Momentos

Hay momentos que van más allá de las cosas materiales. Hay cositas a las que se les deja a un lado la pretensión, la ambición, la prepotencia. Son esos momentos detallistas tan simples, como cuando se apagan las luces de un cine y como niños, esperamos con ilusión lo que vamos a ver. Es cuando el silencio de un teatro expone el respeto a la obra sin ninguna palabra. Es cuando se oyen caer gotitas de lluvia por el cristal. Es cuando se ríe haciendo arte, es cuando se abraza cuando se debe. Una sonrisa tímida, una mirada directa, observar como duerme, cada milímetro del cabello que cae por sus mejillas. Una canción que hacía tiempo que no escuchabas. Una lágrima que cae por la belleza de lo introspectivo. Más allá de los encuentros furtivos, de la soledad, todos sabemos que la vida merece la pena por estos pequeños momentos. El resto, como diría un buen amigo, es paja. Hoy puede ser un gran día...

"Repulsión": Bestias

Roman Polanski y su cine, toda una exposición de sensaciones psicológicas, que como he dicho ya en otro de sus films que he analizado, rebosan ciertas inquietudes morales, psicóticas, y porque no decirlo, enfermizas, de la oscura mente humana. Con "Repulsión" vuelve a dar de lleno en la clautrofóbica visión de una joven, Carole, ingenua de mentalidad e inexpresiva de sentimientos, ve como el mundo conspira ante sus ojos cuando su hermana, se va de vacaciones en el piso que ambas comparten. El guión original está escrito por Roman Polanski y Gérard Brach, nuevamente Polanski acontece los hechos en el interior de un inmueble normal, anodino, e incorpora el terror a los personajes jugando con la atmosfera, la carga visual y la psicología del asco en este caso. Asco por la vida, por el ser humano como tal, por ser visceral, putrefacto y sexualmente repelente (el sexo en el film está representado de manera oscura y degradante para la protagonista, que se imagina continuamente como es violada, tremendo).

Y es realmente esa claustrofobia de Polanski que tanto me gusta, la que crea la situación, la que con un ritmo pausado (que no lento) nos va diciendo verdades una tras otras. Desde la introspección de un personaje femenino realmente impresionante que pasa de ver con ingenuidad las opciones que le brinda el destino (y su belleza física), a la evolución de la negación a la vida, a sentir, y ver como con pocas palabras (apoyado siempre por la magnífica representación de la mujer que Polanski graba con su cámara), se ve sumida en la oscuridad de la muerte, la soledad (curiosa compañera en el caso de la protagonista), las grietas (buena metáfora), el silencio, la comida pudriéndose en la encimera como rechazo a la nutrición. Todo lo que contenga la metáfora sobre la vida (incluida la postal que manda la hermana a casa) es cancelada por Polanski con un mensaje tan pesimista como de costumbre, aunque aquí, el film desasosiega, asusta, aterroriza, inquieta, y mil adjetivos más hasta encerrarnos por completo en la mente de Carole, una mente a la que es difícil dar un final justo. Polanski y compañía cierran la historia de la mejor manera, buscando en una fotografía, la visión de una niña que ha olvidado que tiene que crecer, que tiene que amar, que tiene que hacer contentar a los hombres, que debe trabajar, que debe sangrar y sudar. El mismo ojo que empieza el film, lo acaba pero no con un progresismo optimista, sino más bien mirando al pasado, viendo realmente el asco que puede tener una persona ante todo lo que le rodea y que esto paralice los sentidos, en el caso del libreto, paraliza al espectador. Chapó Polanski, te entendemos.

