75 aniversario, Jim Henson (:

Volar

Avanzar. Resistir. Realidad. Ella ya surcaba tus cielos sin pisar la tierra que iba haciendo fértil cuando la mojaba. La imposibilidad de tocar el cielo, de enjaular tu marcha. Tus sueños de incomprensión para mis besos rotos, perdidos en el recorrido de un tren vaporoso, nocturno. El tiempo que siempre nos apremia mal, como queriendo decirnos lo evidente, la negación de la posibilidad. Mi negación. Resignados a vagar por el minutero, buscando algo que no sabemos bien que es. Comunicados al fin de cada palabra que escribimos, encadenados a nuestros puntos finales y tildes sin tildar. Presos, yo preso a mi cárcel de libertad. Libres, tú libre a tu cielo, a tu sueño. No importa lo que hagas nubecita, el viento idiota, ahora si que sirve para algo más que para despeinarnos. Sirve para traerte de vez en cuando a mi cielo azul, con tu pomposidad, con mi anhelo de no estropear tu forma.

20/09/11 - Palabras tuyas y palabras mías: Colorines/ Pensamientos/ Lazos/ Agua/ Reloj/ Yo/ Tú/ Personas/ necesario/ Arte/ Vida/ Palabras/ Honestidad/ Sinceridad/ Silencio/ Volar/ Realidad.

"El Árbol de la vida": Sinergia

Director: Terrence Malick

Año:2011

País:USA

Duración: 138 min.
Sinopsis: Años 50. El film narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre, que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre, que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en la edad adulta. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes.

NOTA: 9/10  Ficha en IMDB


Con enormes ganas de asomarme a lo nuevo del director que me fascinó con "El Nuevo Mundo", Terrence Malick nos deja ahora un film que redondea con puntillismo su estética, su estilo más personal, y nos remueve el alma. "El Árbol de la vida" es un film de un lirismo visual imponente. Un muestrario de sensaciones encontradas y sinérgicos planos donde el significado parece inconexo, donde la algarabía del mensaje parece un tanto pendulante, denso y complejo. Pero curiosamente, se llega a un estado de armonía impetuosa, majestuosa en muchos momentos y reflexiva a las horas de salir de verla, donde creo que da en la diana, una de esas películas de segundos, terceros y hasta cuarto visionado, hipnótica de algarabía técnica y artística, creativa. Será odiada ahora, pero dentro de unos años, todos aquellos que la odiaron, la pondrán por la nubes, la estudiarán en sus casas y escuelas, aprenderán de ella y sus contextos. Un film de una extrañeza atípica para nuestra cartelera actual, que ya no bebe tanto de títulos como éste, diferentes. 

¿Y de qué nos habla "El Árbol de la vida"?, pues el guión del propio Malick, habla precisamente y drásticamente de eso, de un árbol lento, tortuoso y sinuoso, de la vida en estado puro, de sus matices desde su creación hasta la próxima destrucción de todo lo que brota.  Malick sitúa dos líneas temporales para narrar su gran metáfora, a raíz de dos caminos, por un lado la conexión de la naturaleza, sinérgica y eléctrica que sigue sus propios caminos, libres, anárquicos y sufridos. Y la espiritual, con citas de Job, contraposición a la naturaleza, síntoma humano de la esperanza y los buenos valores que se diluyen en un mar de incertidumbre ante la inmensidad del universo. Y estas dos vertientes, valerosamente exploradas (con mucho arriesgo por parte de Malick, lo cual valoro más todavía) se vislumbran en la familia que aparece en la parte central del film, en los años 50. En ella vemos el buque insignia de lo que verdaderamente expone el film. Un conjunto de emociones humanas que explora el alma, la oscuridad, el sentimiento de culpa, la pérdida de la fe, la realidad, el choque hacia el fracaso, la mentira, la espiritualidad de lo que nos rodea  y como sentimos cada resquicio de vida en nuestro ser (el papel de la madre es esencial para entender este punto).

