El Fotograma

Inglourious Basterds (FR)

Curioso lo que acabo de ver. Por lo visto, la nueva película de Tarantino "Inglourious Basterds", tiene una característica en Francia. En ninguno de los pósters o carátulas se muestra la esvástica nazi, por la sencilla razón de que a finales de la Segunda Guerra Mundial, la primera ley aprobada por el Consejo de control aliado prohibió todos los símbolos nazis en la mayoría de los países occidentales desde entonces, especialmente en Alemania o Francia (España curiosamente, no).

"La Conversación": Desmontando al buen espía

Sigo explorando al maestro Coppola, en uno de sus films más emblemáticos. "La Conversación" es una película rodada entre dos magníficas obras de su autor, "El Padrino II" y "Apocalypse Now", pero realmente, esta joya del suspense escrita por el propio realizador, está totalmente a la altura de sus grandes películas. Harry Caul, un detective cuyo prestigio como especialista en vigilancia y en sistemas de seguridad es reconocido por sus colegas en todo el país, recibe el encargo por parte de un magnate de investigar a su joven esposa. Deberá escuchar sus conversaciones con un empleado de ese hombre del que parece estar enamorada. La misión, para un experto de su categoría, resulta a primera vista inexplicable, ya que la pareja no ofrece ningún interés fuera de lo corriente. Sin embargo, cuando Harry da por finalizado su trabajo, advierte que algo extraño se oculta tras la banalidad que ha estado investigando, ya que su cliente se niega a identificarse, utilizando siempre intermediarios. Libreto pues, escrito por el propio Coppola. En líneas muy generales, el film avanza lentamente, con cierta parsimonia, mostrando un personaje (el de Hackman) muy solitario, reprimido por su trabajo y su pasado que ve ante sus ojos una conspiración en toda regla. Motivo y elenco argumental sacado directamente de una conversación amorosa que abre enigmáticamente el film. Que dejará ciertas perlas memorables hacia la media hora final (sin duda la parte más interesante de la película, siendo totalmente reminiscente, irónica y simbólica con lo que Coppola se ha tomado antes su tiempo en mostrarnos con cierta indiferencia, pero con motivos).

La redención del personaje se perfila con humildad, con tacto. Los personajes secundarios son un retrato de una sociedad conspirativa de la era de Nixon (muy apropiada y como digo, con ciertos fundamentos dentro del film que evidencian la comparativa, todo el embrollo con las cintas del WaterGate), una obsesión del personaje de Harry por el perdón, es tan vital, que se le da la vuelta a la tortilla cual injusta vida, y llega el muro de realismo propicio de los films de los 70, el cazador que al final resulta ser cazado, metido en una trama de soledad paranoica y sin posible escape por muchos métodos o solvencias que haya demostrado. Todos, juegan en contra de la moral del protagonista y sus sentimientos, introspectivos, ocultos, siempre por una desconfianza visible, no son excusa para que todo se tuerza en el mal sentido de la balanza. El final de la historia, es un ejemplo singular de lo que un personaje puede decir con tan poco dicho en palabras. El no temor a la muerte, pero si el temor a la no-intimidad, hacen del final un colofón impresionante, donde Harry toca su saxofón, preocupado y no preocupado a su vez por la inmundicia que no aprecia lo vital, el arte quizás del jazz o la simpleza del buen tipo, pese a que su juicio del pasado ha sido ya consecuente, cuando las apariencias de la trama "Coppola" son puestas sobre la mesa, todo se balancea, todo se deja al aire y lo que en principio era un hombre reprimido, ahora lo es al cansancio de su propia lucha dentro de su vida (Supongo que también fuera de ella en la América de aquella época). Un retrato pues, ejemplar, lleno de contenido muy poderoso al que hay que rascarle las cosquillitas. El libreto se mueve entre lo anodino (en sus primeros minutos, cuesta acostumbrarse a tal normalidad narrativa, pero de eso se trata dentro de una obra ejemplar cinematográfica, que te vaya cogiendo poco a poco hasta darte los frutos, un enamoramiento en toda regla) lo surreal (Esa escena de la fiesta en el sótano donde trabaja Harry, o la maravillosa escena de suspense, tensión y a su vez paranoia del Hotel) y lo puramente magistral. Muy bien escrita.

Fantástico reparto lleno de viejas glorias, y nuevas glorias en la época que más tarde traerían un cine fantástico. El protagonista absoluto, es uno de esos actores que siempre están en la sombra del colectivo universal, pero que con su trayectoria, bien merece todos los aplausos y reconocimientos. Hablo del gran Gene Hackman, un actorazo que se marca uno de sus papeles más memorables e impresionantes. Contenido, pero lleno de sentimientos encontrados. Le sigue el mítico actor John Cazale (Fredo en la saga "El Padrino"), el jovencísimo y notable Harrison Ford en un papel que le viene al dedo. Del resto, destaco la pequeña aparición de Robert Duvall, como siempre, muy destacable ante la cámara. Un reparto genial, centrado sobretodo en desentrañar a un Hackman muy inspirado, dramático y hasta catatónico, conectando perfectamente con el espectador, que se meterá de lleno en la piel de un espía de verdad, sin artificios o espectacularidades. Tras la cámara, un inspirado y creativo Francis Ford Coppola. Su técnica y manera de mover la cámara es muy austera, nos va metiendo poco a poco en la historia, a su ritmo, el público nota el distanciamiento de los personajes, la frialdad y crudeza del mundo que perfila su creador (Es por eso que ese Zoom inicial que empieza desde lo alto y nos mete de lleno en la plaza donde se desarrolla la conversación, simboliza como Coppola comprende estas normas, llegar poco a poco al espectador para que su catarsis final no quede descubierta a los diez minutos, inteligente), así con el resto del film, unos planos y encuadres realmente variados, destacar tres partes memorables: La primera, la escena comentada dentro del desván de Harry, con el personaje de la buscona intentando "entrar" en la oscura mente del protagonista, todo ello embalsamado con un decorado en penumbra, algo abstracto y medido para la ocasión, retratando perfectamente al personaje y lo que le rodea (pura sociedad conveniente y manipuladora, de risa enlatada y comentarios de superioridad, ante la honestidad de Harry). La segunda escena y tercera, provienen del final, Coppola se luce en la escena del Hotel, emulando al mejor Hitchcock, poniéndonos en un paranoide panel, unos encuadres terroríficos y chocantes, llevando el pulso del suspense en cada nivel más y más allá, en un terror que no se ve (curioso) pero que se percibe horrible y tortuoso, genial. La última, pertenece al final, donde Harry desmonta su casa, el temor de que lo vigilen lleva a la paranoia, y de esa paranoia nace la descomposición del personaje, Coppola se atreve a mostrarnos a plena luz del día, con cortes, con planos muy picados y paneados inspirados, un final inigualable. Setentero, crudo y cortante, de esos que cortan completamente la respiración o la dejan en el vacío más oscuro (la estatuilla de la virgen es un punto, que tiene mucho contenido siendo reminiscente con una escena en la que Harry va a confesarse, siendo en ésta última, un método para declarar la absoluta negación de todos y de todo lo que le rodea al protagonista, Coppola es grande). Una dirección cojonuda, de las más memorables del realizador, aunque esto casi siempre pasa.

