-15T01:55:00.003+01:00

Allí desde la más absoluta nadería, entre humo tóxico a miles de quilómetros, de sueños apocalípticos y de devastador ánimo, se rige fuerte la sabiduría de su mirada directa, sencilla, llena de mil colores. Una paleta tan bella como tu sonrisa que llega a mis oídos, completa, natural. Es imposible olvidar que no existes de verdad. Es poco probable que en esta vida nos encontremos tu y yo en algo más allá, de eso estoy seguro. Dicen que construyes mi nostalgia desde aquella noche, que sin tocar tu cielo, miré tu espalda, tu frágil respiración dormida, tu cabello correr lentamente entre tu cuello, donde al despertar miraste tímida la cara de aquel que te soñaba. Se escribe y se piensa desde la ilusión, desde la nebulosa de los sueños que jamás saldrán a la platea de la realidad. Relatos que quedarán tapiados para siempre en una quimera que yo mismo tejí con mis manos. No quiero irme a dormir porque tengo miedo de volver a soñar contigo...

Video presentación, "Deseo" en el 14 Festival de Málaga

2011-03-07T16:23:00.002+01:00

"Deseo", nuestro cortometraje, estará este año en la selección a concurso del 14 Festival de Málaga en la categoría de videocreación, la proyección será el 28 de Marzo a las 17, en el cine más emblemático de la ciudad de Málaga, el cine Albéniz. Para "celebrar" dicho evento, os dejo un video presentación donde expongo un pequeño repaso sobre la producción del cortometraje, espero que os guste. Advierto, contiene algunos spoilers varios, asi que quedáis avisados.

En la más alta torre

2011-03-07T05:43:00.005+01:00

Entre una espesa nube de matorrales verdes, reposa tu alma en un pico altivo, tu torre hecha con retales de marfil. Allí en lo más alto contempló como la doncella de cabellos dorados acariciaba su rostro hacia la brisa que peinaba sus rizos bañados por el sol. A nadie allí arriba le era imposible llegar, allí arriba ella esperaría sin impaciencia, sin mirar al cielo, sin apaciguar a los pájaros que anidaban en su balcón. En una cesta colocó el enamorado del bosque, su más alta estima de crisantemos para la doncella, llamaré su atención con colores que la ensimismen, dijo, grave error, pensó. Recopiló jazmines, los más impolutos que encontró. Talló rosas y las espinas les borró para no pinchar con descuido a la que para él, era su más bella flor. Desde ya lejos, en busca del presente perfecto para la doncella, y allí entre los verdes árboles que a sus ojos le evocaban vió el eterno enamorado como los caballeros andantes intentaban escalar la alta torre y llegar hasta la doncella. ¡Lánceme una mirada bella dama!, ¡Apresure una cuerda mi más preciado amor! decían aquellos que intentaban alcanzarla, pero nada hacía sospechar a la doncella su toque de atención. Allí siguió el pájaro, allí siguieron sus cabellos dorados al sol. Trovadores de todo el reino intentaron captar su visión con una habladuría poco común en forma de sudorosa y aciaga canción. De nuevo desde la colina el recolector de enamoradas flores suspiró. Y cogiendo el más hermoso de los lirios, sus manos de flores, olores y sueños se llenó. Cuando se dispuso a ofrecerle su ofrenda a la doncella, algo en el cielo se retorció de dolor. Así con unas cuantas lágrimas, el lago se anegó de desolación. La doncella volvió al interior de la torre, sin percatarse de los gritos del enamorado, cerró las ventanas, echó las cortinas y el pájaro voló hacia otro rincón de su, quien sabe, hallado corazón. Marchitadas por el agua, las flores se perdieron entre manantiales de agua y esfuerzos en vano. El enamorado, agarrado al tronco de la salvación, allí la noche aguantó cual caballero sin espada, sin armadura, sin cobijo y sin voz. Esperó a ver primero las estrellas, esperó la luz de la luna, esperó, esperó y esperó. La doncella dormía bella, intocable, inalcanzable como aquellas estrellas que ansiaba tocar, que las nubes no les permitían vislumbrar. Quizás mañana el sol me la traiga al balcón, esa doncella con la que siempre soñó. Quizás mañana broten más flores y pueda volver a intentar ofrecerle a ella lo mejor que tuve, mi corazón.

