El fotograma

Directed by: George Lucas

- Necesito que muestres más expresividad en tu cara para la próxima toma -

"Paris, Texas": Incompletos reflejos tras el cristal

Win Wenders dirige "Paris, Texas", un extravagante film que mezcla la road movie con el drama humano más desgarrador, un film inclasificable con una de las piezas fílmicas mas detalladas sobre lo incompleto de los actos humanos, la búsqueda, también una muestra de la manera intelectual e oníricamente dura de romper y solucionar uno de los males más humanos y bellos del mundo, el amor incondicional.

Un hombre desaparecido que inesperadamente aparece en extrañas circunstancias en el desierto de Mohave. A partir de aquí inicia la búsqueda de su hijo y de su mujer a quienes lleva cuatro años sin ver.

Es curioso y tremendamente extraño analizar el guión de "Paris, Texas". Decir que claramente el film se divide en dos grandes actos, el primero de ellos, cuenta la reinserción del protagonista de la historia, un personaje que no sabe a donde va, ni quién es, que necesita saber sin tener algo por donde pensar y guiado por el pecado de sus actos pasados, algo que el espectador no conocerá hasta los diez minutos finales de película. Tenemos pues, una primera mitad más centrada en el descubrimiento y la incomunicación como telón de fondo, quizás una road movie pausada, excesivamente lenta y silenciosa que se va acercando poco a poco al espectador pero con recelo (quizás por eso cueste cogerle el tempo frío y metaforicamente sucio de esta primera hora argumental), como el protagonista descubriendo a su hijo, poco a poco, cada pasaje llevando al siguiente, quizás redundantemente en esta primera mitad, convirtiéndolo en un proceso lento, por momentos sacando al espectador (sobretodo los primeros 20 minutos) pero salpicando de metáfora que será totalmente necesaria en la que me ha parecido la mejor parte del film, la segunda hora, que elevan el film hasta puntos insospechados, rozando la perfección, lo pasos de una obra maestra clara. Así pues, y con pocos diálogos (y los que hay son concisos y muy bien estudiados) llegamos a la segunda mitad, donde el hijo del protagonista y el propio protagonista emprenden el viaje para rescatar a su madre y esposa perdida. No diré mucho, pero esta parte del film es sencillamente MAGISTRAL de principio a fin, jamás se había expuesto de tal manera un tema como el que se trata en cuanto a la relación y trío familiar que expone el film. El tema central de esta segunda mitad es aplicar el error, aceptarlo, solucionarlo duramente y dejarlo ir, así se hace todo a través de un reflejo poco iluminado, la mirada pensativa de una bella mujer rubia, un cristal, un teléfono y el reencuentro final en el hotel. El monólogo moral del protagonistas está perfectamente escrito, pocas veces he visto algo tan puramente sentimental en una película, tan duro siendo sutil, finalmente cerrando de manera tan bella, tan solitaria, angustiosamente demoledora para los sentidos, para los sentimientos del espectador. Un guión bipolar, creo que por eso funciona, haciendo un símil malo tipo road-movie, esto se consigue porque el film trata de arrancar, arranca, calienta y suelta la perla final, es la mejor forma de definir el extravagante y eficaz trabajo argumental.

En el reparto, tenemos al protagonista de la historia, Travis, interpretado por Harry Dean Stanton, que al principio y a la mitad parece algo estático y rudo, conseguida actuación aunque de la sensación de que no, ya que al final expone su magistral tesitura al que para mi es el mejor papel dentro de la película, el de la mujer de Travis, Jane, interpretada por una MAGISTRAL, ENCANDILADORA, HIPNOTIZADORA y bellisima Nastassja Kinski, un papelón que saca lo mejor del espectador, sin duda la aparición de Kinski en el film, es casi el 70% de la película, a mi así me lo pareció, gran papel femenino, de esos que se ven realmente pocos. Destacar también el correcto papel del hijo de Travis y Jane, interpretado por Hunter Carson, o los geniales roles de el hermano y la cuñada de Travis, interpretados por el televisivo Dean Stockwell y la francesa Aurore Clément respectivamente. Haciendo un global, el reparto es genial, de lo mejor del film ciertamente, "Paris,Texas" es una de esas películas de y para actores, con grandes interpretaciones.