Como último, destacar la partitura original de David Shire en la banda sonora, muy apropiada e inquietante cuando hace acto de presencia (sobretodo en su parte final). "La Conversación" es un film muy interesante, que tiene su propio universo, y su propia metodología para contarte una historia dramática y de puro suspense. A su vez, converge el introspectivo mundo del protagonista, para a su vez, explorar con buena excusa, la moral egoísta y mezquina de la sociedad de Nixon, y porque no, la que mantenemos. Lo dicho, una joya del maestro, otro 10, estoy en racha, buena época cinéfila, si señor.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.
AÑO: 1974
DURACIÓN: 113 min
Ficha en IMDB
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"Moon": Espejismos de esperanza Lunar

Impecable neoclasicismo del primerizo Duncan Jones, realizador Inglés que nos ha dado su primera obra, la interesante e infravalorada "Moon", un film de ciencia-ficción al estilo de la vieja escuela, donde los efectos especiales no son esenciales, donde un solo decorado como telón de fondo (una estación Lunar) hace y construye los giros argumentales. La hipnótica construcción de los elementos del suspense, y algo que caracteriza al género que priorizo entre mis gustos cinéfagos: La mordaz crítica al ser humano como tal, con sus consecuencias, sus egoísmos y la esperanza del cambio. Todos ellos representados en un libreto muy fresco, claustrofóbico, y como ya digo, original para los tiempos que corren, donde la ciencia-ficción ha denostado a otros derroteros más sensacionalistas. La historia, poco puedo decir para no desvelar nada y os joda la película. Moon está ambientada en un futuro no muy lejano, y nos presenta a un astronauta (Sam Rockwell) que se encuentra aislado en la luna durante un periodo de 3 años en una excavación minera. Su contrato está a punto de finalizar, pero algo empieza a ir mal y descubrirá un terrible secreto que le concierne. El guión, lo firma Nathan Parker (con la idea original de Duncan Jones), referente a lo ya dicho, el film es tremendamente frío, distante, circular como la propia Luna. El contacto o más bien, el poco contacto que el protagonista mantiene con sus seres queridos a través de videos grabados, no es lo que parece, una máquina dentro de la estación minera (En la cual Sam, el protagonista debe permanecer hasta volver a casa después de tres años de contrato) será su única compañía, una referencia directa a HAL de la inolvidable e inevitablemente presente "2001" de Kubrick, de la que el film parece tener como referencia directa en sus formas más contundentes, o estilísticas más bien (que no tan filosóficas). El guión parece ser tan equidistante como la tediosa supervivencia en la estación, el ambiente de desasosiego comienza cuando el conflicto o giro argumental hace acto de presencia. De ahí, sacaremos en claro una tela de araña que irá componiendo una forma muy directa, inteligible y aunque no es el cúlmen de todas las películas de ciencia-ficción, hay que admitir que el guión la platea con mucha seguridad, con una fuerza tremenda, con las pelotas bien puestas. Unas formas arriesgadas y valientes que respiran agusto junto con el espectador, que sentirá el desasosiego, la soledad, la esperanza y esa inmensidad en la Luna junto con los protagonistas de la historia. Hago referencia al plano donde la tierra se visualiza en un marco desolador, donde el personaje de Sam descubre que su mundo se ha descompuesto, que su esperanza de volver a casa con esa estampa terráquea en sus narices, se han esfumado cual espejismos. Y de espejismos va la cosa, nunca más lejos de la realidad. El final, expone quizás, un final acaramelado, pues la historia acaba con justicia (no molesta, la verdad, algo pesimista quizás hubiese impactado mucho al espectador, volviéndolo influenciado por esa catarsis ambiental, un total misántropo), determinando dos cosas muy críticas: Para empezar, lo mal que cuidamos no solo la tierra (en un estado total de declive energético, es por ello que "robamos" energía a la Luna en el film), sino que abusamos del individualismo que nos corroe de egoísmo, que nos convierten en vampíricos ambiciosos de codicia (de ahí el tema de las empresas jodiendo a sus trabajadores de manera alarmante). Un libreto muy interesante, como ya digo, para los films de ciencia-ficción como tal que abundan en la cartelera, no muchos, por cierto, que hagan honor a tal categoría.

El reparto, se mueve con una sola pieza de ajedrez, perfectamente pulimentada en varias facetas (Si habéis visto el film, sabréis a que me refiero), un inspirado (y para mi, desconocido) Sam Rockwell, que interpreta a Sam de manera impecable en todos los sentidos y "formas" posibles, je. Del resto, poco se puede decir que no sea puramente anecdótico, la voz de GERTY, el robot humanizado, es del gran Kevin Spacey que da bastante juego a su personaje, con esa voz tan influenciada (repito) por la gran obra de Kubrick. Menciono a la chica del film, un personaje que ayuda como apoyo espiritual a Sam desde la tierra con grabaciones, me refiero a la mujer de Sam, personaje interpretado por Dominique McElligott, bastante correcto sin más que añadir. Un reparto que no es coral, es de un solo actor, que lleva el peso de la película con sus muchos matices, pues el personaje de Sam, es todo un hallazgo interpretativo dentro de la película, que la verdad, no necesita apoyo tan solo del robot, curiosamente. Por lo tanto, gran aplauso para Sam Rockwell, actor que lo interpreta (Curiosamente con su mismo nombre).

