"The Clone Wars": La serie que despierta el espíritu Star Wars

"The Clone Wars" inicialmente iba a ser la primera serie televisiva de "Star Wars" tras el estreno de "La Venganza de los Sith" en 2005. Pero nuestro amigo Lucas, le dio la venada de sacar un previo de hora y media, que era el capítulo piloto de dicha serie pero directamente en formato cinematográfico. Aquella película no estaba mal, devolvía algunos elementos de la trilogía original como podía, y explotaba nuevas fronteras que la trilogía nueva no pudo aportar en el periodo que se sitúa la historia (las guerras clon), eso si, todo ello no pasó de lo medianamente aceptable. A día de hoy, me he ido viendo los primeros siete episodios de la primera temporada que compone la serie (incluyendo la película, porque presenta situaciones y personajes necesarios de ver antes que la propia serie de televisión) y tengo que decir que son geniales. Desde los guiones, (que aquí se expanden mejor que en el film de mismo nombre) con mucha acción espacial y terrenal (cada secuencia es más original, es más arrebatadora y emocionante que la anterior) el humor bien logrado (aunque a veces sea sencillito, pero no molesta en absoluto) como las subtramas explorando a tope el universo de la saga, revistando personajes, introduciendo alguno nuevo (ojo al modelo unidad R3 y su secreto, que puntazo) o lugares con total acierto. En concreto los episodios que he visto y en concreto el 5,6 y 7 son todo un alarde de imaginación, buen hacer y adrenalina pura, donde el espectador (me atrevería a decir) recupera esa sensación casi mágica que tenía tras ver las tres primeras películas originales con solo 3 episodios televisivos excepcionales, algo que la nueva trilogía conseguía a medias con el espectador.

Quizás lo más flojo sea el diseño de los personajes, que a mi personalmente me gustan a pesar de ser algo planos y poco definidos en el 3D, además claro, de la ausencia de John Williams en la música (no todo iba a ser perfecto). Por otro lado, el goce y entretenimiento que da cada episodio hace que este factor se olvide y nos metemos de lleno en unas guerras clon que incluso superan a aquellas vistas en el Episodio 2, "El ataque de los clones".Emocionan, como fan os lo digo, y realmente es un voto de confianza para recomendar su visionado a los seguidores de la saga. Sin menospreciar los 3 últimos films, creo que va a ser verdad eso de que las series narradas en esta época de la saga galáctica que no estén dirigidas por Lucas, cobran una mayor relevancia e inteligencia, curioso. Seguiremos el curso de los 22 episodios que componen la primera y genial temporada de "The Clone Wars", una serie inteligente de la nueva generación de "Star Wars".

La noche de los Oscars: Bollywood

Dualidad, es la palabra para definir en mi opinión la noche de los Oscars de este año. Pude verla el Domingo como algunos mortales que han soportado falta de sueño durante toda esta semana. Para empezar, lo que me gustó, más bien poco, ya que en general la gala me pareció previsible, plana (en los galardones) e injusta en muchos sentidos, decepcionante, y es increíble porque hacía años que no veía una gala tan tan vacía. Como decía, lo que me gustó: la increíble puesta en escena del señor que se llevó el 10 pero de calle (y eso que nadie apostó mucho por él), estoy hablando de Hugh Jackman, el actor hizo una presentación de aupa, levantó a la audiencia, dio risas, montó musicales en el Kodak Theatre, impresionante lo del actor Australiano, espero que vuelva el año que viene. Aquí a continuación os dejo la presentación de la noche, sin duda genialidad de Jackman y el equipo (mención también para la orquesta dirigida por Michael Giacchino, genial), que por cierto, se curraron un escenario precioso al más puro estilo globos de Oro, que también me entusiasmó bastante.



Por otro lado, lo peor de la gala fueron sus premios. La triunfadora de la noche, fue la previsible y sobrevalorada "Slumdog Millionaire" que se llevó ocho estatuillas y si hubiera la categoría de mejor trailer también se lo hubiera llevado. Mi cabreo con esta película es ya soberano, todavía me viene a la mente la cara del genio David Fincher cuando lo nombraron en las nominaciones, cara de decir: ¿Qué carajo hago yo aquí si esta gala es de lo más previsible?, al igual que la de Mickey Rourke, que se quedó injustamente sin estatuilla (no tengo nada en contra del Milk de Penn, pero creo que Rourke lo merecía con creces por ese papelón que hace en "El Luchador", además Penn ya tenía un Oscar). "Nuestra" Penélope Cruz se alzó con la estatuilla por su papel en "Vicky Cristina Bacelona", y así avanzó la noche, con premios de lo más previsible, y por otro lado, injustos, como es el caso de la categoría de mejor banda sonora. No sé que pasa todos los años con esta categoría, que siempre se lleva el premio "la peor" de las nominadas. Y aunque la partitura y canciones de "Slumdog Millionaire" me parezcan pasables dentro del film, creo que cualquiera otra lo merecía más, Desplat, Elfman (que parece tener una maldición) o el genial Peter Gabriel, que fue ya el colmo, la canción de "WALL-E" debería haber ganado, simplemente porque era mejor en casi todos los aspectos, musicales, fílmicos y miles de adjetivos más. La Winslet se alzó con otro Oscar cantado, "Vals con Bashir" no se lo llevó a película extrajera (Israel) demostrándo una vez más lo políticamente correctos que son los académicos..., y el guión original fue para "Milk", quizás de los pocos aciertos de la noche. "Benjamin Button" se llevó muchos premios vacíos, pero los importantes fueron para el film de Danny Boyle, al igual que su dirección. "Frost/Nixon", de lo mejor que se presentaba este año en el cartel de los Oscars, cero patatero. Heath Ledger ganó el Oscar póstumo en un momento tan emotivo o más que el homenaje en vídeo de los fallecidos de este año (con mención especial para el gran Paul Newman), y el Oscar honorífico fue para un grande (que por lo visto fue algo incomprendido entre la platea, no hubo mucho entusiasmo...) el señor Jerry Lewis.