Y es fantástico, como Malick, expone los miedos, la culpa, todo lo ya comentado, el desconsuelo de esta vida (inexplicable en muchas de sus injusticias, que quedan mejor reflejada con la verdadera poesía y alegorías de sus imágenes, que con el poco diálogo que aparece en el film, como también pasaba en "El Nuevo Mundo") no solo se remonta a la época humana, si no que Malick se toma la libertad de narrar unos 15 minutos, al principio, esenciales, sublimes (polémicos y a disgusto para la crítica y el público por lo general) y para mi cumbres para entender la densidad del relato, la profundidad y complejidad y a su vez casualmente hermosa sinergia del cosmos. Me refiero a la escena que nos lleva a la creación de la vida, esa en la que un dinosaurio descubre que puede pisotear la cabeza de otro, que aprende el instinto de supervivencia, mientras el que yace en el suelo aprende a sufrir, a ver la vida como lo que es, una jungla de casualidades en el que la vida y la muerte parecen discutir todo el rato, danzando ante la impotencia, ante lo inexplicable de todo lo que conlleva nuestra existencia. Esos 15 minutos, cargados de imágenes hipnóticas y metafísicas (que yo siempre comparo con el final psicodélico del "2001" de Kubrick, eso si, cada uno en su terreno) son fantásticos, quizás desvía un poco el contexto del film, pero para mi es tan necesario como su parte central, esa donde se analiza perfectamente a la familia, donde se centra el film en mostrar el crecimiento de la vida en estado puro, con el crepúsculo del fin como preludio a un desenlace que evoca la muerte de nuestros propios universos. Una metáfora de la muerte, no solo de nuestras vidas individuales, cual paradigma hacia el fin del mundo, si no un crepúsculo hacia toda la vida, condenada siempre a perecer, a morir, sin respetar un convenio de tiempo, siguiendo el ciclo. El plano final (el puente del Golden Gate, creo, con el sol desapareciendo en el encuadre) nos alerta, nos inquieta hacia nuestros días, nos obliga a pensar en nuestro mundo, en la bajada a los infiernos que nuestra mente y nuestra actitud nos conduce hacia esa cascada, esa sensación de vértigo, indiferencia y desasosiego (lo que siente siempre el personaje de Sean Penn, rodeado de rascacielos que reflejan el cielo, ascensores que bajan abajo o suben muy arriba con un pitido que marca sus propios latidos, personaje que para muchos, y para el propio actor, está poco aprovechado, para mi, perfectamente integrado, funcional para lo que quiere la película contar en momentos muy determinantes).
El reparto, aparte de lo ya comentado de Sean Penn (que aparece poquito realmente), está centrado en la familia, compuesta por Brad Pitt, con un papel muy intenso, con una medición tremenda de los tiempos dramáticos y con un sentimiento importante, creo que de cara a los niños, es el papel que más conflicto y reflexión sobre la vida nos genera, ese y el contraste de la madre, interpretada por una bellísima, angelical y magistral Jessica Chastain, que imprime la sensibilidad de una madre hacia la vida, hacia sus hijos, la feminidad más etérea y personal, un personaje, hablando un poco por encima, muy Bergman para que me entendáis, Chastain se come la pantalla y eriza la piel en muchos planos en los que aparece llenando de belleza los perfeccionistas encuadres de Malick. Del resto, destacar a los niños hermanos del film, Hunter McCracken, Tye Sheridan y Laramie Eppler, geniales todos pero en especial el protagonista de la función, Hunter McCracken. Y llegados al punto de la dirección, Terrence Malick, no firma su mejor película, pero quizás si su film más personal, más estético y perfeccionista. Denso en su montaje, en la grabación de mil planos perfectos, inmaculados y poéticos (aunque se ensamblaban mejor a los sentidos creo, en "El Nuevo Mundo", que comparte muchas cosas con esta película, sus formas, su narración en off y sus simbología). Malick rueda unos planos bellísimos (la escena de los bebés, con la fanfarria de Bedrich Smetana Má, y la manera en la que se muestra el crecimiento, la evolución de los niños, de la vida misma, es sin duda una de mis escenas preferidas de todo el film). Los paneos, el uso de los angulares, de la atmósfera inmaculada y crespuscular, de esa steady caótica y a su vez elegante, esas composiciones pictóricas, líricas, bellas, de lo mejor que se ha visto en una sala de cine en muchos años, Malick recrea un sello impecable, difícil de digerir de una tajada, comprometido a ser analizado y reflexivo en todo lo que muestra en la pantalla. Aplauso de 10 también a la edición del film (muy densa, quizás tanto que le sobran algunas pocas cosas, pero me gustaría volver a verla para poder decidirme en este sentido) y a lo que Alexandre Desplat aporta a la poquita banda sonora original que suena en el fim, (pues el resto son piezas clásicas muy bien inyectadas a lo que el sentido anímico del film requiere)