En el reparto, y como por ejemplo pasaba en "Vivre sa vie" (film que por cierto me ha causado un impacto visual y moral similar a éste), está dominado por un protagonista absoluto, un personaje femenino que va evolucionando desde la ingenuidad del desconocimiento, a la tragedia junto con el espectador. Ella es la bellísima Catherine Deneuve en su segunda película como actriz, un personaje tremendo, memorable, analizable y sublime con todas las letras posibles, la "culpa" la tiene Polanski, creo que uno de los directores que mejor han sabido escribir personajes femeninos con un aura especial, con mucha fuerza. El resto, secundarios más bien, destacar a la hermana del personaje de Carole, interpretada por Yvonne Furneaux, muy correcta en su papel. Ian Hendry el novio de la hermana, con cierta carga salvadora al final del film. En definitiva todo el reparto contribuye a crear el trastorno del personaje de Deneuve, algo similar a "Rosemary´s Baby", donde Polanski parece que volvía a hacerse un auto-homenaje con temáticas similares a este film (como también pasa en la fabulosa "El Quimérico Inquilino", donde el propio director se interpreta en una situación similar al del personaje de Carole en este film, curioso).

Dirección impecable. Polanski creo que rueda su mejor película a nivel artístico-visual, o por lo menos de las que llevo vistas es la más redonda, la más creativa. Es impresionante el uso de la fotografía en blanco y negro, los claroscuros creando unos planos inquietos (incluyendo la cámara al hombro en los momentos de tensión, algo que creo que Polanski casi que impuso en su cine, y que hoy en día films de terror usan como supuesta "novedad"), aparte del viaje que lleva la cámara a través del piso en algunos momentos (con sutiles movimientos, dejando clara la posición de los actores, sumando la composición, en planos de larga duración). El film está perfectamente filmado, y es un disfrute para cualquier cinéfilo al que le inquieten las imágenes, aquí hay una mina de encuadres milimétricamente minuciosos, perfectos, imperfectos pero bellos, y un largo etc..., una nueva reivindicación de decir en voz alta: Free Polanski YA!, por Dios, este hombre no debería estar en la cárcel, que lo intercambien por Jorge Javier Vázquez. En la partitura original de la banda sonora, el desconocido Chico Hamilton, compone unos inquietantes acordes que van perfectamente con el tono del film, a la altura de otras producciones de Polanski, donde la música es un sello de identidad para inquietar.

"Repulsión" nos hará vomitar (metafóricamente hablando) como seres humanos, nos hará abrir un poquito los ojos ante la incomprensión de las preguntas sin respuestas: El ser humano como tal. Como la bestias de la gran metrópolis habitada por personas puede acabar con la belleza de la ingenuidad, más allá del físico, de lo sexual, del enamoramiento. Posiblemente una joya de Roman Polanski en su etapa primeriza, para mí este hombre es ya un genio del séptimo arte, parece que como siempre, para el resto del mundo, esos que lo juzgan y lo encarcelan, no es más que repulsivo, eso si, la ventaja la tiene el Polaco, pues ya lo sabe y seguramente nos deleitará en un futuro con su particular protesta hacia la vida, sí, sí y sí. Un 10.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.
AÑO: 1965
DURACIÓN: 105 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube
Galería

Proyección: "La Visita" y el trailer oficial de "La Bella Confusion"

Os informo de dos noticias relacionadas con estrenos de cortometrajes donde Luigi Arts ha tenido su lugar. Por un lado, el próximo Viernes 6 de Noviembre, nuestro socio y colaborador Eulogio Varela, estrena su cortometraje en pantalla grande: "La Visita", y supongo que posteriormente lo traerá a la red para que lo veáis. El evento será una velada especial en la casa de la cultura de Arroyo de la Miel (Benalmádena, Málaga), a las 20:30 de la tarde. La proyección se iniciará con algunos avances de otros proyectos, los cuales, uno de ellos y en exclusiva será el trailer de nuestro complejo y nuevo cortometraje en gestación: "La Bella Confusión". Luego se proyectará para toda la platea el cortometraje que FX Benalmádena, Luigi Arts y Teatreros Benalmádena han producido, doy fe, con el mejor resultado posible. Quedáis invitados al estreno, a una galería de fotos del rodaje que se expondrá y a una comilona de catering que habrá por allí. Si queréis saber más sobre "La Visita" os dejo con un enlace a su web oficial, pichad aquí.