Poster Art: Don´t look back

2011-03-04T17:33:00.000+01:00

- "Don´t Look Back" (D.A. Pennebaker, 1967) -

"Deseando Amar": Intemperie emocional

2011-03-02T03:34:00.005+01:00

Director: Wong Kar-wai

Año: 2000

País:HKG/ FRA

Duración: 95 min.

Sinopsis: Chow, es redactor jefe de un diario local, se muda con su mujer a un edificio de Shanghai. Allí conoce a Li-zhen, una joven que vive en el mismo edificio con su esposo. Ella es secretaria y su marido está continuamente de viaje de negocios. Como la mujer de Chow también está casi siempre fuera, Li-zhen y Chow pasan cada vez más tiempo juntos. Un día, ambos descubrirán que sus respectivos cónyuges los están traicionando.
NOTA: 10/10 Ficha en IMDB

Me vuelvo a adentrar en el curioso mundo del cineasta Chino, Wong Kar-Wai, desde que me dejara impresionado a nivel técnico con "My Blueberry Nights" y "2046" dos films impecables, pero que sin duda no consiguen la perfección de síntesis argumental y creativa de este film. "Deseando Amar" es un film que expone con cierta claustrofobia y hermetismo, los sentimientos a la intemperie, el control de ambos ante la desolación que sufren los personajes, ambos, traicionados por sus respectivos maridos y esposas. Un canto poético ante el desasosiego que componen las tintas mezcladas y coloridas del amor, un mejunje imposible de clasificar, de comprender del todo sin una pincelada de lirismo. Y es ahí donde el guión del propio Wong Kar-Wai, acierta del todo. Nadie nunca podrá hablar de sentimientos, del significado de la pasión, del amor, de los impulsos eléctricos que sentimos y que ahondan nuestro corazón, con palabras. Es más, la representación metafórica de los colores dentro de la película, las habitaciones pequeñas, ese hotel de cortinas rojas y amarillentos desparpajos, la calle donde siempre se encuentran los enamorados, con unos barrotes de ventanas, piedras y agua de la lluvia encarcelando sus corazones, todo está empapado de una poética puesta en escena y de un silencioso mar de diálogos perfectamente cotidianos, insulsos en apariencia, pero que calan y explotan en sus puntos más candentes.

Wai, utiliza la elipsis abrupta de la historia, los saltos en el tiempo, la teatral manera de analizar la profundidad de un discurso amoroso (los propios personajes ensayan sus sentimientos, los exponen a la desnudez más integral de su alma) enfocando en algunos pasajes incluso, una doble visión de una misma escena, la originalidad del relato engancha, atrae, hipnotiza, enamora, pues de eso se trata. Y dentro de la realidad, el film llega a un final determinante, triste. Una carta sellada y tapiada dentro de un árbol de pensamientos, un: "demasiado tarde" para los protagonistas. El amor queda definido con indecisión, inseguridad, vejez y esperanza por partes iguales, de manera magistral. Es ahí donde las reseñas verbales de Wai, la música de Nat King Cole (con cierta ironía siempre, muy bien seleccionada) o los chelos de Shigeru Umebayashi a cámara lenta, cobran especial fuerza, contexto, justificación emocional dentro del espectador. El libreto no deja cabos sueltos, la belleza de sus pasajes, de sus líneas y de su extrema sinceridad ante el amor, vale más que cualquier impulso sexual, que cualquier infidelidad barata, esto si es amor, con el corazón, y Wai lo dice sin pretensión, que es lo realmente impresionante del relato, para mí, da en la diana.

