"Las Horas": Mujeres encerradas en sus propias vidas

Director: Stephen Daldry

Año: 2002

País:USA

Duración: 114 min.

Sinopsis: Historia de 3 mujeres a la búsqueda de un sentido en sus vidas. Cada una de ellas vive en una época diferentes, pero las tres están unidas por sus anhelos y sus miedos. Virginia Woolf, en un suburbio de Londres a principio de los años veinte, lucha contra su locura mientras empieza a escribir su primera gran novela, "Mrs. Dalloway". Larua Brown, una esposa y madre de Los Ángeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, lee "Mrs. Dalloway" y la encuentra tan reveladora que empieza a considerar un cambio radical en su vida. Clarissa Vaughan, una versión contemporánea de "Mrs. Dalloway", vive en la actualidad en la ciudad de Nueva York, y está enamorada de su amigo Richard, un brillante poeta enfermo de SIDA      NOTA: 9/10  Ficha en IMDB

Para que negarlo, iba un poco indiferente hacía esta película, aunque me llamaba muchísimo su portentoso reparto y banda sonora. La razón, su director, Stephen Daldry, autor de dos films conocidos, "Billy Elliot" que me parece un buen film, y la correcta "The Reader" la cual me dejó una sensación agridulce, entre la magnificencia fílmica y las tediosas formas de su narración sin ser del todo un mal film, extrañeza. El film que nos ocupa, "Las Horas" es la anterior a aquella película, y sin lugar a dudas, tengo que decir que es la mejor película que firma su director hasta la fecha. Un relato introspectivo, profundo y emocional hacia el sentido de la vida, contado por la voces de tres mujeres excepcionales, perdidas, cerebrales, tristes, sentidas, frágiles y fuertes a su vez. El guión lo firma David Hare, adaptando la novela de Michael Cunningham. El acierto total de un guión mas o menos coral, es la transición de los personajes en diferentes épocas, la lírica que desembocan sus sentimientos a través de tres mujeres que deciden dar un paso en sus vidas y dejar atrás el pasado que les atormenta, atrapadas en su propia vida, en sus tormentos emocionales, sumidas en la falsa felicidad, dispuestas al suicidio del ideal por buscar su sitio. Coraje, amor, autosuficiencia y existencialismo son conceptos que dentro del magistral libreto se dan la mano con fuerza, impregnando la película de detalles, simbolismos. Todos ellos unidos de alguna manera por  las horas, por el paso del tiempo, a través de las palabras, de la literatura, de la vida de Virginia Woolf (Quizás estemos ante el biopic más original y atípico que se pueda considerar, sin serlo en su mayoría, jeje). 

Así pues, la historia nos cuenta el proceso reflexivo de tres mujeres en plena madurez de sus ideas, perdidas no obstante dentro de sus cabezas implorando el cambio hacia la vida, cuestionando la vida y la muerte como una posibilidad tan fina y tangible como perderse entre las sombras de sus propias naturalezas. De ahí parte el film con el excepcional papelón de una transformada y magistral Nicole Kidman, dando vida a Virginia Woolf. Un papel que le valió el merecido Oscar, pues la Kidman está espléndida, misteriosa, frágil y palpable en todas sus escenas (la de la estación de tren es sencillamente sensacional en cuanto guión e interpretación, toda una lección de cine). Julianne Moore, también da con otro papelón a su altura, una pedazo de actriz en un papel sencillo, situado en la época de la pomposidad y la falsa estabilidad americana de los años 50, un papel femenino pero lleno de matices introspectivos, jugando un papel tremendo hacia el subtexto de sus miradas, de su complicidad con el niño, o su maravillosa escena con otra pedazo de actriz que tiene un cortito papel aquí, Toni Collette, donde ambas están de maravilla. En la época actual que muestra el film (2002) se mueve para mí, una de las grandes actrices de nuestro tiempo, Meryl Streep, que nuevamente demuestra con muy poco lo gran actriz que es, su papel es perfecto. Dentro de estos fragmentos del presente, destacar el rol magnífico de Ed Harris, que se marca un papel impresionante conteniendo quizás las mejores escenas junto a Streep dentro de la película. Del espectacular reparto, también hay que destacar los secundarios de lujo como el siempre genial John C. Reilly, Miranda Richardson o la guapísima Claire Danes. En definitiva un reparto memorable, donde todos están de 10. Película de actores en estado puro.

En la dirección, para mí la mejor de todas las aportaciones del director Stephen Daldry están aquí. Para mí su film más delicado, armonioso en su montaje, su reminiscente estructura narrativa (hay planos que significan ciertas cosas en diferentes épocas con diferentes personajes) que parecen bailar a la perfección dentro de la película. Daldry mueve perfectamente la cámara, dirige como nadie a los actores del film y centra la acción con soltura y poder visual (algo que añoré un poco en "The Reader"). Destacar también la impresionante banda sonora original de el gran Philip Glass, que deja su huella, su estilo dentro del film, quizás componiendo la mejor pieza musical que este señor haya realizado para el cine, a mi modesta opinión. Recomiendo oírla por separado, una delicia para los sentidos, sin lugar a duda. No me voy sin olvidar el diseño de producción del film, acertadísimo en todas las épocas que tocas, bien diferenciados y aunándose de manera natural con la genial fotografía de la película. Y como no, el montaje, que juega yo diría, un papel esencial en como muestra la historia la película, decisivo y una manera original de usar la elipsis cinematográfica o las diferentes épocas, con mucha maestría.