En cuanto a "La Bella Confusión", el tráiler tendrá una duración corta, más concretamente de: 1 minuto y 17 segundos. El tráiler es bastante dinámico y me ha quedado un poquito épico, lo veréis en exclusiva los que vayáis a la proyección de "La Visita" el Viernes. Para los que no puedan ir, pues podréis verlo en HD aquí en el rinconcito al día siguiente de su estreno, el día 7 de Noviembre. Algo que deciros de como va el corto. De momento no hay fecha de estreno y puede que se atrase un poco más (Teníamos pensado estrenarlo el 11 de Diciembre) hasta principios de año, porque se van a volver a grabar algunas escenas de nuevo (esto no va a acabar nunca), pero bueno, como veo que sois pacientes, el resultado final tendrá sus frutos, jeje. El tráiler os quitará el gusanillo. Por otro lado, creo que antes del estreno de "La Bella Confusión", rodaremos dos cortometrajes más que se irán estrenando (al estilo de "Fotos", ideas más simples que no fáciles, con una producción más corta), os dejo los títulos de los nuevos proyectos: "Separados" y "El Beso". Seguiremos informando, ¡Ah!, nos vemos el Viernes o el Sábado.

"El Imaginario del Doctor Parnassus": Mágica humildad

Terry Gilliam es un director particular. Sencillamente mágico. Hay que adentrarse en su mundo y dejarse llevar, es por ello que también es un incomprendido. Bebiendo de toda su filmografía y quizás de todos sus referentes más destacables (entre ellos Fellini), "El Imaginario del Doctor Parnassus" es una de esas películas que no se pueden explicar con las palabras, son de esas, que si se tiene una mentalidad abierta a la metáfora y parábola moral hacia el mundo, la vida y la fantasía, la mezcla edulcorada en el buen sentido se acogerá con los brazos abiertos, Gilliam es un tipo humilde y de una imaginación desbordante. El doctor Parnassus (Christopher Plummer) tiene el valioso don de desarrollar la imaginación de otras personas. Ese es el secreto del éxito de su función, que lleva a cabo con la ayuda del sarcástico Percy (Verne Troyer) y el versátil Anton (Andrew Garfield). Sin embargo, la magia de Parnassus está a punto de volverse en su contra. El doctor lleva años apostando con el diablo, Mr. Nick (Tom Waits) y ha llegado a jugarse la posesión de su hija Valentina (Lily Cole), cuando cumpla 16 años. Ajena a todo ello, Valentina se enamora del forastero Tony (Heath Ledger), mientras su padre busca una solución para no perderla.

El libreto está firmado por el propio Terry Gilliam, que esta vez queda acompañado por Charles McKeown. La película refleja una moraleja que parte de un concepto muy espiritual, a su vez que visual. No es una película fácil al uso, no es un film de fantasía a lo "Harry Potter" y juega con muy buenas cartas de magia. El mundo de la farándula, el circo y un imaginario del Doctor Parnassus que lee las mentes de aquellos que se dejen ver ante la inmortalidad de los actos. En parte estamos ante un análisis de bien y el mal, representados perfectamente por los redondos personajes creados por Gilliam. Así pues, el diablo (Un genial Tom Waits, que le queda el papel como un guante) apuesta con los sentimientos del Doctor, que ambicionó la belleza de una mujer que la encandiló, pagando el pato de la inmortalidad, curioso. La historia se repite con ciertos matices en una actualidad oscura (el único colorido que muestra el film, es cuando se cruza el espejo de la imaginación, el resto ocurre en una Inglaterra descolorida y sucia), donde el personaje de Heath Ledger, su verdadera última aparición en pantalla tras su muerte, como siempre, una interpretación perfecta, que ha tenido que ser completada por sus amigos más allegados: Johnny Deep (el más discreto y anecdótico dentro del film, aunque aportando su carisma), Jude Law (algo exagerado, aunque correcto), y Colin Farrell (el que mejor imita la idiosincrasia interpretativa de Ledger en mi opinión, y el mejor matiz del personaje hacia el final del film). Digamos que el personaje de Ledger, comparte con el actor, ciertas similitudes (ver su primera escena choca e inquita por partes iguales, ya que aparece ahorcado en un puente...) el film lleva su personaje a un juego bonito, curioso y original, Tony representa la avaricia, la ambición y el uso descontrolado del ego, la labia o el poder. El guión se viene arriba con estos temas morales, donde se nos cuenta (Como en la vida) con imágenes de cierta trascendencia lírica, como de insensibles y débiles somos los humanos, dejándonos siempre vencer por la erótica de la apariencia, el error, las modas (cuando el personaje de Ledger cambia por completo la función, es un buen ejemplo de como se hacen ciertas distinciones radicales sobre las apariencias o las personas, muy bueno). Finalmente, la historia se cierra con un final feliz, aunque algo agridulce, Gilliam vuelve a traernos sus obsesiones con los vagabundos infelices, pero nos permite vislumbrar como la humildad gana a la codicia, una codicia que se ahorca al ritmo de una flauta representativa que simboliza la arrogancia y la presuntuosa manía de quedarnos cegados ante lo que creemos, es un sonido celestial, un material que nos define en contra de los andrajosos pero directos vestidos, y lo que más me mola: Esto es un canto desnudo hacia la imaginación, los sueños, el amor y los sentidos. Hay que saber verla, eso si, no os garantizo que os guste. Por mi parte, genial cuento de hadas con mensaje hacia el previsible mundo en que vivimos, carente de magia, de números reales, lleno de artefactos caros.

