Allá Vamos!

Pues nada, me despido del blog y de Internet hasta dentro de 5 o 6 días ininterrumpidos por "culpa" de un rodaje, quizás el más complejo que me haya enfrentado nunca. Rodaje de un cortometraje en el que me he visto involucrado (junto con los miembros de Elite Visión, la productora donde estoy) casi en un tiempo record. La organización es un poco caótica, el equipo humano está un poco loco (me incluyo), poco no, bastante loco, reminiscencias tengo con "Shutter Island", pero supongo que la experiencia será de esas que te dejan sin cuerpo pero con buen sabor, espero. Rodaremos de madrugada, de tarde, de noche, de mañana, durante todo el fin de semana (incluyendo mañana Viernes y el Lunes). Bueno por mi parte, me toca elegir a libre inspiración los planos, lidiar (bonita palabra por cierto) con el operador de cámara y el iluminador (jeje). Tengo miedete escénico de no estar a la altura o de no saber entenderme sobre lentes, grados Kelvin y toda la verborrea técnica que me rodea, pero da igual, tengo muchas ganas y voy a morder muy fuerte el rodaje, huele a sangre amigos. Ya os contaré cuando sobreviva.

Tres Colores: Las tres maravillas de Krzysztof Kieslowski

- "Bleu" -

- "Blanc" -

- "Rouge" -

"Shutter Island": Atrapados en la mente

Vuelve al panorama cinematográfico, uno de los maestros indiscutibes del séptimo arte, el señor Martin Scorsese. Lo hace con "Shutter Island", un film de suspense con tintes psicológicos y un planteamiento muy clasicista, con pinceladas "Hitchcocknianas", una película muy interesante e incesante donde el Newyorquino sigue demostrando que está en plena forma pese a las críticas que está recibiendo. Verano de 1954. Los agentes federales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Emily Mortimer) recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Ben Kingsley). Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos, y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes. El guión adaptado (la novela homónima es de Dennis Lehane) juega con una potente arma de guión que es que el espectador sepa lo mismo que el protagonista, en este caso, no siempre lo que sale en pantalla es objetivo para la historia, y el puzzle visual, conforma el sorprendente giro final, donde las cartas dejan ver el entresijo de una historia Hitchcockniana que no se a ciencia cierta si funciona entre los espectadores de hoy en día. El juego mental que el libreto quiere hacernos explorar es peligroso, tenso y por momentos cargados de estridencias e inquietantes pasajes. La demencia de la mente no es cosa de los pacientes de la isla, sino que también se va apoderando del espectador, haciendo que toda la historia sea una espiral afixiante, psicológica y tremenda. Muy bien contada. Las fuentes pueden recordar a tres o cuatro pelis icónicas en concreto (no hay nada nuevo en la historia, pero lo icónico de sus pasajes hacen que el relato sea carismático y quede clavado en la retina, Scorsese y su narrativa minuciosa tienen mucho que ver...). El giro final es muy arriesgado, lo que en algunos pasajes llamaba a lo onírico del protagonista, se convierte en un duro relato de terror (terror de verdad, del interno) mental donde queda muy claro que la mente humana es tan peligrosa como incontrolable, violeta, nunca controlable, anárquica y llena de matices. El faro, dentro de la película, es el verdadero motivo físico, y curioso plano donde termina la peli, es donde el espectador tendrá que ver si lo que el personaje protagonista pensaba sobre el "complot" era verdad o no, el juego psicológico que expuesto, queda explicado, pero no juzgado, la historia acaba con el determinante y dramático tinte estilo Polanski, lleno de dureza y frialdad. A pesar de que el libreto muestra unos diálogos y situaciones engañosas en casi todo momento, la resolución es tan sobresaliente que no molesta, y la poca presunción del talento de Scorsese dan puntos a una historia que habla de un hombre bueno, que se ve sumido en un trauma sentimental, que lo lleva a una isla caótica de pensamientos y desvaríos sociales, en parte una representación de lo que somos (Pues queda bien claro la exaltación de la violencia dentro de todo ser humano por muy pacífico que sea, por puro egoísmo y supervivencia, hay varias escenas que lo representan bien, los flashbacks por ejemplo o esa genial conversación que mantiene Dicaprio con el militar, de lo mejor del film).