Win Wenders, probó suerte (arriesgada puesta en escena) y acertó. Su dirección usa una técnica y unos planos muy concretos en cada secuencia, hay tenemos en la primera mitad, un concienciado Wenders que nos muestra amplios paisajes en planos muy generales y estáticos para reflejar la terquedad e indiferencia de los parajes del Texas más solitario, usando en ocasiones y luego más a menudo, la dolly cam (cámara sobre el raíl) a un despacio ritmo para destacar el dramatismo o situar a los personajes, quizás donde destaque soberanamente, sea en la parte final en el club de striptease, en la parte de la cabina, donde saca lo mejor de los dos actores protagonistas, centrando "icónicamente" la atención en la chica, dirigiendo a través de un cristal que impide que el espectador deje de observar la escena y se sienta impotente, con claustrofobia dramática, genial. En la música, inolvidable los temas creados por Ry Cooder, cuyo tema central está basado en un blues clásico compuesto en 1927. Lo que destaco: La segunda mitad del guión es sencillamente perfecta, de la primera parte, la metáfora sobre la soledad y la búsqueda del protagonista. La dirección de Wenders es muy curiosa de ver y analizar. Nastassja Kinski hace una portentosa, sexual, impactante e inolvidable interpretación. Lo que menos destaco: La primera hora del film es bastante lenta y quizás más visual que argumental, a veces redunda, pero es perfecta para el conjunto global.

Secuencias reseñables: De la primera hora y media, la llegada del protagonista a los ángeles con su hermano, su cuñada y su acercamiento lento a su hijo. De la segunda hora y 40 minutos, destacar la secuencia del banco donde dan con el coche de Jane (ojo con el color rojo del coche y del vestuario del personaje de Nastassja Kinski, muy pasionales) y la posterior "persecución" por la autopista. Todas las secuencias dentro del club en las cabinas, sobretodo la secuencia final donde los dos protagonistas se cuentan tiempos pasados (soberbia, magistral, me faltan adjetivos) y el final, una secuencia conmovedora donde Jane abraza a su hijo mientras Travis se marcha en su coche camino a una nueva vida.

Pocas veces he tenido una sensación tan bipolar con un film, pues con sus pros y contras, he sentido cosas muy diferentes en sus dos diferenciables partes dentro de "Paris, Texas", destacando la segunda parte, una bofetada sensacional hacia el espectador, electrizante manera de reflejar a la solitaria sociedad, la renegada marginación o la introspectiva mirada de unos personajes que se ven reflejados en un cristal opaco, realmente impresionante. La primera mitad tiene un 9, la segunda un 10, no sabría que decir porque realmente veo el film de esta manera tan peculiar, global, 9,5, creo que es justo.

NOTA: 9,5/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos.
DURACIÓN: 147 min.
AÑO: 1984
Ficha en IMDB

"Hellboy 2: El ejército dorado": Más grande

Guillermo Del Toro regresa tras la impecable "El Laberinto del fauno", para regalarnos la segunda entrega del carismático diablo rojo. "Hellboy 2: El ejército dorado" es más en todos los aspectos, es una orgía visual para la propia libertad creativa del Del Toro "Hollywoodiense", y también un film que sale de la monotonía del género, y que discretamente aparece con gran respiro para el espectador por las carteleras.

El infierno está a punto de estallar al romperse la vieja tregua entre los seres humanos y el reino de lo fantástico. Un líder que ocupa el mundo de arriba y de abajo desafía a los de su propia sangre y despierta a un destructor ejercito de criaturas infernales. Sólo Hellboy (Ron Perlman), Liz (Selma Blair), Abe (Doug Jones) y Johann podrán enfrentarse a este cruel dictador y sus mercenarios....

El propio Guillermo Del Toro (ayudado en la historia por el creador del cómic, Mike Mignola) se curra el libreto de la secuela de Hellboy al completo. El resultado, sigue siendo tan satisfactorio como lo fue la primera parte (si es que te gusto la primera, claro), solo que aquí, nuevamente Del Toro se permite la libertad de contar su verdadera aportación al mundo creado por Mignola, introduciendo sus elementos fantásticos, algo que le hace aportar más personalidad y profundización a la película (algo que quizás faltaba en el primer film). La asiduidad por contar con cierto metaforismo impreso, la dualidad de mundos (fantásticos y realistas), el dilema moral y romántico de los personajes, unos inadaptados sociales que con franqueza y dureza (porque así demuestra que es la vida el argumento, por muy fantástico que sea lo que relate) deciden luchar solos y defender lo que otros rechazan. El prólogo argumental deja claro por donde irán los tiros, una raza de criaturas se quieren apoderar de lo que un día fue suyo (un mundo verde y rodeado de dioses ecológicos, algo que visto lo visto, puede considerarse como mensajito concienzudo de Del Toro ante lo mal que cuidamos nuestro mundo en la actualidad) gracias al ejército dorado. Visto asi, la lucha entre el submundo y lo que hay encima de nuestros pies parece demasiado simplón, pero el libreto deja claro que lo importante es el subtexto, la sutileza y el detalle para relatar lo que se cuenta, muestra de ello es la fantástica historia amorosa de Liz y Hellboy, que analiza realmente la supervivencia del amor y la confianza ante cualquier adversidad. Ojito al antisocial Del Toro, que aquí, aparece con mucha fuerza, dejando al mundo en "bragas" y poniendo de manifiesto que todo apesta, eso si, hay que luchar por él, aferrarse a algo y luchar. Un libreto con momentos de acción muy trepidantes, que también contiene unos diálogos muy ingeniosos (algunos llenos de buen humor) y unos personajes nuevos bastante bien aprovechados (quitando la poca gracia carismática que tiene el villano principal) , una historia más profunda y artesanal que el anterior film y mucho más grande en todos los aspectos (aunque siga por líneas paralelas de el anterior film), estaba claro, Del Toro ya nos había presentado a Hellboy, y ahora iba a por todas.