Destacar buenos y divertidos momentos con el vídeo de los protas de "Superfumados" o Ben Stiller y mi querida Natalie Portman, para troncharse. En fin, noche de "Slumdog Millionaire", que por otro lado recibió el Oscar a "Mejor Película" de manos de un verdadero triunfador, el señor Steven Spielberg. Y así se cerró entre pitos y flautas lo mejor del 2008, una gala pasable, obviando sus premios y que fue bastante menos densa en duración que otros años, lo cual también está correcto. Ah! por cierto, ¿He dicho que Marion Cotillard estaba preciosa?, no, pues ala queda dicho, xDD.

"Frost/Nixon": Zapatos mediáticos

Hay un tremendo simbolismo en el nuevo film (nominado a varios Oscars este año) de Ron Howard entre los zapatos del entrevistador Frost, contra el desafío de redimir los pasos de un presidente que ocultó escándalos públicos que presumió de reunir la peor presidencia de los Estados Unidos ante el pueblo Norteamericano. El tema de "Frost/Nixon" parte del verano de 1977, Donde Nixon aceptó conceder una única entrevista y contestar a preguntas acerca de su mandato y del escándalo Watergate que acabó con su presidencia. Nixon sorprendió a todos al escoger a David Frost como confesor televisivo, seguro de que podría con el alegre presentador británico y se ganaría los corazones y las mentes de los estadounidenses. El equipo de Frost no estaba seguro de que el periodista fuera capaz de llevar a Nixon adonde quería. Pero en cuanto empezaron a rodar, la batalla comenzó. Es aquí el genial acierto del libreto de Peter Morgan, la mezcla histórica que parece empezar dando tumbos, pero que mediante avanza el metraje y sobretodo cuando comienza de verdad el sufrimiento mutuo Frost-Nixon en la entrevista, los temas parecen ser todo un duelo de titanes, donde el orgullo, el desafío, el relato oculto parece ser desmontado poco a poco cual rompecabezas. Y eso no es todo, el film humaniza y define tan bien a sus dos pilares básicos que da gusto meterse en la piel de Frost, siguiendo de cerca la impotencia y a su vez las agallas al hacer la preguntas, y también, ser Nixon, ver donde acababa su avaricia de poder y orgullo para verlo dentro del film con una catarsis precisa, concisa y arrebatadora, son esos minutos finales donde el libreto mezcla el tema Watergate y el declive psicológico del ex-presidente de manera inteligente, clara y estremecedora. Todos los elementos funcionan, estamos en mi opinión, con el mejor guión escrito para los Oscars junto con "Milk", ya que sus diálogos son realmente apasionantes, sus personajes centrales llevan perfectamente al espectador, y el film parece funcionar redondo durante toda la función, el desafío era interesante, y por supuesto creo que está logradísimo argumentalmente hablando, pues como toda buena obra, va en ascenso narrativo para dejar tanto al espectador, como al propio Nixon, en un K-O agridulce.

Genial el reparto. Para empezar, cabe destacar la magnífica caracterización de Frank Langella como Nixon, se podría decir que es de lo mejor del film, y sin duda el mejor Nixon que haya visto la ficción, sus gestos, la mirada, la voz, Langella da en el clavo y no refleja un Nixon perverso y egoísta, sino que además da matices, lo humaniza en su parte final dándole una evolución tan justa como real, genial. Michael Sheen se mete en la piel de David Frost, de nuevo una gran actuación, donde el personaje de Frost tiene cierta similitud contaria, pero la hay, con el de Nixon, hay una parte muy interesante, la evolución de Frost le lleva a la desesperación, cuando parece que el personaje cambia, exacto, así es, con una magnífica escena donde Nixon y Frost comparten una crucial llamada telefónica, donde Sheen, Langella y el guión dan una lección de puro Cine y actuación. En los secundarios, destacar a los asesores de Frost, entre ellos Sam Rockwell, aunque todos ellos geniales aportando cierta frescura al film. El gualdaespaldas de Nixon, que lo interpreta un "carademalo" Kevin Bacon que no lo hace del todo mal, y la chica, la señorita Woody Allen, Rebecca Hall, realmente el personaje solo está para apoyar algunas frases de Nixon, o el momento anímico de Frost, se podría haber sacado más partido de ella, pero tampoco creo que fuese relevante del todo, cumple y ya está. En general un reparto principal excelente, unos secundarios que dan frescura que componen un plantel de actores completo, directo y equilibrado, muy bien, me ha encantado.

Que se diga de Ron Howard que es un mediocre director me parece un total despropósito. No hay mas que verlo aquí, en forma y demostrando que es un buen director, con proyectos de todo tipo, mejores o peores, pero un excelente realizador. Howard sitúa la cámara con sobriedad, a veces nos hace sumergirnos tanto en su impactante puesta en escena (estilo documental, pero con mucha elegancia y sin marear, algo muy difícil de equilibrar), que olvidamos que hay una cámara en el plató, esto es todo un acierto, pues esta se mueve por todos los sets con soltura, cada vez angulando de manera original, superando a la escena anterior, Howard parece estar inspirado en cada recoveco del film, sin duda, sino su mejor dirección, de las mejores, de diez. Al score, un grande, Hans Zimmer, que compone unas tímidas notas muy bien resueltas para el film, una partitura muy buena que va con las escenas y encima se oye con simpatía, bien por Zimmer, buen trabajo. Destacaría también el montaje, sobretodo desde el comienzo del nudo hasta el final, donde el film coge un ritmo endiablado que parece no dejarte escapar, muy bueno.

