"Twilight Zone: The Movie": Cuatro visiones entre luz y oscuridad

"Twilight Zone: The Movie" película basada en la exitosa serie de televisión americana de los 60 que tomó mucha inspiración en directores del cine Hollywoodiense actual, es por ello que aquí, esos directores visionarios se dan cita para contar cuatro curiosas y extravagantes historias de fantasía y terror al más puro estilo ochentero. Dos amigos viajan por la noche en automóvil y para pasar el rato comienzan a rememorar la serie Twilight Zone. Así, veremos cuatro historias: la de un racista que sufre sobre su blanca piel sus propios prejuicios; la de un grupo de ancianos en una residencia para la tercera edad, que buscan reencontrar su infancia; la de una maestra de viaje, que conoce a un niño con peculiares poderes; y la de un pasajero de un avión comercial, que siente pánico a volar, y que además descubrirá un gremlin posado sobre el ala del aeroplano, destrozando el motor. Así pues, los directores: Joe Dante, John Landis, George Miller y mi admirado Steven Spielberg componen cuatro historias que componen el experimento narrativo del film, todas ellas interesantes sin duda, voy a hablaros un poco de las cuatro destacando las virtudes y defectos de ellas, puesto que no se me ocurre hacer esta reseña de otra manera, porque sería bastante imparcial.

Prólogo y Segmento 1 (Dirigido por John Landis): El director de Los Blues Brothers y varios videoclips de Michael Jackson, narra quizás la historia más olvidadiza del film por ser la menos puntera, pero la verdad, es bastante curiosa e interesante. Empieza con un prólogo tipo "road movie" que interpreta Dan Aykroyd a modo de introducción friki, lo cual me gustó. Posteriormente la historia de un hombre americano que no tolera que los extranjeros de su país les arrebate el trabajo, tema de conversación que empieza en un bareto americano, donde el personaje, al salir de él se verá mágicamente envuelto en otro mundo donde el libreto se toma la libertad de exportar al personaje a la Alemania Nazi, al Vietnam, a vivir en sus carnes la intolerancia de todo lo que ha criticado sin razón. Una historia curiosa, sencilla y bastante bien resuelta por la técnica de Landis, el montaje y la atmósfera es lo más destacable, eso, y el final de la historia, que cierra de manera radical todo lo que se ha visto, juzgando al personaje más si cabe. Quizás sea la que menos me haya gustado de las cuatro, pero es bastante curiosa, eso si.

Segmento 2 (Dirigido por Steven Spielberg): Spielberg rueda la historia más intimista y positiva de la película, donde un grupo de ancianos que residen en una residencia quieren volver a sentir la juventud con todo lo que ello conlleva, es un relato típico del cine de Spielberg, donde la niñez, los sentimientos y la melancólica narrativa entran en juego, pero de manera inteligente. Spielberg rueda con una atmósfera muy curiosa, y es evidente su claro homenaje a Peter Pan (esa obra que tanto a marcado sus historias desde los inicios), el libreto está curioso, saca la sonrisílla, pero a su vez es bastante claustrofóbico para el sentir humano, ese sea su cometido o no, creo que es bastante curiosa de ver y decidir por uno mismo si lo que se cuenta aquí es una manera de ver la vida, o es una completa absurdez. Para mi, más bien es una representación pictórica del propio Spielberg hacia su mundo, sus niños, sus sueños y una parte de su cine en general, mas o menos acertada, y técnicamente con ritmo, muy bien rodada, destacar la fotografía, el reparto de ancianos (por ahí aparece con un protagonismo bastante destacable el actor de "El Resplandor", Scatman Crothers) y la paleta de colores.

Segmento 3 (Dirigido por Joe Dante): El fantástico realizador culpable de mis pesadillas infantiloides por aquellas fantásticas películas como: "Gremlins" o "Pequeños Guerreros", tiene en su haber la historia más paranoica y extravagante de la cinta. La del niño con poderes especiales que encierra en una extraña casa a sus familiares y amigos. La imaginación de esta historia es fabulosa, la intriga y el comportamiento extraño de cada pasaje hace que no despeguemos los ojos de la pantalla, el montaje, los artesanales pero efectivos efectos especiales, y sobretodo la dirección de Dante (con planos muy muy imaginativos, colocando la cámara al servicio de la historia, con un tono caricaturesco pero muy bien definido, que se mezcla con la estructura inquietante de la narración a la perfección), un segmento muy interesante, quizás mi segundo preferido de la película, pues está muy bien rodado y es bastante impactante para el espectador, ojo con el "conejito" de la chistera, si el film lo hubiera visto de crío, creo que esta imagen sería otra más dentro de mis pesadillescas fobias infantiloides creadas por el genial Joe Dante, jeje.

