2008/10/16

"La Rosa púrpura de El Cairo": Amor al cine

Curiosa película de la extensa filmografía del maestro Woody Allen, "La Rosa púrpura de El Cairo" es una de esas películas especiales, a las que se les coje cariño pese a lo simplista de su historia y valores, donde el final choca con la realidad pese también a la onírica alegoría que Allen dedica a este film. El guión, sencillo, cosa que cuesta asimilar para ser de Allen y que no quiere decir que sea malo sino todo lo contrario en esta ocasión. El libreto se centra en el personaje de Cecilia, una ama de casa de New Jersey que se ve obligada a trabajar como camarera, ya que su marido está en el paro y sólo se dedica a jugar y beber cerveza. Para huir de la realidad, Cecilia acude diariamente al cine Jewel. Un día, deprimida porque le han echado del trabajo y porque se ha enterado de que su marido le engaña, ve varias veces La Rosa Púrpura del Cairo y es aquí donde sucede la magia, esa que llaman del cine, el personaje del film sale literalmente de la pantalla y ambos viven una alegórica historia de amor. Resulta curioso que la bipolaridad entre realidad ficción genere la comedia y que a su vez e inteligentemente Allen use el drama para entremezclar todo con aire cinéfilo y nostalgia anti-hollywoodiense, una declaración formal de Allen por la magia, la ingorante magia del cine, el poder de una película capaz de atrapar a todo espectador, de hacerlos enfadar, de hacer rodar el mundo en general más de que lo parece. Al entrar el actor que interpreta al personaje que se escapa del film (cuesta explicar esto), entra también el dilema de Cecilia, quedarse con la estrella real, o con el personaje ficticio dentro de un mundo ficticio (mención aparte para los actores en conflicto dentro del film que no deja de proyectarse, un puntazo) y será aquí donde el film de Allen en su parte final golpeará con fuerza a su protagonista y al espectador, no hay final felíz en la dura realidad, siempre nos quedará soñar, Allen nos lo recuerda, insiste, el cine solo es cine por desgracia amigos. Último punto a destacar, los diálogos, geniales. Un libreto a la altura, creo que es uno de los films mas sencillotes de Allen en su planteamiento, pero a su vez, creo que se recuerda muy bien y pasa con soltura por su filmografía.

La dirección de Woody es correcta sin mucho más que decir, deja vislumbrar un curioso montaje en las escenas que transcurren en el interior del cine o al final, pero por lo general, se centra mucho en no mover demasiado la cámara y mostrar todo con bastante claridad sin más. En el reparto, destacar a la siempre bella Mia Farrow, la mejor chica Allen con permiso de Diane Keaton, su papel aquí vuelve a dar la talla, una humilde ama de casa, soñadora, discreta y sencilla que paga el pato de su ingenuidad, muy buena interpretación. La estrella y el actor, de la mano de un aventurero Jeff Daniels (creo que el propio Allen podría haber hecho este papel, pero bueno...) correcto. El resto, buenos secundarios también, sobretodo el conjunto de actores que aparecen dentro de la película que se proyecta en el cine, geniales. A la banda sonora, y como viene siendo casi habitual en los films de Allen, el jazz predomina cada pieza, una selección excelente claro está. Lo que destaco: El guión fresco y entretenido, la capacidad de mezclar la comedia y drama dentro de un mundo totalmente imaginario y casi surrealista, que atrapa al espectador. Escenas: Cuando Jeff Daniels habla con Farrow en el cine y sale literalmente de la pantalla. Las secuencias donde el marido de Mia Farrow la amenaza con cierto sarcasmo y mala leche. Daniels en el club de alterne, desternillante. El final, con un choque tremendo, donde se nos expone lo dura que es a veces la vida, lo excelente que puede servir el cine para olvidar los problemas y dejarnos llevar por su magia y sobretodo para declarar amor verdadero a cada fotograma, a todo lo que huele a ficción, Allen lo sabe, yo lo sé, el cine es vida nenes. Lo que menos: La historia no da para más de hora y media (lo que prácticamente dura) es algo simplista, por lo que el que espere algo como "Annie Hall" que directamente no la vea, pues se sentirá algo defraudado con este film atípico y a su vez más convencional de Woody Allen.