"Frost/Nixon" propone un cambio y una nueva mirada hacía Nixon para el espectador, propone sinceridad en todos los aspectos, propone mirar al futuro con zapatos nuevos ya que el impacto mediático siempre estará ahi fuera. Ron Howard se aplica esto mismo y con ello se ha llevado una nominación a mejor director, merecida con creces. El film es recomendable, buen guión, excelente reparto, y fantástica dirección, de hecho, diría que será la gran perjudicada de los Oscars porque realmente es de los films de la ceremonia que mas me han gustado, solo por eso creo que me llevaré un gran fiasco, jeje. Un 9,5.

NOTA: 9,5/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E./ Merece un segundo visionado.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 122 min
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"The Reader": Supervivientes de la vergüenza

Cada vez que pienso en el film que nos ocupa, "The Reader" de Stephen Daldry, más me viene a la cabeza "Revolutionary Road" y su poca presencia en los Oscars comparado con este film. Comparte también a una Kate Winslet ejemplar y un nuevo análisis del amor (Quizás aquí más lineal que en aquella de Mendes), pero no pasa de ser un film correcto sin que me haya hecho sentirme completo como cinéfilo, quizás me ha pasado argumentalmente como con "Slumdog Millionaire" me esperaba bastante más. "The Reader" narra el despertar sexual de un joven de 15 años, Michael Berg (David Kross), en la Alemania de la posguerra, que tras caer enfermo en su camino a casa desde el colegio es ayudado por una mujer llamada Hanna Schmitz (Kate Winslet), una revisora de tranvías en Berlín, que le dobla la edad, y con la que comienza un idilio clandestino que se basará en un raro intercambio de sexo por lectura. A lo largo de 40 años Michael y Hanna, separados por circunstancias personales y de la vida, estarán de alguna y otra forma vinculados, a través de la lectura de obras de Homero, Chéjov, Pasternak o Mark Twain, bajo secretos que condicionarán la existencia de ambos. Con esta premisa, el libreto adaptado de la novela de Bernhard Schlink, no da del todo en el clavo con la conexión con el espectador. A priori el guionista cuenta de forma tediosa y casi redundante la primera mitad del film, una historia de amor y encuentros sexuales que forman un conjunto demasiado alargado en mi opinión, si esto ayudase a conformar mejor a los personajes pues vale, pero esta parte de la película está muy alargada, y lo verdaderamente importante dura muy poco, que es sin duda desde que el joven protagonista conoce el giro del personaje de Winslet en el juicio, y sin duda, una de las mejores escenas, la que visita el campo de concentración, ese punto evolutivo, esa conexión sin palabras sobre el tema moral, el miedo a la vergüenza pública queda muy bien explicado en 30 o 40 minutos de film, alargándose como ya he dicho hasta la saciedad en unas dos horas largas con un ritmo pausado, eso si, con una gran aportación de Winslet, la escena del juicio es tremenda, esa o la que tiene lugar en las clases de magisterio del protagonista. Quizás no hay nada nuevo, no hay originalidad y hay cierto deja vu en todo lo demás, incluido el final (por cierto la última escena de Winslet en su celda, es tan predecible como cansina en cuanto a originalidad se refiere) que peca de más de lo mismo, seco, muy "sequito". En fin, creo que si se hubiera potenciado más el nudo, y dejar más secundario el lado sentimentaloide que se explota en demasía, el film no caería en sacos rotos por tanto tiempo, y el guión de David Hare no se quedaría en la superficie que tampoco es que la tenga, porque hay contenido (sobretodo en la parte moral de los personajes, o el tema del genocidio Nazi, eso si, nada nuevo bajo el sol...) pero se tira por la villa sencilla, en fin, un poco decepcionado personalmente he salido.

Reparto bueno. Kate Winslet encabeza lo mejor del film, y aunque a mi personalmente me ha gustado muchísimo más en "Revoultionary Road" hay que reconocer que la actriz merece su nominación a los Oscars, su papel es muy rico y vuelve a apoyarse en el contenido dramático en la profundidad del alma de su personaje, algo que se consigue, ya digo, de lo mejor del film. El protagonista, interpretado en dos etapas de su vida, la adulta caracterizado por Ralph Fiennes que está correctito sin más, y la más interesante, la etapa juvenil, interpretado por el actor David Kross (por cierto, ¿Soy yo o Kross tiene un asombroso parecido con Heath Ledger?) que no está a la altura de la Winslet pero si aguanta perfectamente el tipo dentro de la película regalando una actuación muy buena. El resto de secundarios confortan a los protagonistas, y poco diré de ellos, pues su presencia es para rellenar contenido sin más. Y en la dirección, tenemos al también nominado realizador Stephen Daldry (Billy Elliot), que realiza un trabajo muy contenido en cuanto a lo técnico, pero rueda con un clacisismo inusitado, muchos planos "limpios" y elegantes, casi siempre partiendo de la composición pictórica y casi estática en muchos momentos, demuestra también muy buen hacer en la ya citada escena del juicio, donde la cámara parece estar en todas partes en el momento oportuno. Aún asi, no es una dirección que destaque demasiado, más bien cumple, como pasaba en "La Duda" tiene sus momentos, pero ya está, todavía no me explico como han podido dar de lado a Mendes o a Nolan en los polémicos Oscars de este año, pero bueno. Música para Nico Muhly, que a veces entra sin avisar o sin venir mucho a cuento, pero que mantiene una partitura bastante dramática que va bien con la película.

