Metamorfósis

Es como sentir que todo avanza a tu alrededor pero los restos sentimentales que aguardan de tu mano se limpian con cada soplo. Es como sentirse frustrado al conocer a la perfección la risa, la percepción, la energía y la pasión de los demás sin ni siquiera pellizcarte a ti mismo. Es sentirse solo en la lejanía mientras todo prospera, cual antihéroe pegado a la tecla de un piano , soñando con oníricos unicornios, intentando reproducirlos en papel acercándolos a una objetividad casi imposible, injusta, solitaria. De fondo la melodía es la misma, risas, gestos, trenes, lluvia, calma, prisa, insomnio, gemidos, lamentos, y vuelta a empezar. Es imposible transformarte, es imposible.

Tu destino no es correr tras ellos, tu misión es cazar unicornios y encontrarte, pero ¿Realmente existes?.

Banda sonora y nuevo trailer de "Iris"

Para ir abriendo boca antes del estreno de nuestro último corto "Iris", que lo podréis ver si queréis el día 10 de Octubre en la red, os dejo la banda sonora que hemos usado, y un nuevo trailer, el último trailer antes de que todo tipo de críticas invadan a modo de proyectil este último, personal y extraño proyecto. Hace poco le decía a alguien que al estrenar el cortometraje era como si todo el mundo me viera en pelotas, jejeje, porque así es lo que siento, por algo será. Espero que os guste y que estéis ahí el día 10, yo os lo agradezco de antemano. He aquí la bso y abajo el trailer.

"La Momia: La tumba del emperador dragón": Descanse en paz

El señor Rob Cohen (sí, ese que no hace nada bueno desde Dragonheart), por llamarlo de alguna forma ha destrozado la saga que tan dignamente llevo en mi opinión el director Stephen Sommers, la saga de la momia nos devolvían al menos al cine aventurero con mucho entretenimiento y divertimento, pero lo que Cohen nos da es una patada al bolsillo, se nos caen las monedas de la entrada de cine, y encima nos remata por el trasero, por decirlo finamente. El guión para empezar esta lleno de chorradas, si esta vez nos vamos a oriente olvidad algo nuevo e interesante, porque es lo mismo que las otras pero esta vez lleno de lagunas argumentales y cambios de lo más incongruentes, la historia de la momia imperial deja de interesar enseguida, los personajes de la familia O´Connell han perdido todo su encanto, porque ya me diréis que el señor Brendan Fraser es un abuelete viejo verde con dos pistolas que ha pegado un cambio tan radical que ni hace gracia como sí pasaba en las otras dos, ni tiene el carisma del héroe. Ni que decir de la historia de amor de Alex, el hijo ya crecido, patetismo a flor de piel, Maria Bello sustituyendo a la magnífica Rachel Weisz (menos mal que no aparece esta) que sinceramente no hace NADA, Bello está casi irreconocible porque no actúa, no hace nada, es un florero odioso y roto, con frases ñoñas y estúpidas (como casi todas las del film).

Y ahora voy con usted Cohen, un segundo. Los efectos especiales, creo que el nivel baja, las escenas cantan muchísimo y hasta hacen gracia de lo cutres que son algunos FX, que a todo esto, se utilizan sin ninguna baza, meros efectísmos que aburren al espectador, ni la batalla final se salva de la quema y de la desesperación del patio de butacas (ni hablar ya de los Yetis, que aparecen por toda la cara del mundo, o las transformaciones sin motivo del Emperador mamón, digo, dragón). Y como mejor del film, poca cosa, quizás la persecución en las calles de Honk Kong tengan un vislumbre de claridad y guste, eso, y el personaje de John Hannah, Jonathan, que parece ser el único que ha sido respetado en eso que se hace llamar guión. Olvidad a Jet Li, porque sale un par de minutos en carne y hueso, pobre, le habrán pagado por hacer de personaje digital todo el tiempo. Olvidad la banda sonora, nada que ver con la magnífica partitura de Alan Silvestri o el gran Jerry Goldsmith, Randy Edelman intenta crear, pero nada, desentona por completo. Y bueno, señor Cohen, ¿Qué le pasa? ¿Ha olvidado dirigir? porque sinceramente, "Dragonheart" no parece un film suyo de lo bonito que es, no lo entiendo, porque ni una escena de acción es buena, ni un diálogo intenso cala, ni un efecto especial es llamativo, todo aburre de sobremanera, incluso para la poca duración, todo parece eterno e indigestivo, una pena, ¿sabéis lo peor de todo?, lo peor es que quieren continuar haciendo más (no por dios, descanse en paz familia O´ Connell y momias varias) y lo que más me enfada, que el señor Stephen Sommers la haya producido, ya que corrobora mi opinión de que este director también está perdiendo su encanto, su imaginación, y su por lo menos, buena mano para entretener.