En general, un film entrañable por el cariño que Allen pone a cada recoveco de la historia, la recomendaría a todos aquellos aficionados al cine que sueñan con este medio, que ansían la ficción como la alegoría de sus anhelos, y también porque no, a los seguidores de un Woody relajado y más "suavecito" que de costumbre, que también quieras que no, es interesante en esta faceta suya. Un 7,5.

NOTA: 7,5/10
RECOMENDACIÓN: Amantes del celuloide.
DURACIÓN: 82 min.
AÑO: 1985
Ficha en IMDB



"Extras" una serie tremenda para paladares selectos

Tengo que reconocer que al principio era un poco reacio (Gracias Esteban por insistir en que la viese) a la magnífica serie del creador del original "The Office", el excelente cómico inglés Rick Gervais. "Extras" es una serie de la BBC, fantástica en todos los sentidos, dos temporadas completas de pocos y cortos capítulos además un capítulo final de hora y media que ponen la guinda perfecta para concluir la serie. Curiosamente lo que menos me atraía al principio de la serie es lo que ahora valoro más por su total acierto y originalidad, estoy hablando del humor inteligente mezclado con el drama humano (la frialdad es algo que se expone con total normalidad en el culmen de cada episodio), el análisis perfecto de un mundo audiovisual que no lo es tanto como todos creen, donde los extras son verdaderos perdedores pero donde también sus estrellas (que se autoparodian, desde Orlando Bloom pasando por Ian Mckellen , Samuel L. Jackson o Ben Stiller) brillan solo en superficie y quedan como verdaderos desequilibrados. Un extraordinario análisis de lo chunga que puede ser la tontería humana, las relaciones o las condiciones de todo tipo (prejuicios sacados de contexto, el sexo como elemento vacío, la amistad como la balanza más equilibrada o no, en fin, genial). Gervais ha creado una gran serie que perdurará supongo entre los pocos que la conocen y la admiran. Creo que no hace falta decir que os la recomiendo sin dudarlo, porque os perdéis una joya televisiva, además claro de uno de los guionazos televisivos del momento de la mano de Gervais, mezcla de humor inteligente que a veces hará descojonarnos para convertirse automáticamente en el drama más duro y objetivo. Todo un punto.


Telesociedad

Últimamente me cuesta entender lo que me pasa cuando le digo a la gente de a pie (e incluso a los que estén un poco enterados del mundo audiovisual) que estoy trabajando desde hace meses en un piloto televisivo de la serie de animación que tratamos de alzar. Resulta que cada vez que explico que estoy metido en el ajo, es difícil sacarlo para adelante, o simplemente intento exponer que no desperdicio mis conocimientos en no hacer nada (como muchos creen) parece que o bien, no me creen, o bien se ríen, o más bien, preguntan por cortesía que es lo que haces, lo olvidan a los dos segundos, se centran en sus problemas (que tu tendrás que oír con atención, porque claro, ellos tienen algo fijo, o son estudiantes de Teleco, o son funcionarios, o intelectuales estudiantes de cine, no como tú claro). Con esto quiero decir, que la sociedad actual, con todo, le gusta ver hechos, no vale vender la moto, decirles que sean pacientes, todo se quiere rápido y ya, sociedad del consumismo, y pasa con todo. Uno olvida que se estrena tal película, y solo la valora cuando la tiene delante, puede gustarle o no, pero ve un hecho que puede olvidar (de hecho pasa aunque te guste) a las dos semanas. Y en la televisión igual, nadie se pone en la piel de lo que hay detrás, la gente enciende la tele y ve el producto terminado, curioso, guapete y morboso, pero señores, miren dentro que hay más, ahora entiendo porque tenemos 10 ediciones de "Gran hermano". Yo por mi parte estoy tranquilo porque se lo que hago, me da igual seguir oyendo , oyendo y oyendo los problemas de los demás y que ellos intenten solucionar los míos o den "sabios" consejos de trascendencia moral. No seré ni soy un chico maduro que sigue una línea continua o social, si esto lo digo en alto la gente se alarma, se descoloca ver algo fuera de una base estructural, pusilánime, mediocre y repetitiva, como es la sociedad actual, que hasta que no vea tu prosperidad superficial (Un forrón de billetes en el bolsillo o el deportivo en la puerta de la casa de tu novia) tu suegra no te recomendará, por hacer un símil algo sarcástico digamos. Y una vez más, vuelven los diez segundos, esos, donde la gente antes de contarme su vida (a la que yo debería ceñirme y seguir ejemplo como buen chico) me preguntan: Pero tu no haces nada con el "talento" que tienes, ¿Porqué no estudias algo? ¿Qué estás haciendo ahora?, yo prefiero contestarles algo que me quepa en los cinco segundos que me han quedado: "Soy sociopata señora", no hay más remedio, me tomarán por tonto una vez más. Claro está, los que me conocen bien, sabéis que todo esto es cierto, que entendéis mi visión (muy poquitos claro) pero que también sabéis mi realidad: Nuestra televisión actual nos representa.

