Un vistazo a la nueva temporada de Dexter

En Septiembre, volveremos a seguir las "aventuras" de un asesino especial. Dexter vuelve tras dejar tras de sí, una de las temporadas más memorables que recuerdo, y dejando también el listón por los aires. De hecho, "Dexter" es mi serie predilecta del panorama actual, por sus buenos guiones, por sus fantásticos giros, por sus actores (amaremos a Michael C. Hall entre todas las cosas, amén) y por lo interesante de su código moral, de sus reflexiones, etc... . El trailer que os dejo, un avance de lo que será la nueva temporada que nos vendrá a finales de Septiembre (en USA) y que un servidor seguirá desde el primer día, no pinta nada mal, quizás estemos ante una temporada tenebrosa para todos los personajes, y si no me creéis, pinchad en el vídeo. Espero poder decir cuando empiece, que todas las temporadas de "Dexter" son magistrales.

Pasad

Los personajes de mi libro cacarean todo el rato cuando abro la cubierta. Cacarean. Apaga la luz y pasa. La misma sangre que recorre mis venas toca a la puerta, ¿Qué haces leyendo con la luz apagada, que haces con la luz apagada?, no importa, se va cerrando la puerta. Eva le dice a Adán que la ama, Adán le dice a Eva que la querrá por siempre, la luz no obstante está encendida, sus párpados están apagados. Pasa y siéntate en la oscuridad querido amigo, pasa y cuéntame, pero no hago más que hablar a la oscuridad, me he percatado que no entra aire por las ventanas, por la puerta, quizás sea este calor asfixiante lo que me quema la retina y no la oscuridad de lo que me rodea. Al vecino de arriba se le han caído los calzoncillos en mi tendedero, llama a mi puerta para recogerlos. El gato solitario de todas las rutinarias tardes se posa en mi ventana, acurrucado. ¿No quieres tus calzoncillos? ¡Pasa!, está oscuro, dice, ve tu a por ellos. Después de todo qué más da. Entre mi alter-ego de celestiales ojos, de maullidos silenciados, nos separa una verja, entre su mundo y el mio, pero en parte la misma cárcel que nos refugia, que nos otorga el silencio. Al cerrar los ojos, pasa como una canción de Luke Temple que marca el final, pasa deslizando sus cabellos rizados, suavizando el viento, sosteniendo su pulgar entre unos diminutos zapatos, haciéndolos girar a la misma velocidad que sus bucles dorados. Pasa tan rápido que el color de sus mejillas se confunde con el de sus ojos, no obstante son preciosos. Pero pasa, porque al abrir la vista al salón del festejo, la luz sigue apagada, el gato se ha ido, los vecinos y la sangre siguen por su propio drenaje, y el libro sigue cacareando, con toda su razón, con toda su existencia.

"Synecdoche, New York": Puzzle Existencialista

"Synecdoche, New York" es la Ópera prima de un tipo especial, un guionista en mi opinión, necesario, con un mundo tremendamente propio y personal. Entre sus maravillas escritas, encontramos títulos como la sensacional "Adaptation, el ladrón de orquídeas", "Cómo ser John Malkovich"o la fantástica "Eternal sunshine of the spotless mind", os hablo de el peculiar Charlie Kaufman. El libreto lo firma el propio Kaufman, un indescriptible guión que se salta cualquier patrón, cualquier norma sobre lo que está bien o está mal dentro de una historia audiovisual, en definitiva, un amasijo bien resuelto de no-linealidad. La cinta contará como un dramaturgo (Soberbio como siempre, Philip Seymour Hoffman) que intenta representar una obra creando una réplica de Nueva York a tamaño natural dentro de un almacén, para así buscar un sentido a su vida, un conjunto de frustraciones y soledades que tendrá que lidiar con las diversas mujeres de su vida. Keener será la esposa de éste, Williams la segunda esposa y Morton su amante. Si a la hora de definir el libreto, uno queda pensativo por un momento y dice: Es Kaufman, no se puede contar como un cuento, hay que sentir los fotogramas, los monólogos morales y existencialistas que el film lanza hacia la sociedad, el amor, la mentira, la soledad, la vida y la muerte se dan la mano de tal manera, que hay cabida para la "mala leche" de la pluma de Kaufman, siempre alerta para meternos con ese tono tan caricaturesco los giros de la historia, los despuntes de la algarabía alegórica, y la elipsis casi alegórica y onírica. LLega un momento, en que el espectador ha entrado al trapo, ha flaqueado moralmente al ver al protagonista llegar a chocar con un muro de realidad tan objetivo, que lo que viene después es todo un análisis del arte, de la mente del autor, del egoísmo inusitado que mueve los hilos de la humanidad, del sufrimiento psicológico superando al físico. Kaufman se mueve en esos derroteros con cierta originalidad (a veces pasándose un poco de excéntrico y rebuscado), pero crea, dentro de los cánones de su propio universo, una obra dramática dentro de una mente creadora, una obra de teatro basada en la realidad, llevada a los términos de la gran metrópolis sentimental, que nos hace pensar, nos conmueve y nos sacude de lleno. Pues al llegar al tramo final, y entendemos el tiempo (la película empieza con un reloj que insinúa el inicio del fin) y la decisión, la inspiración, las personas que nos influyen, como el verdadero camino hacia la estabilidad.