El reparto está centrado, en su totalidad por el protagonismo de Leonardo DiCaprio, que vuelve a ser el actor fetiche de Scorsese una vez más. Quizás en este film (y seguramente porque la vi doblada) la interpretación de Leo me parece un tanto forzada y algo floja para lo que realmente estoy acostumbrado a verle hacer en pantalla, supongo que es un personaje complejo, muy versátil y que la sobriedad que el actor va consiguiendo es otro punto a favor, pero no se, lo vi algo flojo en general. Le acompañan un coral reparto plagado de actorazos. Mark Ruffalo en un papel muy interesante como "socio" del personaje de DiCapri, muy correcto. Ben Kingsley está perfecto en su papel, de lo mejorcito dentro del film, y se ve que cuando este actorazo quiere y se mete en buenas pelis (porque tiene verdaderos truñacos) se lo curra y mucho. Aparecen también con sobriedad, el mitico Max von Sydow, Michelle Williams como la mujer del protagonista, algo falta de carisma al principio, pero que cobra muchísima fuerza en una de las escenas más memorables que tiene la película (el flashback decisivo donde se ve realmente lo que le sucedió a la familia del protagonista). Ojo a la corta pero fantástica aparición de Patricia Clarkson, la de Jackie Earle Haley o el fantástico Elias Koteas, personajes que aparecen realmente poco, pero que aportan un groso muy eficaz e interesante a la historia. Un reparto muy correcto, quizás algo contenidos dentro de lo que un film de Scorsese tiene que exponer, más contenidos quizás justificadamente con la historia que se cuenta, y quizás también algo apagadas por el doblaje, ya os diré cuando la vea en Inglés.

Y si hay alguién que realmente se merezca la atención, el aplauso y la lluvia de bragas si hace falta, ese es el señor Martin Scorsese tras las cámaras. Que puntualidad, que precisión con los encuadres, que atmósfera tan bien seleccionada, que prisma tan iconográfico y tan bien resuelto. Realmente hacía tiempo que no veía una película con unos decorados tan memorables (al estilo del Hollywood clásico). Ese camino a las instalaciones (con esa vista subjetiva al más puro estilo Kubrick) esos pabellones tan acojonantes. La escena a cámara lenta con la inquietante jardinera del recinto (poniendo ya las bases del suspense como carta para inquietar a la platea), sin olvidar la maravillosa resolución de Scorsese en la cámara. Los planos de conversación no dejan de saltarse las reglas (esos paneos rápidos desestabilizando al espectador, concienzudos, intencionados), la estilizada forma de los sueños de DiCaprio tan memorables (los de su mujer y los de la segunda guerra mundial son fantásticos). La influencia del Kubrick de "El resplandor" es fantástica, o del Hitchcock de "Vértigo" en la fabulosa escena del faro hacia el final (esos planos de los pies subiendo las escaleras en un buen homenaje al mago del suspense). Scorsese interpreta la historia con imágenes muy impactantes (las ratas en el acantilado, las niñas muertas, la explosión del coche con las fantasmagóricas figuras de su familia, la inquietante escena del pabellón C con las cerillas y la cámara amordazando al espectador en la butaca con tintes del suspense de verdad...) asi hasta completar una inspirada dirección, de esas para quitarse el sombrero, y toda una LECCIÓN de oro para los que digan que Scorsese está en declive. Destacar el montaje (aunque he visto bastante racord, pero bueno) muy denso y a su vez dinámico, casi sin respiro, y la curiosa banda sonora, llena de temas muy inquietantes, selección no original, como viene siendo habitual en el cine de Scorsese, que van perfectamente con el tono neoclasicista de la película.

"Shutter Island" es un film magnífico, donde Scorsese demuestra con dos cojones que está hecho un crack, no solo porque tiene el talento suficiente como para rodar al estilo de los grandes clásicos, sino porque también puede atraer al público actual a las salas y contarles con éxito una historia con tintes ya extintos en el cine actual por desgracia. El encanto de la historia, tan bien lograda, la personalidad que imprime Martin, y la reminiscencia a los grandes clásicos del género, hacen de esta peli, una joya imprescindible para los cinéfilos de verdad. Un 9.