En el reparto, conocidos y nuevas caras para esta segunda parte. Ron Perlman sigue siendo Hellboy (para mi, al igual que Hugh Jackman con Lobezno, Perlman siempre será el único Hellboy posible, casi nació para este papel) aquí más amplio y perfilado, genial Perlman. También vuelve la sensual Selma Blair en el papel de Liz, que sinceramente con poco que aparezca ya es agradable verla, con lo cual buena aportación. Genial también Doug Jones con su papel de Abe Sapien, uno de mis personajes de Hellboy favoritos, Jones le da más juego aún que en el primer film, impagable su escena con Hellboy en la que se emborrachan, decir también que interpreta a dos personajes más dentro del film, pero el que también me sorprendió, fue el del Ángel caído, bastante impresionante, este tio debe tener un Oscar solo por meterse en la piel de tantos y tantos personajes de ficción (recordemos ese maravilloso fauno de "El Laberinto del fauno"). En los personajes nuevos, destacar al de Johann Krauss, con la voz (en la versión original, la cual recomiendo encarecidamente) de el creador de "Padre de familia", Seth MacFarlane, grande, estupendo. El villano del film, el actor Luke Goss que ha sido el que menos me ha convencido dentro del reparto, mucho mejor, su compañera en el papel de la princesa Nuada, la actriz Anna Walton, muy bien en su trama con Abe Sapien. En general, un reparto a la altura, muy correctos dentro del film, funciona perfectamente.

En la dirección, tenemos a un Guillermo Del Toro desatado artísticamente hablando, aquí tenemos su film más técnico y voluminoso en el sentido artístico (mención aparte para la fantástica labor de Guillermo navarro a la fotografía, o el diseño de arte, con numerosas criaturas, excelente), su técnica está muy lograda, Del Toro saca el máximo partido a los sets, y nuevamente sorprende en su manera de "encadenar" las secuencias, con sutiles movimientos de cámara o planos realmente largos para una superproducción, todo de manera sutil. Ni que decir tiene, que en las escenas de acción, Del Toro se luce, sería conveniente analizar tanto el montaje, como la simbología de planos en las coreografías de las escenas de acción, donde el Mejicano introduce tal cantidad de planos y encuadres diferentes que deja al espectador con la boca abierta, gran dirección creativa y artística de Del Toro, quizás su dirección más precisa y milimétrica. En la música, esta vez al mando, uno de los grandes, el señor Danny Elfman, que a mi parecer, crea una partitura demasiado recargada y "machacona" con muy pocos momentos reseñables, y más bien pasiva durante el film, no me convenció. Lo que destaco: La profundización del guión con sus detalles, Del Toro desatado artísticamente, creando todo un universo "Hellboy" muy amplio, grandioso y espectacular. Lo que menos destaco: Para mi, forma un enlace con el primer film, no lo supera ni se queda atrás, por lo que pasa más desapercibida en ese sentido. El final es también un poquito brusco. El villano pierde carisma en cada secuencia. La historia del ejército, los "elfos" o el final es algo previsible y llano, aunque no supone ningún problema.

Secuencias destacadas (SPOILERS): La parte inicial con el cameo de John Hurt y el pequeño Hellboy. En Manhattan, la supremacía de las criaturas del subsuelo, con la lucha que el villano tiene en contra de su familia, la secuencia de las "arañitas voladoras" y como Hellboy termina cayendo por la ventana para darse a conocer al mundo. El ataque de la enorme esencia natural (por así decirlo) donde Hellboy rescata a un bebé y se debate moralmente (la metáfora es bastante genial, Hellboy sostiene un bebé mientras lucha a disparo limpio, escala la fachada de un Hotel y se monta en el encendido del mismo, concretamente en la letra "H" del Hellboy . Más tarde Liz le cuenta al final del film, que va a ser papá ,je) . El mercado alienigena (genial). Hellboy y Abe Sapien borrachos cantándo canciones de amor (xDDD), la posterior pelea donde Hellboy queda herido. La gran pelea final, con un decorado bastante memorable y el ejército dorado dando caña.