En resumidas cuentas, para mi "The Reader" es un film desaprovechado, un tanto perdido en el ritmo y en las formas de contar la historia, que parte de unas buenas actuaciones pero que se encuentran en mucha distancia con el público entusiasta. Decepcionante en muchos sentidos, es una idea buena, pero realmente desmesurada en todos los aspectos, quizás la más floja en la noche de los Oscars para mi. Un 5,6 siendo consciente de que no es un film malo, y aportándole cierta benevolencia.

NOTA: 5,6/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 120 min
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Storywars

Este fin de semana he tenido la oportunidad de visitar la expo de Star Wars que Madrid alberga. Me acordé también de un par de fotos que como buenamente hice al estar realizando estos días el storyboard de nuestro nuevo proyecto en Luigi Arts. He aquí dos reliquias o comúnmente llamados Storyboards de "El imperio contraataca", toda una obra de arte artesanal, si señor, y no como mis dibujitos cutres. Pichad en la foto para verlo con más detalle.

"Slumdog Millionaire": La respuesta en la calle

Danny Boyle se ha coronado con su nuevo film, y cuando medio mundo mira para la gala de los Oscars ve sin duda una vencedora clara, "Slumdog Millionaire" con 10 nominaciones. Jamal Malik es un chico huérfano de 18 años que vive en los suburbios de la ciudad de Mumbai. El muchacho participa en la versión india del programa "¿Quien quiere ser millonario?" Pero ¿cómo un chico de la calle puede saber tanto? Jamal es acusado de haber hecho trampas para ganar el certamen. Para poder probar su inocencia Jamal cuenta la historia de su vida, sus experiencias en las calles, con la gente de los suburbios, e incluso su gran amor por Latika. De ahí parte la premisa argumental del guión escrito por Simon Beaufoy, una idea que a priori decir que entusiasma y se ve con entusiasmo dentro de la película, aunque la narrativa y el ritmo de Boyle tiene la culpa más que la historia en sí, ya que el libreto funciona bien dentro de unos cánones, en otros no es que descarrile, puesto que no lo hace, sino que cuenta algo que hemos visto millones de veces en films, y si bien la estructura recuerda por ejemplo (a menor escala) a "Erase una vez América" aquí también se expone con mucha soltura el dilemático tema de la humanidad, el dinero, la pobreza, el aprendizaje en la vida callejera (sin duda otro mensaje destacado que normalmente se suele tratar con intolerancia en la sociedad de nuestros días) y el cambio potenciado por el amor de Jamal hacía Latika (quizás lo más superfluo del film, pues lo que hay de por medio, lo menos tangible es lo más interesante de "Slumdog Millionaire"). Así pues, 3 películas en una, una contando la infancia de los tres ejes protagonistas, la segunda con la pubertad y juventud de los mismos, y la tercera el desenlace adulto (la parte más floja y estereotipada de las tres en mi opinión), amenizado con el pilar que me ha parecido más original del guión de Beaufoy, el concurso del Sobera Indio, que va narrando los pasajes del guión a modo de flashback, cada pregunta sorprende (menos la última, que es demasiado obvia y "carroñera" por parte del guionista) y te lleva al siguiente paso, eso gusta. Un guión sencillo que funciona bien (sobretodo la primera mitad, que es bastante genial) por los toquecitos de novedad, ya comentados, una historia Hollywoodiense llevada a la India con bastante clase que no rechina pero que tampoco es la quinta esencia del 2009 en cuanto a cine, como bien he leído en casi todas las críticas.

En el reparto, todos están bastante acertados, partimos de un plantel de actores desconocidos en su mayoría y que hacen que te metas más si cabe en la historia. Los tres protagonistas indiscutibles son, Jamal, interpretado por Dev Patel, bien en el papel de joven dulce que consigue dar con la solución (valga la redundancia), por cierto cabe mencionar la fantástica aportación del Jamal niño. Le acompaña su hermano Salim, Madhur Mittal en la etapa adulta, aunque mejor el resto de actores que le dan vida. La bella Latika, que la interpreta Freida Pinto (me da que esta chica se va a comer Hollywood) con bastante soltura, garra y decisión, muy correcta. De los secundarios destaco al presentador del "50X15" Versión India, interpretado por Anil Kapoor, dando esa dualidad entre el juego y la hipocresía del personaje televisivo a su vez que real. Mención especial también para el reparto infantil y juvenil, que hace un gran trabajo para completar la vida de los protagonistas. Un reparto bien puesto dentro del film, funciona aunque ninguno destaca más que otro, simplemente muy correctos.