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Amantes del cine psicológico bien rodado.
AÑO: 2010
DURACIÓN: 138 min
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"I´m Not There": All are Bob Dylan

Todd Haynes dirige una original y extraordinaria película sobre la compleja vida de Bob Dylan creando historias y personajes diversos para contarla. "I´m not there" es un ejemplo de genialidad, que esta semana (y tras dos años de retraso) se estrena en nuestro país y que yo, como fanático empedernido que soy del de Minnesota, he podido disfrutar y porque no decirlo, volver a fascinarme, después de la amplia visión de la filosofía "Dylanesca" descubierta en "No direction home", redondea entonces mis maneras obsesivas hacia el mundo de Bob Dylan.

Tomando como inspiración su carrera en constante cambio, 'I'm Not There' es un entretejido de una serie de historias en la América de los años 60 y 70. Cada historia expresa un aspecto de la mercúrica carrera de Dylan y han sido filmadas de manera diferente a través de también muy diferentes intérpretes: Woody (Marcus Carl Franklin), un niño negro de 11 años siempre huyendo; Robbie (Heath Ledger), un artista mujeriego siempre en la carretera; Jude (Cate Blanchet), un joven andrógino estrella del rock; John / Jack (Christian Bale), un ídolo folk que se reinventa como evangelista; Billy (Richard Gere), un famoso fugitivo milagrosamente vivo pero ya haciéndose viejo.

Impresionante el guión, no hay palabras para expresar la originalidad de la historia, llevada no como biopic, si no como un entresijo de historias algunas verdaderas, otras falsas, poéticas, metafóricas, religiosas, políticas, siempre desde el punto de vista de diferentes personajes que se amoldan, a las diferentes etapas vividas por Dylan desde los años 60 hasta finales de los 70. Sencillamente magistral los pasajes del libreto, tremendamente originales todos ellos y con muchos guiños a la carrera de Dylan. Es por ello que el espectador que no conozca bien la vida del músico, pueda perderse estrepitosamente por la lírica imprimida en el film, si sois fans la disfrutaréis al máximo comprendiendola en su totalidad. En general, el argumento cuenta el complejo prisma de Dylan, con unos diálogos impresionantes, adaptando algunos, de verdaderas ruedas de prensa, narrando algunas leyendas del cantante de manera sublime. En general la caída del míto es la parte más impresionante del film, el fracaso del éxito (el accidente de moto y la separación sentimental, unen metafóricamente la transición musical y personal de Dylan, junto con su transformación religiosa, que interpreta el personaje de Bale). Un perfecto pastel artístico, para nada convencional (es una de las películas más extrañas y bellas que he visto nunca) Donde Dylan está presente, siendo cada uno de los personajes y a la vez, no siendo nadie, ni el propio Dylan, ni un cantante folk o rock. Una huída por la vida que cuenta el nacimiento, la niñez, la juventuz y maduración adulta de un genio, expuesta claro está, de manera poética y visualmente atractiva. Genial.

Repartazo, sin duda todos los "Dylans" están estupéndamente interpretados, algunos destacando más que otros, eso si. Sin duda el mejor, el interpretado por la sencillamente magistral Cate Blanchett, que ha ganado el globo de oro y no me extrañaría nada que se llevara el Oscar, porque ella ES Dylan en su totalidad, su manera de hablar, andar, mover las manos es tan soberbia que conforman un papel increible y único, impresionante, deja con la boca abierta. El segundo Dylan que más me agradó, fue el que interpreta Heath Ledger, un Dylan actor, mujeriego y enamorado que termina por traicionar sus sentimientos, muy bien Ledger, me encantó su historia dentro del film. El pequeño Marcus Carl Franklin, interpreta al Dylan infantil, huyendo de cada sitio pero dejando su huella musical, evocando la parte más "country" del film por así decirlo, campos, sol, viajes de tren, genial, al igual que el de Richard Gere, el Dylan adulto y viejo, que madura y ve la vida através de la obviedad, quitándose las máscaras del pasado y aceptando el futuro. Quizás el más forzado, pero no menos interesante, Christian Bale, que se centra en el Dylan más folk de los primeros 60 y finales de los 70 con su etapa religiosa, ojo en esta parte a Julianne Moore, su personaje a base de entrevistas, evoca claramente a Joan Baez, curiosa la interpretación de Moore, muy acorde con la Baez actual. Con menos aparición, tenemos a un Dylan narrador, interpretado por Ben Whishaw al igual que la voz de Kris Kristofferson en algunas partes. También no me voy sin destacar el personaje de Claire, interpretado por Charlotte Gainsbourg, un papel excelente, también de lo mejor.