A los ya comentados Ledger, Deep, Law, Farrell y Waits, sigo con el reparto que engloba el film. Christopher Plummer interpreta perfectamente al Doctor Parnassus, dando cierta presencia mística y sabihonda al personaje. La hija del Doctor y piedra angular de la historia, queda interpretada por Lily Cole, una chica que ciertamente tiene algo, una sencilla belleza celestial, buena interpretación. Destacar también al chico de buenas intenciones, interpretado por Andrew Garfield (un personaje necesario para comprender el mensaje de film) o el de el enano Percy, interpretado por Verne Troyer, con algunos momentos bastante graciosos y geniales. En general, un reparto muy diverso, con mucha efectividad y que será recordado por ser la última y mágica aportación al cine de Heath Ledger cambiando de faceta, una faceta de desconocido, algo que llama la atención, porque su personalidad creo que tiene mucho que ver, pero bueno, ahí es nada. En la dirección, Terry Gilliam vuelve a estar de toma pan y moja, esta vez quizás sobrexpuesto a crear un mundo propio con mucha presencia visual, contando con muchísimos planos barrocos de efectos especiales y coloridos cuando se trata de ser abstracto, surrealista e incluso mágico. Es aquí donde la técnica del ex-Monty Phyton queda por encima de la media. El film tiene un ritmo muy conseguido, no te suelta desde el principio, la atención del espectador queda maravillada con cada imagen, cada fragmento que no esperamos, supongo que como dentro del film, esto es un truco de magia de un mago sonriente llamado Gilliam, al que nadie aplaude, pero que unos pocos sabemos verlo con la boca abierta y los ojos de unos niños perdidos llenos de ilusión por este medio, el del espectáculo, la ficción, el CINE en este caso. La música original, está perfectamente orquestada por Jeff Danna y Mychael Danna, que crean una precisa y correcta banda sonora. Como puntualización final, destacar el diseño artístico y el vestuario del film, incluyendo los efectos especiales, que no contar con mucho presupuesto, son realmente fantásticos. Rompo aquí una lanza para Terry Gilliam y su equipo.

"El Imaginario del Doctor Parnassus" va a dividir muy bien a la crítica y al público, más bien estos últimos, pues demostrará a estos que si no les entró por los ojos, es mas bien que no les entró por la mente, y si les gustó por los ojos y mente, demostrarán eso que os he dicho arriba, que algo de la magia no se ha perdido, algo sigue vivo, pero no se puede explicar, no se puede describir. Hay que verlo. The Show must go on señor Gilliam. Un 9.