Sinceramente, lo mejor que os puedo decir, es que la olvidéis para siempre, si no la habéis visto, que nos os llame la curiosidad para nada. Si os gustan las anteriores olvidarla más rápido aún, pues esta tercera jamás debería haber salido a la luz, ya que se carga los valores del cine de entretenimiento en cinco minutos, y encima, se mea en el mal sentido, en las otras dos películas, que al menos, entretenían con calidad, y mucho. Olvidable, para nada recomendable y un film que pretende pretender, un insulto directo al cine de aventuras, al espectador, al fan de la saga y sobretodo al mundo del cine en general, Cohen está muerto. Un despropósito en toda regla,lo peor del año, no veía algo tan lamentable desde aquella peli en la que Ben Kingsley lanzaba bolas de fuego por el sobaco. Duele al bolsillo, pero sobretodo, al corazón. Un 2 y mucho que es.

NOTA: 2/10
RECOMENDACIÓN: No verla, dejarla enterrada, pues paradógicamente es una maldición.
DURACIÓN: 112 min.
AÑO: 2008
Ficha en IMDB

Plutón BRB Nero de ¿Álex de la Iglesia?

Ayer en la 2 de televisión española, se estrenaba "Plutón BRB Nero" (nunca me gustó el título la verdad), una serie que prometía entre otras muchas cosas, llevar la ficción televisiva a un nivel más allá de lo habitual de la mano de un director que al menos, sabe lo que hace, el señor Álex de la Iglesia. Si os soy sinceros, no vi los episodios con tranquilidad, pero tampoco me hacía falta, la verdad son bastante intuitivos, por un lado, decir lo positivo de la producción, la arriesgada puesta en escena (con pocos medios) que con dos cojones bien puestos, colocan una serie de ciencia ficción en una cadena nacional, y por supuesto la realización, Álex de la Iglesia sabe dirigir y eso se nota. Ahora bien, observando la serie, puede ser simpática, pero el humor elegido es demasiado simplón e infantiloide para que se adueñe del interés del espectador por muy actractivos que sean los efectos especiales, los decorados, o la tía buenorra de la foto. Un fallo, el guión, pues un puntito de "De la Iglesia" no hubiera estado mal, el humor negro y la acción un poquito más seria al estilo "Acción mutante" hubiera redondeado la serie, pero no, nuevamente, y con el tópico comparativo de: España-humor casposo siempre, América-hamburguesa, "Plutón BRB Nero" no se atraganta pero tampoco encandila, personalmente le daré una nueva oportunidad la semana que viene, creo que a pesar de todo, es un soplo de aire fresco para la podrida ficción nacional, lo merece al menos, pero uy uy, no me convence al completo. Veremos.