A nivel técnico, la película es muy rica en dinamismo, y usa todo tipo de planos o simbologías para contar la historia, muy bien por Haynes, genial dirección tanto de actores como técnica. La fotografía, en las diferentes historias es usada de diferente manera, tanto colores amarillos propios del western en las partes del Dylan niño y del Dylan viejo, los tonos azules en el Dylan de Ledger, etapa oscura. Blanco y negro para la puesta en escena del roquero Dylan de Blanchett y de Bale, en fin, una pasada. La música, genial, hay que obviar la banda sonora comercial que vemos en las tiendas, no cumple la fidelidad del film, ya que aquí, aparecen algunos temas de Dylan (la mayoría desconocidos) que van a la perfección con el film y que cuentan la historia. Pelos como escarpias por ejemplo cuando suena "I want you", "I' ll Keep It With Mine" o los créditos iniciales con la excelente "Stuck inside of mobile with the Memphis blues again", una versión acústica alternativa de "Idiot Wind" o las fantásticas "Mr. Tambourine man" y "Like a Rolling Stone" en los créditos finales, genial el soundtrack elegido. Escenas que destaco: Todas las del Dylan de Blanchett, soberbia, la historia amorosa del personaje de Ledger con las partes musicales de "I want you" e "Idiot wind", Las falsas entrevistas a amigos ficticios de Dylan con esa inevitable Joan Baez en la piel de Julianne Moore. El final. Lo peor: Que si no sabe mucho sobre Dylan, la película puede parecer extraña e incoherente algunas veces, por lo que recomiendo leer sobre Dylan o ver ese fantástico documental de Scorsese antes de ver "I´m not there".

En general, una película extraña, alejada del típico biopic de fácil consumo y centrada en poetizar al máximo la figura de Dylan a base de grandes momentos llenos de música, metáfora y belleza artística que para nada roza la pedantería de su director. Como fan de Dylan, me ha sobreimpresionado, y me ha vuelto a colocar aún más en un pedestal al gran Bob. Para vosotros, solo deciros que si queréis verla, es el momento, pues no durará mucho en la palestra. Un 10 porque es una película atípica, necesaria y que "refresca" la cartelera de manera especial.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Ver si se sabe algo de la vida de Dylan, fans. En V.O.S.E para ver las geniales interpretaciones de los actores.
DURACIÓN: 135 min
AÑO: 2007
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Líneas

En línea discontinua desafías los derrapes, tu pelo se cobra las licencias pertinentes y tus zapatos nuevos brotan de furia chocando con la sonrisa irónica de la marea que arrastra el asfalto. Mientras escuchas una vieja canción del trobador que le habla a la noche acariciando la tormenta, encriptando mensajes embotellados al aire, centelladas de pensamientos y filosofías extintas de autores y egos que exploran una paralela visión caminante de enigmas.

¿Cuál es tu sueño, dama de los cabellos trenzados, confusos, crepusculares?, donde allí viste colores, montañas, sabios y nombres de casas, allí utópica dama, yo sueño con un inmenso desierto, caluroso, redundante, discontinuo y descubridor. Cuando retomo el curso de la continua, aquí estoy esperando ningún semejante impreciso, escucho el agua pasar por los tubos de drenaje, los gatos no maullan, el trobador me arropa, y me duermo entre papeles y sonidos contenedores de líneas, de palabras, por los siglos de los siglos, como quizás deba de ser.