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos de mentalidad abierta.
AÑO: 2009
DURACIÓN: 122 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube
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Hasta Siempre...

Nos ha dejado un grande de la comedia y de la interpretación de nuestro país. Hasta siempre Don Jose Luis López Vázquez.

"The Big Bang Theory", Season 1: Divertidísima

Hoy os vengo a hablar de una serie que empecé a ver hará un tiempecillo (por recomendación de Rubén, un amigo tan o más friki que los protagonistas de la propia serie). Al término de su primera temporada (actualmente en USA, la serie va por la tercera) puedo ya deciros que la serie creada por Chuck Lorre y Bill Prady ("Dos hombre y medio" y "Las chicas Gilmore" respectivamente) ha sacado la mejor de mis sonrisas y opiniones. "The Big Bang Theory" es una típica sit-com (comedia de situación) Americana, con todo lo que eso conlleva, eso si, muy bien hecha, con unos guiones que aportan frescura al género televisivo más usado y perfeccionado por los Americanos, y que aquí da un pasito más allá, introduciendo la jerga o cualidades culturales de nuestro tiempo (quizás un factor que la haga un poco menos global, y que esté destinada a los que realmente simpatizan con las situaciones). La serie trata sobre dos "frikis" o dos "cerebritos" que comparten piso: Leonard (Johnny Galecki) y Sheldon (Jim Parsons). Al pisito de enfrente se une el factor detonante de los conflictos, la vecina Penny, que resulta ser un continuo detonador para el desorden obsesivo-compulsivo de los chicos. Las emisiones de normalidad de Penny también provocan alteraciones sobre el resto de la pandilla: a Wolowitz (Simon Helberg) se le disparan las hormonas cada vez que la ve mientras que Rajesh (Kunal Nayyar) se muestra incapaz de emitir una sola vocal en su presencia.

Queramos o no, una serie con la que sentirse identificado, todos los que pensamos con el cerebro, tenemos un lado nerd, situaciones como las que pasan en la serie y conversaciones cinéfilas, "comiqueras", informáticas e insustancialmente disfrutables. Los personajes son geniales, Leonard (el protagonista por así decirlo) y Sheldon (Jim Parsons, vaya descubrimiento de extravagancia), uno de los mejores personajes de la serie que va cobrando más y más protagonismo con el paso de los capítulos, ya que sus extrañezas y neurosis varias hacen de él, uno de los personajes más histriónicos de la serie. Tengo que admitir que los capítulos de la primera temporada me han pasado volando, es una serie con un buen ritmo, uno no se cansa de ver episodios seguidos y realmente todo es tan divertido que "Big Bang Theory" se convierte en una de las herederas más directas de la que para mí, es la mejor Sit-Com de la historia de la televisión: "Friends". Ahora haré un ligero parón antes de empezar la segunda temporada (de la que me han dicho que pega un lbajón...), no obstante, recomendada queda a todo el mundo. Hace falta reír en estos días inciertos.

Spielberg manía [Vol2]

Ver Vol.1

Homenaje

Quentin Tarantino dice ser un hombre que homenajea muchas cosas dentro de sus películas. Ahora voy yo y le homenajeo en su cara con un sencillo rotulador, convirtiendo a Quentin en un improvisado Andreu Buenafuente dentro de la campaña que ambos han hecho para White Label. Oye, no ofendo a Tarantino, admiro a este hombre, solo que bueno, a veces es inevitable , el ser humano se aburre o se divierte con la prensa y si tiene un bolígrafo para ponerle cuernos a Rajoy, pintarle un pene al papa o tintar aun más las cejas de Zapatero, pues mejor que mejor...

¡Despertad!

Deme sus vestiduras.
-Tome.
Deme sus medicinas
- Tome, ¡¡¡Achuú!!!
Deme su dinero
- Tome, es todo lo que llevaba encima
Deme su casa, su cama, sus mantas para el frío
- Tómelas
Deme sus zapatos viejos
-No, por favor
¡Es la Ley!
-¿Y los calcetines también?
También.
-Tome...