Dirección del primerizo realizador Inglés, Duncan Jones. Un tipo al que habrá que seguirle la pista muy de cerca, pues su puesta en escena es rica, interesante y solvente en todos los sentidos. No grandes artificios técnicos con la cámara, pero creedme, no los necesita. Los cortes (abundantes) y cambios de encuadres (algunos muy penetrantes y bien escogidos) son esenciales para que el habitáculo lunar no aburra a los ojos del espectador, la cámara se recorre las galerías con pasmosa atmósfera vital, en cierta manera con libertinaje y aires nuevos cada vez que se ven las estancias, pero a su vez, este desequilibrio anárquico del prisma de Jones, es intencionadamente inquietante, libre y directo, sí, pero desolador e insisto, de una frialdad impoluta. No se podía haber hecho mejor, más allá que copiar a Kubrick, cosa que no hace nunca, o de rendir homenaje descaradamente (cosa que hace, pero sutilmente, como debe ser), el realizador se preocupa en seguir a su personaje, en contar la historia, acentuando cada detalle para que el espectador no se pierda. Una dirección directa, muy bien resuelta, un gran trabajo, donde se dan todo tipo de mensajes y juegos con la cámara con realmente muy poca cosa, no todo son los alardes de los efectos visuales chicos. La música original, corre a cargo de Clint Mansell, que con su afincado estilo compone unas notas que van muy acorde con lo eléctrico y melódico de esta Luna tan bipolar de Jones, buen score, que no logra ser épico, pero tampoco fija esa meta, quiere seguir a sus escenas junto al espectador, con misteriosos sintetizadores, bajos, guitarreos y como no, un piano mudo, lleno de sobrecarga emocional bastante introspectiva y bien pensada. No olvidemos que la atmósfera se consigue también gracias a la cuidada y medida partitura de Mansell. Destacar también el montaje, muy corto, hora y media de metraje, que se aprovecha hasta el último segundo, como ya digo, a la vieja usanza, algo que parece que los films actuales han olvidado, alargando algunas veces el chicle hasta las dos o tres horas, inexplicablemente.

"Moon" es una película fresca, que se desmarca porque (y a pesar de tener multitud de referencias al género) tiene personalidad en su trasfondo, no es ambiciosa ni pretenciosa, y cuenta precisamente una historia muy hipnótica, con carga social, llevándonos a un lugar tan escapista (pero no) como la Luna, donde el espectador se mete (sin 3D que valga) en el pellejo del sufridor, deseando volver a la tierra, deseando ser, como dicen en la película, personas. Un hallazgo que recomiendo fervientemente a todos lo que amamos la ciencia ficción, la buena. Un 10, me ha encantado y llenado (supongo que algo tendrá que ver que me esté leyendo unos relatos espaciales del genial Isaac Asimov).

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S./ Amantes del género de Ciencia Ficción
AÑO: 2009
DURACIÓN: 97 min
Ficha en IMDB
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Lostia!

Venga va, ya queda menos de una semana para que vuelva "Lost" a nuestras vidas. Temporada final, la sexta, donde la serie terminará de una vez por todas, y sabremos bien o no, los entresijos de la isla, de sus habitantes, en definitiva, miles y miles de incógnitas que nos han seguido desde el primer episodio (si amigos, desde el primero, y van cinco temporadas). Veremos, en una semana empieza la "acción", espero que esta vez se dejen de tonterías y empiece fuerte, que la última temporada, a mi parecer, fue algo hueca en reglas generales (quitando los dos últimos episodios). En fin, ¿Volvemos a ver como la lía una vez más el calvo más dicharachero de la televisión? (Y no hablo del calvo de telecinco que ahora es de la sexta, sino de John Locke xD).

Estafa bochornosa

Hace unos días, fui a un centro comercial con un amigo, antes de ir al cine, encontramos a un precio asequible, una edición especial de "King Kong", de Jackson, la cual se compró. Edición de tres DVD, con material nuevo, incluyendo 13 minutos extendidos del metraje. Ayer, tuve la suerte de encontrarla mientras volvía a casa en otro establecimiento un poco más barata, y aun teniendo la edición anterior (que bien me pudo costar sus 20 Euracos de la época donde solo existía el DVD como medio de cine en casa) me la he comprado porque estaba bastante bien de precio, y supuestamente es una edición más completilla, el film me gusta, y por ese precio me daba un poco igual tenerla repetida. Perroooo, que sorpresa me he llevado al llegar a casa, la he abierto y al meterla en el reproductor.... ¡TAAACHAAAN! los discos uno y dos, menos el tercero son sospechosamente iguales que la otra edición. Cosa del grafismo, pensé. Pongo el DVD 1, el menú y los contenidos son (De nuevo) sospechosamente igual que la edición que compré hará unos años. Igual, evidentemente porque los discos 1 y 2 son iguales. Al poner el tercero, y ya con el mosqueo detrás de la oreja, me dispongo a ver una intro de Peter Jackson, el director, que analiza superficialmente los extras que traen los 3 DVD de la supuesta edición deluxe, ahora es cuando de verdad estaba flipando, riéndome pero de mal gusto. Del primer disco, Jackson señala las escenas eliminadas y extendidas (supongo que se refiere a los 13 minutos extras) los audiocomentarios, del segundo las tomas falsas y varios documentales. Pues bien, ninguna de esas cosas aparecen en los discos 1 y 2 de la edición que tengo en mis manos, ni por supuesto los 13 minutos añadidos de una supuesta versión extensa o eliminada. No tengo palabras, me siento estafado con todas las letras, la edición es una verdadera CHAPUZA denunciable a consumo y a la propia UNIVERSAL España, esto es también un insulto para la propia obra de Jackson, para los cinéfilos, para empezar porque somos curiosamente el único país que ha hecho esta aberración con la versión extendida de King Kong. Segundo, porque nos han engañado con el contenido que se anuncia en la carátula pero no por error, pues bien podría ser tan solo un pequeño fallo, aquí hay muchos contenidos que no aparecen y se anuncian, dudo que sea un "error". Y tercero, que no me han dado ticket para descambiarla porque estaba estropeada la máquina, pero os digo yo que mañana voy a ir a devolverla, a protestar si hace falta y a que me den mis 13 euros, que ya los amortizaré mejor en otra cosa que de verdad lo merezca. Esto es algo que denuncio desde aquí, y hago un llamamiento a los que quieran adquirir la edición o la hayan adquirido y no sepan esto, yo que vosotros, la devolvería, si la queréis ver, bajarla de Internet o esperad a que estos hijos de puta con todas las letras se dignen a sacar bien la edición. He contrastado todo esto en la red, y parece que el revuelo es importante, hay quejas por todos lados (quizás por eso no esté catalogada en FNAC por ejemplo). Luego vendrá cultura con que se piratea mucho, con que hay que comprar DVD originales.

En fin, bochornoso y lamentable. Estoy muy cabreado.

Sin palabras

No quiero decir nada. No tengo nada que decir ni pretendo expulsar en palabras lo que arrastro. No quiero que contestes, ni que llames, ni el falso lirismo. Quiero que escuches esta canción para que lo entiendas.