"Ultimátum a la tierra": Klaatu barada Nikto, humanos

Llevaba tiempo deseando empezar un ciclo del que considero mi género predilecto, la ciencia ficción. Que mejor manera que hacerlo con un film tremendamente metafórico, que representaba mediante lo desconocido lo conocido, que sus temas político-sociales se pueden aplicar a hoy en día, ya que de hecho, se prepara el remake de este artesanal y elocuente film del director de "Sonrisas y lágrimas" o "West side story", el gran Robert Wise y el clásico de ciencia ficción, "Ultimátum a la tierra". La historia de un platillo volante que aterriza en los Estados Unidos de la guerra fría, marcados por el temor a todo lo que huela a desconocido e incluso resignado a tolerar la paz en sus propias fronteras, algo que nos hace pensar en el día de hoy de manera clara. De telón, el arquetipo de la ciencia ficción, eso si, sin calzador, con buen gusto, efectos especiales de la época y un carisma tremendo para dejar a los personajes marcados en la retina del espectador, y porque no decirlo, en la historia de la ciencia ficción. Usando quizás un símil bastante superficial aunque me entenderéis, Wise rueda su "Sombra de una duda" particular, pero con los extraterrestres pacifistas y mediadores del "universo", quizás el acierto del film sea la bipolaridad que tiene, ya que mezcla los grandes estereotipos de la ciencia ficción (la globalidad del ataque a la población, el ejército de por medio, los medios, la tecnología años luz de los invasores) con la magnifica introspección del invasor protagonista en su hospedaje en una casa donde la familia compartirá con él, el destino de la humanidad, cosa que me alegra, porque sino el film perdería el norte completamente, cosa que no hace. Diálogos algo chirriantes (tengamos en cuenta que la ciencia ficción era particular y no tan perfeccionista como ahora, por suerte o por desgracia, quien sabe) pero efectivos, destacar la excelente perfilación de los invasores, los dos, tanto Klaatu como el inmenso Gort (a veces uno suelta la risita por la "cutrez" del traje, pero metidos en la historia todo da igual y eso es también mérito propio del film). Sinceramente el film daría para un remake que bien hecho, podría ponerse a la altura del original (como "La guerra de los mundos" del señor Spielberg, por ejemplo), eso si, el original es insustituible no solo por la calidad, el cariño con que está hecho, y el punto que no me cansaré de resaltar nunca, el adelanto a su tiempo, aplicable hoy en día (el film también critica la violencia atómica, algo que sigue a la orden del día como amenaza a la humanidad, en este caso, también a los invasores) con toda tranquilidad.

En el reparto, gran papel el de el actor Michael Rennie interpretando al invasor mediador Klaatu, un papel casi a medida que interpreta de maravilla, realmente llegas a creerte de verdad que es un invasor pese a la humanidad y personificación del personaje, genial. Por otro lado, destacar a la chica, típica damisela que en cierto punto toma cartas en el asunto, la actriz Patricia Neal, que se pasea con gran serenidad el el film y está bastante correctita. Sam Jaffe interpreta al profesor, bastante acertada su conexión con Klaatu dentro del film. Un reparto en general muy centrado en su protagonista, que es el conductor verdadero de la historia (aunque intente ser coral en muchos aspectos). En cuanto a la dirección, Robert Wise hace un uso muy bueno tanto de planos y movimientos de cámara (los casi siempre recurrentes planos con la dolly-cam) como con los efectos especiales, muy artesanales y perfectamente resueltos (salvo en uno de los planos que logran verse unos incomprensibles hilos de las manos de Gort al sujetar a la damisela), Wise se desenvuelve con mucho dinamismo, haciendo una labor excelente, quizás sea el alma del film, por eso, toda la carisma y lenguaje empleado sea uno de los motivos por los que el film sea un referente para los impulsores contemporáneos de este género. La partitura musical, a cargo del gran Bernard Herrmann, con sonidos atronadores en ocasiones, una "chirriante" (en el buen sentido) composición que inquieta cuando se requiere de ella, bastante atípica y "marciana" valga la redundancia para el maestro, con lo cual, interesante de oír.