- Idiota, imbécil, estúpido encorbatado de picapleitos astillado. Ruin, manipulador, garrapata, si fueras mentiroso podría perdonarte, pero eres peor que eso: Hipócrita es la palabra. Me vale el insulto barato porque es directo, sincero y no se anda con rodeos, por eso lo he usado. Tu inteligencia es bien reconocida, pero tu eres un individuo de obviedades, el resto puede comerte, ahora bien, el resto está dormitado y por ello juegas con un as en la manga. Ahora tengo tos, no es ni religiosa, ni de izquierdas, ni de derechas ni de centro. Mi tos es humana y va arriba o abajo. Es lo suficientemente precupante para saber que está abajo, muy abajo. Vuestro miedo que intentáis transmitir me reconforta, en serio, no conseguiréis asustar a todos, conmigo no ha valido . Cuando no queden ojos para que os miren, para que os aplaudan, para que os respiren, ¿Qué haréis, solitarios?. Yo lo sé, pero la diferencia amigos es simple. No tengo miedo. Hace falta un cambio, ¡Despertad!.

"Escalofrío en la noche": Lidiando con el compromiso

Que a día de hoy, Clint Eastwood sea uno de los mejores directores vivos del cine actual es indiscutible. Hoy le doy un nuevo voto de confianza (y cuando no), con su ópera prima, "Escalofrío en la noche" en España pero de título muchísimo más acertado en su versión original: "Play Misty for Me". Un thriller con tintes psicológicos, donde Eastwood tiene que lidiar con la locura de una fanática de su programa radiofónico hasta puntos insospechables. Una película sencilla, con tintes Hitchcockianos, pero que es tremendamente disfrutable con los cinco sentidos, una delicia para los seguidores de Eastwood que quieran adentrarse con curiosidad hacia su primer film como director. Dave Garver (Clint Eastwood) es un popular locutor de radio de California que en su programa recibe frecuentes llamadas de una mujer. Garver decide citarse con la propietaria de la misteriosa voz, Evelyn, en el pub que ella suele frecuentar, Pero Evelyn no es la dulce mujer que parece y, ante el rechazo de Garver, éste deberá de enfrentarse a la violencia de Evelyn, que no duda en amenazar y perseguir a la novia de Garver y a él mismo. El libreto lo firman Jo Heims & Dean Riesner, partiendo, como ya he dicho, de una premisa sencilla pero puramente cinematográfica. El punto de calidad lo aporta Eastwood, matizando en los personajes, y lidiando con el tema de la obsesión que tiene la psicópata protagonista del film. El inmaduro y mujeriego Eastwood, paga el pato de sus vicios, y a pesar de que su personaje entre dentro del galán "Westerniano" al que nos tiene acostumbrados, aquí hay matices. El golpe es duro, psicológico y pega fuerte en espectador, pues los tintes de terror y suspense (bien logrados) dentro del guión, logran aumentar la fuerza del film por sí solas. Con una introducción desde el aire (muy típico en el cine de Eastwood, esos grandes paisajes en panorámico, bellísimos) pasando por la precisa clara (y yendo al grano, cosa que se agradece) presentación de los personajes. El nudo arranca la claustrofobia crepuscular que consigue el film, pero le veo un fallito por lo que el film pierde la calificación de ser redondo.

Me refiero a esos minutos excesivamente alargados (Casi parecen de relleno) del festival de Woodstock (se ve realmente la pasión de Eastwood por la música que más tarde llevaría a cabo en sus documentales), o la escenita de sexo, eso si, muy cuidada estéticamente, donde cada plano parece estar milimetrado, pero no se, tampoco hacía falta alargarla tanto (aunque está justificada para poder sufrir mejor en nuestra piel, el conflicto final de los personajes protagonistas, quitándole algo de frialdad a la historia, quizás por exigencias de los productores, dado que Eastwood suele usar la frialdad y crudeza cuando es necesario en sus films más contemporáneos). El desenlace es sencillamente genial. Una pieza perfecta entre el magnífico trabajo de edición (El policía llegando a la casa, mientras Eastwood conduce como un loco y su cuadro se desgarra por un cuchillo, genial, en paralelo), con un ritmo frenético, suspense logradísimo y ojo al último minuto, porque el final es tan brusco, como burro, frío, acojonante y desternillante a su vez, pero ojo, todo en el buen sentido.El señor Eastwood cierra con fuerza bruta (nunca mejor dicho) sacando a relucir, el personaje brutote y descabellado de los Westerns de Leone, estereotipo que viene aquí de perlas para empatizar con el espectador que desea que se haga justicia, yo aplaudo el inesperado, misógino y exagerado final, realmente magistral, jajaja.