En conclusión: "Las Horas" es para mí, una película especial, muy reflexiva y de esas categorizadas como películas de actores. Con un repartazo que está totalmente entregado y perfecto, consiguen que su director, Stephen Daldry, filme personalmente, su mejor obra hasta la fecha (tiene tan solo tres películas, es pronto para juzgar en amplitud su trabajo como director). Un 9.

Frases de cine: Tiburones

"Presten atención, tienen una mochila, solo que esta vez deben llenarlas de personas. Pueden empezar por los amigos, la gente de la oficina. Y luego pasen a las personas a las que confiarían un secreto: tíos, tías, primos, primas, hermanos, hermanas, sus padres y por fin su marido, su mujer, su novio o su novia. Métanlos en la mochila, tranquilos no le voy a pedir que les prendan fuego. Sientan el peso de la mochila, puedo asegurarles que las relaciones son la carga más pesada de sus vidas. ¿No sienten un peso clavándose en sus hombros, todas esas negociaciones, discusiones, secretos y compromisos?. No necesitan cargar con eso, ¿Por qué no dejan la mochila?. Hay animales que viven cargando con otros en simbiosis toda su vida, amantes sin suerte, cisnes monógamos, no somos esos animales. Si nos movemos despacio morimos rápido. Nosotros no somos cisnes, somos tiburones." 

- Up in the Air  (Jason Reitman,2009) -

"Batman: La Máscara del Fantasma": Batman Enamorado

Director: Eric R. /Bruce W. Timm

Año: 1993

País:USA

Duración: 76 min.

Sinopsis: Una enigmática figura fantasmal hace su aparición, cumpliendo las ejecuciones de mafiosos de Gotham. Simultáneamente regresa a  la vida de Bruce Wayne una muchacha con la que mantuvo un idilio; éste rememorará su relación con ella y, de paso, su propio «nacimiento» como Batman...

NOTA: 9/10  Ficha en IMDB

 Era un poquitín imperdonable que siendo como soy un gran seguidor, no solo del gran personaje creado por Bob Kane, si no de la fantástica serie animada del hombre murciélago de principios de los 90 (Para mí una delicia aún hoy en día, insuperable diseño, fascinante animación y ambientación) creada por Eric Radomski y Bruce W. Timm. Poco después de la segunda incrusión de Tim Burton con su genial "Batman Returns ", aparecería en los cines, esta joya de la animación que seguía el estilo visual y la estela marcada por la serie animada comentada, "Batman y la máscara del fantasma", es una de esas películas necesarias dentro del universo tan amplio del que es mi héroe favorito, no ya por su extravagancia dentro de lo que encontramos de Batman hoy en día (Después de ver la recreación de Nolan), si no porque es una historia adulta, inteligente y que aporta "otra" visión más a los origenes del personaje, aun más humanizado aquí, que casi en las películas de Burton en acción real.

El guión, lo firman varios: Paul Dini, Alan Burnett, Martin Pasko y Michael Reaves. Y llama la atención la seriedad y adultez del relato. Se nos muestra a un Batman buscando sus raíces, haciéndose preguntas sobre su pasado, sobre la necesidad de mantener la justicia de su mano ante la corrupción de la mafia en Gotham. Dentro de esas dudas, se inyecta casi por necesidad y reiteradamente, el tema amoroso con la introducción de el personaje femenino, Andrea Beaumont, según esta historia, el verdadero amor de Bruce Wayne, la verdadera inspiración para su vengador nocturno, y una importante pieza dentro del giro final de la historia. Uno de los temas que se expone, creo que con gran y pasmoso acierto realista, es el debate moral entre la venganza y el amor como dos elementos que no pueden convivir en armonía, mostrando inclusive, un Batman solitario, triste, dramático y altruista de cara a hacer el bien. Batman en el film, es un proscrito, perseguido e incomprendido (curioso, me recuerda al final de "El Caballero Oscuro") mientras que se le atribuyen los crímenes de un extraño fantasma que parece cobrar la venganza entre los parias de la ciudad, incluido como no, la genial aparición del Joker a mitad de la cinta, archienemigo de Batman (doblado en su versión original por Mark Hamill, eterno Luke Skywalker).