Kaufman, indaga en el alma humana con sutileza y franqueza, tan franco a veces que la pasmosidad y la excentricidad de su deformado mundo, cobra una dureza espeluznante. La indiferencia de nuestro tiempo, el matrimonio, las relaciones fustradas, el sexo como elemento aislado, la soledad como hilo constante en el protagonista, ese sentido de aislamiento claustrofóbico, trasladado al escenario gigantesco, la obra que representa su vida, sus alters-ego, la inmundicia del egoísmo que se traduce en un intento de la incompresión hacia la humanidad, dejan desnudo al guionista (Los que verdaderamente entendemos o compartimos la privilegiada mente de Kaufman a la hora de escribir, sabrán a lo que me refiero). Pero no todo es un drama apocalíptico sobre la dureza de vivir, de las relaciones o del arte, Kaufman da pinceladas (muy pocas, como en la vida real) de momentos por los que merece la pena vivir, enamorarse, sentir las cosas, pero claramente, el guión es exclusivo, no del uso y gusto de cualquier paladar, para mi, original, tremendista y cargado de electricidad, algo que siempre pasa en las constantes que nos da Kaufman, siempre te quedarás helado, pensativo, reflexivo, su cine es así, su mundo es fantasioso, pero a su vez, realista, duro. El tramo final, bien merece una mención aparte, arriesgado, irónico (con cierto tono de mala leche hacia el espectador) acertado y tan o más inquietante que lo que nos espera a todos al final, pues como bien se explora y se dice en el film, todos somos como todos, y lo único que sabemos, es que tarde o temprano nos moriremos aunque sepamos que ahora, estamos vivos.

En el reparto, rostros conocidos (para los más cinéfilos), protagonismo absoluto para Philip Seymour Hoffman, que nuevamente deja un papel para recordar (es uno de mis actores preferidos), tomando las riendas y el peso fuerte de la película, bien podríamos decir que solo interpreta al autor, pero no es cierto, casi todo el reparto, pone las miras hacia el personaje de Hoffman, un personaje complejo, dispar, solitario y estepario, frustrado, sutil, fantástico. Autor, con ecos del propio autor, Kaufman. Le sigue, la actriz indie por excelencia, la siempre fantástica Catherine Keener, que da vida a la esposa del protagonista, un personaje carente de alma, despreciable quizás en su superficie, pero nada simple, complejo, dualista, como todos los personaje del film, creo yo, eso les hace sumamente interesantes, receptivos hacia el espectador. Más féminas, Michelle Williams, en un papel hecho a su medida (con algunos momentos impagables), una irreconocible y preciosa Samantha Morton, en el papel femenino más entrañable y decisivo de la película, me ha encantado, esta actriz es estupenda. El resto de secundarios, todos muy correctos, puntualizar quizás al alter-ego del personaje de Hoffman dentro del film, un papel muy extraño, particular (quizás despista un poco al espectador) pero que está muy bien representado por Tom Noonan, actor que dio vida a Robocop en una de las películas del mítico personaje. Un reparto excelente, guiado por el protagonista absoluto de la velada, Philip Seymour Hoffman.

Con respecto a lo técnico, Charlie Kaufman no lo hace mal tras la cámara. Su estilo es similar al de Spike Jonze (director que ha llevado a cabo la gran mayoría de sus guiones), con mucha claridad, con pulso, quizás la personalidad destaque más en la construcción artística de su mundo (reconocible viendo los decorados, el piso en llamas, los pasillos azulescos, la decadencia de la paleta de colores), no obstante aprobado con nota, veremos si sigue por la senda de la dirección en los años que nos esperan, puede ser interesante. La música de otro habitual en el tándem Jonze-Kaufman, Jon Brion. El compositor crea una partitura bastante secundaria, con algunos tintes dramáticos muy hermosos, y otros que muestran los dientes cuando quizás no era necesario.