Momentos destacados: Me quedo con varias secuencias, los títulos iniciales, son una declaración amorosa al género, sin duda alguna. El "desembarco" de la nave y la captura del invasor. La revelación del secreto de Klaatu al profesor (realmente una advertencia a la humanidad). Y sobretodo la parte final, con un extraño protagonismo para Gort el robot, que se merienda alguna que otra escenaza, el monólogo final de Klaatu, terminando de manera tajante, el film es sutil, pero anuncia que seamos buenos, haya paz, o lo pagaremos caro, una metáfora no para mirar al cielo y temer al invasor, sino mirar los burdos problemas que el ser humano crea a modo de tragedia y remediarlos, buena manera de hacerlo. Lo que menos me gustó: Algunos diálogos parecen poco trabajados o sin chicha, los personajes secundarios (Excluyendo al robot Gort) no terminan de aportar gran cosa, aunque creo que tampoco es el caso. En general, un film entrañable, que creo que no se olvidará porque tiene carisma y es totalmente artesanal, recomendable y Wise le da el toque definitivo, espero con ansia dosificada el inminente remake, espero que lo hagan bien (y se puede, guardando las distancias con el film que nos ocupa, por supuesto), ahora, el mensaje será el mismo, Klaatu barada Nikto humanoides, que viene a ser: Echad el freno, ni se os ocurra ambiciosamente amenazar a otro planeta con petardos nucleares y mirad lo que hacéis con vuestro mundo, capullos, jejeje. Un 8,8.

NOTA: 8,8/10
RECOMENDACIÓN: Amantes de la ciencia ficción.
DURACIÓN: 92 min.
AÑO: 1951
Ficha en IMDB



2008/10/10

Estreno: "IRIS"

Sin más dilación os traigo nuestro último cortometraje, "Iris". Honestamente estoy feliz de poder decir que está terminado, intentaré ser breve. Ha sido todo un sueño rodar con Andrea (Clementina Gades) creo que le debo mucho por dejarme contar una parte de mí en este corto, trabajar con ella ha sido increíble, ella es mi pequeña actriz aunque solo hayamos trabajado en un solo corto, espero que no sea el único en el futuro. Gracias también a Esteban, porque sin su apoyo ( aunque no aparezca dentro del corto físicamente) esto no podría haber salido jamás, a Eulogio, grande como siempre y Charly por su pequeña pero gran aportación. Partir de la idea casi obsesiva de terminar "Iris" , ambiciosa en cierto sentido, me hace plantarme un descanso en Luigi Arts, quizás nunca haga una historia tan intensa y creo que este corto cierra un círculo en nuestra productora que será muy difícil de superar. Es tiempo de reflexión y de pensar en la grata experiencia de haber rodado "Iris", con sus pros y contras, es algo que nunca olvidaré. Gracias por verlo.


Sinopsis: Iris (Clementina Gades) es el día y la noche para el escritor Javier Plaza (Luigi R.p.) que adulado por la idiosincrasia onírica de Iris, encontrará la manera de descubrir no solo la verdadera realidad de su obsesión, sino, el camino a seguir y el mundo tras la dulce Iris...

Cortometraje "Iris":

.Versión Online:

. En Vimeo (de una pieza y en Alta calidad): VER AQUÍ
.En Dailymotion (de una pieza): VER AQUÍ

.En Youtube (En dos partes)
- Parte 1
- Parte 2

.Versión Emule: AQUÍ
- WMV,720x576 Sonido: Stereo

CONTENIDO EXTRA:

. Audiocomentarios del director: AQUÍ

. Una mirada a "Iris", Cómo se hizo (30 minutos): AQUÍ

. Tomas Falsas de "Iris": AQUÍ

. Banda sonora del cortometraje [descarga directa por rapidshare]: AQUÍ

. Banda Sonora del cortometraje [ParaEmule]: AQUÍ




2008/10/09

Nuevo film de Futurama

El día 4 de Noviembre se pone a la venta directa en DVD (también en nuestro país) la nueva película de Futurama, "Bender´s game". Este telefilm (que espero que algún día se dignen a emitir en nuestro país) es el tercero de un total de cuatro nuevas películas (que equivalen a la quinta temporada de la genial serie original) que se les prometieron a los fans. La primera fue una genialidad, la segunda estaba correcta sin más, veremos con que nos sorprenden ahora. Podéis ver el trailer a continuación:



"2 días en París": Choque emocional (sociocultural)

Magnífica ópera prima de Julie Delpy que dirige, protagoniza, produce, edita y escribe la música de "2 días en París". Una historia que cuenta por así decirlo, la salida de la rutina y el declive casi emocional de una pareja que llega a París tras un largo viaje en Italia. A primera vista el film deja muy perfilados a los dos protagonistas solo con los excelentes diálogos (muy "Woodyallenscos") y el neurotismo de ambos como pareja. A partir de ahí, Delpy se suma a la comedia fresca, ingeniosa, puntillísta y hasta crítica. Un choque también socio-político entre Francia y Estados Unidos, e intelectual por otro lado, el guión funciona y engancha al espectador a partes iguales. Quizás la segunda mitad, donde el declive se vuelve melodramático parece incluso ser bastante completo, aunque se atisba la sensación de vacío al final, pero quizás la manera epifánica (todo el rollo de las hadas, o el monólogo final de Delpy en voz en off) no obstante los aplaudo, ya que muestran una visión fresca, original y natural de acabar un film que podría calificarse de comedia romántica en París (donde no se pone el amor como cliché cinematográfico, sino como análisis o destrucción del mismo), con buen guión, con muchas ganas, y sobretodo con fuerza.

En el reparto, destacar a la pareja protagonista, la propia directora se dirige a sí misma, Julie Delpy, la desinhibida y excéntrica carga de feminidad, pasando por la locura transitoria de un personaje bastante complejo, neurótico, y a su vez sencillo de comprender, un análisis de la mujer perdida y equilibrada en un mundo burgués y superficial (tal y como dicen en el film), buen papel también el de Adam Goldberg, su inocencia, incomprensión y sus toques irónicos ponen la guinda del pastel dentro de la película, genial aportación, para mi de lo mejor. Destaco también al propio padre de Delpy que hace de su padre también en el film, un papelón que saca la carcajada en cada escena y que Albert Delpy interpreta bastante bien. Aleksia Landeau también aparece (y desaparece a partes iguales) con un pequeño papel que le queda bastante acertado. En general, un reparto muy acorde al libreto del film que representa muy bien lo que quiere transmitir. Y en la dirección, la propia Julie Delpy se mueve bastante bien con la técnica, el uso de la cámara en mano es casi constante (aunque haya algún que otro movimiento sutil con la steadycam) y le da cierto toque "realista" y de documental a la película, sin ser agobiante o mareante, con lo cual chapó.

Julie Delpy, se cocina entero su film, quizás por eso casi que en su totalidad sea su visión al completo de lo que cuenta, ya que también edita y pone la partitura, banda sonora que por cierto, pasa totalmente desapercibida en mi opinión, el montaje es bastante correcto y acertado, muy buen ritmo. Lo que destaco: La frescura del guión y los personajes. Lo que menos destaco: Que carezca de picos de giro en el guión, todo está bastante igualado, pero tampoco es una carencia importante. Escenas: La parte inicial donde se presentan y se ponen en situación a los personajes, es bastante rápida, clara y directa. La secuencia en el metro con el tipo extraño (para partirse), las escenas donde el padre de Julie Delpy hace de las suyas, en la comida al principio, o en la galería de arte. La parte final, donde el personaje de Adam Goldberg es aconsejado en un Burger, genial, y toda la discusión del final, el choque emocional de los dos personajes y el relato en voz en off que pone los bellos de punta y el colofón final para los que creen que el amor tiene matices para analizar, por mi parte, gran análisis de Delpy, lo comparto totalmente. En general, un film necesario y recomendable, acertadísimo en su manera de exponer "la historia de amor", fresca y ácida, genial para dejarse llevar y disfrutar del París cinematográfico, siempre tan bello y sutil, a la vez que infernal y edulcorante para muchos de los protagonistas. Un 9.