El Joker, le da el punto de ritmo y de épica al film, sin él no sería lo mismo. Curiosamente se adapta a las necesidades de la historia (que me parece bien) los orígenes de Batman o el mismo Joker. El film cierra de manera seria, triste, inevitablemente abandonando el romanticismo creado hacia un camino adulto, y sí, es cierto, estamos ante una película en parte, para un público amplio, diríamos que joven, casi infantil, por lo que no es perfecta en todos los sentidos, por ejemplo algunos diálogos son bastante inestables en ocasiones y en otras la falta de ellos da incluso más poder al relato, pero se utiliza bastante las frases lapidatorias para recalcar lo que ocurre. La trama es poderosa, enrevesada para un film infantil, cierto, pero se sigue sin la mayor complejidad por ese factor, los diálogos ponen en boca de los personajes, sus acciones. Por lo demás, la corta duración del film es lo de menos, las escenas de acción son impecables, y la revisión del personaje es muy respetable e interesante (ver a un Batman romántico y al menos con motivos muy reflexivos para justificar porque es un justiciero es algo que solo Nolan y este film han conseguido mostrar con cierta diferencia, las de Burton quizás iban por otros senderos más estéticos, igualmente interesantes, pero más centradas quizás en la pérdida de los padres de Wayne más que en la psique de Bruce, aunque se tocaba algo más y de refilón con en la segunda entrega con su relación con Catwoman).

No obstante, guarda las distancias con los films de acción real, siendo esta película una rareza casi de culto para los fans, desgraciadamente. Dentro de la dirección, los planos, encuadres y animación de la película son geniales, ya no se ven películas tan bien dibujadas (a mano quiero decir) con un sentido de la animación tan artesanal, pues cada escena respira un trabajo impresionante. La estética oscura (siguiendo lo marcado por Burton) y degradada de Gotham y el diseño de los personajes son increíbles. Hay algo en los dibujos, en esa animación, que atrae, que fascina sin saber muy bien lo que es (de hecho con la serie de animación, pasaba igual, algo tenía que la hacía especial a las demás, de niño era un fan aférrimo a la serie, y quizás en conjunto con las pelis de Burton, fuera ésta la que me hiciera amar al personaje murciélago de la DC). La banda sonora original de la película me ha sorprendido gratamente, esperaba bastante menos de lo que he podido observar. La firma la que fue una de las pocas compositoras de Hollywood y compañera de batallas de Danny Elfman, Shirley Walker, que hace un trabajo exquisito en la composición de la música, con temas muy lúgubres, románticos y bellos (la utilización del coro en algunas ocasiones es genial), hay que reivindicar a esta mujer, que fue colaboradora de Elfman y compositora de las series de Batman y Superman, a la que no se la ha reconocido apenas dentro de la industria, por desgracia, un gran trabajo. 

En conclusión: "Batman: La Máscara del Fantasma" es una joya de la animación, por suerte o por desgracia solo les interesará a los fans del hombre murciélago, el resto estará un poco reacia e indiferente a la hora de verla (quizás si saliese Heath Ledger otro gallo cantaría, je). Para mí, una excelente película de animación, a la altura de lo que el personaje pide y una delicia para ese niño nostálgico que llevo dentro y que disfrutó como un enano (valga la redundancia) con la mítica serie de los 90. Un 9, porque me ha encantado, casi todo venido de Batman me gusta, si está bien hecho, así que, quizás no sea muy objetivo, je, no obstante, recomendada.

"Boardwalk Empire (Piloto)": La escalada Empírica

Acabo de ver el piloto de una de las series más destacadas del año y una de las que prometían calidad y placer cinematográfico (pese a ser un producto de televisión) de manos de el gran Martin Scorsese y la gran cadena televisiva HBO. Hay quien dicen que "Boardwalk Empire" es la gran sucesora de otra gran serie, "Los Sopranos", las comparaciones son inevitables. Pero ya no solo por la calidad de aquella, si no porque parte de su equipo (y creador guionista) forma parte de "Boardwalk Empire", la calidad está más que asegurada. El capítulo piloto dirigido por el maestro Martin Scorsese, esta realizado para ser valorado de manera independiente al resto de capítulos (es autoconclusivo y más largo que el resto, 73 minutos dura, frente a los 50 minutos habituales del resto). El realizador Newyorquino supervisó todos los aspectos de la producción y contó allá por Septiembre (cuando se emitió) con el respaldo de crítica y público. Bien podríamos estar ante una película (corta pero intensa) del realizador de Little Italy. El piloto nos presenta a los personajes y la situación, Enero de 1920. visperas de la ley seca en Atlantic City, Nueva Jersey. El político corrupto "Nucky" Thompson (Steve Buscemi) trama un plan que podría hacerlos ricos a él y a sus asociados, vendiendo el ahora ilegal alcohol. Mientras tanto, el ex protegido de Nucky, Jimmy Darmody (Michael Pitt) regresa de la Primera Guerra Mundial con grandes planes para su futuro y sus aspiraciones lo conducen a forjar una nueva alianza que podría tener serias consecuencias para él y para Nucky. Margaret Schroeder (Kelly Macdonald) le pide ayuda a Nucky para que le consiga un trabajo a su violento esposo, Hans (Joe Sikora).