Quizás, el punto más duduso de "Synecdoche, New York", sea precisamente lo barroco de sus formas, sus saltos bruscos y la pluma nerviosa de Kaufman manchando el papel, acelerando y disminuyendo cuando bien quiere. Esto no es problema para el espectador atento, el que ensimismado por un mundo entre la realidad, la ficción, el drama o la comedia, deambula sin preguntarse cuando va a despertar. El problema es ese, si no se entra al trapo, si no se saborea la anarquía argumental, la película es una algarabía de monólogos y conflictos sin resolución. Hay que dejarse llevar, hay que buscarle su significado, entender la poesía de algunos pasajes,en definitiva, no es perfecta, pero si un film que os guste o no, os va a costar olvidar de las retinas, inexplicable, sí, pero para eso también sirve el cine, para sacar conclusiones propias, como en la vida, preguntarse a donde vamos, lo que hemos hecho, lo que vamos a hacer, grandes preguntas que ni el paradigmático Kaufman tiene respuestas, aun si, busquemos en el arte, la compresión, la reflexión, eso es lo humano, lo grande del cine. Un 9.



NOTA:9/10
AÑO: 2008
DURACIÓN: 124 min
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El Fotograma

- "Dementia 13" (Francis Ford Coppola, 1963) -

Introduzca aquí su título

Hace meses que no escribo nada que me parezca interesante, de hecho todo lo que he escrito hasta ahora me parece insustancial, hueco, quizás ahora lo vea con un significado más amplio, más relajado. Quizás el tiempo, el espacio, los hechos, me hayan vuelto más insensible, indiferente, pero no lo creo. Si me hablan de dolor, lo siento, si me hablan de lágrimas, las veo correr por mis mejillas, si me hablan de guerras me aterrorizo. La sinceridad, creo, es el paso definitivo para la comprensión, para elevar el intelecto pasito a pasito, pero no es suficiente, los hechos, las acciones también nos definen. El arte, en mi caso, el cine, me llena de momentos cada vez más apacibles, alegóricos y llenos de sentido, pero en mi caso, a nivel personal, lejanos, vacuos. Tampoco trato de convertirme un mártir de mi propia condición, eso cada vez me repele más, y eso que siempre me he intentado justificar constantemente de una manera u otra, ya sea escribiendo o grabando. Ya suena repetitivo, me cansa. Entiendo que antes medía lo que me pasaba por ciclos, cortos, pero ciclos, aquí empieza uno, aquí acaba otro. A día de hoy, los ciclos están perdidos en un caos tan justo que no se encuentra la estrategia, el plan de anticiparse al futuro, las pretensiones que tanto preocupan a la mayoría de mortales. El hecho de fluir, ese es mi único objetivo, da igual si estoy en la misma situación, da igual si alguien lo comparte o no conmigo, pues es un hecho quizás individualista, poco occidental, mental, lucrativo a nivel personal. No se, parece que algo dentro de mi se ha esfumado, o está dormido, o está quejándose de sí mismo. Otra cosa no, pero inconformista siempre he sido, eso a la larga es bastante malo, o bastante bueno. Sigo sin escribir nada que me entusiasme, creo que ha quedado claro, no es plan de ponerse redundante. Estamos condenados a vivir.

"Låt den rätte komma in": El Amor

No puedo dejar de emocionarme sin dejar de aplaudir la extraordinaria fuerza visual y narrativa de la película sueca del director Tomas Alfredson, "Låt den rätte komma in", en España la vimos pasar brevemente por la cartelera como "Déjame Entrar". Un film precioso, una historia de amor como las que ya no se ven en el cine actual, con una sutileza y lírica visual deslumbrantes, y el tema de moda, el vampirísmo como telón de fondo. En profundidad, una impresionante historia de amor íntima e imposible entre dos niños muy diferentes, Oskar y (la que bebe sangre, pues en ningún momento se auto denomina vampira) Eli. Una joya del cine actual que nos os debéis perder desde ya, si no la habéis visto, aquí podéis dejar de leerme e ir corriendo a conseguirla. Oskar, un niño tímido de 12 años, acosado en el colegio por unos compañeros, se hace amigo de Eli, una misteriosa nueva vecina de su edad, cuya llegada coincide con una serie de inexplicables muertes. A pesar de que Oskar piensa que ella es un vampiro, intenta que su amistad esté por encima de su miedo. Libreto adaptado, perfectamente escrito (De que manera más eficaz) por el autor de la misma novela que da nombre la película, John Ajvide Lindqvis. La fría templanza de los primeros pasajes, el perfil de cada personaje, son tan sutiles, tan poéticos (los paisajes, la composición, y ciertos encuadres hablan también de la atmósfera que se respira dentro de la película) ponen al servicio del espectador, la que para mi, es sin duda la historia vampírica más realista de la historia del cine. Pues todo lo que iremos viendo, el espectador conectará sentimentalmente, el guión llega muy adentro con muy poquito. Acabamos enamorándonos de un niño inadaptado, obviado por sus padres separados, pero ligado emocionalmente a Eli, la vampira que vive a su lado, en un vacío pisito. Es en el patio de dicho piso, donde tendremos las primeras escenas entre ellos, unidas por un cubo de rubik descompuesto que Eli reconstruye cual metáfora de la catarsis emocional que posteriormente vivirán. Una preciosa historia de amor enjaulada en lo imposible, en el cuerpo de dos niños entrañables.