En conclusión: "El Árbol de la vida" es sinergia de vida. Densa en lirismo. Metafórica y aforismo visual. Poéticamente bella, inconexa sin serlo para nada, eléctrica y fuerte de sentimiento. Una interpretación (o miles de ellas en una) sobre lo aciago, lo desgraciado, la debilidad del credo humano, una avalancha de energía que hace de espejo y trampolín, al abismo del fin del mundo. No ese que anuncian los falsos metalingüísticas del cosmos, si no ese que es seguro, el fin de nuestro propio tiempo, de nuestra propia existencia natural o precipitada. Tender la mano a la ternura de la muerte. Dejar paso a la generación que se perderá efímera como todas las demás que vengan, pero que perdurará de alguna manera en el recuerdo de la propia poesía de la vida, cuando ese árbol los vea crecer, alto, verde, resplandeciente. Un 9, porque haría falta un tiempo y unos visionados más para que como el buen vino, se asiente y me vuelva a decir cosas, no obstante, es una película para paladares selectos, para un público cinéfilo muy determinado, la odiaréis, os encantará y os golpeará fuerte, dejaros llevar y sacad la verdadera alma poética y emocional que tengáis, ese es mi consejo.

La Escena/ Lo mejor:  Es tan densa que cuesta quedarse con algo concreto. En especial me gustó mucho su inicio, los 15 minutos de creación del mundo, que son realmente hipnotizantes// La parte central del film con la familia y sus conflictos (la escena en la que el niño roba el vestido es para mi sublime en cuanto a significado del subtexto, de los silencios, de la propia culpa humana, inexplicable hacia lo oscuro de la mente), la escena final que simboliza el fin de los tiempos, y la ya comentada escena de evolución de crecimiento con los niños, sublime con Bedrich Smetana Má de Vlast Moldau sonando de fondo.

Bitter Heart

- Mason Jennings, new album -

Grandes reflexiones de "Californication" (Parte 2)

 

"Mia: Quiero volver a empezar, volver a ser niño.

Hank: Yo también. Bueno no un niño exactamente, pero me gustaría volver al año 94, fue un buen año.

Mia: ¿Por qué?

Hank: Porque conocí a Karen, luego nació Becca. Fue el año que cambió mi vida. Además, no había internet, ni móviles, ni mensajes de texto, ni twitter y esas mierdas. 

Mia: La puta edad oscura

Hank: ¡Si!, el cine costaba un dólar. La gasolina diez céntimos el galón. Las mamadas eran gratis, hablando de eso, Clinton estaba en la casa blanca, Nirvana en la radio. Y he tenido que joder lo mejor que me ha pasado jamás. Sabemos lo que tenemos que hacer Mia...

Mia: ¿El qué?

Hank: Necesitamos perdonarnos. Nadie va a hacer eso por nosotros."