El guión de Terence Winter, es de una complejidad inusitada y sorprendente. Su densidad más en clave cinematográfica que televisiva, ponen en evidencia los objetivos tan eficientes de una cadena (la HBO) que apuesta por algo diferente, por el producto inteligente, complejo e inteligente, quizás de las pocas series que ya en su capítulo piloto, apuesta por un galimatías tan contradictorio y bien construido. Los esquemas de la escalada empírica de los gangsters de los años 20, quizás los inicios de todo lo que vendría después, queda perfectamente impregnado en el piloto, de hecho, son los 70 minutos más precisos que he visto en mi vida sobre este tema, pues en esa duración, el guión permite lindezas de unos diálogos densos, envenenados en el buen sentido (esa cena-conversación entre los futuros bandos mafiosos que tiene lugar dentro del piloto es un ejemplo de la fantástica tela de araña que va construyendo el guión) densos e inteligentemente escritos. Además se permite mostrar la humanidad de sus personajes, sus perdiciones y su evolución final al más puro estilo Scorsese valga la redundancia. Los minutos finales con música, viendo las consecuencias de los actos violentos, bien podrían estar a la altura de una de las escenas más famosa de "Uno de los nuestros". Ese inicio prodigioso, con la presentación de Nucky Thompson frente a un grupo de mujeres "progresistas" es toda una delicia para los que de verdad, sabemos apreciar un guión bien construido. Las elipsis y saltos en el tiempo están fantásticamente hilados (sobre todo Scorsese juega mucho con el asalto a la mercancía en el bosque, poniéndola en diferentes momentos de la acción, jugando perfectamente con sus detalles). Y dentro de esa escalada hacia lo que sería una época seca, pero sangrienta, de hombres corruptos y putrefactos de poder, se muestra la cara más hipócrita de la sociedad americana, consumista ya por aquellos años, puritanista y falsamente demócrata en sus prohibiciones y leyes (la ley seca es el subtexto perfecto para resaltar todas estas lindezas). Un guión magnífico que deja con ganas de más, que expone con gran acierto y clarividente eficacia, los inicios del mundo gangster, lo ruin de la avaricia, y el poder de corrupción del dinero, la avaricia y los lujos de aquella gloriosa y turbia época, los años 20.

Por otro lado, hay que aplaudir con ganas y bien fuerte, a todo el diseño de producción, los decorados son impresionantes, el vestuario, el maquillaje, peinados y recreación de los años 20 es impecable, impropios de un producto televisivo, pareciendo en todo momento que estamos ante una gran película de gangsters (Que también). Y dentro de eso, Scorsese nada como nadie dentro de lo que mejor sabe hacer, narrar, dirigir, mover la cámara, y más si se trata de un tema que maneja cual niño con sus juguetes, el crimen organizado. Su cine está dentro del piloto, pasando por sus extraños encuadres, su violencia explícita y visceral que tan real y a su vez cinematográfica queda expuesta, pasando por la magnifica dirección de actores en las escenas de mucho diálogo. Destaco el inicio. El plano secuencia marca de la casa (impagable) que bien recuerda al Scorsese de antaño. Las inevitables reminiscencias a "The Departed" (incluso hay una escena donde aparece el FBI entrenándose que es prácticamente un homenaje a aquel film del propio director), a "Casino", "Gangs of New York", pero sobretodo, a "Uno de los nuestros", desde la manera en que se ha editado la escena del tiroteo en el bosque (con esos planos tan nerviosos y cercanos, la grúa para resaltar los cadáveres, los fotogramas congelados) pasando por los diálogos y personajes que tanto recuerdan a aquel extraordinario film del maestro. El mejor Scorsesejeje), en general una dirección estupenda, a la altura de sus películas más impecables y muy creativa, para los detractores que le sacan la puntillita en estos días presentes, yo les aconsejaría que viesen este capítulo piloto. 

Y el reparto, es nuevamente una sorpresa. Grandes actores todos, protagoniza un magnífico Steve Buscemi, muy inspirado y genial en su papel. Un estupendo Michael Pitt, contenida e impecable Kelly Macdonald, el gran Michael Shannon en un papel a su medida que le va a la perfección. Stephen Graham como Al Capone apunta maneras de cara a los siguientes episodios, Paz de la Huerta explosivamente sensual, graciosa y perfecta en sus escenas. En general un repartazo digno más que de una serie, de una gran producción cinematográfica, aunque creo que debo de ir olvidándome y hablar de serie como lo que es, un producto casi superior en nuestros días, o al menos más inteligente y competente que el cine contemporáneo. En definitivas cuentas, "Boardwalk Empire" promete, y mucho, el piloto se queda guardado en la retina, para los que somos seguidores del buen hacer de sus creadores (Scorsese y Winter haciendo de las suyas), pero sobre todo por la calidad que desprende el guionazo del piloto, obsesionado en sorprender al espectador y agarrarlo a su sillón para lo que viene después. Yo no me la pierdo ni queriendo nenes. Veremos el resto de sus 12 episodios, que componen la primera temporada, y rezo, porque una serie cara como ésta, no sea cancelada por éste preciso motivo. Detrás produce el propio Martin Scorsese y el infiltrado Mark Wahlberg, nada malo puede ocurrir pues.

