Six Feet Under

Buenafuente y Arrabal

Esta noche en la Sexta, Buenafuente vuelve a traer a su programa al gran Fernando Arrabal. Este vídeo que os dejo fue de hace poquito, de una de las mejores entrevistas de Buenafuente esta temporada, lo que me reí viéndola no está escrito, además Arrabal es un tipo interesante, da que pensar. Os recomiendo que veáis las tres partes en youtube, sin desperdicio.

La Bella Confusión no avanza

Parece que nuestro cortometraje en fase de producción "La Bella confusión", está teniendo algún que otro contratiempo de fechas y termino de la fotografía principal, en parte por "culpa" de nuestra participación en el festival de Málaga, que realmente nos ha quitado algo de tiempo y dedicación a él. Se pospone el estreno para algún momento de Verano de este mismo año (quizás mediados de Agosto), los motivos: falta una parte esencial por rodar con un personaje femenino del cortometraje, que en un principio iba a caracterizar Ilona Shapoval, pero que ha salido de la producción a última hora. Hay vistas a que una actriz nueva de vida al papel, aun sin nada confirmado oficialmente pero si que hay alguna opción, que si acepta, hasta pasado Junio no se podrá rodar, así que mientras tanto se comenzarán algunas labores de post-producción como el retoque digital y un pre-montaje de algunas escenas del cortometraje. En cuanto a un posible tráiler, es posible que se realice un sólo avance corto que muestre alguna cosilla del corto a finales de este mes. Es todo, os dejo con un "nuevo" póster promocional (con la temporada estival de por medio) arriba y aquí abajo un fotograma nuevo de unas últimas escenas rodadas.

"Besos Robados": Espias al servicio sentimental

Impecable. Es el único calificativo que se le puede dar, a la que de momento, me ha parecido la mejor película de las que he visto de ese maestro francés llamado Françoise Truffaut. "Besos Robados" es un film que cuida al máximo cada detalle y engancha al espectador desde el primer minuto, soltándolo solo al final, donde la panorámica de la cámara nos deleita a seguir nuestro propio camino en la absurda vida, algo de eso está dentro de "Besos Robados" que además, continúa la historia del personaje creado por el propio Truffaut de Antoine Doinel, el niño de "los 400 golpes" que crece dentro de las historias del director de la nouvelle vague. Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) visita a su antigua novia, Christine Darbon (Claude Jade), tras haber sido licenciado del ejército por insubordinación. El padre de Christine encuentra un trabajo temporal para Antoine como vigilante nocturno de un hotel. Sin embargo, a causa de un detective privado, Antoine pierde el empleo el primer día. Como compensación, el detective le ofrece a Antoine trabajar en su agencia, donde Antoine hará trabajos menores hasta que le asignan el deber de averiguar por qué todas las empleadas de la zapatería del señor Georges Tabard (Michel Lonsdale) le odian. En esta zapatería, Antoine conocerá a la preciosa Fabienne Tabard (Delphine Seyrig), la esposa del propietario...

Guión perfecto en todos los sentidos. Partiendo de unos diálogos trabajados y realistas, llenos de comicidad, hasta a veces parecer absurdos, desternillantes pero reales como la vida misma. Quizás Truffaut expone de manera redonda lo que representa el amor en la sociedad, pero ojo, lo que representa de manera realista, pues las personas nos creemos esenciales en el proceso, cuando realmente solo somos espías (como el protagonista) de sentimientos que van por un camino muy sinuoso y inestable. Las relaciones humanas que el libreto expone, se muestran perdidas, por un camino divertido, sí, pero tan tremendo como la escena final, el giro final de Truffaut es una declaración de intenciones hacia el espectador. Genial la representación y perfil de las chicas, mujeres (sobretodo la esposa del dueño de la zapatería) con monólogos impresionantes, de esos para ponerse a aplaudir, de esos que solo Truffaut puede escribir como él bien sabe. Y sobre los personajes, genial el papel de Jean-Pierre Léaud, el guía del film, con un tono inocentón y graciosete muy especial y memorable. Mención aparte para las chicas del film, lo mejor de lejos en el mundo de Truffaut, Claude Jade, la actríz está preciosa fría, distante, precisa. Eso sí, uno de los mejores roles es el de Delphine Seyrig, la actriz está estupenda en su papel y tiene las mejores partes de la película, destacar su escena final con Antoine, cautivadora e impresionante. Los secundarios son todos estupendos y van apareciendo a lo largo de la película (por ejemplo, los carismáticos trabajadores de la agencia de espías, o las ayudantes en la zapatería) aportando un dinamismo tremendo.