Guillermo Del Toro nos da un adelanto magnifico, lleno de efectismos en el buen sentido, yendo más y más lejos con Hellboy, artísticamente desmelenado. Esto señores, es un fantástico aperitivo para lo que Del Toro nos estrenará en unos añitos, la adaptación y precuela de "El Señor de los anillos", "El Hobbit", se marcará otro tanto, estoy seguro. Si os gustó la primera, id a verla ya, porque es uno de esos films pequeños pero grandes, que con el tiempo ganarán adeptos. Un 8.

NOTA: 8/10
RECOMENDACIÓN: Fans del diablo rojo y del cine de Del Toro. Ver en V.O.S.E
DURACIÓN: 120 min.
AÑO: 2008
Ficha en IMDB

"Star Wars: The Clone Wars": Siente, no pienses

Tres largos años han pasado desde que se estrenara en cine la última entrega de la mejor saga galáctica de la historia del cine. George Lucas vuelve a explotar su gallina de los huevos de oro con esta película de animación "Star Wars: The Clone Wars", que nos muestra casi sin respiro y con gran entretenimiento visual, los hechos acontecidos poco antes del Episodio II, y también poco antes de lo que acontecía en la magnífica serie de Cartoon Network "Clone Wars".

La galaxia está consumida por las Guerras Clon, una contienda civil masiva impulsada por los malvados Separatistas y sus ejércitos de droides contra la República y sus protectores Jedi. Para conseguir una ventaja en este conflicto que se va recrudeciendo, el caballero Jedi Anakin Skywalker y su aprendiz Ahsoka Tano son enviados en una misión con consecuencias de gran alcance y que les obliga a enfrentarse al famoso señor del crimen Jabba el Hutt. Además de los peligros que les esperan en Tatooine, Anakin y Ahsoka son perseguidos por el conde Dooku y sus siniestros agentes, entre los que se incluye la misteriosa Asajj Ventress, que no se detendrá ante nada hasta asegurarse de que los Jedi son derrotados. Al mismo tiempo, en primera línea, Obi-Wan Kenobi y el maestro Yoda lideran a las fuerzas clon en un valiente esfuerzo por resistir el ataque de las fuerzas del lado oscuro...

El libreto de la nueva aventura de "Star Wars", parte de una ventaja clara y totalmente evidente: al ser un film de animación, las licencias y expansiones técnicas están edulcoradas de tal manera que el espectador las acepta y todo queda en paz, cosa con la que George Lucas luchó a capa y espada con eufemismo incluido, para que su segunda trilogía fuera coherente. Aquí nos encontramos extrañamente con un guión bastante divertido y dinámico (y que incluso se acerca en varias ocasiones, un poquito, espectacularmente hablando, a las épicas batallas de la trilogía original) que solidifica sus actos en una historia prácticamente sencilla, pero con algún que otro guiño friki para los fans, además de giros bastante esperados, pero todo esto da igual, estamos ante material de "Star Wars" y este material es puramente disfrutable, ya que el verdadero pilar base del libreto (en el que George Lucas no aparece como autor) es la acción, milimetrada, memorable y mucho mejor planificada y diversificada que cualquier escena que recordemos de la segunda y actual trilogía en mi opinión (salvo alguna excepción). Lo peor, sin duda el abusibo a veces tono infantiloide del film (sobretodo con los robots de la federación, o los diminutivos que usa la padawan de Anakin, totalmente desmesurados) algunos diálogos que no encajan del todo, o algunos personajes desaprovechadisimos (Yoda, Mace Windu son ejemplos claros), en cambiom otros entran estupendamente en la trama, aportando más de lo que se esperaba, como es el personaje de Padme, El conde Dooku, R2-D2 (genial) o la Padawan de Anakin (De los mejores dentro del film a pesar de sus pesados diminutivos léxicos). Incomprensiblemente el guión ha sido criticadísimo, por mi parte, y os habla un fan de Star Wars desde siempre, la historia no se carga el espíritu, más bien lo alimenta, y esos guiños y escenas épicas aqui brillan con luz propia. Con eso, y visto lo visto (por la nostalgia y eso), es suficiente.

En la versión doblada del film (como desgraciadamente he tenido que verla) vuelven todas las voces de los films anteriores en su totalidad, con lo cual se agradece si no hay más remedio. En la versión original, pocos actores de la nueva trilogía aportan sus voces a sus respectivos roles, pero por ahí tenemos al GRAN Christopher Lee prestando su voz al Conde Dooku, Anthony Daniels (que dobla o interpreta a C3-PO en cada producción que se vea de "Star Wars" ya sea televisiva o cinematográfica) o Samuel L. Jackson a Mace Windu. Destacar también en este apartado, que aunque el diseño de personajes pueda repeler a más de uno (yo siempre confié en la atmosfera que se respiraba en este film, gracias que no me lleve una desilusión) la animación es fantástica, y por momentos, parece que estemos viendo a los actores de la trilogía, lo cual es bastante reconfortante.