ESTRENO: "ROOM SERVICE"

Se acabó la espera. Estrenamos para toda la red, para vosotros los visitantes y espectadores seguidores de Luigi Arts, nuestra producción número 28, "Room Service". Un collage de sensaciones oníricas y alegóricas que ha costado una producción total de 3 meses. "Room Service" está interpretado una vez más por Esteban Somosierra y el regreso a nuestras producciones de Marina Sánchez. Además de la estrecha colaboración de Rubén Martín y Pakitow Sarabia. Espero que como siempre os guste, opinéis si os apetece y no olvidéis pinchar la pestaña de 720p (HD) en Youtube para verlo en la máxima calidad posible en alta definición, además, lo presentamos subtitulado en Inglés, para todos aquellos que no entiendan el idioma nativo (si no queréis verlos, desactivarlos es tan fácil como pinchar en  la pestañita CC que aparece en Youtube). Muchas Gracias anticipadas a todos. Dejo los links abajo con varias chucherías, tenéis el corto, vídeos cómo se hizo, influencias del corto, tomas falsas, etc. He aquí la Sinopsis:

Sinopsis: Él ha pasado demasiadas noches en ciudades sin nombres, viendo las mismas esquinas, las mismas personas, viéndola a ELLA. Al caer la noche siempre el mismo pensamiento: "Que la oscuridad me la traiga de entre las tinieblas, a ella...a ellas".

FICHA:
Año: 2010
Duración: 13 min. aprox.
Dirección y guión original: Luigi R.p.
Reparto: Esteban Somosierra/ Marina Sánchez/ Rubén Martín/ Pakitow Sarabia

Cortometraje "Room Service":

.Versión Online:

.En Youtube (HD+ Subtitulos Inglés): VER AQUÍ

CONTENIDO EXTRA:

. El Servicio de habitaciones: Así se hizo Room Service : AQUÍ
. Las influencias de Room Service : AQUÍ
. Tomas Falsas : AQUÍ
. Videoclip: "Chelsea Hotel No.2" : AQUÍ
. Banda Sonora del cortometraje : AQUÍ

Nos deja Blake Edwards

Vaya últimos meses de pérdidas que llevamos. Nos deja hoy un gran director y guionista del Hollywood clásico y todo un icono de la comedia, el director Blake Edwards fallece hoy a los 88 años de edad. Personalmente un director único, entre sus títulos, quizás se le recordará por haber dejado la fantástica huella cómica en sus colaboraciones con uno de los mejores cómicos de la historia del cine, Peter Sellers, en las grandiosas "El Guateque", y la saga de películas del Inspector Clouseau de "La Pantera Rosa", que tantos buenos momentos nos han dado. Y segundo, por la película que inmortalizó para siempre a la guapísima Audrey Hepburn con guión de Truman Capote, "Desayuno con diamantes". A nivel personal Edwards era un cineasta competente, con un sentido inteligente hacia el espectador,  y quiero despedirlo destacando la que para mí, es toda una lección de cine con una de sus películas que más me impactaron, "Días de vino y rosas" con Jack Lemmon y la preciosa Lee Remick, un prodigio de película. Edwards nos ha dejado un buen puñado de películas memorables, impecables, divertidas, realistas, emocionantes. Hoy nos ha dejado un grande del cine. Descanse en paz. Para despedir al maestro, os dejo la que es para mi, la mejor escena de la saga de la Pantera Rosa, y quizás de la comedia surrealista, con el sensacional Peter Sellers.

La panthère rose : Clouseau vs Cato

Frases de cine: El fin del pirata

- Barbossa: ¿Sigues pensando en huir, Jack?. ¿Piensas que puedes dejar el mundo atrás?.

El problema cuando eres lo último de algo es que al final, no queda nada.

- Jack: A veces las cosas vuelven. Tú y yo somos la prueba de ello.

-Barbossa: Sí, pero las probabilidades son mínimas. Nunca estás seguro de que volverás. Pero la muerte es mortal de necesidad.

-Jack: Así que la asamblea de hermanos, ¿Eh?

-Barbossa: Es nuestra única esperanza.

-Jack: Un comentario que en sí es muy triste.

-Barbossa: El mundo era más grande antes.

-Jack: El mundo sigue igual. Pero está...más vacío.

- "Piratas del Caribe: En el fin del mundo" 
- (Gore Verbinski, 2007) -

El fotograma

"El año pasado en Marienbad": Enamorando la mortaja de un recuerdo...

Director: Alain Resnais

Año: 1961

País:FRA/ITA

Duración: 94 min.

Sinopsis: En un barroco hotel, un extraño, X, intenta persuadir a una mujer casada, A, de que abandone a su marido -M- y se fugue con él. Se basa en una promesa que ella le hizo cuando se conocieron el año anterior, en Marienbad, pero la mujer parece no recordar aquel encuentro.