"Cantando bajo la lluvia": Musical optimista

La verdad que me siento un afortunado no ya por gustarme el cine clásico de Hollywood, sino también por admirar de manera especial un género tan amado como odiado, el musical. "Cantando bajo la lluvia" dirigida por el propio protagonista de la historia, Gene Kelly y su colega Stanley Donen es un ejemplo de obra maestra en el género, un clásico irrepetible. Para empezar, el guionazo del que parte el film, una autoparodia del Hollywood y Norteamérica post-depresiva donde el vodevil a modo de Broadway llena las largas aceras anchas y los coloridos trajes de sus obras. El cine dentro del cine, Kelly y compañía introducen la comedia mejor hilbanada cada paso que da el film, y la va mezclando con el musical, que se adueña del film a más de la mitad del mismo. Impresionante los golpes humoristicos del personaje que interpreta Jean Hagen, con esa voz aguda y rechinante que no deja de ser impecable (en la versión original claro, porque en el doblaje la destrozan por completo). Al igual que se autoparodia el Hollywood más glamuroso, egoísta y pretencioso, Kelly autointerpreta al galán por excelencia y en sí misma, "Cantando bajo la lluvia" es una película perfectamente "Hollywoodiense" por mucha mofa que haga, ya que hay chlichés tanto en los romances, como en los personajes, como en las canciones, pero todo es tan sorprendentemente perfecto, que la película llega a ser adorable, inteligente (esto es lo más importante) y su estructura de lo mejor del Hollywood de aquellos días. Por decirlo alto y claro, uno de los mejores musicales de la historia del cine.

Del resto del reparto no puedo olvidarme del fantástico (y novato en este film) Donald O'Connor, el actor se curra un humor inteligente y simplemente claro y magistral, sin dejar de lado los fantásticos números acrobáticos que hace en sus partes cantadas, todo un prodigio de actor. Debbie Reynolds es la chica buena del film, la que al final gana la partida sin romper ningún plato, quizás lo mejor de su aportación sea la parte final (donde es obligada a cantar tras el escenario) y la exagerada pero inolvidable presentación de su personaje, donde Gene Kelly cae casualmente encima de su coche, al estilo clásico del Hollywood glamuroso. Pero sin duda, volver a destacar a la actriz Jean Hagen como uno de los mejores del reparto. Nadie puede poner en duda la magistral música del film, el famoso tema que da título a la película forma ya parte de la historia del cine, y aunque no hayas visto el film, queda en el colectivo global, eso sí, funciona mucho mejor cuando ves la película, como una llamada al optimismo, a ver la vida de rosa pese a la tormenta, pese a lo que piensen los demás, una declaración de amor en toda regla a modo de orquesta y voz de "crooner", eso es "Cantando bajo la lluvia", un film optimista, pero que a todas todas, pone su ácida crítica, su ironía, y su granito de mirada al injusto, que también lo hay.

Y como no, en el aspecto técnico, Gene Kelly se las sabía todas, sabía que era importante crear un mundo en Technicolor y muy vivo en coreografías, movimientos de cámara determinados o decorados inmensos para la época. Sobresaliente son los momentos musicales (aunque hay una secuencia final, donde se exagera demasiado el propio género con más de 10 minutos de musical sin interrupción que saca un poquito al espectador de la historia, pero visualmente es impactante y genuino) la luz es sutil y colorida cuando es necesario (la secuencia de la canción de amor en el estudio que simula un atardecer es bellísima, o la del fular ondeando al viento, o la del tango en el imaginario club nocturno), y el uso de la cámara es brillante, sobretodo en las coreografías y números, donde la cámara se mueve de arriba a abajo en todos los ángulos, sin mencionar los largos planos secuencia en algunas canciones (por ejemplo, el decorado y realización del número más famoso "Singin' in the Rain" son impecables en este sentido). Una dirección técnica y artística que da mucha seguridad al film y ponen al espectador en total interés.