ESTRENO: "El Beso"

Y lo prometido es deuda. Estrenamos para toda la red, para vosotros los visitantes y espectadores acérrimos a nuestra productora, nuestro cortometraje número 23, "El Beso"., El cortometraje está interpretado por: Rodri Lorente, Esteban Somosierra y Marina Sánchez. Ha llevado un poquito más de trabajo que "Separados", otro cortometraje que estrenamos a finales de año y que se hizo el mismo día de producción que el que nos ocupa. Espero que como siempre os guste, opinéis si os apetece, ¡Ah! y no olvidéis pinchar la pestaña de 720p en Youtube para verlo en la máxima calidad posible (HD). Muchas Gracias anticipadas a todos. Dejo los links abajo, tenéis el corto, un extenso Making off donde se profundiza en la historia, las influencias cinematográficas o el rodaje, y un divertido vídeo con las tomas falsas.

Sinopsis: En una noche lluviosa y con la ciudad de Málaga como telón de fondo, Alberto y Luis conversan sobre Luna, la hermana de Luis que duerme a la espera desconocida de que Alberto afiance sus sentimientos con un momento muy especial...

FICHA:
Año: 2009-2010
Duración: 8 min. aprox.
Dirección y guión: Luigi R.p.
Música original: Esteban Somosierra y José Somosierra
Ayudante de producción y casting: Beatriz Gómez Leal

Cortometraje "El Beso":

.Versión Online:

.En Youtube (HD): VER AQUÍ

CONTENIDO EXTRA:

. Así se hizo "El Beso" : AQUÍ
. Tomas Falsas : AQUÍ

"El Proceso Paradine": Los mejores hombres terminando con las peores mujeres, o no.

Maestro entre maestros, el señor Alfred Hitchcock. Hay que sobrecogerse ante el pulso, la determinación, y lo magníficamente diseñada la obra que nos ocupa, film de una extraordinaria fuerza narrativa y visual de un film de finales de los 40. "El proceso Paradine" nos da un Hitchcock inspirado (como casi siempre) y llevando detalle a detalle de la manita, al propio espectador, algo que el mago del suspense siempre ha sabido hacer como nadie. La hermosa y agradable señora Paradine -Alida Valli- es acusada de haber asesinado a su marido ciego. Un abogado, Keane -Gregory Peck-, se encarga de su defensa. Aunque está casado con una bella mujer -Ann Todd-, Keane se enamora profundamente de su cliente, que le convence fácilmente de su inocencia...
El guión, escrito por Alma Reville, esta perfectamente hilvanado, perfectamente explicado para que cada detalle en él, sea cuanto menos sorprendente. La historia se mueve en su primera mitad, entre el misterioso asesinato del coronel, el suspense de no saber que es realmente lo que sucede. Hasta los 10 últimos minutos no se resuelve el pastel emocional, aunque desde bastante antes se puede intuir por donde irán los tiros, ojo, no molesta para nada, porque como digo, el film se basa en unos diálogos pulidos, perfectos, redondos, llenos de ingenio (incluso insuinuaciones de todo tipo, cosa que era un plus en los films de Hitchcock, y que solo el mago del suspense sabía introducir de manera sutil e irónica). El tema es interesantísimo más allá del caso del personaje de Gregory Peck. El eterno debate de la sugestión de la belleza con una personalidad extraordinaria, hipnótica pero que a su vez se basa en una cuestión de bien y mal que se define por los actos. Hitchcock y el propio guionista, nos vienen a perfilar como un mundo de hombres rodeado de mujeres, acaba siempre por atraerse a la maleficencia de un personaje como el de la señora Paradine. Magnífico personaje femenino interpretado por una colosal Alida Valli, femme fatale por excelencia, pero ojo, con un cerebro increíble, la escena donde desbarata a Peck, en el juicio es para enmarcar. El tema de la fidelidad a la bondad, del compromiso, se llevan por caminos nada trillados, reflejado en la estupenda esposa de Peck en el film, una humilde y extraordinaria actriz, Ann Todd, que interpreta a un bello personaje cargado de bondad. Digamos que el film pone al hombre como ser tentado hacia la perdición más allá de la ley, la justicia o las normas, y deja el plantel femenino para la reflexión. Pues interesante resulta ver como las cuatro mujeres del film se reparten el contenido introspectivo y moral del film, la hija del ayudante de Peck, con esos monólogos sobre los hombres, sobre el amor, impecables, la esposa del juez, que nunca pierde la esperanza ante su marido porque lo quiere de verdad, pero este a perdido todo su encanto como persona, algo que Hitchcock y su equipo se empeña en sacar a la palestra, ponerlo ante el jurado: Reconocer el error de dejarse llevar por la apariencia, por el deseo, y no saber valorar aquellas personas que nos aprecian de verdad, que saben sacar lo mejor de uno, curioso.

Por otro lado, estamos quizás ante la película de juicios y abogacía donde más mensaje introspectivo, dramático y moral tenga sin que veamos demasiado (algo así pasaba en "Rebecca" otro film de Hitchcock, donde el hecho criminal en sí, era narrado por los protagonistas sin llegar a verse jamás, donde el espectador imaginaba los hechos como si de una novela literaria se tratase, esto es fantástico, más quisieran muchos films actuales llegar a esta formar narrativa tan poco reconocida que solo Hitchcock sabía hacer). Y digo que sostiene mucho contenido, porque el film nos propone hacernos pensar, hay una cita que dice uno de los personajes del film (la esposa del juez, genial secundario por cierto) y es que, hay que saber dejar atrás el pasado, la atrocidad cometida no se solivianta con el castigo, más bien hay que saber valorar a las personas, pues demasiado duro es ya vivir. Y también, no me olvido, de lo oculto, un tema que es el esencial dentro del film, todos ocultamos sentimientos, emociones, por mucho juicio, por mucha jura de verdad con Biblia presente que tengamos, o por muy gentiles aparentemos ser. El punto, lo pone el personaje de Andre Latour. El público (me incluyo) dentro y fuera del film, no hará más que juzgarlo por su extravagancia, por sus formas, por sus tendencias insinuadas a la homosexualidad, por ocultarnos realmente las buenas formas por no degradar la figura del honor o la complicidad de los verdaderos sentimientos. Este mensaje es sumamente poderoso al final de la película, donde todo se va al garete tan rápido, tan sencillamente lógico y dramático, que el castillo de naipes se cae tras tenernos el realizador y el guionista, atados en una espiral de claustrofóbicas paredes sentimentales, pues nos vamos ahogando en el universo que se crea, poco a poco, sin darnos cuenta, hasta que la patada en las pelotas, si me lo permiten, es tan sublime, es tan realista-cinematográfica, que duele y se disfruta. Hitchcock era una persona que pensaba en la realidad como una película, y no le interesaba mostrarla de otra manera más que como él la veía, eso siempre ha sido un hecho en sus películas, en su maravilloso prisma de talento para contar una historia como esta con tal pulso, con tal dinamismo. Un guión maravilloso.