Técnicamente tengo cierta dualidad al hablar del trabajo de Danny Boyle tras la cámara. Por un lado hay que aplaudir la excelente fotografía que rodea la película, muy conseguida en cuanto a diversidad y gran dinamismo. En cuanto a los planos, Boyle se lleva su historia al estilo documental y "videoclipero", rodando con un estilo muy remarcado por la cámara al hombro (que a veces irrita demasiado en mi opinión y no sitúa bien al espectador sacándolo o no asimilando bien los fotogramas) los planos cortos además de un montaje muy rico en imágenes (mucho material, este punto está bien) aunque algo caótico (aunque al final parece calmarse) por lo ya comentado. Entiendo que el guión lleve las carencias que Boyle inteligentemente ha tapado con una realización dinámica, llena de cortes y acercando lo máximo posible los angulares al reparto, es por ello que se ve una dirección buena, ya que sin Boyle el film se hubiese quedado algo más irregular en cuanto a lo técnico, por lo tanto, dualidad en mi caso, eso si, para nada es una dirección falta de calidad o estilo. Banda sonora para A.R. Rahman, con temas electrónicos muy machacones como sutiles, que funcionan muy bien dentro del film pero que fuera de él (si se escucha por separado el score) dan bastante dolor de cabeza, me da que se llevará el Oscar, pero para mi, ni de lejos es el mejor score del año y seguiré defendiendo esta tesitura por muy innovadora que se considere la partitura entre los académicos. Merece destacar también el montaje, muy logrado (con saltos y muchas cosas que contar, que quedan genial en ritmo y sustancia) y aunque la parte del final sea argumentalmente floja, aquí el montaje sale a relucir para que el espectador acepte estas carencias con muy buen sabor de boca (no hay más que ver las secuencias de acción, o la escena del final con la tensión del comodín de la llamada).

Aunque la apuesta entre el cruce cultural, social, religioso e incluso sentimental parece atractiva para todo el mundo, el guión no termina de equilibrar bien metáfora o simbolismo con efectividad (Que no efectísmo, cuidado), no obstante Boyle hace suya la historia, la mima y le da cierto tratamiento que la elevan algo más, es un buen film que no molesta ver, pero tampoco me parece lo mejor del año ni el "peliculón tan claro y ganador de los Oscars, veremos que pasa. Un 7.

NOTA: 7/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E. de manera casi obligada, no la concibo doblada.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 120 min
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Iris inspira

Hoy me ha llegado al correo electrónico un email que me ha hecho casi llorar y creo que debo compartirlo. Es un análisis a modo de opinión de una espectadora que ha visto nuestro último cortometraje, "Iris". Decir tiene que no comparto este post para hacer apología del ego, pero si que es cierto que "Iris" está teniendo una acogida muy bonita entre la gente y está evocando cosas, esperemos que entre los festivales de este año haya más benevolencia. Volviendo al tema, quiero agradecer a la autora de ese email sorpresivo que no esperaba, una tal Rosa Gómez que creo que no conozco personalmente, aunque eso es lo de menos. Gracias de verdad por tus bonitas palabras, realmente creo que no merecemos tantos elogios, pero bueno, se agradece, estas cositas dan ganas de seguir soñando con una sonrisa reafirmando que hay personas que están en sintonía con una idea o con una manera de ver las cosas. Sin más, os dejo el email , decirle a Rosa que en cuanto pueda la contestaré personalmente, porque no se si verá este post.

Sin duda alguna...SUBLIME.

A estas horas de la noche y me paro a ver Iris. Veo desde mi punto de vista una Iris Amélie, una Iris Audrey Herpburn, una Iris...en blanco y negro que se queda en mi memoria.
Mezcla de Luc Besson, Woody Allen,...tormento de un escritor ante su obra, su obsesión.
Me gusta la localización, la fotografía, los planos con juegos de luces y sombras, la mirada de Iris, una mujer aniñada y una niña asustada con aires de mujer de película clásica americana...escenas de un escritor donde el humo del cigarrillo es lo único que empaña los pensamientos obsesivos de la noche.

Se plasma los caprichos de los guionistas, escritores, directores...caprichos de noches en vela ante el juicio de un papel en blanco. Miedo al fracaso. Miedo a olvidar algo eterno y plasmado en una obra con cariño y recelo a la opinión de los demás.

Un antes y un después...me veo retratada, horas y horas de trabajo que en este sin sentido tu obra se la da.

A modo de flash me viene a la memoria una de mis películas favoritas desde la infancia y no se por qué..."El apartamento".

Gracias por haber hecho el trabajo que siempre quise y que siempre se queda sólo en mi papel, en el papel en blanco de mi memoria. Sin conocernos me conoces de antemano y retratas a modo de fotografías narradas el tormento de muchas personas.

Todos tenemos alguna vez alguna Iris personal en nuestra vida...escucho a Louis Amstrong...y la mirada de ella a modo de paisaje de las ideas.

Planos cortos, gestos con guiños, inocencia (y no tanto) en la historia.

Simplemente...me encanta.

Puedes tu mismo opinar muchas cosas de esto...y no decirlo, en mi caso cuando me topo con una obra que me marca...tengo que decirlo para que a Iris le sigan muchas más.

Un cordial y cinéfilo saludo, R.Gómez

La pequeña y dulce Iris te diría gracias por hacen que los sueños cobren vida.