Los momentos que destacaría: Los musicales, sobretodo el famoso "Singin' in the Rain", o el primero que tiene el actor Donald O'Connor, la parte del cine dentro del cine con la secuencia desternillante del paso al cine sonoro, donde la sincronización del audio se pierde, genial. El final por muy típico que sea, o la secuencia del decorado del atardecer y los dos protagonistas cantando dentro del set. En general, un film excelente, un clásico que todos los aficionados al cine y al musical no deberían perderse, sobretodo estos últimos, ya que quizás sea el mejor musical que se ha rodado, y eso es decir mucho. Una obra maestra, 10. ¡Ah! se me olvidaba, por favor, y por vuestro bien, tenéis que verla en versión original subtitulada, en español el doblaje es bastante malo, y encima no traducen las canciones.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos, amantes del musical. Ver en V.O.S.E.
DURACIÓN: 103 min.
AÑO: 1954
Ficha en IMDB

Las series de antes: Joaquín Reyes

Hay frases que me encanta decir. Frases como: "¿A dónde vamos a ir a parar?", "¡Qué juventud!", "Antes esto no pasaba" ó "Antes todo era mejor", por poneros cuatro ejemplos. Como he dicho alguna vez, dentro de mí hay un "viejuno" que lucha por salir y ese puñado de frases con su aroma de nostalgia y resquemor me ponen a mil, la verdad. Cuento todo esto, porque el otro día estuve viendo unos capítulos de esa serie moderna que vuelve loca a la muchachada llamada "Perdidos", y no entendí una mierda de lo que me presentaba. Al final no me enteré si lo que amenazaba a ese grupo de incautos en esa isla es un moustro gigante, unos feroces aborígenes, un grupo de malvados científicos o todo a la vez. Y no me enteré porque entre viajes en el tiempo, viajes a otra dimensión, "flashbacks" y "flashforwards" me hice la picha un lío.

"Antes todo era mejor" - me dije, o mejor dicho me dijo mi viejuno interior -. E irremediablemente me acordé de "Se ha escrito un crimen" y de las aventuras de Jessica Fletcher, personaje interpretado por la grandísima Angela Lansbury. En esa serie no había equívocos posibles, ni oportunidad de que te perdieras porque todos los capítulos eran iguales. Empezaban con la protagonista intentando escribir algo en su pueblo Cabo Couit, entonces la llamaban para invitarla a alguna cosa, ella que se apuntaba a un bombardeo, accedía porque siempre le venía bien. Llegaba al sitio en cuestión, alguien moría asesinado, ella empezaba una investigación, el sheriff empezaba la suya, al principio parecía que el autor del crimen era uno pero al final era otro, y terminaba con la escritora cantándole al culpable las cuarenta a la cara con un par de huevos impresionantes, y así siempre. ¡Menuda seriaza! ¡No me digáis que no!

Por cierto, un amigo mío muy fantasioso me dijo que tras una estancia en EE UU, que había visto el último capítulo y en él se descubría, que al final, todos los crímenes los había cometido ella.
¡Hombre la serie era buena, pero tanto, tanto!

Lo dijo, Joaquín Reyes en la revista Cinemanía.

"The Tracey Fragments": La huída y descubrimiento

Película de corte independiente, "The Tracey Fragments" dirigida por un creativo e imaginativo Bruce McDonald, que utiliza sabiamente a una de mis actrices, la señorita Ellen Page, grande en todos los sentidos. La película es un análisis no lineal de la maduración de un personaje que se topa de narices con la realidad, que descubre lo que la gente puede ofrecerle una y otra vez vaya a donde vaya, corra a donde corra, el descontento o la infelicidad humana. El sentimiento de búsqueda es algo que también se toma con cierta anarquía el film, desde los paseos en autobús buscando a un ser querido con paradero desconocido, el sentimiento de culpa, la decadencia social o el sexo de la manera más burra y descabellada que se haya podido ver. La señorita Ellen Page compone este personaje acorde con estos hechos argumentales, un gran papel donde la imaginación del guión expone unos excelentes diálogos y monólogos morales que harán pensar casi sin aliento al espectador sobre lo que está contemplando (la película dura poco, con lo cual la experiencia no se hace pedante y es exhaustiva). Destacar como no, la dirección del film que va ligada a un montaje la mar de original (con varios puntos de vista en una misma secuencia y una no-linealidad bastante acertada, para que luego digan que el señor Jaime Rosales y su "Soledad" inventó esta herramienta narrativa de la poli-visión...) la cantidad de material se auna de manera creativa y bastante llamativa, el visionado a veces es complicado, pero tiene todo el sentido, los fragmentos de Tracey están tan desordenados como el propio personaje en sí, con lo cual, el círculo técnico y argumental se dan la mano en muchísimas ocasiones, esto es un total acierto en mi humilde opinión.