"- En los viejos tiempos, si alguien tenía un secreto que no quería compartir, ¿Sabes lo qué hacía?
. No tengo ni idea.
- Subía a una montaña en busca de un árbol, le hacía un agujero y susurraba su secreto al agujero. Luego lo tapaba con barro. Y dejaba el secreto ahí para siempre.
. ¡Qué rollo!, yo iría a echar un polvo.
- No todo el mundo es como tú."

El reparto, está perfecto, sensacional, transmitiendo todos los elementos introspectivos que requiere la historia. Desnudando algo más complicado que desnudar el físico, el alma sensitiva de los personajes. Es por ello que el film se mueve entre sus dos protagonistas claros (pues los cónyuges de ambos no muestran sus rostros, una licencia que Wong Kar Wai inserta con exactitud e ingenio, personalmente sensacional) Maggie Cheung, interpretando a Mrs. Chan, elegante, con una rectitud oriental perfecta, demostrando su paciencia, su perseverancia, y que va desmoronándose al paso del film cual flor desnutrida, un alarde de interpretación maravillosa, fantástica. Tony Leung Chiu Wai es el protagonista masculino del film, otra interpretación contenida, maravillosa, muy espiritual y acertada, en ambos actores recae el peso del film, su equilibrio es sublime e inolvidable. La dirección de Wong Kar-Wai, es quizás (junto con "2046") de las que he visto suyas, la más perfeccionista, simbólica y detallista. Su cámara no para de moverse sobre raíles, elegante, bailando sobre los personajes, captando al detalle los entresijos de sus guaridas emocionales. Es más, es fantástico por ejemplo, como se retratan los estados anímicos con algunas escenas, como la del restaurante (cuando los enamorados hablan sobre su situación y más tarde comiéndose un filete) donde la cámara los enfoca por separados, para cuando llega el nerviosismo emocional, panear compulsivamente, acabando en el humo del cigarrillo. Los detalles son otro punto a destacar, las zapatillas rosas de la chica, la cámara lenta ya mencionada en muchos momentos donde quedan expuestos los sentidos al espectador. El montaje corrosivo y fresco (cual nouvelle vague francesa en ocasiones, como la que ella va al Hotel y no se decide a entrar del todo), las composiciones pictóricas perfectas, el uso del lenguaje cinematográfico como elemento de obstáculo metafórico para la pareja con el uso de los espejos o las paredes que la cámara traspasa en una de las escenas. La ralentizaciónWai), todo un plantel inmenso, analizable y realmente sorprendente. Wai impacta con sus encuadres minuciosos y desoladores, impregna de colores pasionales la pantalla (la historia no está situada en los 60 por casualidad) y recalca el hermetismo claustrofóbico colocando la cámara el lugares muy poco comunes y espacios cerrados. Los decorados y sets son memorables (la calle donde ocurren las mejores partes del film entre los enamorados, el Hotel de cortinas rojas, el apartamento, las oficinas) todo el film está pensado para quedarse para siempre en la retina, sí o sí. La banda sonora, como suele ser habitual en los films de Wong Kar-Wai, está perfectamente seleccionada, una gran variedad de temas no originales (Como los ya comentados de Nat King Cole, perfectos) que se hermanan con los originales compuestos por Michael Galasso y Shigeru Umebayashi, de manera magistral.

En conclusión: "Deseando Amar" no está dirigida para el espectador medio que cree que una película no puede explorar los sentimientos humanos con cierta alegoría, con un tono de irrealidad, o en todo caso, con una realidad desfigurada por sus personajes. El cine asiático por suerte, apuesta por ello, y si entramos en ese juego e inteligentemente le damos al cerebro (algo que parece que cada vez se pierde más y más), descubriremos un psicoanálisis perfecto sobre las emociones selladas, sobre el amor verdadero (no es otro que el dramático, crudo y desmitificado ante el paso del tiempo, no como se nos vende por ahi), la imposibilidad humana de no poder controlar lo que siente, en definitiva de dejarse llevar con el corazón. Una película magistral de principio a fin, que recomiendo ver solo para aquellos que como yo, creen que el cine es para algo más que una serie de pautas, leyes y acciones manidas. Dejaros llevar por lo que sentís, no por lo que veis, cuantas veces habré dicho esto. Un 10.