Hitchcock tras la cámara, creo que siempre ha sido un vanguardista en sus formas, en su manera de mover la cámara, fuese la época que fuese, tuviera los medios que sean. Aquí queda más que demostrado su grandeza visual, el Inglés era un soñador de imágenes, construía una película a partir de ahí y jugaba cariñoso con el espectador, lanzando pistas en pequeñas dosis, utilizando la cámara como un arma de curiosas metáforas y simbolismos en completa reminiscencia con la historia que cuenta. Es por ello, que ya en la primera escena, deja claro el rol de la señora Paradine, acercando la cámara lo máximo posible a su cara, un poco desde el suelo, alimentando su figura de mujer dolida, pero fuerte, la cámara panea (creo que el movimiento giratorio de la cámara es muy inusual incluso para nuestros días), y no lo hace solo aquí. La dirección de los actores dentro de los decorados (magníficos por cierto) es fantástica, me gustaría analizar un par de escenas aparte de la nombrada. Una de ellas acontece en el hotelito donde se hospeda Peck cuando va a ver la casa de los Paradine en el pueblucho. Ahí, tenemos una conversación con el personaje de Andre Latour, y ojito, el montaje apenas muestra muchos cortes, hay un juego de alturas, de encuadres y de simbolismos con la lámpara de araña muy pero que muy claros (la lámpara de araña colocada en medio de ambos personajes, encima de Latour cuando este se está quedando sin respuestas ante la supremacía del personaje de Peck que se muestra por encima de él subido escalonadamente, todo muy psicológico, pero con lenguaje), el uso del decorado es total, y la técnica que usa Hitchcock es sublime. La otra escena tiene lugar en la salida y entrada al estrado de Latour también, y como la cámara hace casi un giro completo para mostrar los sentimientos de Latour y la señora Paradine, a la entrada mostrando a Alida Valli de frente, cabizbaja, y a la salida del testigo, ahora viendo la espalda de esta, que se la da al espectador y al propio personaje de un inconmensurable Louis Jourdan. Así podría tirarme horas, dentro del juicio por ejemplo, la cámara hace todo tipo de movimientos para resaltar el momento (ese plano cenital que ilustra la derrota total de Peck elevando la cámara al techo para poner al personaje de la manera más derrotista y patética posible, es para aplaudir), Hitchcock creo que rueda uno de sus films más completos, aquí está perfecto, pero ¿Cuándo no?.

La música original, otro portento, me ha encantado y me dedicaré a buscarla (me temo que fracasaré en el intento, pero bueno), la partitura del mítico Franz Waxman, autor también de la música de "Rebecca" o de "El Crepúsculo de los Dioses" de Wilder, es misteriosa cuando se lo propone, bella, intimista, compleja, dramática, un score que va de la mano con la película, simplemente perfecto. "El Proceso Paradine" es por tanto, una joya bastante olvidada de su maestro Alfred Hitchcock, para mí, forma parte de sus mejores aportaciones, no ya de su etapa Londinense, sino de toda su filmografía, una joya que recomiendo a cualquier cinéfilo que se considere tal cosa, y quizás, la mejor película sobre juicios que yo halla visto en mi insignificante existencia, con unos personajes memorables (sobretodo los femeninos, deliciosos), una banda sonora perfecta, y una dirección impresionante. Un 10, quiero dedicarle la reseña a mi querida madre y a Juan, que me hicieron despertar mucho el interés por este film, gracias, ha sido inspirador.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S./ Cinéfilos
DURACIÓN: 130 min
Ficha en Imdb

El Fotograma

"La Bella Durmiente": La obra de arte animada

Clásico Disney que me dispuse a revisionar después de un largo tiempo guardado en mi retina infantiloide. "La Bella Durmiente" costó más de una desgracia (financiera) a sus creadores, llevó más de cinco años crearla y data de una trascendencia impresionante desde que allá por 1959 se estrenase en los cines. Clyde Geronimi dirigió quizás los clásicos de Disney más extraños y misteriosos de la compañía del ratón, dejando una joya tan perfecta como los cuadros (porque son cuadros en movimiento) de el film que nos ocupa. Había una vez dos reyes que esperaban con alegría el nacimiento de su primera hija, a la que llamarían Aurora. Para celebrarlo, organizaron una fiesta a la que invitaron a todos los habitantes del reino. Pero olvidaron invitar a la malvada bruja Maléfica que, enfurecida, lanzó un terrible hechizo sobre la princesa: el día de su decimosexto cumpleaños, se pincharía con el uso de una rueca y moriría. Pero sus tres divertidas hadas madrinas descubren una forma de romper el maleficio: no morirá, permanecerá dormida hasta que un valiente príncipe la bese...

El guión lo firma Erdman Penner basándose claro está, en el cuento original de Charles Perrault. Penner se tomó algunas libertades, siempre a las necesidades de la factoría Disney para la base narrativa de la historia. Los mensajes están más que claros desde hace décadas, pero quizás lo que haga importante a día de hoy, la trascendencia de las hojas del libreto, sean sus clarividencias a la hora de trasmitir sensaciones bastante dispares. Estamos ante una historia bastante cruel dentro de lo edulcorada "felicidad" Disney, la culpa la pone uno de los personajes más impresionantes (para mi, el mejor de todos los villanos de Disney o del cine en general) de la película, Maléfica. Qué la película gire en torno a ella, para los adultos (dejando atrás el tema del amor entre los príncipes, lo romanticón, que va, está bien llevado aunque parezca lo típico, está perfectamente matizado y profundizado este tema, pero para mi a día de hoy no es el que me interesa dentro de la película), y digo adultos, porque Maléfica representa el mal en estado puro, pero más que eso, representa la frustración de la vida incomunicada de sentimientos, del misticismo de la magia, y de la realidad pasmosa que Disney implanta en cada aparición suya. El contraste de colores es una paleta inmensa, de un juego tan pasmoso y terrorífico (Maléfica llega a hipnotizar a todos los personajes, haciéndoles caer en la tentación, haciéndoles reflexionar junto con el espectador en la moral, en el sentido de la vida, la muerte, la vejez, el amor como paradigma erróneo). Claro está al final, prevalece el amor ante los obstáculos, pues la pretensión de la tiranía llega a descontrolarse demasiado volviéndose negro, oscuro, trasformando sus formas en dragones y espinas (buena manera de dar la vuelta a la tortilla), Aurora y Felipe encuentran lo que ambos precisamente buscaban, vivir dentro de un sueño, algo solo posible en una película Disney, pero a su vez bello, soñado, sobrecogedor. El relato pues, nos habla claramente de sensaciones, más allá de ensoñaciones, frustración, injusticias, burguesía, campesinas, magia y terror, que no dejan de ser otras sensaciones que el film expone con franqueza, dinamismo, sin desviarse, con las ideas muy claras. Un guión perfecto, pero que a día de hoy, busco dentro de su tenebrosidad un mensaje mucho más potente, dentro de sus personajes, veo que ninguno de ellos es perfecto, que todos ellos albergan precisamente, un grado de descontento que los hace evolucionar, avanzar, sea Aurora, Felipe, las hadas y la que mejor se expresa, Maléfica.