Dentro de esta maravillosa historia de amor imposible (pero con un final realmente escabroso, magistral y arriesgado, ya veréis), los adultos, el mundo que rodea a los protagonista, es un completo caos, en ese caos, se refuerza mucho más la relación entre Oskar y Eli, ambos se encuentran sumidos en un mundo que constantemente se les pone del revés (Eli acaba perdiendo a su padre sin quererlo, pero acepta su condición, se acepta tal cual es, sin divagar, al igual que Oskar, que desde el primer minuto, conecta su corazón con ella). Es curioso, porque tal grado de madurez, de sinceridad emocional, solo queda clara en los dos niños, pues el mundo adulto parece complejo, aburrido, triste. Dentro de lo macabro de una niña vampira, dentro de lo visceral (que lo hay, y algo gore en ocasiones), nada importa, el amor renace siempre, más allá del asesinato (justificado), de lo terrenal, del apego superficial. Es la mejor historia de amor posible entre un humano y un vampiro, un guión excelente, sin fisuras, poético, cálido y duro a su vez, lleno de grandes momentos, del disfrute del auténtico cinéfilo. Una historia fantástica como debe ser. La cámara, se sitúa con comodidad, con cierta maestría en cada ángulo, desenfoques de lente, primeros planos con algo que se escapa de lo magistral, algo mágico, composiciones pictóricas deslumbrantes, planos y momentos metafóricamente representativos ( Los árboles floreciendo, el cubo de rubik, esa escena en que la madre de Oskar y el propio protagonista se lavan los dientes es para enmarcar, dentro del contexto donde se encuentra la película en ese momento, entre una transformación vampírica y un ataque a Eli al más puro estilo "Estaca y Sayonara" je.) . Tomas Alfredson rueda con mucho cariño, con esfuerzo, sin irse a lo fácil, buscando los retales de cada plano y cosiéndolos con buena algarabía (algo complicado de hacer), mezclando muchos planos, utilizándolos al servicio de la historia, llenando de personalidad cada encuadre. Una dirección inspirada, que inspira (en mi caso) olor de buena artesanía y estilo (otro punto complicado de ver hoy en día).

Qué os puedo decir del reparto. Inolvidable es poco. Dentro de mi retina, dentro de mi corazoncito (que ciertas películas lo ponen más sensiblero, como es el caso que nos ocupa, je) ya están Oskar y Eli, dos revelaciones y portentos de la actuación que se comen (o muerden, para ser más redundantes, je) la pantalla. Kåre Hedebrant borda a Oskar, un NIÑO con todas las letras, ni pijo, ni repelente, ni odioso, un complejo niño que conecta directamente con el alma del espectador y la transporta al mundo de la película. Eli, interpretada por la sorprendente e inquietante Lina Leandersson, sin ella el film tampoco funcionaría. La pequeñaja vampira está perfecta, y cuando acabéis adorándola, por fin creeréis en vampiros, pero esta vez de verdad, si digo que su interpretación es sublime, me quedo corto, hay que verla y sentirla. Del resto, destacar al padre de Eli en la película, un papel estupendo, quizás llega con una fuerza atenuada al espectador, pero perfecto. Un reparto memorable, que se desvive en mi opinión, por sus dos protagonistas (aunque el buen uso de los secundarios para el enriquecimiento de la historia es también uno de los grandes aciertos del guión), inolvidables, perfectos. El amor, prevalece ante cualquier obstáculo, y si bien los protagonistas no pueden estar juntos debido a la incompatibilidad, Oskar y Eli se atraen con mucha más fuerza, yendo más allá de lo superficial, escuchando lo que ambos no pueden explicar, sintiendo más allá de lo que su corta edad les permite sentir. Toda una lección de constancia y belleza introspectiva, pues uno de los momentos del film, Eli le pregunta a Oskar: ¿Si no fuera mujer (vampira) te gustaría igual? a lo que Oskar, ensimismado en sus ojos, sin saber muy bien que es lo que puede llevarle a tal electricidad emocional, le contesta que si.

"Déjame entrar" no podía ser tan maravillosa. No podía serlo después de que todo aquel que me decía que la viese, la ponía fantásticamente brillante, como un soplo de aire fresco, como una historia para unos pocos afortunados que se quieran asomar a la pequeña ventanita y verla con los ojos de un niño. Sin aspavientos, sin diálogos chorras, sin titubeos y sin vampiros del Zara, redundantes y de usar y tirar, cuanto le queda por aprender a la audiencia, cuanto le queda por escribir señorita Meyer. Y sin más, le doy un 10, porque no hay ni 20 ni 30, que si no también se lo daba. Una de las películas de la década, y de lo mejor que he visto en mucho tiempo, quizás directa a mi TOP 10. Recomendada queda y recomendaros también la extensa galería de capturas que he hecho en el blog conjunto que tengo, podéis verlas aquí.