El desconocido Dave Filoni (que también está supervisando la teleserie "Clone Wars" ,que sigue la historia y aspecto de este film, verá la luz este año) se mete en las tareas de dirección. La primera impresión es bastante buena, tenemos unas logradísimas secuencias de acción (quizás donde Filoni da en el clavo) que a veces sueltan toda la adrenalina del espectador que lo haya flipado con "Star Wars". Las leyes de la física, que tantas veces respecto con la cámara, se ha violado en numerosos films de animación, aquí se respeta viéndose todo con mucha claridad aunque la cámara se mueva de un lado a otro (cosa que en ese sobrevalorado film de Final Fantasy VII se convierte en una verdadera tortura visual). Destacar el ritmazo del film, que supera los 100 minutos, y que realmente pasan volando. Por cierto, mención para la banda sonora (esta vez sin Williams) que me sorprendió gratamente, la original partitura de Kevin Kiner utiliza lo ya creado por el maestro Williams, y lo reinventa peligrosamente con un resultado muy llamativo, y que para mí ha sido bastante sorprendente (ojo a algunos temas donde la guitarra eléctrica aparece por primera vez en un film de "Star Wars", impagable) Lo que destaco: La buena fe de la historia, que sin ser pretenciosa llena completamente al espectador, que se olvida de sus penas en 100 apasionantes minutos de "Star Wars". Algunos personajes, como la Padawan Ahsoka o el hijo de Jabba (todo un punto dentro del film). El respeto y mimo que sus creadores ponen en todo lo ya creado en el universo galáctico. La animación sorprende. Lo que menos destaco: La infantilización de la historia, algunos personajes desaprovechados, que el reclamo de este film sea una antesala para la teleserie que vendrá después, por lo que la hace menos especial como film cinematográfico, los diálogos algunas veces son un poco flojos., el final acaba de sopetón Secuencias destacadas: El principio con la federación atacando los cañones, donde Obi Wan, Anakin y su Padawan solucionan la contienda. Padme en su lucha personal en Coruscant, genial. El asalto al monasterio abandonado y gobernado por la federación, casi de lo mejor del film. La huída en la nave "chatarrera" y la lucha final en Tatooine con el Conde Dooku.

En definitiva, "The Clone Wars" es un caramelo tentador para los fans que consigue al menos, entretenimiento decente y nostalgia redimida para los fans. Personalmente me ha parecido un film que se le está criticando injustamente, pues sigue siendo "Star Wars" en estado puro, y más en pantalla grande. Que la fuerza os acompañe siempre, un 7,5.

NOTA: 7,5/10
RECOMENDACIÓN: Fanáticos de Star Wars y del cine de palomitas.
DURACIÓN: 100 min.
AÑO: 2008
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"Iris" [All] Gallery Art

Woody Allen y su Diario de rodaje español

Definitivamente Woody Allen es un genio. Impecables unos escritos publicados por el New York times, donde el propio Woody Allen va contando con su peculiar manera de ver las cosas, los días de rodaje de su film español, "Vicky Cristina Barcelona" que se estrenará el próximo 19 de Septiembre en nuestro país. Echad un ojo, no tiene desperdicio alguno, que risas, que genio, que grande.

2 de enero: He recibido una oferta para escribir y dirigir una película en Barcelona. Tengo que ser precavido. España es soleada y a mí me salen pecas fácilmente. Tampoco es que paguen muy bien, pero mi agente me ha conseguido un décimo de cada 1 por ciento de cualquier cosa que saque la película si se consiguen más de 400 millones de dólares después de recuperar la inversión.

No tengo ninguna idea para Barcelona salvo que funcione allí la historia de dos judíos de Nueva Jersey que lanzan una empresa de embalsamamientos por correo.

5 de marzo: Me he reunido con Penélope Cruz y Javier Bardem. Ella es arrebatadora y más sexual de lo que imaginaba. Durante la entrevista, mis pantalones se prendieron fuego. Bardem es uno de esos actores de genialidad desbordante que claramente necesitan mi mano dura.

2 de abril: Le he ofrecido un papel a Scarlett Johansson. Antes de aceptar, me dice que el guión debe ser aprobado por su agente y más adelante por su madre, con quien se lleva bien. Luego tendrá que aprobarlo el agente de su madre. En plena negociación, cambió de agentes… y después cambió de madres. Tiene talento, pero da mucho trabajo.