"Masked and Anonymous": La vida carente de sentido

Casi por casualidad, acabo de ver en la dos de televisión española, "Masked and Anonymous", film interpretado por Bob Dylan (que parece ahora sí, estar de nuevo en el candelero español por el inminente estreno de la genial "I´m not There") y dirigido por el Larry Charles (Director de "Borat", "Bruno" o creador de la genial "Seinfeld"). La película parte de una premisa sumamente interesante, aunque en sus formas más generales quede un poco renegada a una manera de entender la vida un tanto "Dylanesca" y prosaica, pero a su vez, cargada de intensa metáfora, contenido filosófico y mensaje, a través de las canciones y la auto-interpretación del alter ego de Dylan, el personaje del músico sumido en un mundo totalmente fascista y en pleno declive de inspiración. El libreto de Rene Fontaine & Sergei Petrov nos sitúan en un régimen ucrónico en un futuro indefinido en los Estados Unidos donde tiene lugar un último "refugio" para la libertad de expresión a través de un concierto benéfico. Un viajero trovador, llamado Jack Fate (Bob Dylan), es liberado de la cárcel por su antiguo mánager, el tío Sweetheart (John Goodman), para que actúe en el concierto, con la esperanza de traer la paz a un país sumido en el caos. A partir de ahí, el libreto se mueve con unos personajes definidos o estereotipados en cierto sentido, pero todos dicen más de lo que realmente sueltan, el subtexto parece estar más en consonancia con un público selectivo que con el espectador común (que verá unos diálogos más bien flojitos, unas interpretaciones algo azucaradas y una caricaturesca casi abstracta puesta en escena) y ahora me explico como lo veo yo. Para empezar declino totalmente de la mala fama y crítica que se ha llevado la peli, el motivo principal, es que el mensaje más espiritual del film (y que me parece un total acierto como han "jugado" las cartas con Dylan, su vida, sus letras, sus ironías, sus alegóricas referencias a despuntar en cuanto a lo social-político...) sea precisamente que la música sea la que ponga la esperanza, la cordura, la conciencia dentro de un mundo fascista, reprimido y atemorizado por el progreso, lleno de personajes sumidos en sus tenebrosos y decadentes mundos.

Es por ello que todos los personajes comparten dentro de la historia el punto común de ser unos progresistas deprimidos, obligados a perecer y sellar sus labios. John Goodman, interpreta un personaje disperso (como punto negativo) pero creo que va perfectamente con en desconcierto social que quiere mostrar la película, ese mundo desestabilizado y ya indiferente se trasmite también en otros personajes, el de la guapísima Jessica Lange por ejemplo (que casi parece una femme fatale oculta entre pastillas, demora y el mundo, mucho más peligroso que ella, por lo que carece de un protagonismo justificado, supongo). Jeff Bridges brilla bastante en una curiosa escena en la que parece reprocharle a Dylan sus ausencias cuando más tenía que alzarse la voz de la música, cuando los protagonistas fueron otros y el de Minnesota, como siempre, hizo lo que quería, mostrando su cara, siendo él, anónimo pero sin máscaras, es hay donde el papel de Bobby, cobra fuerza, porque realmente no interpreta, estamos viendo su vida en un personaje paralelo, en una ciudad imaginaria, en un mundo casi igualmente desequilibrado como el real. Bridges representa también la cultura y la información vencida por los grandes emporios cosa que realmente funciona aunque parezca un papel para "alterar" conciencias. Hasta Penélope Cruz (que está bastante chirriante por cierto) o el cortísimo papel de Val Kilmer (que tiene una escenaza dentro de la peli junto a Dylan muy rica en significado) tienen mucho que venir a decirnos, una porque la religión es un tema que no se toca, pero que está como función para la esperanza, la superstición y la propia ignorancia, y el otro, por el curioso símil animal que hace junto con Dylan. Del resto del coral (y conocido) reparto, destacar a Luke Wilson (su papel no me gustó bastante pero bueno), Ed Harris, Chris Penn, Mickey Rourke (que ya asomaba la cabecilla para la reaparición interpretativa de su carrerón), Richard Sarafian, Christian Slater, Susan Tyrrell, Tracey Walter, Fred Ward, Robert Wisdom, Larry Campbell que también pasean por ahí con mas pena que gloria. El reparto funciona, porque Dylan conexiona todos los puntos, lleva el groso del mensaje, que viene a ser a fin de cuentas, una curiosa reflexión existencialista en una situación social muy penosa, Bob, acaba la película (yendo a la cárcel, por cierto, muy metafórico) preguntándose por la belleza de lo no conocido, de que cada uno interpreta la vida a su manera, de que realmente dejó hace tiempo de preguntar por el sentido de la vida, de las cosas, y buscó en recuerdos, en personas que conoció en un solo día y que amó, compartíó o disfrutó sin más pretextos, pues eso es la vida, Bob, por si no lo captáis, se refiere a la música, a sus queridas letras, a su mundo, ese tan irremediable, tan contenido como sus propias caras sin diálogo, contenidas y llenas de mensaje, ya por eso el reparto está muy funcional, es suficiente.