Dentro del reparto, también cabe destacar al personaje adolescente del que se enamora Tracey, Billy Zero, interpretado por Slim Twig, un personaje frío y con un trasfondo vomitable, realmente una lección de moral de mediocridad masculina para las adolescentes que vean el film, muy acertado. La música, básicamente se compone de unos psicodélicos temas de un grupo que he descubierto por este film tengo que admitir, Broken social scene, que están fantásticos y aportan una hermosa atmósfera al film. Vuelvo al director, Bruce McDonald, para destacar la gran labor documentalista que usa dentro del film. La cámara en mano es casi todo el tiempo el alma técnica de la cinta, pero hay que destacar algún que otro momento donde la cámara es un personaje más y el escenario cuenta de manera especial el momento, el autobús, la curiosa casa y verja donde reside la protagonista, o el plano secuencia final, que capta esa soledad del personaje con tal crudeza que se acepta con dignidad, un final que simplemente deja todo donde empezó, pero poniendo al espectador en advertencia con todo lo que le rodea, como suelen decir, películas que dejan como un día o dos con la mente en vilo, pensativas, grandes méritos de cinematografía claro.

Momentos para destacar: El inicio, es bastante abrumador porque simplemente no se sabe que está ocurriendo, las secuencias dentro del autobus son muy buenas. El personaje de Tracey imaginándose su idílica vida con Billy Zero, un puntito creativo y desmesurado del film que saca alguna que otra sonrisa y a su vez expone muy bien como acabará todo. El giro final es bastante bueno, con Tracey y Billy Zero teniendo una secuencia durísima dentro del coche y totalmente cruda, genial, y el plano final, una de las cosas que me dejaron helado. En general, estamos ante un film que pasará totalmente desapercibido, que no se estrenará en nuestro país, y que recomiendo ver porque realmente merece la pena por tener un puntito de originalidad y ser algo diferente dentro del cine actual, aparte claro, de la corta duración que la hacen más intensa si cabe. Un 8,8.

NOTA: 8,8/10
RECOMENDACIÓN: Amantes del cine independiente americano. Ver en V.O.S.E.
DURACIÓN: 77 min.
AÑO: 2007
Ficha en IMDB

¡Qué verde era mi rinconcito!

Hola a todos de nuevo. Como habréis podido comprobar estos días, el rinconcito de cine ha estado un poco abandonado, mustio y al igual que en esa obra maestra del señor Ford, antes todo era un poco más verde. Septiembre ha sido un mes reflexivo y bastante movidito en algunos sentidos, creo que eso se ha notado en las pocas actualizaciones. No malinterpreten mis palabras, he seguido siendo yo mismo, he visto mucho cine (ahora, que haga las reseñas es algo totalmente diferente) y en gran medida, nuestro nuevo corto, "Iris" me ha quitado la mayor parte del tiempo para actualizar. Ha sido intensivo pero creo que ya estaré por aquí para quedarme otro ratito, esto en parte me asusta, puede que algún día pierda el interés por esto, esperemos que no, porque de todos los sitios de internet (fotolog, tuenti y demás chorraditas) este es el que más me relaja. Lo dicho, una segunda bienvenida, y perdonen las molestias.