La Escena: Los enamorados en el restaurante.// La escena de la calle donde los personajes deciden despedirse (con el teatrillo incluso, je) bajo la lluvia, una de las escenas más bellas del cine contemporáneo.

Querido Marzo...desearía tantas cosas para ti.

2011-03-01T02:01:00.002+01:00

"The Fighter": La familia unida, jamás será vencida

2011-02-27T20:42:00.001+01:00

Director: David O. Russell

Año: 2010

País:USA

Duración: 115 min.

Sinopsis: Narra la verdadera historia sucedida a mediados de los ochenta cuando un boxeador problemático pero con talento intenta redimirse entrenando a su hermano menor. Dicky Eklund una vez tumbó al campeón del mundo Sugar Ray Leonard, inmerso en una peligrosa mezcla de drogas y delincuencia y su hermano Micky Ward prometedor luchador de la familia, cuya carrera está en manos de su madre.
NOTA: 8/10 Ficha en IMDB

Sexta y última película que dedico al especial de los Oscars de 2011. Es el turno de un film de boxeo, el de David O. Russell, "The Fighter". Un film correcto, con algunos puntos muy interesantes, pero quizás con algunas reminiscencias ya vistas en muchos otros films que hablan prácticamente de lo mismo, el sueño americano, la realización del objetivo, con el boxeo como telón de fondo. El guión lo firman Scott Silver, Paul Tamasy y Eric Johnson, un libreto dinámico, rico en continuidad narrativa y con un seguimiento interno hacia sus personajes, quizás la piedra angular del film, una de las piezas que hace que el film salga un poco de lo habitual en este tipo de historia. La argumentación se basa en unos hechos reales sobre el ascenso al firmamento del boxeador que interpreta Mark Wahlberg, Micky Ward. Presionado por los deseos de éxito de su familia, en especial de su madre y su hermano, un ex boxeador retirado y drogadicto que hace las veces de papanatas. Quizás sea este juego familiar lo que crean al protagonista una personalidad propia, pues en realidad, estamos ante el protagonista más vacío y plano de todas las películas de los Oscars, si no fuese porque como acabo de decir, es un personaje que se va forjando dentro de ella, motivado por los geniales personajes secundarios. El mensaje de "The Fighter" hace justicia al doble juego del título, la lucha constante por la búsqueda de la felicidad en la vida, los intentos por hacer lo que uno sienta y no por lo que le digan, y sobretodo por un mensaje tan alentador como manido, pero que aquí funciona con cierta fluidez: la unión hace la fuerza.

Me gustan los diálogos (concisos, a veces con algo de humor, carismáticos y bien metidos dentro de sus personajes) y la capacidad dinámica del argumento, que decae solo en un punto de la historia (Ese caos emocional de la escena donde toda la familia se rifa el futuro del protagonista en el ring de ensayo, algo abrupta dentro de la acción). El resto del mérito, se lo llevan las fantásticas interpretaciones que alberga el film. Para empezar, Mark Wahlberg construye un personaje sencillo para su anchura interpretativa, pero que le viene como anillo al dedo, el protagonista que más que serlo, se va haciendo, correcto sin mucho más que añadir. Mención aparte para el papel de Christian Bale (que adelgazó una cantidad tremenda de Kilos para interpretar a Dicky), tremenda composición y evolución de su personaje, dándole la voz, la forma de moverse, la perfecta caracterización que bien merece su nominación al Oscar de este año. Para mi es el mejor de toda la película, y el verdadero punto para considerar el film como algo más que un film de boxeo sin más, tremendo. Junto a él, destacaría la portentosa (y que leches, sorprendente, no me lo esperaba) interpretación de Amy Adams, el papel femenino por excelencia que se salta ciertos clichés, y da pie a algunos momentos muy destacables dentro del juego de discrepancias entre los personajes del film. Adams está estupenda, metida hasta las raíces en su papel, quizás lo mejorcito que haya hecho de momento, en toda su carrera, genial (bien merecida su nominación). Papelón también el de Melissa Leo, interpretando a Alice, la madre de los protagonistas. Fantástica, contenida y portentosa. Mickey O'Keefe se interpreta a sí mismo, y destacar también el papel de Jack McGee. Un reparto sensacional, con algunas interpretaciones por encima de otras (la de Bale y Adams) y muy buenas en general.