Segmento 4 (Dirigido George Miller): El realizador de "Mad Max" o la ganadora del Oscar "Happy Feet", tiene en su haber la historia que personalmente me ha parecido la más increíble y genial de la película. Segmento mil veces parodiado y copiado, recordado por el frikismo cinéfilo en general, esa en la que un pasajero que viaja en un vuelo desafortunado y tormentoso ve en el ala del avión a una extraña criatura que está rompiendo el fuselaje. Thriller, paranoia y buenas escenas componen esta narración de Miller, que se mueve con la cámara con total maestría, con unos planos increíbles (ese por ejemplo que muestra por primera vez a la criatura, los primeros planos muy agobiantes, la estética tan remarcada que hasta parece exagerada pero que es sin duda genial, el suspense, todo está fantásticamente llevado por Miller), incluyendo la genial interpretación del actor John Lithgow, que crea un personaje muy característico y carismático, de lo mejor de toda la película sin ninguna duda. Señalar el buen cierre de la película volviendo a la narrativa circular con el personaje de Dan Aykroyd en la ambulancia, genial. Esta cuarta historia deja con un buen sabor de boca para dar muchos puntos de altura al film, que gana muchísimo con este segmento, pues es puro cine de los ochenta, pura imaginación, algo que se ha perdido queramos o no, en estos días.

Algo más a destacar de "Twilight Zone: The Movie", es sin duda, que la batuta del desaparecido y genial maestro, Jerry Goldsmith componga una partitura medida para cada historia siendo original, con estilos diferentes pero con todo el buen hacer que Goldsmith puede dar, es impresionante el trabajo que consigue, chapó. En general, el film es un experimento curioso, una película atípica que engloba cuatro historias de cuatro directores muy personales que dieron el boom en la genial etapa de los ochenta con un género muy denostado hoy en día, la fantasía, el terror y la ciencia ficción. Puestos que es una película que entra dentro de la corriente ochentera en pleno auge, hay que darle una oportunidad si nos gusta este tipo de cine, a mi, me alegran el día y la verdad, me dan muchos motivos para disfrutar de un cine que es totalmente necesario para todos los cinéfilos de verdad. Un 7.

NOTA: 7/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos, amantes del cine fantástico de los 80. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1983
DURACIÓN: 101 min
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"El pueblo de los malditos": Ser humano

Sigo con el ciclo que dediqué al director John Carpenter, esta vez y siempre desde mi opinión, con una nueva decepción como lo fue "La niebla", aquí con "El pueblo de los Malditos" Carpenter adapta a modo de remake aquella película de mismo título de los años 60 (y que tengo que decir que no he visto) con una irregularidad narrativa que no deja de convencerme del todo. Durante unas horas, todos los habitantes de Midwich, un tranquilo pueblo de la costa, perdieron el conocimiento. El desmayo generalizado afectó también a los animales. Otro extraño fenómeno acompañó a aquel suceso: la mayor parte de las mujeres de Midwich quedaron embarazadas. El medico de la localidad y una científica enviada por el gobierno deciden unir sus fuerzas cuando todas las mujeres dan a luz a la vez... y comienza a reinar el terror. Para empezar, hablar del libreto de David Himmelstein ( basado en la novela de John Wyndham) me impide compararlo con el "originario" del film de los sesenta, dado que no se hasta que punto Carpenter y su equipo han enfocado este remake, de manera fiel o no. Así pues, tenemos una historia que empieza con una interesante puesta en escena, quizás algo abrupta en la manera de presentar a todos los personajes, que entran con líneas de diálogo a la pantalla y van conexionando con el resto del pueblo, sus casas, la iglesia, etc...