"La chica del puente": Encuentra la suerte

"La fille sur le pont" film dirigido por Patrice Leconte, puentes, cuchillos en definitiva una excelente historia de amor que cimenta su base en el movimiento francés de la llamada "nouvelle vague", siendo ejemplar y recordando a grandes obras de Godard y Truffaut, la comparación es inevitable, pero la película tambien bebe de aciertos tan reseñables como importantes. La historia habla de Gabor, n lanzador de cuchillos que salva la vida a Adèle al convencerla de que no se lance al Sena desde uno de sus puentes. Adèle siempre ha tenido mala suerte con todo el mundo, Gabor es un poco mentiroso pero en el fondo tiene buen corazón. Los dos deciden unir sus vidas y si por alguna razón tienen que estar separados, saben que pueden hablarse en la distancia. Pero Adèle, tiene un problema, es una persona inestable y se cansa pronto. A priori tenemos un guión con infinidad de referencias a los grandes impulsores de la nouvelle vague no solo en la no-linealidad y la distribución argumental, sino también en el uso de la estética y la fotografía en blanco y negro como un elemento importante para contar la historia. El elemento inicial del libreto son mensajes morales y vivencias de la pareja protagonista a modo de unos (siempre) diálogos rápidos, ingeniosos y perfectos, la sensibilidad de cada escena, el tratamiento de las mismas y la creatividad de cada pasaje hace que el film no sea del todo un revival de la Francia cinematográfica de aquellos días de nueva ola. El mensaje argumental es el amor, un tema casi manido, y digo casi, porque este film es de los pocos que contemporáneamente trata de buscar los recovecos humanos en la inestabilidad de las almas, corazones de esto. La suerte es otro tema del film, el azar no se espera, viene y va, sí, pero hay que cogerlo y lanzarse al vacío (es por eso la metáfora del puente, donde de verdad empieza la historia, la escena inicial sobra un poco, aunque capte bien la esencia de la protagonista). La conexión de los personajes, que solo funcionan cuando ambos están juntos, es algo natural, enérgico, sutil y precioso. El sexo se representa con el arte y la farándula (genial, genial y genial), la incertidumbre femenina se manifiesta con los consejos del protagonista cuando ella se pierde entre encuentros con otros hombres (hay que aplaudir cuando estas partes hacen acto de presencia, muy inteligentes), en general una historia evolutiva, que a veces tira para la reminiscencia en todos los sentidos pero con mucha dignidad, cariño e inteligencia.

El reparto está centrado sobretodo en sus dos protagonistas, la pareja artística que se unen con la magnificencia del uso de la palabra, el sentido común o el alarde inteligente. Para empezar, la chica, una belleza que parece salir de una nueva versión de "Al final de la escapada" (ojo al peinado que se hace dentro del film, una clara referencia a esa gran película de Godard), una belleza de ojos grandes que se come la pantalla, hablo de Vanessa Paradis, un personaje bien interpretado que consigue que nos enamoremos todos de ella. Y por otro lado, el hombre de los cuchillos, en encantador de serpientes (me gusta este símil) interpretado por Daniel Auteuil, uno de los mejores papeles del film por no decir el mejor, me ha encantado, sus ocurrencias, sus miradas, su reflexiva catarsis trasgresora dentro del film y hacia el espectador, excelente, toda una lección. Buenos secundarios (aunque no destaquen del todo) sobretodo los novios del barco al final del film, creo que son muy representativos y sacan una sonrisilla. Patrice Leconte tras la cámara despliega una alarde de creatividad que ya llama la atención desde la primera escena. Para empezar la fotografía en blanco y negro es una cosa muy atípica en un film del 1999. El uso de la cámara se basa en las leyes de la nouvelle vague (un poco menos descaradas, sobretodo en el montaje, que es más "actual"), así nos encontraremos con muchos planos y cortes rápidos, ángulos de todo tipo (contrapicados, primeros planos, aberrantes), el uso en partes insospechadas de la dolly cam para dar algo de respiro al ojo (aunque contadas veces), no hay planos secuencia, pero la escena inicial podría considerarse como tal por lo largo que son los cortes. Otra curiosidad que creo que es propia de mención es el buen uso del montaje en una secuencia en concreto, donde los personajes se hablan si estar ambos en escena y en diferentes partes del mundo, original, bello y es algo que me ha sorprendido. Buena y gran dirección sin artificios, marca realmente, y digo más, es un film que está a la altura de la nueva ola, pero claro, de la era contemporánea.

En algún puente, símbolo de libertad e intranquilidad, pues siempre en funcionamiento está, encontraremos a alguien que nos coma la moral antes de decidir tirarnos al vacío, pues quizás la respuesta esté en encontrar la mitad del billete que hará que su conjunto todo tenga el valor que llena el corazón, "La chica del puente" es un film magnífico, y creo que es una joya del buen cine francés tras la nueva ola, un cine que innovó, era creativo y en mi opinión único, dos añitos después, Francia entregaría como otro soplo de aire fresco, "Amélie". Un 9,5.

NOTA: 9,5/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E. Para seguidores de la nouvelle vague.
AÑO: 1999
DURACIÓN: 90 min
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"El Curioso caso de Benjamin Button": Una vieja, bonita y larga historia

David Fincher ha vuelto a dar en el clavo tras la infravalorada y excelente "Zodiac", esta vez la academia ha nominado a mansalva, 13 Oscars para la entrañable historia de Benjamin Button. La agonizante en un hospital y con la única compañía de su hija, la anciana Daisy repasa el diario de Benjamin Button, un hombre nacido en extrañas circunstancias. En contra de los dictámenes de la naturaleza, Benjamin nació con el aspecto físico de un anciano y a lo largo de su vida fue rejuveneciendo progresivamente. Para Benjamin su rareza no fue obstáculo para correr grandes aventuras, visitar lugares de todo el mundo y conocer al amor de su vida, una bailarina llamada Daisy. Así comienza "El Curioso Caso de Benjamin Button", una adaptación de la historia de los años 20 del siglo pasado escrita por F. Scott Fitzgerald. El responsable de escribir el guión, es el conocido Eric Roth (guionista de "Forrest Gump") que da su toque y estilo a la historia. Para empezar el film tiene dos partes diferenciales, se podría decir que una narra los acontecimientos del descubrimiento de la vida de Benjamin Button, y todo lo que eso conyeva (muy propio de Roth situar históricamente a los personajes con eventos muy característicos, en este aspecto el guión parece tener muchas referencias en su primera mitad con "Forrest Gump") ya que el actractivo de esto está en la curiosa manera que nace el personaje, como va evolucionando físicamente y como el elemento de la muerte es usado como advertencia para el segundo acto del film. Digamos que el guión expone una serie de infinitos temas, yo diría que casi todos los recobecos esenciales de la vida, ya sea lo esencial (la historia de amor entre los protagonistas, una historia tan atípica como típica a la vez, genial e indescriptible) como la profundización metafísica y entrañable de todo el complejo análisis. Buenos diálogos, simpáticos momentos (ojo al anciano que va contando sus siete descargas eléctricas por un rayo, genial simbolismo de la casualidad o del destino), y algo global, pues la historia juega con la vida y la muerte, como si estas se dieran la mano y vivieran un momento único, fugaz y hermoso al encontrarse ambas en el meridiano, y al separarse todo es dureza, es imposivilidad y tal como dice el film: cuando se acaba, no queda más que redimirse.