El Fotograma

[Solución del fotograma anterior]

Drogados

No hay situación que nos cambie. Las personas nos salvan. He cometido tantos errores emocionales en mi vida, he sentido tantas cosas verdaderas que han sido erróneas. Me he dado cuenta de lo jodido que están las cosas cuando de verdad pasan en otros lugares. Somos tan conscientes de drogarnos con el pensamiento del mañana, del papel, de la escala de valor, del estudio, de la memoria olvidable, del valor del coste, que nos hemos olvidado de destapar lo esencial. Es como intentar gritar en un sueño y no poder hacerlo. Algunas personas pueden salvarte, no será eterno, no será pleno, no habrá equilibrio posible, todo está condenado por la elipsis de la realidad, siempre un paso por delante. La droga del pensamiento, la pedantería del miedo, la autosuficiencia retroalimentadora del supuesto genio, insalvable en su coz mental, insoluble de humildad, carente  de un ingenio atrayente, porque al menos salvaría sus consonantes. No avanzar, no contestar al teléfono, beber algo fabricado, guitarras y sudorosas voces, pensamientos. La carencia de ver fantasía y realidad por partes iguales, de imaginar que de verdad nos necesitamos. De creer que una vez más, necesitas que te salven y que me salven, cuando el reloj llegue a cero, cuando la droga llegue a ser placebo con el tiempo. Soy incapaz, no tengo papeles, ni academia, ni a nadie a quien llamar. Pero si he sabido amar tan profundamente como para hundirme hasta la extenuación de mis propios anhelos, y ahí al fondo, está oscuro, solitario, pero siempre arriba, las burbujas de tu boca son oxígeno para mis pulmones encharcados, siempre, nunca.

Tabú

. No puedo evitarlo, me idiotiza. Me gustaría decirle cosas más bonitas, muchas veces me salen solas como en una buena  película y otras, mis diálogos parecen sacados de "Agárralo como puedas 15" oséase, sin Leslie Nielsen y carentes de gracia alguna. 

Los hombres a veces somos unos capullos, unos imbéciles integrales. Penes pensantes andantes.

- Los hombres no, las personas por lo general.

Eso me calla. Las mujeres inteligentes son las mejores. Uno nunca puede saber si están jugando con uno con perversión, o si realmente juegan porque les gusta ver como titubeas. En cualquier caso, juegan. Quiero decir que jugar es un coñazo, casi siempre pierdo. Mis hijos que no tendré nunca no podrán jugar a nada. Eso es un radicalismo, porque realmente pienso que deben jugar, los juegos son las alas de la ilusión, o la proyección de conseguir algo que ansías mediante una diversión sumisa o dominante. Eso también es adherente al sexo y toda su parafernalia. Una vez le conté a una amiga que el sexo tiene capas. La primera es seductora, besos, caricias, y más besos, la tercera es el acto en sí, con todas sus fases, no solo la penetración. Pero el acto de en medio es realmente bochornoso, cómico y carente de erotismo. Ver como nos quitamos la ropa, de manera torpe, decidir si calcetines si o no, ese diálogo abyecto de la chica y el chico, cuando hablan de como se tiene que desabrochar un sujetador en plan onomatopeya del batman de los 60, para que después acabe desprendiéndose siempre una teta por uno de los lados, rompe cualquier cosa. El sexo no es un juego, es un trámite que hay que pasar para uno estar contento. Dicho eso, mi amiga no hacía más que reír, y venga a reír, mientras mi cabeza, solo podía recordar al tipo que vi cagando en la estación de tren, diciendo: "¡Perdone, no,no, está ocupado!" pues claro, ya lo veo imbécil, que quieres que haga ya estoy dentro y he visto que debería de haber llamado, me he equivocado, lo siento, deme la mano como buenos amigos, ¡Ah, no! que tiene papel. La imbecilidad humana y sus palabras. No las tomen nunca demasiado en serio.

"Cuenta conmigo": El valor de la amistad

Director: Rob Reiner

Año:1986

País:USA

Duración: 90 min.
Sinopsis:       En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro jóvenes amigos emprenden una aventura en busca de un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, el sentimental Gordie, el rudo Chris, el extravagante Teddy y el miedoso Vern se adentran en un ambiente hostil en el que deberán valerse por sí mismos.