Creo que este punto está bien, pero al principio confunde bastante. La parte de la introducción tiene a su favor la fantástica escena del incidente en el pueblo, donde todo queda paralizado (y donde Carpenter recuerda su inquietante fórmula escénica, como pasaba en "La niebla" con ese inquietante prólogo inicial), a partir de aquí, entra lo típico: Los agentes federales, mujeres embarazadas que darán a luz a seres de otro universo donde todo lo que se nos venga a la mente es perfectamente factible y predecible, en definitiva un nudo que pega bastante el bajón pese a que contenga alguna que otra parte donde Carpenter y el propio guión se esfuerce en llevar el thriller y la visceralidad a la pantalla con más curioseo que éxito (la escena de la olla, la del colegio, o la del ojo de una de las niñas..., funcionan, pero parecen más de lo mismo). Quizás la parte más interesante la encontremos en el desenlace de la historia, donde el público parece despertar y disfrutar un poco más de la narrativa, desde que los malditos van al granero, Carpenter está al servicio de la historia y el guión parece tener mucho más ingenio, tanto es así, que se permite el lujo de "inventar" un curioso debate sobre el "existencialismo" humano, donde el personaje de Christpher Reeve y la mocosa maldita debaten sobre los sentimientos humanos y la superioridad de la raza alienigena, algo que funciona muy bien, pues el mensaje queda claro: la lucha por la supervivencia humana, siempre ligada al amor y los sentimientos, frente a la incompatibilidad de los alienígenas a sentir apego, aunque uno de ellos demuestre finalmente que la esperanza puede existir si todo es frío y crudo, quizás un estereotipo innecesario, pero vaya, la historia tampoco da para muchos giros y vueltas de tuerca.

En el reparto, caras conocidas, entre ellas las protagonistas: el eterno Superman maldito, el fallecido Christopher Reeve, que está bastante correcto en su papel, aunque mantenga casi todo el rato su cara de desconcierto pase lo que pase. Más, la actriz, Kirstie Alley conocida sobretodo en su etapa noventera, aquí interpreta a la agente federal que se encarga del extraño suceso del pueblo, su papel es algo forzado y tiene un final bastante decepcionante, aunque bueno, es desmesurado desde el momento que aparece, sin más que añadir. Mencionar también el pequeño papelito de Mark Hamill (Luke Skywalker en la trilogía Star Wars) que interpreta al cura del pueblo, no tiene gran relevancia, pero bueno, ahi queda su presencia. Quizás de lo mejorcito del film sean los insensibles niños malditos (que tiene pelotas xD), pues por ejemplo, la más destacable es la niña "hija" del personaje de Reeve, Mara, que la interpreta una inquietante y espectacular Lindsey Haun, genial. Poco más, un reparto aceptable, pero sin lugar al alarde.

En la dirección, sinceramente, creía que estaba viendo un film del Carpenter de los ochenta, pues la estética, técnica de planos, efectos especiales y demás parecen de tal época, cual fue mi sorpresa cuando vi que el film es del año 1995, esto a priori puede ser un dato curioso, pues Carpenter parece rodar con cierto clasicismo casi todo el metraje, aun así, no consigue impactar tanto como en "Halloween" o "La Cosa" por ejemplo, siendo incluso demasiado amplio, aburrido y poco original (quitando algún que otro momento puntual, como el final , por poner un ejemplo donde Carpenter se siente totalmente Carpenter, la escena de los policías al llegar al granero, donde la crítica irónica, sarcástica y con mala leche hacia el ser humano , derrotado por su propia ansia violenta dan al director todo su innegable talento, aunque se hecha de menos más momentos destacables, la verdad), su dirección no pasa de lo normal, no molesta, pero siendo un director tan "puntero" en estos aspectos, la decepción personal queda más que clara. Destacar del film, creo que una de las cosas que más me gustaron, la impecable banda sonora, de nuevo compuesta por el propio Carpenter, unos toques electrizantes que van perfectamente, que inquieta, con el estilo tan característico y personal de las composiciones del director.

"El pueblo de los malditos" es un film que no molesta, que tiene una extraña nube que lo llevan a la serie B de los ochenta, siendo un film del 95, pero que personalmente, no destaca demasiado dentro de la filmografía del director, siendo un film totalmente prescindible. Eso si, habrá que echar un ojo a la obra original y ser didácticos en el sentido fílmico. Un 5.

NOTA: 5/10
RECOMENDACIÓN: Prescindir de ella si no se tiene mucho interés. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1995
DURACIÓN: 99 min
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Nos deja Antonio Vega

Es una noticia triste para el mundo del pop español, pues el gran compositor, poeta y ex componente de la mítica banda "Nacha Pop" ha fallecido hoy a los 51 años de edad a causa de una neumonía. La música hoy llora la pérdida de Antonio Vega, hasta siempre.