La Post-producción

Bueno, siento redundar demasiado en nuestro cortometraje "Iris", pero realmente estoy tan metido en el proceso de post-producción que es casi imposible pensar en otra cosa. Efectivamente, el corto se está volviendo obsesivo y de proceso lento, el montaje va por buen camino (de momento me gusta como está quedando la composición de planos, cosa que casi nunca me suele ocurrir) y ahora estoy con algún que otro efecto especial (hay uno muy simplón con elementos de humo y croma [pantalla verde] que ha quedado bastante chulo) sobretodo lo que si que está costando es la intro del corto. Para que os hagáis una idea, es como una cabecera de una teleserie (dura algo más de minuto y medio) con infinidad de planos, efectos de vídeo, dibujos animados y créditos dibujados también, la cosa es basarse un poquito (sin llegar al nivel ni tampoco calcándolo) en esta introducción. Por cierto, no es plan de volverme a ilusionar demasiado con la historia, pero Clementina Gades (Iris en el corto) ha visto ya gran parte de las

secuencias editadas y parece que vuelve a salir el tema de grabar la parte que tuvimos que desistir como bien os conté (era una secuencia musical), si hay suerte, la semana que viene se planteará la posibilidad de rodarla de alguna manera o no. Por otro lado, las fotos que ilustran este "diario", pertenecen a dos nuevos posters. El primero de arriba, es igual que uno que puse hace relativamente poco, pero creo que ahora con la fuente de texto cinematográfico y sus correspondientes títulos de crédito (además de un pequeño "eslogan") será el oficial (no es el mejor de todos, pero para mi engloba muy bien la historia del corto). El Segundo que veis a la derecha, es un pequeño homenaje a "Annie Hall", ya que he seguido el mismo patrón del poster de aquella maravillosa obra maestra del señor Woody Allen, es curioso, aver que os parece. Y a un ritmo lento, pero sin pausa, me pregunto si llegaré al día 11 de Octubre sin prisas y con todo apunto para ver "Iris" en la red, espero que así sea. The Show must go on...

P.D: Por cierto Charly, tu aparición aún no he podido comentartela, supongo que ya sabes para que querré tu voz, viene siendo ya habitual xD.

Remakes

Ni el mejor remake del mundo podría elevar la magistral composición del señor Alfred Hitchcock en la obra maestra llamada "Psicosis". He dicho.

"Iris" ya tiene fecha de estreno

Después de poder terminar (de una vez) el rodaje del cortometraje al 100% (estos días han sido un tanto extraños, el corto tiene una especie de maldición que algún día contaré porque es increíble) incluyendo el rodaje de nuevas secuencias (Algunas bastante espontáneas que darán al montaje una vida tremenda) o el rodaje extra para mejorar algún que otro error. El resultado es bastante satisfactorio para mí. Así pues ahora viene la recta final, el trabajo más duro porque es lo que vosotros veréis en la pantalla. La fecha de estreno en la red, el día 10 de Octubre, además ese día al corto le acompañará un making off de bastantes minutos para que entendáis la odisea y lo curioso que ha sido grabarlo. Es el corto de mi vida, no cabe duda.

Y la "naturaleza" castigó a "El Hormiguero"

Hace ya un tiempo que dejé de ver el programa de Pablo Motos, aparte de que semanal me pareció una fórmula quemada, ya casi no hacía ni gracia. La respuesta es este vídeo, un experimento de Marron (un colaborador) que casi termina con Pablo Motos ahogado entre bolas de corcho, y mientras ocurre el drama, las hormiguitas cachondeandose, increíble.

"El séptimo sello": Alegórica muerte

El gran cineasta Ingmar Bergman rueda un film perfecto, "El séptimo sello". Un atronador film, existencialista (casi referencial), oscuro y arrebatador en todos los sentidos, un canto de juglar para despertar por un momento de la rutinaria ignorancia de la vida y pensar, tener miedo, afrontar juntos el descubrimiento de algo que Bergman ha intentado explicar (con mucho éxito a mi parecer) algo que siempre le rondó por su magistral cabeza, la vida y su retiro a la nada.

Antonius Blok, un caballero cruzado, regresa con su escudero a su tierra natal de Suecia después de 10 años de ausencia en las Cruzadas. Se encuentra con una comarca diezmada por la peste. La figura de la Muerte aparece para reclamar a los habitantes de su pueblo y éste decide retar a la Muerte a un juego de ajedrez y con ello ganar tiempo para así encontrar un acto, cuya ejecución, le de sentido a su vida antes de morir.