Otro de los grandes aciertos del film, es sin duda, la inspirada y original dirección tras la cámara de David O. Russell. Su manera de enfocar el film es fantástica, destacaría la fotografía (muy urbana, desaturada pero perfecta para la época donde se sitúa el film, en los 80) y la forma en la que Russell utiliza la steady, los planos largos, los seguimientos a los personajes, usando la calle de manera crepuscular en muchas ocasiones. Eso, y los combates, que están apoyados además del montaje, por su estilo visual, Russell toma las imágenes directamente de las cámaras de televisión de los 80, dándole al film esa realidad necesaria en los combates, y poniendo la calidad de imagen al servicio del espectador, situándolo de manera realista tanto en el contexto histórico, como en el ring, genial. En definitiva, una dirección fantástica, este año los Oscars tiene una categoría impagable en la dirección, todos merecen la estatuilla por su frescura en la realización, David O.Russell no podía ser menos (Como curiosidad os diré que el productor de la peli, el propio Mark Wahlberg estuvo apunto de convencer a Martin Scorsese para que dirigiese el film). La música (en silencio en casi la mayor parte del metraje) original corre a cargo de Michael Brook, su música roquera va perfectamente con algunos pasajes de la película.

En conclusión: "The Fighter" es un filmOscars, pero su dinamismo cinematográfico y sus fantásticas interpretaciones, la salvan del bajón general. Destacar a David O.Russell como otro punto magistral del film, su dirección es para analizar. Y como no, un papelón de Christian Bale, que día a día que pasa parece escoger mejor sus papeles, Amy Adams me ha dejado con los pies colgando, no me la esperaba tan estupenda. En definitiva, un buen film, pero sin más. Un 8.

La Escena: La escena en la que todos los personajes de la película observan el documental de la HBO sobre la vida de Dick. // El combate final, lleno de magnetismo.

Por debajo de la mesa

2011-02-24T22:53:00.003+01:00

A veces la vida te enseña las cosas a base de cuatro cucharadas de azúcar moreno. A veces el deseo de lo inexplorado se transforma en energía incontrolable, incomprensible, ilegítima. Es curioso, como una mirada directa a los ojos, como un subtexto lo puede llenar todo de clarividencia y a su vez de misterios altamente peligrosos para el que aquí escribe. En menos que canta un chasquido, sin quererlo, estás con otras personas, en sitios diferentes que ya antes habías pisado. Con otros ojos, con gente que no sabe que decir, que tiene tantas cosas por sentir. Y allí tímidamente, bajo la atenta mirada de un observador intuitivo, una caricia ajena en tus muñecas, debajo de la mesa. Es imposible no mirar, hacer caso omiso, leer entre líneas, pensar: "Lo sabía, pero me sigue dando igual", egoístas en mayor o menor medida, impulsivos, así somos. Más tarde vuelve a cortarse ese caos de seducción y te dices, ya está, no es nada. Es posible que se haga un mundo de todo, lo más seguro, de ilusiones también se vive. Pero nunca un abrazo desconocido había sido tan sincero, vaya que si, a veces se siente muchísimo más que el del conocido. Es entonces cuando todo vuelve a ser absolutamente extraño, se oculta lo anodino, florece de tu bota la palabra humana más desconocida por todo impulso nervioso: sentimientos, algo que nos guste o no, es imposible evitar, pese a que todo esté encharcado, masacrado. Quizás hoy me haya sentido bien conmigo mismo por primera vez en el año, sin ningún alarde, ningún avance o retroceso, siendo tal cual, sabiendo lo que hay en todo momento. No sé que está pasando en estos últimos meses, el año ha empezado a un ritmo endiablado, con cosas muy extrañas y parece no detenerse, aunque la verdad, me importa un pimiento, que sea lo que sea, como diría Jorge Drexler.