Bipolaridad

Hablan expertos de la bipolaridad como un estado demente, trastorno humano con receta médica y recreado por un estruendoso sonido del sello. La cualidad intelectual de algunos seres para calificar o cuadricular todo en la vida, cual lógica inexistente es bastante irritable. La bipolaridad no es un trastorno, es un estado natural que compone cada una de la mentes en mayor o menor medida. La dualidad está sobretodo en las palabras, en el énfasis, en la incomunicación, en la paranoia, en el orgullo, quizás también en la modestia. El arte vive de bipolaridades trágicas y complacientes por partes iguales. En el momento que las dos caras se dan la espalda en un sentido tenebroso, todo se torna vacío, inútil. Supongo que el camino está lleno de claroscuros, seamos honestos y dejemos la hipocondría, todos controlables. El problema general es que al igual que un estornudo, o un orgasmo si les vale como ejemplo uno negativo y otro positivo respectivamente, todo esto es incontrolable. ¿Por qué? sinceramente no lo sé, ni seré yo el que precisamente vaya de escalador entre blancas barbas y líneas de expresión, de eso ya hay muchos, la perdición del ser humano en algún sentido del camino, es totalmente evidente.

El Fotograma

Six Feet Under

Buenafuente y Arrabal

Esta noche en la Sexta, Buenafuente vuelve a traer a su programa al gran Fernando Arrabal. Este vídeo que os dejo fue de hace poquito, de una de las mejores entrevistas de Buenafuente esta temporada, lo que me reí viéndola no está escrito, además Arrabal es un tipo interesante, da que pensar. Os recomiendo que veáis las tres partes en youtube, sin desperdicio.

La Bella Confusión no avanza

Parece que nuestro cortometraje en fase de producción "La Bella confusión", está teniendo algún que otro contratiempo de fechas y termino de la fotografía principal, en parte por "culpa" de nuestra participación en el festival de Málaga, que realmente nos ha quitado algo de tiempo y dedicación a él. Se pospone el estreno para algún momento de Verano de este mismo año (quizás mediados de Agosto), los motivos: falta una parte esencial por rodar con un personaje femenino del cortometraje, que en un principio iba a caracterizar Ilona Shapoval, pero que ha salido de la producción a última hora. Hay vistas a que una actriz nueva de vida al papel, aun sin nada confirmado oficialmente pero si que hay alguna opción, que si acepta, hasta pasado Junio no se podrá rodar, así que mientras tanto se comenzarán algunas labores de post-producción como el retoque digital y un pre-montaje de algunas escenas del cortometraje. En cuanto a un posible tráiler, es posible que se realice un sólo avance corto que muestre alguna cosilla del corto a finales de este mes. Es todo, os dejo con un "nuevo" póster promocional (con la temporada estival de por medio) arriba y aquí abajo un fotograma nuevo de unas últimas escenas rodadas.

"Besos Robados": Espias al servicio sentimental

Impecable. Es el único calificativo que se le puede dar, a la que de momento, me ha parecido la mejor película de las que he visto de ese maestro francés llamado Françoise Truffaut. "Besos Robados" es un film que cuida al máximo cada detalle y engancha al espectador desde el primer minuto, soltándolo solo al final, donde la panorámica de la cámara nos deleita a seguir nuestro propio camino en la absurda vida, algo de eso está dentro de "Besos Robados" que además, continúa la historia del personaje creado por el propio Truffaut de Antoine Doinel, el niño de "los 400 golpes" que crece dentro de las historias del director de la nouvelle vague. Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) visita a su antigua novia, Christine Darbon (Claude Jade), tras haber sido licenciado del ejército por insubordinación. El padre de Christine encuentra un trabajo temporal para Antoine como vigilante nocturno de un hotel. Sin embargo, a causa de un detective privado, Antoine pierde el empleo el primer día. Como compensación, el detective le ofrece a Antoine trabajar en su agencia, donde Antoine hará trabajos menores hasta que le asignan el deber de averiguar por qué todas las empleadas de la zapatería del señor Georges Tabard (Michel Lonsdale) le odian. En esta zapatería, Antoine conocerá a la preciosa Fabienne Tabard (Delphine Seyrig), la esposa del propietario...