NOTA:10/10
AÑO: 2008
DURACIÓN: 114 min
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Google Story

Queda poco ya, para que Pixar, nos traiga sensatez a la cartelera de una maldita vez (que ya está bien de tanto vampirito cursi, perros habladores con gafas de alternativos y gallinita de los huevos ogro explotadas hasta decir ya, que no dejan de convencerme). "Toy Story 3" se perfila como la joyita del Verano con permiso de tito Nolan y su "Inception" que cada vez espero con más ansia-puta (una expresión que yo mismo me invento y exagero de vez en cuando). El tráiler pertenece a una campaña viral de la propia peli de lo más original, la verdad me ha encantado, es fresca, y de lo mejor que he visto en trailers desde hace unos añitos, no es coña, echadle un vistazo, está en inglés pero se entiende bien. ¡Hasta el infinito y más allá! :)

"Hasta que llegó su hora": El Cambio Anárquico

Sergio Leone, el maestro del spaghetti western, culminaba sus antológicos western, con una obra que roza toda la plenitud de sus anteriores clásicos (la trilogía del Dólar), "Hasta que llegó su hora" o mejor dicho "Once Upon a time in the West", expone el cambio, la caída de los bandidos, del viejo oeste, para rehacer los pilares de la civilización anárquica y violenta que Leone ha estado mostrando, para redimir a esos hombres tan expuestos a la visceral manera de plantar la ley. Y como no, gracias a uno de los mejores personajes del mundo Leone, increíblemente, una mujer, que pone el punto a la historia, que llena de cordura e inteligencia cada fotograma en ese mundo tan claustrofóbico y canalla de Leone. Brett McBain, granjero viudo de origen irlandés, vive con sus hijos en una finca levantada sobre el terreno arenoso y desértico del Oeste americano. Allí piensa que será feliz con su segunda y reciente esposa, Jill, que debe llegar desde Nueva Orleans, y a la que prepara un fiesta de bienvenida. Pero antes, una partida de bandoleros acaba con las vidas de Mac y sus hijos. Cuando Jill llega a la hacienda queda impresionada por una matanza que nadie se explica.

Ojo al libreto. Lo firman, tres grandes del cine Italiano, Leone, Dario Argento y Bernardo Bertolucci. Con esta premisa, no puede haber fisuras, no debe haber una historia mediocre y falta de alma, y así es. El libreto respira complejidad y buen hacer por sus cuatro costados. La evolución es sin duda, el gran tema de la película. El modo en que la historia incorpora ciertos elementos que hace caer en la cuenta varios puntos. El primero, que el viejo oeste ya no lo es tanto, los ferrocarriles se instalan a la velocidad del rayo, y el consumismo manda. Las viejas glorias, los héroes y los rudos bellacos, pasan a un plano de decadencia para Leone, que imprime cierta parsimonia en todos los sentidos. Una lentitud extrema (que quizás sea lo más criticable en su conjunto global) para expresar la tediosa batalla de una mujer (el espectacular papelón de Claudia Cardinale) que sale de una situación penosa, para meterse en una peor, llena de anarquicos personajes, de una sin razón que la lleva a actuar con la mejor arma que tiene, la intuición, la garra femenina, la inteligencia de sus palabras, su físico (ojo, el film podría ser machista, sexista, no lo es, la inteligente forma de mostrar la evolución y los métodos del personaje femenino es tan esencial en la trama, es tan importante que casi podríamos decir que estamos ante un western totalmente decidido por las mujeres, un film claramente adelantado a su tiempo en ese aspecto, y de los pocos western donde la figura de la mujer tiene un papel tan impecable y decisivo). Toda esa anarquía, va compartida con los sueños de una vida mejor que tienen TODOS los personajes, tanto buenos como malos, desean la estabilidad de unas montañas y desiertos que han olvidado que es eso, y el que no cambia, muere en el camino. Impecablemente exploramos este western que bien podría ser crepuscular (en un sentido metafórico y global de la palabra), que bien engloba todo lo que hemos visto en las anteriores entregas de Leone, y lo eleva un pasito más, con otro enfoque pero sin perder el estilo y la forma.