Truffaut está perfecto, en una de sus mejores películas tras la cámara en mi modesta opinión. Este film sale quizás de la corriente de la nouvelle vague, porque no es tan agresiva en sus formas, pero para mí tiene todos los elementos de esta corriente francesa que tanto me apasiona. Para empezar, planos secuencias donde la cámara se panea, sigue a los personajes, y realmente ni se nota porque Truffaut te mete tan de lleno en su artesanía que son magistrales planos. Los cortes del montaje con "choques" rápidos (la escena de la infidelidad en el hotel al principio es un tanto extraña y desubica un poco, pero esa es su función, otra escena a destacar es la de la foto de arriba, cuando Antoine se siente avergonzado y sale pitando de la habitación, risa asegurada pero con una planificación por el detalle asombrosa, la torre Eiffel al fondo, el corazón del atrezzo enmarcando al protagonista, los planos detalles del café...), los fotogramas congelados, e incluso el salto de eje en una escena dentro de la zapatería (hecha a propósito claro). Dirección en la que el francés pone toda su artillería aprendida en un asador exquisito, genial en las formas y en el ritmazo que tiene la película, que no te deja ir hasta el final, ni ojo, tampoco te deja perderte aunque lo que se cuente sea secundario o no tenga una linealidad premeditada. Poca música original, aunque de vez en cuando suena algún acorde original de Antoine Duhamel, pero este film se recordará musicalmente hablando por el tema que abre y cierra el film (y que dice mucho de lo que introspectivamente puede contar Truffaut), el tema en cuestión: "Que Reste-T-Il De Nos Amours?" de Charles Trenet, buscadla porque es preciosa.

Quizás "Besos Robados" venga a decirnos que los seres humanos buscamos de manera abrupta y desmesurada algo con lo que poder sentirnos bien o si podemos, para saber quien somos (como la desternillante escena del espejo donde Antoine no para de verse con su vida resuelta una repitiéndosela una y otra vez) o al menos intentarlo, porque llamarlo amor, único y puro es algo tan inusitado y abstracto que el film se quedaría en un espionaje imposible de sentimientos que vienen, van, son bellos, no correspondidos, graciososos, tremendos, dramáticos, pero no, miren dentro y verán respuestas. A su vez, Truffaut rodando este film da alas a mis sentidos cinematográficos para creer un día más que este mundo es increíble, es perfecto cuando se hace desde el corazón, es único, el CINE CON MAYÚSCULAS, sin pretensión, esta película da fuerzas, como pasa con las obras maestras absolutas como esta joya. Un merecidísimo 10 porque la he saboreado a gusto al 100%, os la recomiendo.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1968
DURACIÓN: 90 min
Ficha en IMDB
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"La Strada": Sueños atrapados