Guión perfecto en todos los sentidos. Partiendo de unos diálogos trabajados y realistas, llenos de comicidad, hasta a veces parecer absurdos, desternillantes pero reales como la vida misma. Quizás Truffaut expone de manera redonda lo que representa el amor en la sociedad, pero ojo, lo que representa de manera realista, pues las personas nos creemos esenciales en el proceso, cuando realmente solo somos espías (como el protagonista) de sentimientos que van por un camino muy sinuoso y inestable. Las relaciones humanas que el libreto expone, se muestran perdidas, por un camino divertido, sí, pero tan tremendo como la escena final, el giro final de Truffaut es una declaración de intenciones hacia el espectador. Genial la representación y perfil de las chicas, mujeres (sobretodo la esposa del dueño de la zapatería) con monólogos impresionantes, de esos para ponerse a aplaudir, de esos que solo Truffaut puede escribir como él bien sabe. Y sobre los personajes, genial el papel de Jean-Pierre Léaud, el guía del film, con un tono inocentón y graciosete muy especial y memorable. Mención aparte para las chicas del film, lo mejor de lejos en el mundo de Truffaut, Claude Jade, la actríz está preciosa fría, distante, precisa. Eso sí, uno de los mejores roles es el de Delphine Seyrig, la actriz está estupenda en su papel y tiene las mejores partes de la película, destacar su escena final con Antoine, cautivadora e impresionante. Los secundarios son todos estupendos y van apareciendo a lo largo de la película (por ejemplo, los carismáticos trabajadores de la agencia de espías, o las ayudantes en la zapatería) aportando un dinamismo tremendo.

Truffaut está perfecto, en una de sus mejores películas tras la cámara en mi modesta opinión. Este film sale quizás de la corriente de la nouvelle vague, porque no es tan agresiva en sus formas, pero para mí tiene todos los elementos de esta corriente francesa que tanto me apasiona. Para empezar, planos secuencias donde la cámara se panea, sigue a los personajes, y realmente ni se nota porque Truffaut te mete tan de lleno en su artesanía que son magistrales planos. Los cortes del montaje con "choques" rápidos (la escena de la infidelidad en el hotel al principio es un tanto extraña y desubica un poco, pero esa es su función, otra escena a destacar es la de la foto de arriba, cuando Antoine se siente avergonzado y sale pitando de la habitación, risa asegurada pero con una planificación por el detalle asombrosa, la torre Eiffel al fondo, el corazón del atrezzo enmarcando al protagonista, los planos detalles del café...), los fotogramas congelados, e incluso el salto de eje en una escena dentro de la zapatería (hecha a propósito claro). Dirección en la que el francés pone toda su artillería aprendida en un asador exquisito, genial en las formas y en el ritmazo que tiene la película, que no te deja ir hasta el final, ni ojo, tampoco te deja perderte aunque lo que se cuente sea secundario o no tenga una linealidad premeditada. Poca música original, aunque de vez en cuando suena algún acorde original de Antoine Duhamel, pero este film se recordará musicalmente hablando por el tema que abre y cierra el film (y que dice mucho de lo que introspectivamente puede contar Truffaut), el tema en cuestión: "Que Reste-T-Il De Nos Amours?" de Charles Trenet, buscadla porque es preciosa.

Quizás "Besos Robados" venga a decirnos que los seres humanos buscamos de manera abrupta y desmesurada algo con lo que poder sentirnos bien o si podemos, para saber quien somos (como la desternillante escena del espejo donde Antoine no para de verse con su vida resuelta una repitiéndosela una y otra vez) o al menos intentarlo, porque llamarlo amor, único y puro es algo tan inusitado y abstracto que el film se quedaría en un espionaje imposible de sentimientos que vienen, van, son bellos, no correspondidos, graciososos, tremendos, dramáticos, pero no, miren dentro y verán respuestas. A su vez, Truffaut rodando este film da alas a mis sentidos cinematográficos para creer un día más que este mundo es increíble, es perfecto cuando se hace desde el corazón, es único, el CINE CON MAYÚSCULAS, sin pretensión, esta película da fuerzas, como pasa con las obras maestras absolutas como esta joya. Un merecidísimo 10 porque la he saboreado a gusto al 100%, os la recomiendo.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1968
DURACIÓN: 90 min
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"La Strada": Sueños atrapados