NOTA: 9/10  Ficha en IMDB




Pendiente tenía yo este film de los ochenta, marca de la casa, dirigida por Rob Reiner, "Stand By me", título de una canción de Ben E. King, que da nombre a la película y a su contexto histórico también, una película entrañable e icónica dentro de las películas memorables que marcaron una década tan prolífica como lo fueron los ochenta. El libreto de "Cuenta Conmigo" está basado en un relato del gran Stephen King, adaptado en formato guión por Raynold Gideon & Bruce A. Evans. La historia se centra en la aventura de cuatro niños (protagonistas absolutos de la función) que parten en busca del cadáver de otro niño a las afueras de un pueblo perdido de la América profunda. Con esa premisa tan simplista, el film ahonda en un tema precioso, esa amistad efímera de niñez. Esos niños fantásticos, deslenguados y cara duras que cuando uno crece recuerda con cierto cariño, pero que al crecer, se ha perdido totalmente el contacto con ellos y su realidad. La amistad certera y verdadera de los 12 años. A través de la aventura, de pictóricos paisajes, podríamos estar ante una road movie, con esos elementos tan característicos del cine americano de ese subgénero, pero llevado a las experiencias de estos niños. Niños que se cuestionan sus propios miedos, su pasado, su futuro incierto, que sueñan con ser algo o con ver la realidad de una inocencia que parecen ir perdiendo a cada paso que dan, en cada carrera detrás de un tren que los arrolla a madurar inevitablemente.
Toda esa catarsis dramática, todo ese aforismo sobre la pérdida de la inocencia, sobre el compañerismo, el valor de la amistad, queda tan bien explorado en la cinta, que uno llega a ver su propia vida, su propia infancia, reflejada en cada uno de los personajes, a cual más carismático, ochentero y característicos. Un guión con un final triste, nostálgico y empecinado de la mejor forma en mostrarnos el paso del tiempo, en señalarnos lo básico y los grandes momentos de la vida, esos que nunca se olvidan, aunque las personas que lo vivieron contigo ya no estén. Una oda al recuerdo y al valor de la amistad, muy bien escrita, con sus toques de humor canallesco (esos chistes que se gastan los niños entre ellos mientras fuman o se meten con la madre del otro, la forma de hablar tan ingeniosa que solo los ochenta tenia por bandera y que parece que hoy en día el cine se ha achantado en ese aspecto) y el drama metidos con muy buen hacer. En el reparto, tenemos dos grupos, los niños (en su tiempo desconocidos, pero hoy en día todos ellos muy famosos), protagonistas absolutos de la función, fantásticos y muy metidos dentro de la película todos ellos. Así pues, se pasean por la pantalla Wil Wheaton, el desaparecido  River Phoenix, Corey Feldman (que también marcó la infancia de muchos apareciendo en otro film de los 80, la memorable "Los Goonies")  y Jerry O'Connell, geniales todos. Por otro lado, aparecen los mayores, adolescentes que ponen el contrapunto macarra al film, entre los que destaca un mítico de los ochenta, Kiefer Sutherland, en un papel que le va como gomina al pelo. Otros secundarios que vemos dentro del film, es un jovencísimo John Cusack, en los flashback de la película, y el genial Richard Dreyfuss apareciendo en narración y al final de la película. Un reparto genial, centrado sobretodo en los cuatro pequeños protagonistas que llenan la película de unas interpretaciones memorables e inolvidables.

En la dirección Rob Reiner mueve la cámara con sobriedad, colocando cada plano en su perfecta armonía con el  paisaje y el momento en el que se encuentra la historia. La técnica es bastante normal, sin artificios, pero bien rodada, como digo, con unos planos perfeccionistas y bien fotografiados (la fotografía de Thomas Del Ruth  evoca a un sueño, con destellos y luces difuminadas en su mayor medida, como si estuviésemos viendo un constante flashback no declarado, pero si objetivo durante su análisis). La banda sonora original (pues el film también tiene algunas canciones clásicas de la época que van perfectamente dentro del film) corre a cargo del gran Jack Nitzsche, que hace un score funcional y distendido que va bien con el tono y con frescura en el film, en todo momento. 

 En conclusión: "Cuenta conmigo" es una película fantástica, llena de valores, buen cine y mensaje. Toda una cinta icónica de los ochenta que no mucha gente ha tenido el gusto de conocer del todo y que para todo cinéfilo y admirador de aquella década, debería ver. Un 9.