Fellini es un cineasta que realmente me ha cautivado, creo que su cine expone con total claridad la artesanía de un cineasta que mima cada detalle, pero sobretodo y queda demostrado con "La Strada", el guión y sus personajes toman el peso para encandilar a un espectador que si es cinéfilo de verdad, queda prendado de esta triste pero bonita historia. "La Strada" parte de la muerte del padre de Gelsomina (protagonista de la historia), a la que su propia madre vende a un artista ambulante, Zampanó. Pese al carácter violento y agresivo de éste, la muchacha se siente atraída por ese estilo de vida en la Strada (la calle, en italiano), sobre todo cuando su dueño la incluye como parte de su espectáculo. Pese a que varios de los pintorescos personajes que se encuentra por el camino le ofrecen que se una a ellos, Gelsomina demostrará su fidelidad a Zampanó hasta los límites de su voluntad. Y quizás ese sea el mensaje más aterrador que subyace el film, la fidelidad, cortadora de las alas de los sueños, pues la libertad es un tema casi tabú dentro de las ideas del libreto que Fellini compone, eso si, la claustrofóbica repercusión y consecuencias de unos personajes tremendamente bien expuestos y perfilados (genial y chapó en este aspecto) acontece en espacios abiertos (aunque hacia el final la secuencia del convento a modo de metáfora representa la literal clautrofobia del film), en una road movie de una Italia ensombrecida por una farándula que intenta echar raíces y escapar de la paupérrima vida que les representa.

Así pues tenemos unos personajes encerrados en sus pequeños mundos, la protagonista absoluta, la inocente y mágica Gelsomina, interpretada por una genial y expresiva Giulietta Masina, un personaje que parte de la idea que Fellini quiere representar, pues es un personaje que se deja llevar por las decisiones que cree correctas y paga el pato al final, (hasta tal punto de considerar locura o psicosis, la evolución final de este personaje) cuando realmente se topa con el muro de la vida real, donde no existen risas, canciones tarareadas, ni un poquito de aire fresco que respirar, es un personaje con el que Fellini da la tristeza al espectador, pero también da los sueños rotos, simboliza la imposibilidad de vivir libre en un mundo regido por otros, muestra un camino dramático pero con toquecitos risueños, genial. Por otro lado, el eterno eje de contrariedad y pasividad del personaje del mítico Anthony Quinn, Zampanó, por cierto, genial Quinn en su papel, un tormento de brutalidad bien representada que expone su máximo culmen al final del film (un giro final tremendista, donde Fellini da de lleno en la diana monumental cuando el público está más esperanzado en el bien, es ahí donde vuelve el pesimismo y el punto de inflexión del film, el final en la playa, de nuevo mostrando la clautrofóbica dramática en un lugar supuestamente representativo para la libertad y el paisaje amplio, esto está magistralmente escrito, resuelto de manera fría y con solemnidad, increíble). Del resto, destacar el uso que Fellini suele hacer de los secundarios, tratándolos de forma recordable, sin menospreciar los pequeños papeles, destacando sobretodo el papel del actor Richard Basehart, y sobretodo su monólogo moral sobre las piedras y el giro final, de lo mejorcito del film.

La dirección de Fellini es bastante acorde y no muestra alardes desde un principio, quizás no sea tan destacada como en otros films como "Amarcord" o "8½" sobretodo este último, pero consigue trasmitir perfectamente lo que propone, centrarse en los actores, y algo importantísimo que ya he dicho, mostrar claustrofobia con planos donde los grandes paisajes son clave, algo atípico para la simbología del cine, pero que aquí es totalmente acertado. Por lo tanto buena dirección, sin ser la más destacada de su director, pero con buen ritmo, pulso y determinación. La música vuelve a recaer en el gran Nino Rota, que vuelve a componer unas bellas melodías (como casi siempre) que van perfectamente con el film, este señor es un compositor imprescindible para cualquier cinéfilo, bien demostrado lo tiene, dentro de la filmografía de Fellini, y por supuesto, fuera.

En general, "La Strada" es un film pequeño, que va metiéndose al público en el bolsillo poquito a poco, con señas humorísticas y cómplices para ir tornándose en un film con un mensaje de realidad tremendista e impactante, donde Fellini se ensaña con razón y sabiduría, no es perfecta, pero si, una película genial y totalmente recomendable para los cinéfilos.