Fellini es un cineasta que realmente me ha cautivado, creo que su cine expone con total claridad la artesanía de un cineasta que mima cada detalle, pero sobretodo y queda demostrado con "La Strada", el guión y sus personajes toman el peso para encandilar a un espectador que si es cinéfilo de verdad, queda prendado de esta triste pero bonita historia. "La Strada" parte de la muerte del padre de Gelsomina (protagonista de la historia), a la que su propia madre vende a un artista ambulante, Zampanó. Pese al carácter violento y agresivo de éste, la muchacha se siente atraída por ese estilo de vida en la Strada (la calle, en italiano), sobre todo cuando su dueño la incluye como parte de su espectáculo. Pese a que varios de los pintorescos personajes que se encuentra por el camino le ofrecen que se una a ellos, Gelsomina demostrará su fidelidad a Zampanó hasta los límites de su voluntad. Y quizás ese sea el mensaje más aterrador que subyace el film, la fidelidad, cortadora de las alas de los sueños, pues la libertad es un tema casi tabú dentro de las ideas del libreto que Fellini compone, eso si, la claustrofóbica repercusión y consecuencias de unos personajes tremendamente bien expuestos y perfilados (genial y chapó en este aspecto) acontece en espacios abiertos (aunque hacia el final la secuencia del convento a modo de metáfora representa la literal clautrofobia del film), en una road movie de una Italia ensombrecida por una farándula que intenta echar raíces y escapar de la paupérrima vida que les representa.

Así pues tenemos unos personajes encerrados en sus pequeños mundos, la protagonista absoluta, la inocente y mágica Gelsomina, interpretada por una genial y expresiva Giulietta Masina, un personaje que parte de la idea que Fellini quiere representar, pues es un personaje que se deja llevar por las decisiones que cree correctas y paga el pato al final, (hasta tal punto de considerar locura o psicosis, la evolución final de este personaje) cuando realmente se topa con el muro de la vida real, donde no existen risas, canciones tarareadas, ni un poquito de aire fresco que respirar, es un personaje con el que Fellini da la tristeza al espectador, pero también da los sueños rotos, simboliza la imposibilidad de vivir libre en un mundo regido por otros, muestra un camino dramático pero con toquecitos risueños, genial. Por otro lado, el eterno eje de contrariedad y pasividad del personaje del mítico Anthony Quinn, Zampanó, por cierto, genial Quinn en su papel, un tormento de brutalidad bien representada que expone su máximo culmen al final del film (un giro final tremendista, donde Fellini da de lleno en la diana monumental cuando el público está más esperanzado en el bien, es ahí donde vuelve el pesimismo y el punto de inflexión del film, el final en la playa, de nuevo mostrando la clautrofóbica dramática en un lugar supuestamente representativo para la libertad y el paisaje amplio, esto está magistralmente escrito, resuelto de manera fría y con solemnidad, increíble). Del resto, destacar el uso que Fellini suele hacer de los secundarios, tratándolos de forma recordable, sin menospreciar los pequeños papeles, destacando sobretodo el papel del actor Richard Basehart, y sobretodo su monólogo moral sobre las piedras y el giro final, de lo mejorcito del film.

La dirección de Fellini es bastante acorde y no muestra alardes desde un principio, quizás no sea tan destacada como en otros films como "Amarcord" o "8½" sobretodo este último, pero consigue trasmitir perfectamente lo que propone, centrarse en los actores, y algo importantísimo que ya he dicho, mostrar claustrofobia con planos donde los grandes paisajes son clave, algo atípico para la simbología del cine, pero que aquí es totalmente acertado. Por lo tanto buena dirección, sin ser la más destacada de su director, pero con buen ritmo, pulso y determinación. La música vuelve a recaer en el gran Nino Rota, que vuelve a componer unas bellas melodías (como casi siempre) que van perfectamente con el film, este señor es un compositor imprescindible para cualquier cinéfilo, bien demostrado lo tiene, dentro de la filmografía de Fellini, y por supuesto, fuera.

En general, "La Strada" es un film pequeño, que va metiéndose al público en el bolsillo poquito a poco, con señas humorísticas y cómplices para ir tornándose en un film con un mensaje de realidad tremendista e impactante, donde Fellini se ensaña con razón y sabiduría, no es perfecta, pero si, una película genial y totalmente recomendable para los cinéfilos.


NOTA: 8,5/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1954
DURACIÓN: 108 min
Ficha en IMDB
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