De los maravillosos personajes, hay que reseñar sus voces, perfectas en versión original (pese a que el doblaje en Mexicano original, lo han destrozado con uno nuevo en la edición especial del DVD), quizás una de las películas Disney donde mejor estén todas las voces en conjunto, pese a que curiosamente, si pusiéramos el film sin diálogos, se entendería perfectamente (de hecho hay partes completamente mudas, sobretodo en su mitad final), lo cual el grado de perfección visual es tremendo. De ello os habló. Los dibujos rozan una perfección inusitada para un film que revolucionó la animación, los fondos son realmente extraños para el estilizado mundo Disney, tienen algo macabro, expresionista, simbólico y extraño. Los personajes se desenvuelven en ellos con soltura, la dirección de Clyde Geronimi es tan perfecta, redonda, y nuevamente inusitada (buscad hoy en día un film que encuadre los dibujos de esta manera, o que retuerza la cámara, que les de vida a los fondos, que no se note la técnica) que es imposible analizarla técnicamente sin pararse a ver cada escena, es tremendo. Os recomiendo que la veáis a nivel visual-técnico, es imposible, el film te mete por sus propias fuerzas en un mundo mágico, lleno de vida, donde cada encuadre es un cuadro lleno en detalles, lleno de fuerza y al igual que un hechizo de Maléfica, hipnotiza por su poderío esperpéntico, en el buen sentido, magistral.

Qué mas os puedo decir de esta maravilla. La música, perfección en cada nota original compuesta por un inspirado (más que nunca diría yo) George Bruns, que perfila una banda sonora que va perfectamente con el film en cada momento, acompañando las portentosas imágenes con una precisión impecable (nuevamente, remito la escena del hechizo que Maléfica crea sobre Aurora, para ver como la música es también una referencia dentro del film), perfecto score, me encanta. "La Bella Durmiente" es un film, que creo, a todos nos pareció muy extraño en la niñez, a todos nos encandiló por su curiosa y enigmática puesta en escena, lleno de claroscuros, colores fríos, formas enrevesadas, pero a su vez todo este mundo, nos asustaba y nos ponía la piel de gallina. Años después, siendo adultos, vuelve a causar todo eso, con unos grados más de admiración ante tal obra de ingenio y arte, pero volviendo a sobrecoger el alma con lo que profundiza, con la tragedia que muestra, con la aclaración de que nada es eterno en sus formas más ocultas. Creo que ya tengo película Disney predilecta (tenía una, pero creo que ahora la cambio), porque más bien, esta película se diferencia de sobremanera a muchas otras, creo que es imposible explicar su magnitud, sus obsesiva manera de quedarse inmortalizada en las retinas, en la memoria del tiempo, de varias y varias generaciones. Una obra maestra de la animación, y del cine con sus humildes 75 minutitos, cada uno de ellos, son perfección.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S./ Amantes de la animación tradicional
DURACIÓN: 75 min
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"American Graffiti": Madurar o no madurar, la eterna cuestión

Antes de que su mítica "Star Wars" fuera un pelotazo en todo el mundo, y poco después de deleitarnos con una extraña y enigmática "TXH 1138", un tipo llamado George Lucas se ganaba la confianza de la crítica con "American Graffiti", una historia de personajes que con diferentes modos de vida, compartiendo un mismo entorno, se encuentran en la tesitura de encontrar nuevas puertas en la vida, para unos, el descubrimiento de la juventud y sus loca nocturnidad, para otros, el cambio hacia una nueva fase lejos de la adolescencia. Los tiempos cambian, y Lucas, tan concienciado en mostrar las "fases" de transición adolescente-adulta en toda su filmografía a través del descubrimiento personal y aventurero, da a golpe de rock-and-roll de los 60, chaquetas de cuero, pelo engominado y bólidos rápidos, una gran tesis sobre el o los cambios, el siguiente paso. Es la última noche del verano de 1962, y los jóvenes de Modesto, California, quieren divertirse antes de que lleguen sus resonsabilidades como adultos. Así, todos los adolescentes del pueblo salen esa noche para beber, ligar, pasearse con el coche, ir a la bolera o bailar un rato...

El libreto lo firma el propio Lucas, acompañado de sus compañeros Gloria Katz y Willard Huyck. Un retrato muy concienzudo sobre la juventud anarquica y descontrolada de un pequeño pueblo Norteamericano perdido entre la cotidianidad y el mediocre dia y a dia. Juventud de los 60, con el rock-and-roll a tope, las chupas de cuero, y las referencias a "Rebeldes sin causa" pero versión descafeinada, quizás más ruda, parsimonica y a su vez equidistante. Personajes corales, que comparten un objetivo común dentro de su lozanía: están al borde de un cambio en sus vidas. Lucas se autodescribe en cada personaje de manera autobiográfica. Queda patente su amor hacia los bólidos (grandes protagonistas del film, que conducen a los personajes a través de los bulevares oscuros y borrosos a conciencia que el film expone), el análisis "nerd" de uno de los personajes que intenta ser sociable con una de las chicas y pasa calamidades en una noche de locos. El mejor corredor acosado por otro que lo duela en combate durante todo el film (tema de la superioridad versus, inteligencia o coherencia, bien tratado), la ruptura de una pareja que se quiere, el vaibén de inseguridades que queda patente aquí, pero mucho más explícito, en el papel que desempeña el mítico Richard Dreyfuss, personaje sin una ambición concreta en la vida, sin afán de pretensión de abandonar su ciudad, que busca motivos, y motivos para quedarse estando agusto, pero que termina por marcharse ante la indiferencia de una ciudad que no va con él por mucho que la adore en todas sus formas, no es más que un sueño inalcanzable (eufemismo que Lucas interpreta con la búsqueda de la chica rubia platino que el personaje de Dreyfuss intenta atrapar durante la película sin éxito alguno). Para terminar, el rugir de la conciencia en un duelo final, advierte que la juventud llega a su fin, que los objetivos se aclaran, que cada cual sigue su camino, y como el propio Lucas muestra en todas sus películas hacia el final (incluídas, la original "Star Wars",pasando por "La venganza de los Sith" incluso, o "TXH") el amanecer da el cambio a los personajes, es una metáfora de la espiritualidad que contemplan los personajes hacia un nuevo camino (Luke observando las dos Lunas de Tatooine en "Star Wars", el final de THX, o el personaje de Owen Lars con el bebé Luke Skywalker mirando nuevamente el amanecer al final de "La Venganza de los Sith"). Un guión que demuestra los pasos agigantados que se dan en la juventud para encaminarnos hacia un largo camino de adultez, lleno de sorpresas, pero también de noches largas, quizás algo menos divertidas, algo menos sorprendentes y estimulantes, pero igualmente interesantes.