Poster Art: Inception

2011-02-22T09:32:00.000+01:00

- "Inception" (Christopher Nolan, 2010) -

"Deseo" seleccionado en la Muestra de Cine de Fuengirola

2011-02-21T15:18:00.001+01:00

Este año, nuestro cortometraje "Deseo", está cosechando grandes éxitos de cara al público y a varios festivales donde lo hemos presentado. Para mi es una ilusión tremenda que haya sido en concreto esta historia ambientada en una ciudad corrupta y lúgubre de los años 40. Las razones ya creo que las sabréis, la historia me llevó casi un año en escribirla (para luego recortarla en formato corto), y me apasionaba de verdad llevar una historia muy influenciada en los films noir de los años 40/50 que tanto me apasionan. "Deseo" ha sido seleccionado a la Muestra de Cine de Fuengirola a concurso. Su proyección tendrá lugar el Miércoles 23 de Marzo a las 20:00 horas en los CINESUR del Parque Miramar (Sala 9), el centro comercial de Fuengirola. La entrada es gratuita hasta completar aforo, vuestra presencia es importante, ya que la votación del público es esencial. ¡Os esperamos allí!, ¡Mil Gracias anticipadas!.

"Winter´s Bone": Desforestada crudeza

2011-02-19T23:55:00.002+01:00

Director: Debra Granik

Año: 2010

País:USA

Duración: 100 min.

Sinopsis: Ree Dolly (Jennifer Lawrence) es una joven de 17 años que tiene que hacerse cargo de su familia en una situación de extrema precariedad económica. Pero lo peor es que su padre, tras salir de la cárcel en libertad condicional, desaparece misteriosamente, lo que agrava todavía más los problemas de la familia. Encontrarlo se convierte para Ree Dolly en una cuestión vital.
NOTA: 8/10 Ficha en IMDB

Quinta de las seis películas que dedico a los Oscars de este año. Es el turno de la película indie que ha pegado el pelotazo (Como ya hiciera hace un tiempo la genial "Frozen River"), de la directora Debra Granik, "Winter´s Bone". El guión (basado en la novela de Daniel Woodrell) adaptado, lo firman la propia Debra Granik y Anne Rosellini. Estamos ante una historia que nos sitúa en una Norteamérica profunda, poco vista, cruda, fría y ruda. Desde la perspectiva de una adolescente de 17 años, Ree, que afronta la difícil tarea de sacar adelante con lo poco que puede a su familia, ya que su casa ha quedado embargada gracias a su desaparecido padre, el cual persigue la justicia. El único modo de que Ree mantenga su tierra es enfrentándose a las críticas de un pueblo conservador, violento y desgarrador, injusto, misterioso y encontrando el paradero de su padre. Bien podríamos estar ante la historia de un western contemporáneo, con pinceladas de suspense y de realidad aplastante.

El coraje de la protagonista, que se enfrenta al chismorreo de una serie de individuos toscos, de una América circunstancialmente injusta, marciana y real que se aleja totalmente de lo que Hollywood nos muestra (Es uno de sus aciertos precisamente) ahí entran en juego esa carencia social que muestra la andrajosa pobreza de sus gentes ambientada (no por casualidad) en un frío invierno. Esa lucha constante por la supervivencia extrema y como decía, la aplastante forma de enfocar la madurez de la protagonista de manera inteligente, introspectiva y distante (En sí, la película es en rasgos generales muy arrítmica y desoladora en el buen sentido). Una síntesis de la injusticia o de la ignorancia de la deshumanización de los personajes, de la América profunda, la cual hay que ver también como lo real que es, exponen a personajes con diálogos casi aplastantes, claudicador, directo y realista. Pausado ritmo para un guión introspectivo, de reflexión social importante. Y gran mérito para contar esta desarraigada historia, lo tiene el reparto, sorprendente y en su mayoría desconocido. Todos los aplausos, para la sorpresa de la temporada, la chica de 20 años que interpreta a Ree, una maravillosa, guapísima, inteligente y contenida en impotencia Jennifer Lawrence (Nominada al Oscar), que está maravillosa en todas las escenas, realmente la verdadera insignia del film es ella y todo el peso que lleva a sus espaldas es innegable, genial. Habrá que seguirla muy de cerca. Le acompañan algunos secundarios muy destacables como por ejemplo John Hawkes, que tiene un papelón como el hermano del desaparecido padre, fantástico sobretodo en su parte final.