Un sutil relato hecho con cariño, largo, si (y eso que Fincher ha recortado...veremos si hay montaje del director) pero da al público buenas razones para no perder e inhundar nuestro tiempo es dejar pasar las oportunidades, de dejar cruzar nuestras vidas con naturalidad (una de las secuencias más espectaculares del film, es precisamente esa en que varias vidas influyen indirectamente en el personaje de Cate Blanchett) y dejar de lado la superficialidad de la vejez, la inocencia de la juventud, TODO parece tener un aire poético muy visual, muy bonito, que da alas (como el colibrí que vuela más allá de su conocimiento en el film..., ¡Oh! como la plumita de Forrest Gump, jeje) a que el espectador se diga, que bonito es vivir, que duro será vivir la primera mitad, y cuando llegue el segundo acto (En el que el film ya se pone dramático y presenta la historia de amor en su plenitud dando un giro acertado que cambia bastante la narrativa) estemos dispuesto a servirnos de las emociones, sabiendo claro está, que al final habrá que redimirse inevitablemente, pero siempre podemos contar nuestros curiosos y bellos casos, seamos diferentes, sigamos el mismo camino, pero por carreteras diferentes.

En el reparto, el personaje que hace girar cual magnolia el film es el de Bejamin Button, un Brad Pitt que compone (una vez más al ladito de David Fincher) uno de los personajes más extraños y geniales de su carrera. Hay una evolución tremenda, desde la voz, hasta el maquillaje y efectos especiales (una secuencia muestra un Brad Pitt de 25 años, pero reales, por lo visto es un efecto digital en la cara de Pitt que ha hecho que podamos verle como si acabase de rodar "Entrevista con el Vampiro", impresionante) una convinación que quizás muchos no den méritos a Pitt, pero los tiene, no hay más que ver el film, sobretodo en su versión original. Mención también para la señorita Cate Blanchett, que al igual que Pitt compone un personaje genial, con matices a lo largo del tiempo (va evolucionando como el de Pitt y Blanchett realmente lo borda, como siempre), me encanta esta actriz, es una de las grandes del cine actual. Por ahi queda en un segundo plano la señorita Julia Ormond (quien se lo iba a decir en los 90) que pone la voz narradora del film, correcta sin mucho más que decir. Del resto, destacar los enormes trabajos de unos secundarios corales geniales, Tilda Swinton aparece y marca el punto y seguido de la historia en las secuencias del hotel, donde Benjamin conoce el encantamiento del amor, es una parte quizás algo pausada pero realmente mágica, me encantó el personaje de la Swinton. Otro, el capitán del barco (la parte donde el acontecimiento historico hace acto de presencia) interpretado por Jared Harris (que recuerda al Teniente Dan jeje) muy buena su aportación. Además antes de terminar con el buen reparto del film, no quiero olvidarme de la nominada al Oscar, la "madre" de Bejamin en el film, un tierno papel muy bien interpretado por Taraji P. Henson que merece también buena mención en el film (aunque he echado en falta una "despedida" mejor, quizás esto sea por los cortes en el montaje).

David Fincher ha salido mosqueado de la productora porque no le han dejado hacer el film a su gusto, dicho esto, quiero exponer que su trabajo vuelve a ser un referente para creer que tenemos a un director que puede dejarnos una joya por cada trabajo que haga, y aunque su trabajo en "Zodiac" me parezca más creativo que este, su manera de rodar es icónica y memorable en cada secuencia, la elegancia de los planos, el buen dinamismo de las conversaciones, el uso casi masivo y ambicioso de los escenarios y localizaciones. Fincher en mi opinión ha dejado su film más ambicioso y grande dentro de lo que podríamos decir "superproducción" del buen sentido, con su estilo y una factura intachable, veremos que pasa en los Oscars. Por cierto, no viene mucho a cuento, pero producen los habituales de Spielberg, Kathleen Kennedy y Frank Marshall, me pica un poco la curiosidad, que hubiese hecho el tito Steven con esta historia, nunca lo sabremos, ni falta que hace con Fincher detrás. La música original la firma el genial Alexandre Desplat, que merece sin duda el Oscar, su partitura es bellísima, creo que es de lo mejor que he oído este año, ciertamente un gran score que va con el film en todo momento sin llegar a ser grandielocuente ni pasado de roscas. Como último, señalar el montaje del film, casi tres horas que pasan volando, con buen ritmo, aunque en mi opinión, me gustaría saber cual era la versión aun más larga de Fincher, alguna cosa se quedaría por ver y "ejecutar", esperaremos pues.