Quizás estamos ante el western más dramático y personal del director Italiano. El pulso narrativo de Leone (sin contar la primera escena en la estación, muy al nivel de los otros clásicos de la trilogía del Dólar, y extenuando el sentido del tiempo como si fuera un chicle goloso) imprime sobriedad, no es tan nervioso, y pasa a la elegancia, tanto en los majestuosos planos con la dolly, los generales, y en particular los planos cerrados a las caras de los actores, cada vez que la cámara se cierra en Claudia Cardinale, es electrizante, magia pura, se trasmite todo el impulso dramático y poético, que junto con la maravillosa partitura de Ennio Morricone una vez más (que firma si no el mejor, uno de sus mejores trabajos con el director) impone el sello, la épica, los pelos de punta. A destacar otro elemento al que Leone recurre (como bien hiciera en "La muerte tenia un precio") el uso del simbólico tiempo (los relojes de mano, pintados en las paredes del pueblucho) y el flashback que carga el villano de la película hacia el héroe-vengador (el personaje de Harmónica que interpreta Charles Bronson, muy al estilo Clint Eastwood, pero obviamente más eclipsado por la fémina que resuelve todas las papeletas de la película). El Leone de siempre está (y sus puntos clave, como el duelo final, algo menos épico que en films anteriores, pero igualmente intrigante, interesante y fascinante) se impone su sello en todo momento, un sello copiado hasta la saciedad, pero que solo el propio Leone sabía hacerlo tan bien, el pulso es fantástico, la continuidad a veces es brusca, pero da tiempo para la reflexión, lo cual no es un puntito muy malo si lo pensamos bien, hay bajones, obvio, es por ello que sigo prefiriendo la puntualidad y el frenetismo de la que para mí es la mejor película de Leone, "Por un puñado de Dólares".

El reparto, genial. Henry Fonda como Frank, el <<hijoputa>> made in Leone con todas las letras al que Fonda, con lo buen actor que fue, le da toda la profundidad posible, brindando quizás al mundo Leone, del mejor villano que haya tenido su filmografía del viejo oeste. Jason Robards como Cheyenne, un personaje inolvidable y que tiene quizás muchos momentos memorables y diálogos fantásticos, su final es para enmarcar, me ha encantado. Charles Bronson, mítico actor en la piel del justiciero, el hombre de la armónica distorsionada y misteriosa (los acordes de Morricone ponen la piel de gallina), un papel que recuerda como ya dije, al mítico vengador solitario de Eastwood en los anteriores films, pero que aquí parece sometido a un plano menos relevante. Se encarga de ese relevo, un papel femenino impresionante. El de Claudia Cardinale, enamora, encandila, los matices (aunque no tenga apenas diálogo) que imprime con su rostro, y el total acierto de colocar a una mujer dentro de un mundo de hombres para claudicar la evolución dentro del mundo de Leone, me parece exquisito, para aplaudir. Cardinale está estupenda, guapísima y me ha enamorado por completo (ya lo hizo también, en lo poco que salía en "8½" de Fellini, algo tiene esta mujer).

En definitiva, "Hasta que llegó su hora" (cual título irónico hacia la evolución del propio spaguetti western) explora el cambio, el relevo social de un mundo de rudos hombres y sus pistolas, para dejar que las mujeres se quitaran el corsé, pudieran soportar ser "violadas" sin que su inteligencia y decisiva capacidad de moral y juicio las afectase, y claro, el nacimiento de una era quizás nueva para el cine de Leone (que asi fue), sus últimos y epifánicos films, a cual de ellos más interesante, bizarros (el que sería su último western, por así decirlo) y memorables. Un merecido 10.

NOTA:10/10
AÑO: 1968
DURACIÓN: 165 min
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Las 10 Sit-com de mi vida

Últimamente tengo el blog algo dejado. La razón podrían ser varios factores, quizás pereza sea uno de ellos. Pero si que es cierto que también estoy arrimando fuerzas para aportar nuevos proyectos personales. Uno de ellos es la realización de una comedia de situación (o Sitcom) para los próximos meses, y el proceso es bastante denso y testarudo, no es fácil, y más retomando la comedia, un género cada vez más competitivo. Es por ello que he decidido hacer un punto de inflexión, y recordar aquellas series que han marcado mi vida (o lo siguen haciendo), aquellas sitcom que me han calado y que obviamente son mis referentes a la hora de estudiarlas y admirarlas. He seleccionado 10, no las 10 mejores, sino las 10 series que personalmente me han acompañado en mi vida o las que recuerdo con mayor cariño, espero que como yo, compartáis gustos, nostalgia y risas recordando los personajes y momentos legendarios y sublimes de nuestras comedias de situación favoritas.

10.- Salvados por la campana: (1989)

Serie de mi infancia, y supongo que como yo, muchos. Quizás la primera comedia de situación adolescente que no tomaba a la ligera sus guiones (que aprendan Hannah Montana y compañía). Míticos personajes, los chicos enamoradísimos de Kelly y las chicas suspirando los vientos por Zack y Slater. Aunque para divertido, y mis personajes favoritos (eran lo que más risa me provocaban) los del profesor y el frikilón de Screech. ¡Qué recuerdos! y que mayor se hace uno cuando piensa la de años que hace que no se emite en directo la cabecera de la serie.