Reparto con algunas caras muy conocidas en la actualidad, pero que en la época que se rodó el film, aun eran bastante primerizas. Richard Dreyfuss ("Encuentros en la tercera fase") está fantástico en su papel de chico inseguro, normal, inquieto a su vez. Paul Le Mat de tipo duro, muy convincente. También nos encontramos con un carismático Charles Martin Smith, interpretando a un "nerd" de los de manual, muy bien acentuado. Ojo porque por ahi también se pasean el irreconocible Ron Howard (he de admitirlo, no lo reconocí) muy joven y trabajando como actor, bastante acertado, otro primerizo Harrison Ford en un papel chulesco de esos que más tarde explotaría en "Star Wars", y como no, las chicas, fantásticas. Cindy Williams interpreta a la orgullosa y fantástica Laurie, y Candy Clark a la pin-up por excelencia (un papel muy sencillo pero memorable). El reparto está genial la verdad, es bastante memorable. En la dirección (Y apoyado trás la cámara por su amiguete Francis Ford Coppola) George Lucas rueda con muy buen pulso y dinamismo todo el film. Su estilo queda reconocido inmediatamente, basándo su narración en unos planos muy bien encuadrados, casi estáticos, pero que de vez en cuando aligera con sutiles movimientos de cámara muy bien desarrollados (algo que se ve en cada película, desde las actuales a las antiguas), Lucas rueda bastante suelto, confiado y siguiendo la estela creativa que implató en su ópera prima (THX 1138). La banda sonora, no original, está plagada de temazos del rock-and-roll de los 50-60, la selección es bastante amplia y va perfectamente con el tono de la película, no es para menos.

Lucas dejaría huella antes de "Star Wars" con esta joya, un film bastante atípico en sus formas, con un guión muy arriesgado en sus métodos (a veces parece saltarse cánones y no busca la linealidad, cosa que lo hace original y exótico), un buen análisis casi susurrante sobre la adolescencia, el eterno y trillado mensaje de la maduración es aquí debatido por varios frentes y subtramas. Cada cual elige la que quiere, o eres de los que la inquietud les puede, o eres de esos que los hechos de una ciudad, de lo de siempre, es lo que realmente eres y serás. Un 9.

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.
DURACIÓN: 110 min
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La Comedia de mi vida

En este especial, quiero dedicar un huequecito personal a un género que siempre es muy socorrido, satisfactorio para el alma y rico en matices dentro del cine. Os hablo de la comedia. Os traigo un especial no de top diez ni nada de eso, quizás sea el primero de una serie de especiales (a largo plazo) sobre comedias que me han marcado en mi vida, o que considero muy destacables, recomendables y ejemplares en cuanto a lo personal. Os pongo diez títulos que para mi son referencia, falta Chaplin o los hermanos Marx, pero os hablo desde lo que llevo viendo de crío hasta la actualidad, no puedo ponerlos todos. Para empezar me gustaría citar a Woody Allen, que dijo que el humor, es el resultado de la tragedia macerada por el paso del tiempo, je, y con ello, os dejo las películas, espero que os guste:

"Besos Robados"(François Truffaut,1968): La verdad, es que cada vez que la revisiono, el film de Truffaut se crece. Es una comedia sencilla pero llena de mensajes, alegre, humilde, desternillante, bonita, llena de patetismo (en el buen sentido), y con un guión maravilloso. Antoine Doinel, personaje alter-ego de Truffaut, pone la ingenuidad a la película y el carisma tanto de este personaje, como los magníficos secundarios. Una joya que no me cansaré de recomendaros.

Un momento: Antoine recitando los nombres de las dos mujeres que ama y el suyo propio frente al espejo.

"La Terminal" (Steven Spielberg, 2004): Spielberg no podía faltar, y lo hace con su mejor comedia hasta la fecha. Tom Hanks se que encerrado en un aeropuerto lleno de personalidades caricaturescas y situaciones muy disfrutables. Es curioso, porque "La Terminal" bien podría beber de la comedia francesa comentada anteriormente, pues sus formas son parecidas en lo que a mi respecta. La he visto un millón de veces porque es una peli que me traslada a otro mundo, donde el amor funciona momentáneamente, donde Viktor es un ser bastante entrañable que ve dentro de una burbuja como la propia vida le da una bofetada y a su vez le juega momentos bellos. Un film con mensaje también, muy irónica, muy fresca, para sentarse, reír, emocionarse y verla una y otra vez recordando alguno de los diálogos de la película: ¡Odio Martes!...¡Kracozia!.

Un momento: Las conversaciones entre Stanley Tucci VS Hanks/ La escena de la medicina para "cabra"/ o el interrogatorio a la sargento Torres (Zoe Saldana) que siempre me saca la sonrisa y la lágrima, siempre.

"El Sentido de la vida" (Terry Jones, 1983): Supongo que todos os quedaríais con "La vida de Brian" si tuvieseis que elegir una película de los Monty Python. Yo sin lugar a dudas, me quedo con la sucesión de Schetches a cual más impecable de "El Sentido de la vida", una película que utiliza la sátira de su propio título para darnos un mensaje global de lo surrealista, lo anodino, lo religioso, lo político. Toda la vida, y el ser humano queda expuesto de manera espectacular y lo mejor, no podremos parar de reír en todo su metraje. Impecable, y quizás la menos vista o conocida de los Monty Python, os la recomiendo (casi siempre lo hago en Navidad).

Un momento: Sin lugar a dudas el señor gordo que aparece en la foto. Uno de los Sketches más asquerosos, viscerales y desternillantes (a su vez que arriesgados) que se han visto en una pantalla de cine. Ese, y también me quedo con el de la muerte, sensacional y mil veces copiado más tarde en otras pelis o series.