La Escena/ Lo mejor:  La escena del tren// La de las sanguijuelas// la escena del ciervo, enigmática y cargada de simbolismo// el tramo final.

La piscina de "Californication"

Mis impresiones no pueden ser mejores. Tres temporadas terminadas (de las cuatro que existen) de una de las series que más me están haciendo pensar, reflexionar, aprender. "Californication" de Tom Kapinos. ¿Por qué me gusta?, supongo  que porque sus dos temporadas ahondan en lo más primigenio del ser humano, de sus vacíos emocionales, de sus encuentros sexuales, del coctel tan atractivo que hace entre el drama y la comedia negra. Es una serie diferente, con sus tópicos, como todas, con sus temporadas mejores y peores (como todas), pero una serie que me recuerda lo mejor que he vivido dentro de la ficción televisiva, actualmente mejor que la cinematográfica tengo que decir. El ejemplo más claro es "A Dos metros bajo tierra". Fue una serie terapéutica, que me hizo sentir cosas, pensarlas, vivirlas dentro y fuera de la pantalla. "Californication" sigue esa línea, quizás algunos puntos por debajo de aquella serie de Alan Ball. Hank Moody, es el protagonista de la velada, un escritor de sinceridad extrema, de sarcasmos rápidos y envenenados. Un personaje que enamora tanto a hombres como a mujeres desde su primera aparición, un escritor cara dura, presumido y arrogante, pero magistral. Es cierto que la evolución de la portentosa interpretación que se gasta David Duchovny, se repite esquemáticamente durante las tres temporadas que he visto.
Pero también es cierto que el público no sabe analizar en profundidad el subtexto de la serie. Hank está pasando por un "purgatorio", una prueba de vida que lo alejan y a la vez lo acercan de su familia, ese es el nexo de unión. La serie muestra que la vida no es tan sencilla, que mantenerse estable en una piscina rodeada de agua y tentado por las sirenas del camino no es trayectoria para el que pierde los remos. Esa gran metáfora con la que acaba la tercera temporada, define perfectamente el hilo central de "Californication", una serie que más que humor, sexo y desvaríos dialogados, va más allá, explora los sentimientos, los acaricia. Y cuando eso ocurre, se convierte en magia, se convierte en una serie superior, magistral, muy inteligente. Su irreverencia, convierte su lenguaje en algo único. Personajes como el de Charlie y Marcy Runkle, Collini, Rick Springfield y sus alocadas tramas, contrarestan la perfecta armonía del hilo que conduce todo, la historia de amor de Hank, entre él, Karen y el resto de mujeres, a cual más esperpéntica, interesante, fatales, repulsivas o magistrales. Y es curioso, porque ahi donde expongo, está uno de los personajes para mi importantísimos de la serie. El de Becca, la hija de Hank y Karen. Un personaje que auna siempre el global narrativo de Hank, que pone el punto de cordura en el mundo adulto, un personaje tan fantástico como el propio Hank, que para mi define mucho el contenido, a veces hablando por el propio espectador. Becca ama a su padre, pero no deja de decirle de vez en cuando lo que hace mal (lo que siente el espectador). El final de la temporada tres, me parece un punto de inflexión maravilloso hacia una cuarta temporada (espero) con cosas muy interesantes. Para mi las dos primeras temporadas son impecables, la tercera es la más deshinibida en el sentido narrativo, la que más líos de faldas acomete, enderezándose con fuerza en su tramo final y con un último episodio cargado de aforismo y brillantez. Hank siempre dice que tiene que tocar fondo para volver a salir a la superficie (es uno de los temas recurrente durante las temporadas), aquí se hunde en su propia piscina de alcohol, mujeres y descontentos de vida. Kapinos nos da una de cal y otra de arena, como la vida misma, pues la irregularidad que el espectador medio vea (Ese que solo ve a Hank como un follador, bebedor y fracasado temporada tras temporada) no estará ahondando realmente, o no entendió nada del proceso de "Californication". Una serie que recomiendo ver, pero más que verla por su visceralidad, que también es genial, hay que verla por lo que nos dicta con total derechazo, una lección sobre las cosas de la vida misma.