9- Aquellos maravillosos 70: (1998)

Quizás pasa algo desapercibida para el público en general. Pero esta serie (que descubrí hará hace poquito, cuando se dignaron a emitirla en la tele) contiene una premisa interesante. Rodada a finales de los 90 y ambientada como si fuesen los shows televisivos de los 70 (donde aparecen las autenticas sit-com puramenente americanas). No hay dos gags por minuto, quizás su humor sea más distendido, pero la verdad es que a mi me gusta bastante, es entretenida y carismática.

8. Padres Forzosos (1987):

Otra serie que ocupó gran parte de mi infancia y marcó en gran sentido mi adicción a las comedias de situación. "Full House" o "Padres Forzosos" era familiar, con chistes simplones y tramas muy comunes, pero su evidente inteligencia a la hora de tratar los personajes, los chascarrillos y su estilo propio, la hicieron permanecer diez años en antena. Inolvidables personajes, los dos tios, Jesse el rockero, Joey (con sus imitaciones y salidas esperpénticas) o el padre Danny, con su puntillismo y meticulosidad familiar. Recuerdo especialmente el capítulo del restaurante pirata (no se me olvidará en la vida, quedó en mi retina cuando lo vi de niño) o el del los brazos escayolados de Jesse (y la mítica escena del tazón de cereales). Por cierto, de aquí salieron las gemelas Olsen, que hacían un solo papel ambas, el de Michelle, Olsen bebés claro.

7. El Príncipe de Bel-Air (1990):

Los 90, fueron años excelentes para este tipo de comedias. Hay muchas, quizás las mejores. Una de las que nos acompañaron a la hora de comer a muchos de nosotros, fue esa en la que salía un jovencísimo Will Smith. "El príncipe de Bel-Air", poco hay que decir de tan fantástica serie. Ya la mítica intro de la serie nos enganchaba (además de cantarla a pies juntillas cada día de memoria), para dejar paso las excentricidades de la familia Banks, el tio Phil con sus míticos caretos. Carlton y sus antológicos bailes. Hillary y su pavo pijoterismo permanente. Jazz con sus saludos y salidas de tono (que le hacían salir de la casa de los Banks volando por los aires jeje), o el impecable humor irónico de el mayordomo Geoffrey. Nos la repitieron mil veces, pero daba igual, la serie es atemporal, disfrutable hasta la extenuación. Por cierto, gran doblaje el que tuvimos en España.

6. Cosas de casa (1989):

"¿He sido yoooo?", coletillas inconfundibles para uno de los personajazos más memorables de la televisión. El subrayante histrionismo de Steve Urkel (un personaje que ya pasa a la historia de las sitcom, como uno de los más carismáticos y recordados), hizo que nuevamente, las comidas fueran para desternillarnos de la risa. "Cosas de casa" marcó un antes y un después para mi, una serie que me obsesionó en cierto sentido (incluso imitaba a Urkel de pequeñajo) y que recuerdo con cariño. Desde algunos momentos míticos (el coche de Urkel, las desesperaciones de Carl, la tontuna de Waldo Gerarldo Faldo, je, el alter-ego de Steve, Stefan, el rollito amor-odio que nunca se consumaba entre Steve y Laura), pasando también por las incontables repeticiones en Antena 3 que siempre sentaban bien (compartió parrilla con los Simpson en su época más famosa). Una serie memorable.

5. 7 Vidas (1999):

Para mi, la mejor sitcom rodada en España, "7 Vidas", un referente para una serie memorable, inteligente y longeva. Muchos actores han pasado por ella (Amparo Baró es la única que ha estado en todas las temporadas desde el 99 hasta el 2006), pero la serie ha sido siempre estupenda. Con unos guiones llenos de ingenio, y siempre frescos (lo que le ha dado el sello de calidad para durar tanto tiempo). Me quedo especialmente con las primeras temporadas, esas en las que las escenas entre Paco (un perfecto Javier Cámara) y Sole con sus épicas collejas (Amparo Baró), llenaban de risa cada minuto. Cuando Paz Vega me enamoraba por completo, o ya la última etapa con Willy Toledo, Santi Rodríguez (con el genial personaje del frutero) o Gonzalo de Castro tomando el merecido protagonismo. Uno de los personajes, el de Aída, fue el que años después, cuando "7 vidas" decidió acabar, el que siguiera a modo de spin-off con otra serie homónima. Eso si, "Aída" estaba bien, pero no llega a la calidad de "7 Vidas", al menos aquella no caía en la grosería, en lo cañí o lo repetitivo.