NOTA: 8,5/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1954
DURACIÓN: 108 min
Ficha en IMDB
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Y asi fue la participación de "Iris" y "Desconocido"

Ayer Martes 21 estuvimos presentando a concurso nuestros dos cortometrajes seleccionados, "Iris" y "Desconocido", que se proyectaron junto con un buen número de videocreaciones del festival de Málaga en el segundo día de concurso. Decir por mi parte que la experiencia ha sido impresionante, el apoyo de los conocidos, de conversaciones con otros creativos, la experiencia dentro de la sala, las entrevistas, los "photocalls", los abrazos, los aplausos, en fin una pasada que aunque salga con cara de "pillao" en todas las fotos, pues disfruté mucho, una experiencia creo que irrepetible para el equipo de Luigi Arts. Dar las gracias a los miembros del equipo que alli estaban ayer: Esteban, Eu, Andrea y Jessica, y los que no también, estabais alli de algun modo. Ya ganar algo la verdad me da bastante igual (de hecho el último chivatazo que tengo es que el jurado ya ha dado el fallo a los cortos, asi que... me quedo más tranquilo), creo que hemos ganado mucho espiritualmente con este genial día, gracias a todos. Os dejo con alguna otra foto de la prensa y con un vídeo del photocall ese, jejeje.

"Crash" (David Cronenberg): Chatarra psicótica

Me sigo acercando al peculiar cine del señor David Cronenberg (vi pocas, pero para mi "Promesas del Este" sigue siendo genuina en todos los sentidos), esta película que nos ocupa "Crash" es un redundante (en el buen o mal sentido depende de quién la vea) análisis de la fría y perdida sociedad de nuestro tiempo, desde un prisma bastante raquítico, visceral y sucio por parte de Cronenberg. Una noche James Ballard estrella su coche contra el de Helen. Ambos son ingresados en un hospital tras haber experimentado una extraña atracción el uno hacia el otro momentos después del choque. Tras el accidente, en la vida de James se abrirá una nueva puerta que le conducirá a un mundo prohibido, dominado por un oscuro juego de peligro, sexo y muerte. Guión del propio David Cronenberg, que adapta la novela original de James Graham Ballard en formato cine. Como ya he dicho, la historia parte de una unanimidad fría, atípica y una atmósfera un tanto estridente. Cronenberg mezcla la muerte y el sexo alabando la metáfora de una sociedad perdida, decadente y descarrilada, que se ve inmersa en instintos más que en posiciones o mentalismos profundos. Esto a priori puede disgustar al espectador, pues el equilibrio lleva bastante a la psicosis o la sugestión, estamos ante el cruce de mostrar la visceralidad del sexo y ensuciarla con la visión del peligro, la sensación de muerte. Es curioso, porque el film, guste más o no en su argumento (que tiene, aunque se pueda recrear demasiado en sus dos puntos claves sin ir mucho más allá, el sexo y el morbo psicótico) saca cosas de la mente del espectador. Inevitablemente tengo que sincerarme ante el libreto y el modo, pues el film excita con mostrar lo desagradable del alma humana, demostrando que dentro de cada ser, hay mentalidad oscura, tenebrosa, calculadora, instintiva, animal e incluso ofensiva. Es lo que hay, quizás el mensaje anárquico que respira el film, radicalize en cierto sentido las críticas, o te gusta, o simplemente no compartes o no llegas a lo que se muestra. En mi caso, empatizo en momentos y desgloses de mensajes impresos en la trama, pero me resulta ciertamente redundante en muchos momentos (aunque menos más que el film no sobrepasa la hora y media, sino a ese ritmo argumental sería algo más repetitiva seca y fría de lo que ya es) y aunque recrearse también está bien dentro de un contexto, creo que no profundiza demasiado en sus personajes, más bien en las frías acciones (como pasaba en esa película inferior a esta cinematográficamente hablando pero que me viene a la cabeza por la temática parecida, "9 Songs" de Michael Winterbottom). Quizás este sea el cometido del guión, si es así, conseguido: El sexo, la chatarra quemada y la perdición anárquica de esas mentes que se ven en el film, representan la sociedad de hoy en día, hipócrita, banal, visceral, superficial y animal.