NOTA: 9/10
Ficha en IMDB

Me acerco al cine del director Alain Resnais, principalmente para ver una película, que curiosamente me atrajo hará un año más o menos y que no he visto hasta ahora. Una obra inclasificable, de portentosas imágenes barrocas y alegóricos mensajes sobre la vida y la muerte. "El año pasado en Marienbad" es una de esas películas hipnotizantes, muy francesas, pero a su vez, bebiendo de ese cine Italiano de la estética, del enervante espíritu inquieto, mezclado con las formas vanguardistas del cine francés de los 60 (imposible clasificarla dentro de la nouvelle vague, aunque tiene puntos que quizás comparta con esta expresión cinematográfica), en definitiva una película interesante, onírica y sensitiva.

El hermetismo que respira el guión de Alain Robbe-Grillet es claustrofóbico. Quedan expuestos dentro de ese hotel barroco, de lámparas de araña, de inquilinos susurrantes cuales piezas de ajedrez, inmóviles. Un lugar de espejos enormes, de biseles y muebles de líneas rectas toda una alegoría a lo que para mí ha representado un frío "ataúd" que agrupa los elementos, a los personajes. Dentro de este pseudo teatral "baile" (teatro que queda expuesto en la escena incial por ejemplo) sobre el paso del tiempo (otro de los puntos del film) el hastío de la desesperación hacia el avance del amor, los dos personajes centrales, denominados como A como la mujer que junto a su hipotético marido M (que para mí representa la muerte dentro de la película, la sobriedad, la impasible figura de la muerte, con sus juegos de azar, con su determinante paso firme y mirada intensa al más puro estilo Bergman y su fascinante "El Séptimo Sello") y X, el enamorado que busca la forma humana e inhumana de hacer recordar a A el amor que siente hacia ella a base de un recuerdo pasado hace un año, unas fotos, un jardín del edén que compartieron y que ahora rememoran en un ataúd con vistas a ese jardín inmenso. Un jardín que no tiene tiempo, que juega con los espacios, los tiempos, los diálogos entrecortados, redundantes, los sonidos y las sensaciones.  Alain Resnais utiliza la cámara a veces con recelosa autoría, saltándose los ejes, los espacios, utilizando los elementos a su antojo, llevándonos entre la realidad y el sueño como si anidásemos en una fina línea que se rompe a su antojo y que auna ambos mundos.

La lírica de lo visual cobra muchísimo protagonismo. Es de esas películas en las que hay que dejarse llevar por los sentidos, sin darle una explicación a cada elemento, como en los sueños. Pues al final, todo tiene un simbolismo, quizás la alegoría más extensa, densa y compleja sobre la muerte que se ha expuesto a nivel estético en una película que yo haya podido ver (Quizás comparable a la gran "8½" de Fellini). El montaje, la estridencia y repetitiva música de órgano que acompaña la atmósfera tensa, inquietante e incomoda del film (compuesta por Francis Seyrig). La poética narrativa de la película se diluye tranquila y a su vez de manera acelerada en la mente del espectador, de manera que la naturalidad del relato carece de forma lineal, constante. La representación de la vida queda expuesta pues, a juicio de cada uno. Además de una historia de amor fascinante, real pero a su vez cargada de lirismo (el jardín con las dos estatuas, que representa la unión perfecta del amor, con sus dos puntos de vista, masculino y femeninos, hay una escena fantástica donde conversan sobre la interpretación de la estatua, quizás de las escenas más portentosas que posee la película y que define perfectamente su contenido introspectivo, lleno de subtextos). 

La solvente dirección de actores, nos dejan un relato basado más en la comunicación no verbal del reparto, que en su diálogo en sí (pues casi todo el diálogo está narrado con la reiterativa voz en off del amante). Así pues, señalar sobre todo, la portentosa interpretación de Delphine Seyrig, muy "francesa" en sus formas, sé lo que me digo, muy clásica y a su vez rodeado de un aura un tanto especial, misteriosa, sensual, fatal, el personaje femenino por excelencia, que duda, ama, razona mediante sus sentidos, vuelve a dudar y que finalmente pierde lo insistido. La química de los amantes la consigue el papel del hombre X, un extraño Giorgio Albertazzi, que está bastante bien en su papel. Mención también para el ya comentado papel del supuesto marido de A, interpretado por un imponente Sacha Pitoëff, genial. Y volviendo a la dirección de Alain Resnais, hay que puntualizar que visualmente la película es PERFECTA, una joya de fotografía en blanco y negro (el inicio del film, mostrando el hotel deja bien claro cual va a ser la tónica del director) los hipnotizantes paseos de la cámara por los enormes e interminables pasillos. La pictórica perfecta de los encuadres imposibles y generales (una gozada para el cinéfilo más exigente), la capacidad de transmitir emociones con la imagen es una tarea compleja y muy precisa que Resnaisfilm.