En definitiva, la nueva joya antológica de David Fincher tiene todas las de ganar si se va con aires de disfrute a la sala de cine, hay que estar abierto a lo que se cuenta, sobretodo, ser un poquito niños, ancianos, soñadores con el amor y sobretodo apreciar los detallitos de la vida, pues aquí hay uno que remueve, emociona, y se llama CINE con mayúsculas, de la mano de un genio contemporáneo que promete ser un grande del Hollywood actual. Un 9.

NOTA: 9/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 166 min
Ficha en IMDB
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"La Duda": Plumas desparramadas en el aire

"La Duda", film importante en los Globos de Oro y ahora en la próxima ceremonia de los Oscars aun más. El film expone lo que su nombre indica, una duda globalizada donde entra en juego el alma humana y la moralidad de los actos. Un film de unas interpretaciones excelentes que dirige el desconocido John Patrick Shanley, que además adapta el guión del film con gran soltura. Pues estamos ante un film de diálogos sólidos y de emociones introspectivas por parte de los personajes, gran parte del libreto se da rienda suelta a la especulación, el mensaje alegórico que se representa en las secuencias de los "sermones" y monólogos del personaje del reverendo son geniales, por no hablar del choque entre personajes de diferentes condiciones, por un lado el tema religioso (que que evidenciado al final de la película de manera sutil) y por otro el humano, que llega a meter en el mismo saco, la hipocresía, la intolerancia, el presentimiento o el juicio mas progresista o contrastando con lo conservador. El choque humano es brutal, abriendo la vereda al propio espectador, haciéndole dudar ante lo que ve con acierto, siendo verdugos de un hecho casi anecdótico y supuesto que va a más, sobretodo cuando me refiero a indagar en el fondo del guión, cuando uno se centra en analizar los bien perfilados personajes (sobretodo el de Streep) y contemplando con ese tono irónico, juzgando por nosotros mismos, o simplemente dejandose llevar por una historia de personajes, simple que no fácil, con un final realmente necesario y quizás bastante alentador. El libreto recoge muchos puntos interesantes, y cuando flaquea, utiliza el detalle como punto de inflexión (el viento que vuela las hojas que Meryl Streep recoge es un punto que subraya la personalidad de los personajes y la metáfora expuesta en el film, el de las plumas de la almohada que se vuelan sin remedio a poder recogerlas todas, genial) por lo que su visionado es bastante recomendable, eso si, gran trabajo actoral sobretodo que da ese punto más a las hojas escritas que por si solas podrían haber resultado más lineales sin el repartazo que hay detrás.

Y como venía diciendo, el reparto de 10. Por un lado, Meryl Streep firma el mejor papel dentro del film, su personaje pasa de ser totalmente apático para el público, a dar un juego totalmente impecable dentro de la película, yo pondría el Oscar en la mesa para Streep sin lugar a dudas. Las escenas impagables que comparte Streep en el despacho de la misma con otro de mis actores preferidos, Philip Seymour Hoffman, son para quitarse el sombrero, el actor interpreta de nuevo un antológico y reservado personaje que juega mucho más con la suposición y el rostro que con las palabras, eso si, el actor se come la pantalla en todas sus escenas de manera impecable (perfectamente podría haber estado nominado en los Oscars). Y por último señalar el papel más comedido (pero no menos importante, ya que da ese punto de inflexión para que el film respire y el espectador tenga simpatía por las situaciones frías que se presentan) el de Amy Adams, la monja inocentona (Adams parece que lo va a tener difícil para salir de este tipo de papeles) que forma el petate en la residencia y que va poniendo el juego entre los pesos pesados del film, Streep y Hoffman. En los secundarios no me olvido del pequeño papelito de la genial Viola Davis que sinceramente se merece la nominación al Oscar, pues su pequeña escena (en la que pasea por una calle casi abandonada de New York y se exponen temas tan interesantes como la homosexualidad, el acoso, el racismo, está perfectamente situada) es de lo mejor del film junto con las secuencias que suceden dentro del recinto o la oficina del personaje de Meryl Streep.

En la cámara, el señor John Patrick Shanley para nada hace un mal trabajo o mediocre como he leído por ahí, de hecho ya es mucho conseguir unas actuaciones que eleven el peso del film, y eso es casi la mitad del apartado cinematográfico que nos ocupa. Por otro lado en cuanto a la técnica, el director utiliza el clacisísmo, pocos y característicos escenarios para centrar la acción (el espectador sabe donde está cuando se familiariza con el entorno y por tanto vive más claustrofóbicamente la narración, este punto es quizás de lo mejor de la dirección de Shanley) las conversaciones largas tienen ritmo, los sermones en la iglesia también disponen de una buena distribución de planos, e incluso aquellos de puro lirismo se utilizan bien dentro del film (el de las plumas ya comentado), como curiosidad personal que me he fijado, el realizador utiliza en algunos momentos muy puntuales los planos aberrantes o inclinados cuando los personajes están desmoralizados o justo antes de que suceda algo relevante, algo muy de la vieja escuela también. Una dirección para mi muy conseguida y más que correcta. La poca música (unas pocas melodías repartidas tímidamente a lo largo y ancho del film) la coloca el genial Howard Shore, sin destacar mucho la verdad, aunque tampoco molesta.

"La Duda" saca a relucir a esas personas juiciosas que llevamos todos dentro, pone la introspección dentro de la pantalla y las muestra con unas interpretaciones memorables, un film que recomiendo ver con paciencia y atención, pues tiene un contenido bastante comentable e interesante, quizás más del punto de vista social que cinematográfico, pero igualmente curioso. Un 8 redondito, y van unos pocos.

NOTA: 8/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 104 min
Ficha en IMDB
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