Reparto centrado en unos pocos actores, puntualizo que quizás el mejor perfil actoral lo tengan los secundarios del film, muchos más interesantes que los principales. Por ello, el protagonista, interpretado por James Spader, es un personaje desaprovechado al máximo, lo único que hace es dejarse llevar por el resto de personajes y contar la historia a través de ellos, no de él, el actor no lo hace mal, pero en ningún momento el público empatiza con este personaje, mucho más perdido que el resto. El mejor sin duda es este genial actor secundario de Hollywood, el personaje de Vaughan interpretado por Elias Koteas, que puntualiza la excentricidad y psicosis de un personaje extraño y obsesionado por los accidentes, que busca la muerte por sus propios métodos y la representa con grandilocuencia, genial, el mejor del film como ya he dicho. Destacar algunos papeles femeninos, dispuestos a generar todo tipo de sensaciones sexuales, ya sean provechosas, deleznables, repulsivas o estridentes, ahi tendremos a la guapísima Deborah Kara Unger, fumadora femme fatale de necias acciones perdida en una inmensidad tremenda, de no saber quién es, de no saber encontrarse en la vida (la escena final justifica lo que digo, y cierra con cierta mala leche misógena por parte de Cronenberg, cosa que me hizo soltar una carcajada), buen rol. Rosanna Arquette también tiene un pequeño papel (hay una escena que mantiene con el protagonista que realmente..., en fin no sabría definir lo repulsiva que me pareció, muy conseguido su papel), o por ejemplo Holly Hunter, que tiene un papel bastante extravagante e irreconocible. En general, un reparto seco, frío, pero que tiene algún momento curioso, mención aparte para el comentado Elias Koteas.

En el apartado de dirección, Cronenberg acierta bastante bien, pues lleva con buen pulso las secuencias de un guión bastante distante, y pone la carne en el asador cuando requiere que el público atienda en algunos pasajes. Por un lado, muy artesanales las escenas rodadas en los coches, los accidentes son claros (no hay cámara mareante ni artificios para ocultar carencias narrativas) y al igual que las escenas de sexo (que están bastante bien rodadas) todo es muy visceral y directo, la buena ambientación con colores muy fríos recrean un film muy extraño (me vienen a la cabeza dos películas con este síntoma, "Mulholland Drive" de David Lynch, y "La Ley de la calle" de Coppola) buena dirección de Cronenberg. La música original es del conocido Howard Shore, que compone unos temas muy interesantes y distorsionados, que van perfectamente con la película, genial.

En reglas generales, no sabría catalogar el film, pues no es mala película, pero tampoco es esa obra maestra que dicen algunos. El film, es ante todo, muy curioso, pues quién la vea sacará cosas, y el que no lo haga, pues sencillamente no conectará con las imágenes sin mucha más importancia, así que es un film bipolar, para mi, curioso, aunque se recree y redunde un poquito para ser tajante (algunos films no necesitan esto la verdad) como ya he dicho. Un 6,5.

NOTA: 6,5/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos abiertos a todo tipo de ideas. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1996
DURACIÓN: 96 min
Ficha en IMDB
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"Rosemary´s baby": Conspiración