Del reparto, decir que todos los personajes, están enmarcados en una etiqueta cinematográfica, me explico. Puede que todo esté algo caricaturesco en cierta medida, pero Eastwood sabe encarrilar muy bien a sus personajes llevándolos por caminos muy acertados, conectando no obstante con el público y siendo muy carismáticos. Es por ello, que Clint Eastwood, representa un personaje a dos bandas, confundido, rudo, mujeriego pero con ganas de cambiar, de madurar (es curioso, suena bastante irónico, puesto que es su primer film como director), un personaje genial, de esos que solo el tite Eastwood puede interpretar. Jessica Walter interpreta a Evelyn, la histérica hija de puta con todas las letras, de la película. Maravillosa interpretación (quizás demasiada sobrecargada de gestos, pero no le pongo ninguna pega, porque funciona a la perfección dentro del tono del film), Walter acojona, aterroriza e inquieta por partes iguales, nunca sabes por donde va a salir el personaje, y si lo sabes, no sabes cuando lo hará (algo muy Hitchcock...). El resto del reparto, muy correcto, destacar también a la novia del personaje de Eastwood, interpretado por la guapa Donna Mills. En líneas generales, el reparto es funcional, la buena dirección de un primerizo Eastwood tras la cámara, no parece afectar a lo que realmente importa, el dinamismo y el interés del espectador para meternos de lleno en cada tramo de la historia.

La dirección de Eastwood es muy artesana. Es curioso, porque se ven perfectamente todas sus referencias dentro de su estética. La más evidente, Hitchcock, pues comparte por ejemplo su manera de llevar el suspense. La cámara se mueve a veces de manera nerviosa (cámara al hombro) ayudando a dar mucho realismo a las partes más viscerales y violentas, con lo cual, el resultado es elegante y nada tosco como he leído por ahí, a mi es más, me impacta visualmente mucho más, y si es Eastwood quien lo hace, pues el doble. También es cierto, que Sergio Leone está presente en la mente del director, supongo que aprendió muchísimo haciendo los Westerns, y aquí podemos apreciar muchos zooms a lo Leone, los paisajes, la composición y fotografía, también muy influenciada. Eso si, Eastwood le da factura, y a pesar de tener films más perfectos técnicamente, la verdad es que aquí sorprende gratamente ver la frescura creativa que tienen sus imágenes. La música original de la banda sonora casi inexistente por otra parte, corre a cargo de Dee Barton, aunque ya digo, el film casi se sustenta de los diálogos, los sonidos o de algún tema no original suelto, como por ejemplo el que da título al film en su versión original o ese otro de Roberta Flack tan maravilloso, "First Time Ever I Saw Your Face" que recomiendo que escuchéis en vuestro momento de paz.

"Escalofrío en la noche" es un film interesante, que levanta la mente cinéfila y la pone a aplaudir. Un curioso inicio para una dilatada filmografía la del señor Clint Eastwood, perfecta ya desde sus inicios, pues su compromiso aquí era hacer un film interesante, y lo consigue. No es una obra maestra, pues tiene fallos, pero tampoco es el peor film de Clint, de hecho lo recomiendo fervientemente a sus seguidores. Un 9. ¡Ah! por cierto, el film es de los 70, que buen cine se hacía, o que cine más particular había en la segunda edad dorada de Hollywood.

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Fans de Eastwood. Ver en V.O.S.
AÑO: 1971
DURACIÓN: 102 min
Ficha en IMDB
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