La dirección de Larry Charles, es correcta. Hay puntos realmente impersonales que podrían haber tenido una realización más destacada, pero cumple con los requisitos necesarios para que el film no caiga en el aburrimiento, y consigue aunar bien todas las historias con la fantástica banda sonora que Bob Dylan pone para la película, buscando siempre un significado con lo que se cuenta, destacando una personalidad que da muchos puntos a la película. El tema mejor conseguido a mi juicio y que pone muy bien en la palestra el clímax emotivo film es "I'll remember you" llegando directamente al alma, poniendo los pelos de punta, que bien tocado. El resto de la banda sonora, está repleto de temas conocidos y nuevos de Bob, ya sean versionados, como tocados por él mismo (la revisión de "Blowin' In The Wind" al final en los créditos es sublime, o el momento "The Times they are a Changin´" cantado por una niña es bellísimo), la banda sonora como no podía ser menos, es parte esencial de la película, perfecta, directa y genial.


"Masked and Anonymous" es un film del montón, de acuerdo, pero personalmente y conociendo previamente la figura, los pensamientos y las canciones de Dylan, el film logra implantar unos principios morales muy auténticos, donde el espectador puede rascar y rascar. Es una película recomendada exclusivamente para los seguidores de la música de Bob y de su vida, el resto, queda un poco en el segundo plano, que es donde superficialmente (y esto es lo peor que le pasa a la película) se ven todas su estructura simplista y convencional (cuando es todo lo contrario, pero bueno). Un 8, a mi me ha llenado, tenía ganas de verla y por una vez, la televisión me la ha puesto en bandejita, y en V.O.S, como debe ser, para eso está la TDT (Cuando funciona bien).


NOTA:8/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S./ Fans de Dylan y su música.
AÑO: 2003
DURACIÓN: 111 min
Ficha en IMDB
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La vida

¿Qué buscas entre los cabellos sedosos de una doncella inventada? Quimérica, creada entre deambulantes lecturas, trenes llenos de gente y vacíos de musicalidad, rápidos en la extenuación de estos tiempos. Hablas de una edad atemporal de belleza o lirismo, pero la conciencia pesa. Las leyes de la física, se apoderan de los cabellos que la doncella extiende en su alta torre. En tu caso, la torre idílica de muros fuertes y contrastados te permiten ver el choque inevitable, aunque lo prefieres, prefieres sentir las llamas, tragar el humo, la explosión, antes que ver la realidad.

Es una extraña lección impartida por una luz carente de ritmo, editada, manipulada, perfecta, derrochadora de moral y de cambiantes almas, también en tu caso, espero. ¿Qué se busca en el reflejo del miedo a sentir hambre de ensimismarse?, De volver a saludar a las mariposas empalagosas que pasaron por tu puerta hace tiempo, esa que siempre tiene la cerradura libre de ojos, andrajosa, vieja y que guarda una llave bajo el felpudo.

Hay que ganarlo para cuidarlo y posteriormente perderlo todo. Así lo considero en su mayoría, y quizás lo más sorprendente sea el libre albedrío. Lo más infravalorado, son las cosquillas previas, es la felicidad que no se deja ver como tal hasta que pasa y la pensamos en silencio, la olvidamos, la echamos de menos. La "magnólica" vida que nos aguarda no contesta a ninguna llamada concreta, pues es edulcorante, es soez, bellísima, culta, inculta, triste, dramática, imprevisible, carente de sentido, pero... igualmente fascinante.