Roman Polanski iniciaba su carrera Norteamericana rodando un film mítico, que ha pasado a la historia por narrar una terrorífica historia a través de la senda dificil, la sutileza, la psicología y el lenguaje cinematográfico en estado puro. "Rosemary´s baby" (titulada horrorosamente en España como "La Semilla del diablo") nos presenta a Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) y su esposo Guy (John Cassavetes) que se mudan a un lujoso apartamento en Nueva York. Allí conocerán a sus curiosos y entrometidos vecinos, los Castevet (Ruth Gordon -ganadora del Oscar® a la mejor actriz secundaria- y Sidney Blackmer). Pero cuando Rosemary se queda embarazada, comenzará a sospechar que todos los que la rodean están tramando algo siniestro para ella y para su bebé nonato. El libreto cinematográfico lo firma el propio Roman Polanski, basándose a pies juntillas (fue minucioso en adaptar bien hasta cada detalle decorativo de los sets) en la novela literaria realizada por Ira Levin. El guión parte de una base dramática, pues grave error es catalogar el film dentro de una película de terror al uso, pues no lo es en absoluto. Polanski traza una línea muy compleja en lo que se refiere al uso cinematográfico para sorprender y aterrar, hablo de la sutileza, el uso del suspense a través del lenguaje narrativo muy arraigado en el perfil de los personajes, el diálogo y la evolución dramática de las situaciones, teniendo un culmen bastante atípico, frío y desolador, quizás como nunca antes mostrado en un film, siendo referente en muchos sentidos, original y curiosa. Polanski se obsesiona de nuevo con la sociedad conspiradora (luego lo mostraría para mí con más acierto en la genuina "El quimérico inquilino" que comparte muchos puntos similares con este film), poniendo la claustrofóbia ante todo lo demás a su protagonista (Rosemary) y cargando las tintas al mareo de la perdiz, el espectador se pierde con Rosemary, se asfixia con ella, y no sabe realmente lo que pasa hasta el final. Quizás la única pega del libreto sea que se juege a estirar demasiado el chicle y se pierda la frescura inicial, esto ocurre en mi opinión claramente en una escena justo antes del giro final, cuando Rosemary parece "salvarse" de su comunidad conspiradora y acude al doctor en el que confiaba, aqui parece ser evidente que Polanski quiere confundir más aun al público con algo quizás sobrante y dejando que el aire entre en la mente del espectador, se pierde un poco el efecto sorpresa, aunque, se recupera en un desenlace tan estremecedor como pesimista, genialmente resuelto y quedando como referente en la historia de los finales del cine. En reglas generales un guion muy bien escrito, que juega con puntos muy difíciles entre el drama, el suspense y el terror psicológico sin mostrar absolutamente nada, lo consigue porque se la juega en muchos momentos, acierta, es un guión único en su tiempo e incluso hoy en dia, nadie ha conseguido lo que Polanski se propuso: Narrar una historia aterradora y estremecedora sin artificio alguno, solo puro celuloide vírgen.

El elenco de actores es sumamente importante en "Rosemary´s Baby", ya que las actuaciones llevan la película, decir que es un film de actores sería mentir, pero si que es cierto que es uno de los pilares básicos para modelar la excentricidad y el buen hacer del film. Por un lado papelón de Mia Farrow como Rosemary, totalmente acertada y diría que uno de los papeles más destacados de su filmografía. La Farrow se mete de lleno en un personaje que muestra gestos, miradas y hasta cambia de aspecto físico, en una evolución que sorprende por su tremendismo final, donde la ingenuidad pierde a ritmo de conformismo y desolador paisaje dramático, tremendo. El personaje del marido Guy Woodhouse, lo interpreta un misterioso John Cassavetes, que va demorando un papel con varios escalafones, muy preciso y en realidad, el verdadero apoyo del público para empezar las sospechas y el suspense, un personaje importante y esencial dentro de la película, que funciona a la perfección, Cassavetes impone y parece cómodo en cada escena. Mención especial para los tremendos secundarios, la ganadora del Oscar por este papel, la actríz Ruth Gordon, que da juego al rol de la vecina de al lado, un papel que parece ser simpático en principio, pero que misteriosamente va cambiando de bando a lo largo del metraje,Gordon está estupenda, Oscar merecido. Como final, destacar el pequeño papel de Maurice Evans como Hutch, su presencia es bastante tranquilizadora y da un puntito de reflexión dentro de la película. Un reparto genial, muy centrado en las actuaciones dramáticas que ponen el punto a favor de casi todo el film, realmente destacable y disfrutable para los cinéfilos.