1 de junio: Llegué a Barcelona. El hotel es de primera Clase. Les han prometido media estrella para el año que viene siempre que instalen agua corriente.

5 de junio: El rodaje comenzó movidito. Rebecca Hall, aunque es joven y por primera vez tiene un papel importante, tiene peor humor de lo que yo había pensado e hizo que me prohibieran entrar en el plató. Traté de hacerle ver que el director tiene que estar presente para dirigir la película. Pero por mucho que lo intenté, no logré convencerla y tuve que disfrazarme de repartidor de comida para colarme en el escenario.

15 de junio: por fin el trabajo va por buen camino. He rodado una tórrida escena de amor entre Scarlett y Javier. Hace unos años hubiese interpretado yo su papel. Cuando se lo he dicho a Scarlett, ha soltado un enigmático “uh-huh”. Scarlett llegó tarde al set y le he regañado duramente…, explicándole que no tolero retrasos de mis actores. Ha escuchado con respeto, aunque me ha parecido ver que mientras yo hablaba, ella estaba encendiendo su iPod.

20 de junio: Barcelona es una ciudad maravillosa. Se agolpa la gente en las calles para vernos trabajar. Afortunadamente, se dan cuenta de que no tengo tiempo para firmar autógrafos y sólo se los piden a los actores. Más tarde repartí fotos en las que aparezco estrechando la mano de Spiro Agnew y me ofrecí a firmarlas, pero la multitud ya se había dispersado.

26 de junio: Rodamos en la obra maestra de Gaudí, La Sagrada Familia. Estaba pensando que tengo mucho en común con el gran arquitecto español. Los dos desafiamos lo convencional, él con sus diseños sobrecogedores y yo al ponerme un babero para comer langostas en la ducha.

30 de junio: Los “dailies” [visionado del material que se ha rodado cada día] tienen buena pinta y aunque la idea de Javier de rodar una escena completa de invasión marciana con cien extras disfrazados y elaborados platillos volantes no es demasiado buena, voy a rodarla para hacerle feliz y luego cortarla en la sala de montaje.

3 de julio: Scarlett ha venido hoy con una de esas preguntas que hacen los actores. “¿Cuál es mi motivación?”. He dado un respingo: “Tu sueldo”. Dijo que estaba de acuerdo, pero que necesitaba más cantidad de esa motivación para continuar. Como el triple. Si no, amenazaba con largarse. Pensé que era un farol y me largué yo antes. Y entonces se largó ella. Así que nos quedamos muy separados y tuve que gritar para que me oyese. Entonces amenazó con saltar. Y yo salté también. Pronto llegamos a un impasse. Y durante el impasse me fui con mis amigos y todos bebimos y, por supuesto, me endosaron la cuenta.

15 de julio: Otra vez he tenido que ayudar a Javier con las escenas de sexo. La secuencia requiere que él agarre a Penélope Cruz, le arranque la ropa y la viole en el dormitorio. Aunque ha ganado un Oscar, el tío necesita que le enseñe a interpretar pasión. Agarré a Penélope y le arranqué la ropa de un golpe. Pero el destino quiso que todavía no se hubiese puesto el vestuario y que fuese su propio vestido, carísimo, el que había destrozado. Impertérrito, la coloqué delante de la chimenea y me lancé sobre ella. Como es una pícara, se dio la vuelta una décima de segundo antes de que yo aterrizase e hizo que me rompiese un importante diente en el suelo de azulejos. Buen día de trabajo. Podré comer sólidos a partir de agosto.

30 de julio: los “dailies” tienen una pinta genial. No sé si será demasiado pronto para comenzar a hacer publicidad para los Oscar. De todas formas, unas cuantas notas para el discurso de recogida me pueden ahorrar tiempo más adelante.

3 de agosto: Supongo que son gajes del oficio. Como director, uno es en parte profesor, en parte psiquiatra y en parte figura paterna y gurú. No es de extrañar entonces que según avanzan los días Scarlett y Penélope se hayan ido colando por mí. La fragilidad del corazón femenino. Me di cuenta de que el pobre Javier miraba envidioso cómo las actrices me seducían con los ojos, pero le expliqué al chaval que se debería haber esperado el desbocado deseo femenino por una figura cinematográfica, especialmente una que tiene una mirada de desprecio y que se reafirma con frialdad. Mientras tanto, según me acerco al plató cada mañana después de bañarme y perfumarme, entre Scarlett y Penélope se alimenta el arrebato. No me gusta mezclar trabajo con placer, pero quizá tenga que saciar la lujuria de cada una de ellas para poder terminar la película. Puede que me sea posible concederle los miércoles y viernes a Penélope y así satisfacer a Scarlett los martes y los jueves. Como ir aparcando un día a cada lado de la calle. Eso me dejaría los lunes para Rebecca, a la que he parado justo a tiempo cuando se iba a tatuar mi nombre en el muslo. Tomaré una copa con las damas del reparto después de rodar y les indicaré estas reglas. Puede que funcione el viejo sistema de cupones de racionamiento.