Fellini en imágenes

- " 8½" (Federico Fellini, 1963) -

"The Road": Solitarias Supervivencias

El director John Hillcoat, nos lleva por el camino estrecho, post-apocalíptico y tremendamente desolador, de la que dicen, fabulosa adaptación de la novela de mismo nombre del escritor reconocido mundialmente, Cormac McCarthy. En un futuro quizá no lejano, en un sombrío mundo post-apocalíptico, un padre (Viggo Mortensen) trata de poner en lugar seguro a su hijo (Kodi Smit-McPhee). El planeta ha sido arrasado por un misterioso cataclismo, y en medio de la desolación un padre y su hijo viajan hacia la costa para buscar un lugar seguro donde asentarse. Durante su travesía se cruzarán con los pocos seres humanos que quedan, los cuales o bien se han vuelto locos, o se han convertido en caníbales. El libreto, queda pues adaptado por el guionista Joe Penhall que ha hecho un estimable trabajo. Que el film nos arranque un llanto desconsolado por la dureza del relato, la soledad del padre que intenta construir la esperanza a su hijo, abandonado a un mundo sumido en la destrucción, consecuencia (supongo, al no ser explicado) de la propia desgracia humana, que ahora se dedica a cazar, a desconfiar y a vagabundear un mundo desolado y tremendamente horrible. La espiral de desasosiego que desde ya el primer punto de partida, se va obteniendo es sencillamente anti-climático, el ritmo es pausado, es afixiante. Cada pasaje del film, nos dejan más claro lo sencillamente imposible de recuperar el mundo en que un día vivimos felices, y vemos, un futuro que quizás no sea para nada imaginario, distante, más bien todo lo contrario, el realismo asusta amigos. Cuando el ser humano queda expuesto a la supervivencia, al hambre (un punto interesante dentro del film), a la flaqueza de las fuerzas, del cuerpo, a la denigrancia de la vida, uno llega a sentir pena, tristeza, impotencia por el destino de los dos protagonistas, padre e hijos. La mujer, queda representada como la pérdida de la esperanza en la vida (o asi lo vi yo) pues ellas, creadoras de la raza que ahora es cazada en tropel y asesinada, desisten o corren a un camino plagado de muerte. Esos caminos, ese título tan explícito y tan fantástico de la película, nos da el pie a seguir explorando dentro del film, que parte de premisas muy precisas, muy simplistas, pero no obstante, bien narradas, perfectamente subyacentes en lo introspectivo de la misma. El final aguarda la trágica consecuencia de la soledad que acompaña el apocalíptico paisaje, y a su vez, mantiene una pequeña esperanza en el corazón de las nuevas generaciones, ellos pagan el camino que hemos dejado, mientras un escarabajo, vuela desconcertado al conocer la liberación de su sepultura, renaciendo la vida, explorando el mundo corrosivo y desolado que habita. Conciencias, si no entendéis la parsimonica forma y semblante serio del panel argumental de "The Road", o bien sois unos ignorantes, o bien no tenéis corazón ni esperanza por la humanidad, os lo dice un pesimista.

El reparto, está centrado en el trío protagonista que sustenta en su totalidad, la película. El gran Viggo Mortensen nos regala otra interpretación magnífica, muy inspirada y realista, que deja al espectador sin habla, que cala tanto como la propia delgadez raquítica del actor, que impacta. Viggo es un pedazo de actor y cuando tiene buenos papeles (siempre elige muy bien los guiones que le llegan, eso está claro), deja una imprenta memorable. Buena intervención también, la del crío, Kodi Smit-McPhee, que está fantástico, muy creíble y lleno de vida en sus escenas con Viggo, la verdad, hacía tiempo que no veía una relación padre-hijo tan bien expresada en imágenes dentro de una pantalla de cine. Del resto de secundarios, destacar a Charlize Theron, completando ese trío emocional, ese lazo familiar cojo ya desde el principio, y como decía, explorando la feminidad y el instinto maternal con otros ojos, desde el prisma pesimista y frío, Theron no lo hace mal, pero tampoco está bien perfilada en mi opinión. Ojo al irreconocible papelito de Robert Duvall, un grande de la interpretación, que contiene una escena muy memorable y sentida dentro del film, genial papel (que si que se aprovecha bastante, no como el de la Theron). En general, un reparto discreto, que da sus frutos entre Viggo y Smit-McPhee en su totalidad, que llega al alma, que te da una patada en los cojones bien dada y te sacude el corazón, muy bien.