4. Primos Lejanos (1986):

De niño, si "Cosas de casa" me fascinó, "Primos Lejanos" era la que me hacía ser un pequeño zombie televisivo, pues en ella tengo mis recuerdos <> más memorables. Una serie fantásticamente escrita, recordada por estos dos primos tan graciosos y extravagantes. El primo Larry, con su mala leche y sus neurosis varias, provocadas como siempre, por su primo venido de ese imaginario y tronchante pueblecito de Mipos, Balki Bartokomous. Ocho temporadas dieron para mucho humor, al principio los primos vivían en un pisito, hasta que encontraron a las mujeres de su vida, dos rubias, una para Larry y otra para Balki, a cual más locas y carismáticas que hicieron que se mudaran a un decorado mayor, una casita para los 4. Recuerdos, muchos, entre los más recordados, las coletillas,"'¡Por favor, No me seas ridículo!", las idas de olla de Balki, la mítica danza de la alegría, las sentadas en el sofá. Capítulo memorable: El que ambos viajan a Mipos y conocen a la madre de Balki, impagable. ¡Qué gran serie! por ahí tendré cintas BETAs repletos de episodios grabados de la tele.

3. Big Bang Theory (2007):

Es la sitcom más de actualidad que sigo asiduamente. "Big Bang Theory" parte de una premisa muy contemporánea, los personajes mas frikis de la historia de la televisión. 4 Chavales, intelectuales, fanáticos de Star Trek, de los cómics, del cine, de los videojuegos, y su vecinita, Penny. Una rubiaca cañón, de la que Leonard (uno de ellos) se enamora. Impagable el personaje de Sheldon (el que tiene los mejores momentos, por su impagables salidas de tono y excentricismo), el hindú con pánico a las mujeres (se queda mudo cada vez que aparece una), o el Judío salidorro que hace de las suyas con las chicas y vuelve loco a sus colegas. La serie tiene chistes muy específicos, no es para el gran público, pero tampoco lo pretende, es para una minoría muy selectiva (aunque evidentemente tiene ciertos factores emocionales que todas las sitcom tienen para que funcione para un público menos selectivo). En este momento visiono la tercera temporada. Ha decaído un poco la calidad de los guiones, pero hay que seguirle el rastro porque parece y me da, que evolucionará a mejor.

2. ¿Cómo conocí a vuestra madre? (2005):

¿Conoces a Ted, a Marshall, Lily, Robin o a Barney?, pues si la respuesta es no, ya estás tardando en ver "¿Cómo conocí a vuestra madre?". Toda una sorpresa para el panorama televisivo, en cuanto a sitcom se refiere. Renueva aires, y nos trae de vuelta los frescos y fabulosos guiones de "Friends", ojo, manteniendo las distancias (aunque ambas podrían ocupar mi puesto número 1). Los guiones son maravillosos, los personajes son impecables, memorables, cada uno de ellos harán que nos enamoremos de sus virtudes y defectos. Barney y sus "legendarias" salidas o teorías, un soltero anti-compromiso que es sin duda la sorpresa de la serie. Ted, el narrador y protagonista de la serie (toda la serie se cuenta a modo de flashback). Marshall y Lilita, la eterna pareja estable, entrañables. Y Robin, la reportera de la que Ted queda prendado ya en el primer capítulo, y que jugará el papel amoroso más interesante de la serie. Situaciones míticas: El capítulo de la discoteca, el de las 3 fiestas, el de los origenes de Barney..., innumerables. Voy visionando ahora la segunda temporada (terminando) y me encanta cada día más, me he enamorado de la serie y ya forma parte de mi vida, tal y como fue en su día, la serie que ocupa el siguiente puesto, el primero.

1. Friends (1994):

El primer puesto, tenía que ser para "Friends". Para mí, la mejor sitcom de la historia de la televisión. Cada guión era una sorpresa, un soplo de humor inteligente y unas tramas perfectamente hiladas a unos personajes que todos amamos. Ross, Chandler (mi preferido), Monica, Rachel, Joey y Phoebe, poco se puede decir de ellos sin que recordemos incontables momentazos de carcajadas a pleno pulmón. ¿Quién puede olvidar el Central Perk?, las incontables burradas de Joey, las meticulosas formas de Monica, los chistes rebuscados e irónicos de Chadler, la anarquica forma de ver la vida (peculiar y rara) de Phoebe, o la conciencia de Ross. Momentos, hay muchos, es imposible rememorar tantos, me vienen algunos: El que van a Londres, las Vegas. Ross y Joey encerrados en la azotea y liándola parda para bajar. Phoebe y su hermana gemela actriz porno. La escena de desnudo de Joey. El padre de Chadler. El de la casita en la playa (uno de mis preferidos), la boda de Chadler y Monica, Janice y sus apariciones, el Smelly-cat de Phoebe y asi muchos. Friends, marcó a una generación de espectadores y creadores, que aun hoy siguen teniendo la serie como referente a la hora de ver la calidad y aceptación de las masas por partes iguales. Es curioso, pero pasó, fue tremendamente famosa, hoy en día, quien sabe lo que pasaría.

El Fotograma

- "Memorias de una Geisha" - (Rob Marshall, 2005) -