En conclusión: "El año pasado en Marienbad" es una película única en su especie. Hay que verla para opinar sobre ella, para ajusticiar realmente si nos habla de verdad adentrándonos en ese jardín maravilloso donde siempre nos encuentra el amor, o por el contrario la obviamos hacia las frías, susurrantes e interminables paredes de un lúgubre y barroco hotel por donde nunca pasa absolutamente nada hermoso, donde nada ya hay que decirse. El cine es libre amigos. Para mi, un 9 y la recomiendo a todo espectador inquieto, con ganas de pensar y abrir su mente ante otro tipo de cine, un tanto peculiar, un tanto extraño, pero muy muy portentoso en todos los sentidos.

"The Walking Dead: Season 1": El fin de nuestro mundo

Os vengo a resumir,  lo que me ha parecido los seis primeros capítulos que componen la primera temporada (porque sí, ya se ha firmado una segunda que vendrá el año que viene) de la sorpresa del año televisivo, "The Walking Dead". Seis episodios que funcionan como un telefilm largo con su introducción, nudo y perfecto (además de metafórico y simbólico) desenlace. Quizás queden nudos sin resolver (unos pocos, muy superficiales) de cara a una segunda temporada, que espero, esté al nivel narrativo y visual de ésta. Pues ha sido totalmente una gozada para los que nos gusta las series de buenos personajes, de buenos guiones y grandes momentazos. (AVISO, a partir de aquí hay Spoilers)

EL PILOTO: FRANK DARABONT NOS DEJA SIN ALIENTO, Y RECALCA LA HUMANIDAD DE LA SERIE. NO ES UNA SERIE DE ZOMBIES.

Uno empieza a ver "The Walking Dead" con la idea de que, a priori, hay un gran director moviendo los hilos, el señor Frank Darabont, director de "La Niebla de Stephen King", "La Milla Verde", "Cadena Perpetua" entre sus films más conocidos por el gran público. Quizás el piloto, sea el mejor de los seis episodios, por tener su propia personalidad, su imprenta, sus leyes y directrices, y porque consigue hacer del suspense la pieza clave de la serie. Aparte, nos deja claro dos cosas: la serie va hablar de la humanidad de los personajes dentro de un mundo que carece de ella (curiosa metáfora a nuestros días), y segunda: los zombies son realmente la excusa perfecta para exponer la supervivencia y emociones en la palestra argumental. Hace poco, alguien me preguntaba por la similitud de la serie con el mundo de Romero. La respuesta es a priori, sí, correcto, la segunda cosa es un rotundo NO. No, porque la serie no se mueve precisamente en las constantes del cine de este director, o quizás no de la misma manera crítica (pues ambos comparten su afán por recalcar el error humano, la pintoresca puntillita social, la ironía o la casquería visceral, pero ojo, nada que ver entre estilos o comparaciones absurdas). Darabont dirige un piloto impecable, lo dirige con una creatividad inusitada para un show de televisión, y más bien, parece que estemos asistiendo al estreno de una película con presupuesto, con carácter y originalidad. Al acabar el piloto, uno siente la necesidad de ver como avanza la historia, hacia donde van los personajes, todo, claro, por el inmenso suspense que desprenden sobre todo, los dos primeros capítulos del serie.

Y si el piloto dejaba el listón tremendamente alto, la "marcha" de Darabont en la dirección a partir del segundo, parecía que iba a afectar relativamente a la normalidad lógica de la serie, pero no. Personalmente, el segundo capítulo, es tan impecable como el primero. Los personajes secundarios  (que pasan a compartir el protagonismo con Rick más tarde) planean escapar de la ciudad, encerrados en un claustrofóbico gran almacén. Las penurias y planes que derivan dentro del capítulo son perfectas, la síntesis con el suspense, el ritmo, el pulso, hacen que el espectador salte, grite, se asuste y note la adrenalina de los personajes en más de una ocasión. Recuerdo el momento donde Rick y Glenn se adentran entre los zombies y comienza a llover (uno de los momentos más brillantes y perfectos de toda la serie, y yo diría , quizás exagerando un poco, que de la televisión de estos últimos meses). La escapada hacia las montañas, es un punto nuevo de reflexión, un colador de supervivencia, que nos llevan a los siguientes episodios, trasladando los problemas humanos (dejando de lado a los zombies más que nunca, osease más descaradamente por así decirlo) hasta el final de la temporada.

LA SUPERVIVENCIA EN EL BOSQUE, LA VERDADERA NATURALEZA HUMANA: CAPÍTULOS DEL 3 AL 5.