John Hillcoat hace un trabajo muy notable tras la cámara. Su técnica es bastante contemporánea, el pulso narrativo está basado en la cámara al hombro, en tono documental, un estilo sucio y urbano con tonos muy fríos, sobrecogedores y planos cerrados a su vez que distantes. El uso atmosférico, la ambientación esta muy bien conseguida, el pulso de Hillcoat está realmente bien logrado, por lo tanto, un buen tanto. No sé bien, si el director, posee cierta personalidad en el celuloide que firma porque no vi sus otras películas, pero quiero pensar que sí, veremos, demos un voto de confianza de cara a sus próximos (y espero que interesantes) proyectos. La banda sonora original, corre a cargo del polifacético Nick Cave acompañado de Warren Ellis, la partitura es fantástica, una cuerdas muy melódicas, un piano muy intimista y algunas guitarras desestabilizando la acción. Quizás el film sea igual de impactante con o sin la partitura de Cave y compañía, pero sin duda, con ella, lo inquietante y lo desolador, tienen mucho más cuerpo. Buen soundtrack.

"The Road" consigue arrancar una lágrima que no llega jamás a caer por las mejillas del espectador, porque cuando lo ha logrado, nos ha dejado tan solos, tan trastocados y concienciados con lo que a día de hoy parece que no valoramos que deja tumbados en la lona. La soltura, decisión y andrajosas vestiduras, lo convierten en un film notable, quizás de esos que ganan con los años y que a día de hoy son altamente recomendables, el único pero, es que haya sido ignorada en los Oscars, no es una obra maestra, pero poco le falta, tampoco lo pretende. Un 9.

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S./ Cinéfilos que buscan algo de contenido.
AÑO: 2009
DURACIÓN: 111 min
Ficha en IMDB
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Sous Le Ciel De Paris

No tienes más que abrir los ojos, me dijo. Lo hice y allí estabas, con una luz cálida en las mejillas, tus piernas extendidas sobre la cama y tus pies entrecruzados de manera ingeniosa, sencilla, personal. Intenté quitarte de golpe tus muros y choques, resumidos en una venda que afianzaba tus ojos, pero tan solo me pediste un beso verdadero, sentido, inédito para tus líricos y entreabiertos labios que pretendían componer un sutil y bello suspiro de expectación. Hay un silencio, una eterna contemplación a una figura maravillosa como la tuya. Hay un pequeño dedal en mi dedo índice que me protege de los pinchazos, nada y todo debe ser dejado a la casualidad del destino. Suena una vieja y preciosa canción de Jazz en una vieja gramola que ambos compramos sin dinero. Hay un beso tímido en tus ahora sonrojadas mejillas, mis párpados se deslizan hacia la segura oscuridad, esa que ya no temo, mientras quito tu venda, beso tus ojos y toco tu pelo.

Has dejado tus labios vírgenes del momento, se han cerrado por un desdichado capricho, pero no tengo más que abrir los ojos de nuevo. Mi cama ahora está vacía, rodeada de una luz cegadora que ilumina algunas rendijas de la persiana que entran a carcajadas por la ventana dándome la bienvenida. Mi dedal sigue en el dedo, la canción de Jazz ha dejado de sonar en mi ordenador. Imagino como serían tus ojos, como serían tus manos, nuestros besos de Amélie. Sonrío, porque ha sido efímero, pero bonito, constante, mutuo. Hoy es tu cumpleaños, estoy seguro. Hoy hace un año que te conocí y solo ha pasado una noche en la que dejé de soñar contigo.

Musas Perdidas #4

- Francoise Dorleac -

Querido Diario

La verdad, me gustaría hablaros mejor del proyecto que hemos rodado casi con vértigo y sorpresa además de acabarlo a una velocidad pasmosa. Pero prefiero decidir postergar el momento hasta que vea los copiones finales... por el momento, una sutil pista para situaros. El rinconcito sigue, pero cuelgo el cartelito de "vuelvo en 1 corto y medio".