El libreto del propio Bergman situado en plena Edad media de una Suecia decadente por la peste, es un punto de partida del que el libreto toma ciertas representaciones alegóricas, cargas de tinta totalmente representativas y un estudio atemporal de la sociedad en diferentes situaciones terrenales y desconocidas. He ahí el dilema del film, la bipolaridad de ambos aspectos se dan la mano, Bergman nos relata con un tremendismo inusual y realmente sobrecogedor, el temor a lo desconocido, personificando de manera sublime a la muerte, presente en cada situación del argumento, exponiendo esta toda la objetividad a los personajes, que quedan "marcados" por la "macabra" realidad, los humanos somos la mayor peste del planeta y la fe, además de la ignorancia hace que aferrarse nos debilite, nos condenen. Ojo, no se debe jugar a ser Dios, ni tan siquiera desafiar a la muerte a un juego estratégico, sinuoso, que ve su final tan claro desde el principio, pero aún así se confronta. El libreto coloca al espectador y a los propios personajes (con unos monólogos y diálogos espectaculares) en una tesitura moral muy por encima del cielo, del infierno o de la propia realidad, lo desconocido es francamente atractivo (como bien se dice en el film, el hombre se fijará más en una calavera que en una mujer que baila desnuda). No todo es pesimismo dentro del film, hay también cierto optimismo para la imaginación (el juglar que ve crecer la vida en su familia gracias a sus visiones, eso si, siempre observado por la "mascara" de la muerte en el trasfondo) y la salvación, no obstante, el verdadero miedo no es enfrentarse dignamente a algo que todos conoceremos tarde o temprano, sino, enfrentarnos al verdadero ente podrido, que podría ser la sociedad, la religión (el tema de la quema de brujas, es crudísimo y refleja hasta donde llega la sugestión humana), la injusticia, y el propio ser humano que bebe de una fruta tan prohibida y sobrevalorada como pueda ser el amor (tan bien explicado dentro del film en un sentido oscuro y reflexivo). Bergman firma un libreto estupendo y circular, cerrando toda la historia tal como la empezó, en la playa, abriendo el juego, acabándolo, pagando justos por pecadores, soltando sus temores, sus dudas, afrontándolos con nostros. Acariciemos el césped, los buenos y pequeños momentos, porque las tinieblas pronto aparecerán ante todos nosotros, una vez más, chapó maestro Bergman.

Destacar sobretodo el carisma que imprime en su totalidad el reparto, memorables cada uno de los personajes. El caballero Antonius Block que busca desesperadamente una respuesta ante tanto desconsuelo, una portentosa interpretación de Max von Sydow que toma el papel a la perfección. Para mi, y supongo que para la gran mayoría, el alma del film (toma eufemismo xD) se lo lleva el personaje de la muerte personificada, interpretado por el imponente actor Bengt Ekerot, magistral su caracterización y temple, realmente impresionante. Genial (mi segundo favorito dentro del film) papelón el del actor Gunnar Björnstrand, el escudero del caballero, debatiendo principios dentro del film, poniendo un granito de realidad y moderación ante tanta fe ciega y barbaries pueblerinas, fantástico. Destacar como no, al matrimonio de bufones artistas, un genuino y adorable Nils Poppe, enfundado en un papel realmente increíble (el humorista es humillado dentro del fim, curiosa manera de bofetear uno de los motivos más sanos para vivir, el humor) y su mujer, la guapa actriz Bibi Andersson. Como olvidarme también de los personajes de la chica "silenciosa" (que parece aliada con la propia muerte para rendirse finalmente a sus pies en su última escena) el herrero (bastante simpático, y compartiendo una escena genial con el personaje del escudero donde hablan sobre las mujeres y sus cosillas) o la muchacha "endemoniada". Un repartazo que no creo que se me olvide en la vida, magistral.