A partir del tercer capítulo, y como parecía ser lógico, la serie se asienta. Y que mejor que a las afueras, en el bosque, donde cualquier peligro parece pasar por un colador, pero nada más lejos de la realidad, el peligro se hace tangente, solo que a cuenta gotas. La tensión argumental se centra en la supervivencia social, los conflictos de liderazgo, el trío amoroso del protagonista y su mujer con el amigo íntimo de Rick (tremendo el juego que da, por cierto), la naturaleza del conocimiento a través de las dos hermanas (y su perfecto y dramático desenlace en el capítulo 5). La vuelta a la ciudad para ir al rescate de un superviviente dejado atrás, que resulta llevar a los protagonistas a un nuevo peligro más (claro está, humano, no zombie, ésto sigue estando de excusa). El egoísmo, la posesión de algo, el machismo, la mentira, el secreto, el presentimiento, todo está perfectamente reflejado en estos capítulos, que marcan una pauta social, la acción nuevamente como digo, se distribuye a cuenta gotas para generar más dinamismo y menos sensación de "aburrimiento", inexistente por otro lado. Lo interesante de su análisis humano, más primigenio, es una de las bazas de estos capítulos de mitad.

La serie vuelve a vivir su resurgir de infarto en el genial capítulo cuarto. Donde uno de los personajes comienza a cavar inexplicablemente un montón de tumbas en la ladera de la montaña. El inicio del capítulo, con la conversación de pesca de las dos hermanas de la serie, es tremendamente representativa y hecha con una duración larga, a propósito. Todo cuaja (aunque el espectador no sepa muy bien hacia donde va la cosa, nuevamente giro que los guionistas aprovechan para "colarnoslaclimax final. Los episodios cinco y seis.

CAPITULOS 5 Y 6: LA VIDA SE ABRE CAMINO HACIA EL FIN DE NUESTRO MUNDO TAL CUAL LO CONOCÍAMOS, LAS ESPERANZAS SON OTRAS. 

El quinto capítulo, bien podría ser una road-movie en toda regla, los protagonistas viajan para asentar sus culos, en un lugar donde los caminantes no les joroben la fiesta. Antes, el capítulo comienza con la emotiva despedida de Amy, con su hermana padeciendo su pérdida, viendo quizás, yo diría la transformación zombie más emotiva, preciosa y dramática a su vez de todo lo que se haya podido hacer dentro del género. Este capítulo es la transición hacia lo que se nos viene a decir. Uno de los personajes, viaja dentro de la caravana, y, es genial, porque decide al estar infectado, no seguir viviendo con los  protagonistas, ser abandonado en mitad del camino, pereciendo entre los árboles y la muerte. El existencialismo de este episodio es fantástico, lo sutil de su mensaje, lo impotentemente trágico que resulta todo su contexto, la dureza y vísceras (no literales ahora) que demuestra la escena de la despedida de Jim, es para enmarcar. Así pues, los últimos minutos, nos ponen en premisa de lo que será el genial capítulo final, donde se nos presenta a un nuevo personaje, un científico que espera la llegada de algo o alguien en un bunker sellado. Cuando nuestros protagonistas (rollo bíblico de por medio) ven la luz al final del túnel, y consiguen adentrarse en el bunker, comienza el fin del mundo.

 

Dentro del Bunker, los personajes vuelven a "la realidad", de un mundo que ya no existe. Beben, comen, se duchan con agua caliente, duermen sin miedo, se emborrachan, ríen. Es curioso que el capítulo exponga todo esto en este capitulo, un acierto, porque se exponen perfectamente los perfiles de cada personaje, su estado anímico, sus metas y pensamientos. La serie vuelve a darnos otra lección de guión con su parte final, donde parece que nuevamente el peligro es HUMANO, el peor de todos. Se deja en debate el suicidio colectivo, se explora la posibilidad de seguir luchando en un mundo que ya, queramos o no, se ha terminado, o morir en el fin de todas las cosas, dentro del bunker. Vuelve a aparecer los conflictos con el doctor cuando se acciona la "bomba" que destruirá el bunker en 40 minutos de un reloj frenético. Esta parte es sumamente interesante, disfrutable, humana, egoísta, tremendista, nuevamente alegórica para nuestros días. Su desenlace, frenético y devastador. Los personajes consiguen sobrevivir, pero la bola de fuego (con la bomba atómica como referente al verlo) del bunker destruido, y con el tema de Bob Dylan "Tomorrow is a long time" ponen la perfecta explicación de la metáfora. Se acaba el mundo que nuestros protagonistas quisieron salvar con todas sus fuerzas (el paralelismo que explico se justifica perfectamente con la escena que da inicio el capitulo final, ese flashback de imposibilidad ante el caos de Shane intentando rescatar del hospital a Rick), se inicia el nuevo mundo, dominado por los caminantes, la supervivencia humana pende del hilo que nos condenó hace tiempo, cuando hicimos oídos sordos, cuando la esperanza se arraigaba en nuestro vocabulario. 

Con el broche de oro comentado, se cierran seis episodios auto-conclusivos (si no hicieran más temporadas, el final sería igual de perfecto y los lazos sin unir no serían un punto muy lamentable a echar en falta) perfectos. La segunda temporada, quien sabe cuando vendrá, ya se sabe que habrá un cambio de plantilla con los guionistas al completo (que no sé si será bueno o malo, supongo que lo primero, para dar un nuevo aire a la serie), y yo, seguiré fiel a ella, porque de verdad, lo merece.