Curiosa la técnica de Polanski tras la cámara. Esto se ve con clarividencia nada más empezar el film, mostrando planos muy coloridos y guiando la cámara a través de las habitaciones con unos pocos cortes y muy precisos en la angulación (una escena, la de la foto de arriba, muestra la cámara a ras de suelo paneando de un lado a otro, para resaltar el cambio de atmosfera y el giro que tomará el film con respecto a los personajes, colcándolos metafóricamente hablando en una posición bastante atípica y no muy favorecerdora). Polanski se luce en el suspense (sobretodo en los 10 minutos finales, donde la cámara parece ser la propia visión de Rosemary y a su vez se intuye una leve influencia "Hitchcockiana") e impresiona en la famosa escena de la posesión, mostrando con efectos ópticos y de manera onírica este pasaje, bastante psicodélico y perfectamente rodado, pues impacta visualmente. Del resto, destacar el fantástico uso de la cámara en unos pocos interiores, pues siempre se utiliza al recurso dramático representado en los planos, cambiantes y muy pensados, como ya dije, la sutileza y el lenguaje de las imágenes crean el "terror", se riza el rizo y se juega acertadamente con conseguir este elemento, muy difícil, y que hoy en día (e incluso en la época del film) desgraciadamente no existe. La banda sonora corre a cargo de un amiguete que Polanski se llevó a Hollywood exclusivamente para este trabajo, Krzysztof Komeda compuso unos temas realmente inquietantes y genuinos, el tema inicial en la escena que recorre el famoso Dakota Building de Nueva York (donde curiosamente asesinarían poco después al mítico John Lennon y a la esposa del propio Polanski, la actríz Sharon Tate) con el coro de la propia Mia Farrow, en esa nana desgarradora que pone la guinda al recalcar el alma fría del film, la música es casi perfecta en todos los aspectos, aunque tampoco aparezca constantemente (más atípico aún en un film Hollywoodiense de terror, por ello que se confunda el género del film en sí).

"Rosemary´s Baby" es un film atípico e inigualable en todos los sentidos, consigue mucho con poquito, y se va perfilando poquito a poco a cada paso que da (como pasa en las buenas pelis) con un guión que sabe hacia donde va y de donde viene. Quizás personalmente el film sea comparable a otro del director con la misma tónica, "El quimérico inquilino", me parece que dentro del tema conspiratorio ese film jugaba con mejores bazas e inquietaba con momentos más sublimes, no obstante, este film iba antes, y Polanski rueda de maravilla, acierta más que aquel film en un guión mucho más elaborado, más redondo y eso sí, un final que remata la faena, que aterra, que encoge el alma, que se recuerda. Recomendable sin duda. un 10.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E./ Amantes del buen cine.
AÑO: 1968
DURACIÓN: 136 min
Ficha en IMDB
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Desde Arriba

Puff arriba del todo uno se aburre, se ve la visión de los ambiciosos en demasía. Encima me llevaba mis pensamientos y mi máquina de escribir para sentirme seguro, PEERO, me acabo de dar cuenta de que no tiene papel ni creatividad.

Yo me voy para abajo, se está bien observando. En Verano quizás te haga otra visita altas esferas, pero no pienso quedarme.

"Iris" y "Desconocido" a concurso en el Festival de Málaga de Cine Español

Pues si, era la noticia que no me dejaban soltar hasta que no fuera oficial al 100% y así lo ha sido. Nuestros dos últimos cortometrajes, "Desconocido" e "Iris" han sido seleccionados a concurso para la 12 edición del Festival de Málaga de cine español . El equipo de Luigi Arts, yo incluido, estamos muy contentos y ya solo el hecho de que los cortos se vayan a proyectar en la capital y en un festival de tanto renombre pues nos entusiasma más allá de pensar en el premio y esas cosas. Será una experiencia para recordar y estoy seguro que es algo único, así que os damos las gracias a todos y os invitamos el día 21 de Abril a las 19:00 a la proyección de los cortometrajes (y supongo que a votar los cortometrajes favoritos) en el Centro Cultural Provincial de Málaga, situado en C/Ollerías (está a la salida de C/Carretería y cerquita de Tejón y Rodríguez). La entrada tengo entendido que es gratuita, así que allí estaremos para permitirnos soñar con nuestra ilusión un poquito más. Podéis ver la selección de cortometrajes de nuestra categoría pinchando aquí, los cortos tienen hasta una curiosa ficha técnica en la web del festival. La verdad, no me lo esperaba, que ilusión y que sensación extraña tengo a la vez, jeje, creo que esto ya es mucho, habrá que disfrutarlo.