Otro tanto magistral para Bergman tras la cámara. La técnica del realizador sueco es tan amplia que podría analizarse al completo (cosa que no haré, pero se podría hacer), es impresionante el abundante uso del recurso y simbología de planos pictóricos compositivos (algo que por ejemplo han seguido usando directores como Víctor Erice, por ejemplo) donde Bergman sitúa a cada actor, cada elemento y fondo como si de un cuadro se tratase, simbolizando y siendo muy cuidadoso en cada detalle (Ej: En la secuencia que representa el "cielo" donde el caballero se siente bien, juega nuevamente con la muerte, ahora, el caballero está por encima de la muerte dentro del plano, mostrándose por encima de ella en la situación del marco). También usa en ciertas secuencias (la parte donde "queman" a la chica endemoniada) un tono más enfatizante con el actor, acercando muy cerca la cámara, la iluminación en ciertas partes cuenta también lo que Bergman quiere mostrar, usando sombras y movimientos de cámara para resaltar la tenebrosidad de algunos momentos (incluso dan realmente miedo algunos fragmentos del film), los elegantes travelings (rígidos pero realmente increíbles) componen también una dirección magnifica, que aprovecha tan bien los escenarios, los actores y la fotografía. La música, acertada composición de Erik Nordgren, inquietantes sonidos que meten aun más al espectador dentro del cocktail balbuciente de Bergman. Lo que destaco: El guión, el reparto y la dirección de Bergman, podría decirse que todo. Lo que menos destaco: La parte donde el bufón baila en la taberna se me ha hecho un poco larga a pesar de que el mensaje es bastante claro (el infierno que representa el lugar o como juzgan todos al que menos culpa tiene). El final simboliza la vida de una manera muy bíblica (José, María así se llaman los personajes, y el niño Jesús huyendo de la muerte) que aunque no queda mal, si hubiese terminado en la escena del desayuno (también muy bíblica, por cierto, solo que en vez de la última cena y la noche, aquí el día trae a la inevitable muerte de todos los que la han buscado) el impacto hubiese sido casi de infarto, aún así, el film es perfecto, se perdona todo esto y más.

Todas las secuencias son realmente buenas y cada una tiene algo especial (el film dura hora y media, nada sobra) así que me quedo con todas, pero destacaré las que mas me impactaron personalmente: El inicio, con la presentación de la muerte. La secuencia de la iglesia, donde hay un monólogo moral muy bueno y la conversación del escudero con el pintor (que representa claramente a Bergman exponiendo su obra). La macabra escena de la procesión religiosa por las calles del poblado. El momento de descanso del film, representando la estabilidad de todos los personajes en su estado de paz y lo que le sigue, el siguiente paso en el juego de ajedrez. La muerte sabiendo que pasará dentro del bosque (tremenda advertencia sutil del mal humano que verán dentro de él). TODAS las secuencias dentro del bosque, la muerte del bufón que juega a estar muerto y se topa de bruces con la verdadera cara de la realidad cayendo de su propio árbol vital. La conclusión del juego con la muerte dejando ir a la familia, liberando al caballero de sus pecados y cometiendo un acto simbólico de paz. La última escena en el castillo es realmente soberbia, con el pasaje bíblico de el Apocalipsis de San Juan, pasaje que da nombre al film y que Bergman muestra en un plano secuencia como los personajes se enfrentan a la muerte que llama a sus puertas (genial esas caras llenas de preocupación y la muerte observando al fondo de la sala).

Bergman firma una portentosa obra maestra de principio a fin, con toda una carga moral y existencialista completamente abrumadora y que cuesta digerir por la objetividad de su base y lo introspectivo que resulta tras el visionado. Es un film necesaria para todas aquellas personas que desean (me incluyo) saber sobre lo desconocido, que desafíen la ignorante vida con los ojos abiertos y piensen ¿Qué hay más allá? ¿vacío? tan solo la muerte, eso es lo que sabemos, de mientras disfrutemos todos los que podamos de los cantares, juglares, leche con fresas, y el nacimiento de la vida, ya nos lo dice Bergman, durará poco. Un 10.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Existencialistas. Ver en V.O.S.E.
DURACIÓN: 96 min.
AÑO: 1957
Ficha en IMDB