"Arsénico por compasión" (Frank Capra, 1944): No os hablé de ella en su momento, cuando la vi hace poquito. Pero creo que es una de las mejores comedias que se han hecho en la historia del cine, y eso es decir mucho, pero lo merece. Guión perfecto, espléndido reparto (los personajes son memorables, el hermano de Cary Grant en el film con su más que evidente simil con Frankenstein, Peter Lorre magnífico, las dos ancianitas a cual más loca, Priscilla Lane y sus salidas monumentales, y el propio Cary Grant, memorable). Es una película muy teatral (todo acontece en un par de decorados, la casa, y la calle del exterior) pero no le hace falta más porque es cojonuda, perfecta, redonda y si no la habéis visto, ya estáis tardando. La disfruté y me encantó de principio a fin.

Un momento:Muchos, quizás todo el film entero, pero por decir uno: La parte final, el momento del "secuestro" a Cary Grant y el caos que se forma poco después, destronchante.

"Con faldas y a lo loco" (Billy Wilder, 1959): Tampoco os la traje al rinconcito, cuando la vi. Me es muy difícil quedarme con tan solo una comedia del genial Billy Wilder, porque todas son perfectas. Pero quizás, "Con Faldas y a lo loco" sea la más arriesgada, sobresaliente y mítica. Arriesgada, porque habla del travestismo, de la homosexualidad (en la comedia todo está permitido amigos y que clase, que sutileza tiene el guión de Wilder y I.A.L. Diamond), sobresaliente, por su perfección narrativa, lo bien escrita que está y lo divertidísima que es. Y mítica, pues porque tiene en sus filas a uno de mis actores favoritos, Jack Lemmon, el galán Tony Curtis y mi adorada Marilyn Monroe. No hay que decir más, simplemente tenéis que verla.

Un momento: La memorable y famosa escena final en el bote.

"Aterriza como puedas" (Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker 1980): Otros referentes son los Zucker, en cuanto a la comedia más contemporánea, que ahora bebe precisamente de cuando estos señores tuvieron su edad dorada con films donde el mítico Leslie Nielsen hacía memorables muchas escenas absurdas y desternillantes. He de reconocer que "Aterriza como puedas" la he apreciado mucho más con el paso de los años, pues de niño prefería los "Agárralo como puedas" y demás, pero el ingenio fresco, la maravillosa vis cómica explotada por los Zucker, está sin duda en esta película. Inolvidable el vuelo, los pasajeros, las idas de olla de los altos cargos en la torre de mandos. Una película para descojonarse de principio a fin, con chistes de todo tipo, fáciles, sutiles, absurdos e inteligentes. ¡Ah! y claro está, Leslie Nielsen, te queremos.

Un momento: La escena del aterrizaje: "Solo vine a desearles suerte", o las del piloto automático de plástico, je.

"Annie Hall" (Woody Allen, 1977): Woody es un maestro. Me ha influenciado muchísimo a la hora de categorizar el humor, canalizado siempre por una mirada bastante dramática sobre la vida, las personas y los momentos. Quedarse con "Annie Hall" por lo tanto, es quedarse con todas sus comedias, porque en ella, esta el Allen de la inspirada verborrea de humor ácido, inteligente e ilustrativo. La he visto varias veces, es una película magnífica, personalmente, con el mejor guión que ha escrito Woody, muy directo, para nada lineal, con comedia, con amor, con drama, con cierta clarividencia a la hora de explorar las relaciones a través de lo que mejor sabe hacer este hombre: reírse con conciencia.

Un momento: La escena de la cola del cine, o en general las que Allen comparte con Diane Keaton, todas magníficas.

"Juno" (Jason Reitman, 2007): Junito, mi querida Ellen Page. Película que llegó en un momento crucial para mi, sé que impactó a muchos (Revitalizó el género de comedia-adolescente llevándolo hacia nuevos caminos), que otros la sobrevaloran, pero la película guionizada por Diablo Cody y dirigida por Reitman hijo es una maravilla. Nuevamente los diálogos frescos, actuales y concisos y sus momentos de extrema melancolía visual, convierten el film en una joya bastante especial de ver, no apta quizás para todos los gustos. Tiene una manera muy peculiar (y algunos gradillos de mala leche) para retratar algunos escaparates de la vida. Ni que decir que uno de los personajes adolescentes, el de Juno, mejor escritos de la última década, o quizás más. Me encanta, me influencia directa e indirectamente, me fascinará siempre esta película.

Un momento: Bleeker ganando la carrera, mientras Juno da a luz, define perfectamente la película, su estilo, su engranaje narrativo, original y bastante atípico de ver.

"Ace Ventura: Operación África" (Steve Oedekerk, 1995): Gamberra y soez hasta decir basta, pero decirlo con las lágrimas cayendo de la risa, un pitorreo de principio a fin. Una película que no se toma en serio nada, ni lo pretende, es por eso que hace tanta gracia y es tan memorable. Eso si, la culpa la tiene un pedazo de actor (que te puede gustar o repudiar) llamado Jim Carrey, un genio para mi. De crío, la veía una y otra vez, y cada escena la memorizaba, sus diálogos tontos, los chascarrillos de Carrey, sus caretos, la música ("Chicaaaca!"). Una comedieta para no parar de descojonarse, donde Carrey llevaba al límite al personaje de Ace Ventura (la primer parte no la considero tan graciosa, la verdad).

Un momento: El mítico "rinoceronte cotilla", jajajaja, o esa en la que Ace se "infiltra" en el poblado, con su danza del pedo, xD.

"La Pantera Rosa ataca de nuevo" (Blake Edwards, 1976): Para terminar, no me olvido de la fantástica saga del mítico Blake Edwards, "La Pantera Rosa", las aventuras del inspector Clouseau, que creó el magnífico actor que adoro: Peter Sellers (No hay color si lo comparamos con el de Steve Martin en el remake). En especial me quedo con la tercera entrega, ¿Porqué? diréis, pues bien, creo que es la que más gracia me hizo, estuve riendo como nunca con alguna de sus escenas, y disfrutando como el que más, recordando lo grande que era Peter Sellers. La recuerdo por sus momentos, algunos para no parar de reírse en días, o semanas, os los enumero a continuación.

Un momento: La escena inicial de "asalto" al castillo (genial y divertida)/ La pelea con Cato, el ayudante de Clouseau en la casa de éste (no me he reído tanto en años, es la mejor escena que ha rodado Edwards en toda su carrera xDD)/ La escena final, con la cama reversible.