10 de agosto: He dirigido a Javier en una escena emotiva. He tenido que leer yo sus frases para que supiese cómo decirlas. Si me imita, bien; pero en el momento en que intenta su propia interpretación, se pierde. Entonces solloza y se pregunta cómo sobrevivirá cuando ya no le dirija. Intento explicarle con educación, pero con firmeza que debe hacerlo lo mejor que pueda sin mí y que debe intentar recordar mis consejos. Sé que le he animado, porque según salía de su caravana, él y sus amigos se estaban descojonando.

20 de agosto: Por tenerlas contentas, hice el esfuerzo de hacer el amor con Scarlett y Penélope simultáneamente. El ménage me dio una gran idea para el clímax de la película. Rebecca no paraba de llamar a la puerta, así que al final la dejé entrar a ella también. Sin embargo, las camas españolas son demasiado pequeñas para cuatro personas, así que, cuando ella se unió, yo no paraba de caerme al suelo.

25 de agosto: Hoy acaba la producción. La fiesta de fin de rodaje, como siempre, es algo triste. Bailé una lenta con Scarlett. Le rompí un dedo del pie. No fue culpa mía. Cuando me echó hacia atrás, le pisé. Penélope y Javier están deseosos de trabajar conmigo otra vez. Les dije que si alguna vez se me ocurre un nuevo guión, trataría de buscarlos. Tomé una copa de despedida con Rebecca. Fue un momento sentimental. Se hizo una colecta entre todo el equipo técnico y artístico y con ello me compraron un boli. He decidido titular la película ‘Vicky Cristina Barcelona’. Los jefazos de la productora han visto los “dailies”. Parece que les encanta hasta el último fotograma y se rumorea que la podrían estrenar en una colonia de leprosos. Se está solo en la cumbre.

"Iris" vuelve...pero con cambios

Hace unas semanas cancelaba uno de los proyectos más ambiciosos a modo personal que he grabado,"Iris". La verdad es que fue un verdadero palo tanto para mí, como para los que esperabais el estreno del mismo (gracias por el apoyo por cierto), el corto quedaba en punto muerto con una secuencia por retocar y un par de ellas por realizar. Finalmente y mirando positivamente, he reflexionado sobre el futuro del cortometraje y creo que ahora, en este instante, merece una segunda oportunidad con una pequeña vuelta de tuerca, y me explicaré. "Iris" pasará a la sala de montaje, pero el proyecto cambia, estoy realizando un guión alternativo para poder editar con lo que ya hay grabado (está el 98% rodado), que cuenta lo mismo pero con otro orden de factores, que deja el personaje de Iris a un nivel más equilibrado con el personaje masculino del cortometraje (el que yo mismo interpreto), dando quizás más vida y enfocándolo desde un punto de vista más visceral, lo cual me entusiasma. Se cancela el rodaje de la secuencia que había prevista (por lo imposible ya de su realización) pero se grabarán algunos planos extras para dar continuidad durante estas semanas, el retoque en post-producción hará el resto con lo demás. Hubo alguien que me dijo hace unos días sobre "Iris", que se convertiría en un proyecto obsesivo para mí, y sí, realmente está siendo así, lo curioso es ver como ha renacido con otro enfoque, como sigue cobrando fuerza y vida. No hay fecha de estreno, el trabajo en la sala de montaje es largo y decisivo, pero solo sé que con paciencia, lo vereis pronto.

"Días de vino y rosas": Juntos en el paraíso

"Días de vino y rosas" del gran realizador Blake Edwars ("El guateque", "La pantera rosa") es una muestra de lo explícito y a la vez sutil que puede ser el mensaje moral de un film. Construyendo sus bases en el tema del alcohol de manera sabia directa y clarividente, un alarde poético y social para la tragicomedia clásica del Hollywood dorado.

Joe Clay, jefe de relaciones públicas de una empresa de San Francisco, conoce durante una fiesta a la bella Kirsten Arnesen. La muchacha se muestra cautelosa al principio, debido a la afición de Joe a la bebida. Pero más tarde sucumbe ante su simpatía y acaban casándose.