Un reparto correcto, centrado sobretodo en el portento de Jennifer Lawrence como papel principal que va guiando el ritmo y el sendero de la película, sin ella no sería lo mismo. La dirección de Debra Granik esta centrada en sus actores, con cámara al hombro casi todo el tiempo y mostrando la atención a la frialdad de los paisajes rurales de esa América gris, fría y azulada. Su cámara se muestra activa, frenética y con acierto a la actuación de los personajes, con un sin fin de localizaciones. Una dirección muy diversa y acertada, pero tampoco con pretensión de virtuosismos o efectísmos, recordemos que es un film pequeño, independiente. Destacar la fotografía de la película, uno de los puntos (junto con el reparto) que se lleva el aplauso indiscutible. Los tonos desaturados, la grandeza de los exteriores, el paisaje desolador, casi de otro mundo (pero realista siempre), componen una paleta de colores muy interesante, que enfatiza aún más el estado anímico de los personajes o del propio ritmo de la película. La banda sonora original (pues hay algunos temas country, blues o folk interpretados dentro de la película) de Dickon Hinchliffe, está prácticamente muda durante todo el metraje, apareciendo al final y en algunos momentos muy puntuales, acompañando sin más.

En conclusión: "Winter´s Bone" expone con lentitud, con cierta buena letra, los problemas sociales de la América más escondida y deforestada en el sentido social, más arraigada al pasado pero a su vez, realista y existente. Lo rural y frío de sus formas narrativas, y la excelente interpretación de su protagonista femenina, hacen que el film se eleve unos puntos arriba, eso sí, quizás, de los films de los seleccionados para los Oscars, este sea el más atípico, independiente y parsimonioso de todos, lo cual es bastante alentador. Un 8.

La Escena: La escena del lago en la barca, y la lágrima silenciosa, fría y desgarradora que derrama el personaje de Ree.

Dead Island

2011-02-17T20:25:00.002+01:00

-Mi amigo Rubén me ha pasado este trailer impecablemente genial, original y fantástico sobre un videojuego de zombies, titulado "Dead Island". Normalmente no suelo traer apenas nada del mundo de los videojuegos, pero este caso quería compartirlo por la originalidad del trailer, por lo cinematográfico de su planificación. Y porque leches, para que digan que el videojuego no es un arte, o no hay buenas cosas, reivindiquemos, jeje. -

Poster Art: A Bout de Souffle

2011-02-17T18:31:00.000+01:00

- "A Bout de Souffle" (Jean-Luc Godard 1960) -

Basin street blues

2011-02-16T21:30:00.001+01:00

- Desde luego, impresionante, liberador.
Auténtico sonido de otro tiempo.
Esta noche actúan en Buenafuente -

¿Quién dijo?

2011-02-16T00:19:00.003+01:00

"La mayor parte de la vida es trágica. Naces y no sabes por qué, estás aquí y no sabes por qué. Te vas, te mueres. Tu familia muere. Tus amigos mueren. La gente sufre. La gente vive en constante terror, el mundo está lleno de pobreza, corrupción, de guerras, Nazis y de tsunamis. El resultado al final es que tu pierdes. No puedes ganarle a la casa”.

- Woody Allen. Director y guionista -

Impotencia verbal

2011-02-15T15:33:00.001+01:00

Ya puedes patalear, berrear, insultar, pegarle patadas al cojín de casa, reventarle la cara al viento, cerrar los ojos con fuerza y abrirlos insultantes al anochecer, que nada, repito, nada cambiará tu más certera realidad.