Digamos que el libreto escrito por J.P. Miller se balancea entre la excelencia del buen guión bastante conseguida y la obra maestra pura y dura pero sin llegar a serlo del todo. La historia solidifica una historia humana y tremenda a través del tema superficial que alimenta esto quizás, el alcohol. Es impecable no obstante la suma carga social que esto conlleva en todos los sentidos, el vuelco de la historia de amor entre los protagonistas mete obstáculos de por medio que deja atrás cualquier tópico posible, haciéndose sumamente interesante la narración y declive de unos personajes que como bien se nombra en el film, son cucarachas que se llegan a molestar, que viven sin dejar vivir, que no afrontan el mundo que se les ha puesto ante sus ojos y que buscan el consuelo en la eternidad de sus actos. La bebida (como si se tratase de un personaje más) ayuda a que todo carezca de una belleza limpia impropias del Hollywood clásico, atípica. La lírica está impresa, desde las rosas cortadas por elevador, pasando por la botella "ahogada" al fondo del mar en la secuencia del puerto. Así, elipsis tras elipsis (el guión la usa bastante) llegaremos a un magnífico golpe final, donde los polos opuestos dejan de atraerse para distanciarse definitivamente, un sálvese quien pueda, eso si, ante la mirada burlona y satánica del alcohol tentativo, destructor en lo más profundo del alma, sin ser inocente. Los diálogos son perfeccionistas, y algún que otro símil poético o irónico ("juntos en el paraíso") muestran una crudeza tremendas. Así quizás, lo peor del guión sea lo secundario, pues para mi el inicio es bastante flojo (Aunque cuando el film se eleva esto se olvida), incluyendo las tramas "empresariales" del personaje de Lemmon que expone el film, que aunque no sean un punto a tener en cuenta, no aportan gran cosa a la historia.

Otra de las citas del film "¡Un momento de magia!" definirían estupendamente el trabajo del reparto dentro del film, que se mueve al principio entre la comedia, y se transforman en drama puro, antológicas y mágicas interpretaciones de un Jack Lemmon IMPRESIONANTE. Uno de los mejores papeles que he podido ver de uno de los actores fetiches de Billy Wilder, y prácticamente uno de mis favoritos. La gran carga interpretativa de Lemmon, se complementa a la perfección con la guapisima y rubia Lee Remick, que genera un PAPELÓN femenino que quita el hipo, tremenda composición y divagación que mueve los pies de Remick dentro del film. La pareja realmente excelente y memorable, pero no olvidemos a los poquitos secundarios del film, el padre de la protagonista, interpretado por Charles Bickford, una gran aportación sobretodo en una de las escenas claves del film (esa en la que habla con Lemmon en el vivero). No me olvido de Jack Klugman, en el guía espiritual hacia el camino correcto, un papel con algunas líneas muy interesantes. En general, un reparto centrado en las míticas interpretaciones de Lemmon y Remick, que todo cinéfilo no debería perderse.

Blake Edwards a la dirección, un alarde excelente de técnica, Edwards se mueve estupendamente tanto por la comedia inicial (con unas secuencias magistralmente resueltas, como la del ascensor) como por el drama puro y duro, alargando los cortes para poder expresar con más soltura la carga dramática de sus actores (y así consiguiendo unas interpretaciones sumamente realistas), destacar sobretodo la insinuada carga metafórica ya comentada que Edwards maneja con total excentricidad y eficacia, las cuales me han parecido realmente brillantes. En la banda sonora, tenemos al mítico compositor Henry Mancini que compone una partitura magistral, que entra cuando es necesaria y que con cierta magia (como pocas veces pasa) ayuda a crear sensaciones y atmósfera de gran calidad, gran score. Destacar también la brillante fotografía en blanco y negro, iluminada con muchísimo contraste entre las luces y las sombras, que también ayuda a recrear aun más el tema del film, y el montaje, genial, y aunque a veces usando la elipsis como transporte principal, consigue adentrar al espectador en cada momento (obviando un poco el inicio, algo soso).

Lo que destacaría: El guión en su parte más reflexiva, las actuaciones realmente soberbias, el cierre atípico (aunque el film respire en su totalidad de un aire extraño en cada fotograma) para nada enmarcado en algún cliché "Hollywoodiense". Lo que menos destacaría: Alguna que otra trama secundaria del guión que ya comenté. El inicio pierde atractivo y potencial. Secuencias destacadas: La graciosa "pelea" verbal de Lemmon y Remick en el ascensor, la conversación de ambos en el muelle, Jack Lemmon entrando borracho a su casa y despertando a su hija, demencial secuencia. La parte final en el hostal, además del frío y magistral cierre del film.

Finalmente "Dias de vino y rosas" es una de las obras clave de su director, que supo alejarse de la comedia (que tan bien conoce) para contarnos una historia atemporal, socialmente devastadora, y que a pesar de lo pesimista o minimalista de lo que narra, su carga lírica es abrumadora. Un 9.

NOTA: 9/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.E.
DURACIÓN: 117 min.
AÑO: 1962
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