NOTA: 9/10
RECOMENDACIÓN: Los que busquen comedias románticas con buen guión. Ver en V.O.S.E
DURACIÓN: 96 min.
AÑO: 2007
Ficha en IMDB



2008/10/04

"Saló o los 120 días de Sodoma": Sacaremos tu alma

Segundo Film de Pier Paolo Pasolini que visiono, trás la correctita "Accattone". "Saló o los 120 dias de Sodoma" es un film de terror puro, impactante, único, visceral, directo y que no se anda con rodeos para mostrar lo que quiere, el genocidio torturador y fascista de una casa de locos donde se practican todo tipo de barbaridades, los que de verdad sufren dentro del film, las víctimas y sobretodo el propio espectador, que se mete en la historia de lleno. Algo diferente en el guión, no se anda con rodeos y el propio Pasolini se basa en la visceralidad de cada imagen para retratar la barbarie de la manera más impactante posible, redunda, si, pero con un sentido de la claustrofobia que pocos films pueden conseguir. Lo que impacta es sin duda como se puede llegar al punto de que el ser humano degrade absolutamente todo lo bello, una cosa como el sexo, aquí se muestra de manera despectiva (dicen que el sexo representa la entrega total del alma humana, aquí la arrancan de un tirón de manera dantesca y bizarra) , cuando parece que se atisba un pequeño deseo de positivismo y humanidad, Pasolini se lo carga de raíz (lo que lo hace incluso más dura y humana a la vez) y va más allá en cada punto, desesperando por la injusticia, y cerrando el film de la manera más sarcástica y con más mala leche del mundo pesimista, con dos pelotas. La sobrecargada estética del film, convierten en cierta metáfora el concepto de libertad, y todo lo que lleve a este punto conduce a la muerte, de aquí, la belleza está también dentro, como no, Pasolini tiene sutileza hasta en el momento más brutal. En líneas generales, estamos ante uno de lo guiones más viscerales, atípicos e impactantes que se han escrito sobre el holocausto humano, por otro lado, no estamos ante un guión redondo, los diálogos funcionan, pero son realmente teatrales y demasiado cuadrados a veces, aunque correctos. El reparto, en general (ya que la mayor parte son actores no profesionales y desconocidos) está bastante a la altura y todos convencen, destacar el papel de la narradora de historias en la sala de las orgías, o el de la pianista (el que más se comunica con el espectador), o la de la chica que llora la muerte de su madre y que sufre como la que más dentro del film.

En la música, el gran Ennio Morricone a la batuta, aunque no tiene demasiada presencia, aporta buenos temas (cuando aparece) y está bastante acorde. En cuanto a la dirección de Pasolini, su técnica es sencilla pero muy efectiva. El poco uso de escenarios (todo ocurre en 4 o 5 decorados) está muy bien utilizado, la realización de cada secuencia está bien llevada, con un buen ritmo (aunque arranque algo descolocada) con planos de composición elegantes, muy pictóricos y llenos de vida estética. Pasolini en ocasiones usa la cámara en mano en algunas secuencias quizás para dar más dinamismo, aunque a veces choque un poco. El montaje es bastante bueno, no se hace pesada (redunda en temas similares, pero lo hace a conciencia para rebajar la mente del espectador y dejarlo a merced del film) y lleva un buen ritmo. Lo que destaco del film: La visceralidad y franqueza de algunas partes, que exprimen la denigrancia humana hasta tal punto de apartar la vista en varias ocasiones, un ejemplo, el capítulo donde los excrementos humanos son plato para degustar (tremendo), o las torturas finales, a cada cual más cruel y realmente sobrecogedoras, donde el espectador se siente verdugo de lo que está viendo a través de los prismáticos que muestran la escena. Algunos momentos sutiles donde la belleza pone los pelos de punta entre tanta barbaridad ( Las caricias de la chica y el chico que son casados a la fuerza, el suicidio de la pianista en un canto a la libertad tremendo, las dos chicas a las que pillan teniendo sexo para consolar su dolor mutuamente). Lo que menos me gustó: Nuevamente como me pasó con "Accattone", el final es demasiado brusco y de una mala leche sarcástica tremenda, comprendo el pesimismo de Pasolini, pero creo que el final es tan arriesgado y chulesco que cuesta seguirlo con buenos ojos después de todo lo que se ha contado dentro del film. Los diálogos son rígidos, pero bastante pasables. Redunda en ocasiones y es explícita, aunque en ningún momento me parezca que no se justifique todo.

Cinematográficamente no es una obra maestra, ni tampoco lo pretende, es un film atípico, que recomendaría al cinéfilo abierto y dispuesto a ver algo que no verá jamás en su vida, algo impactante, duro y terrorífico. Un Pasolini desatado psicológicamente que nos muestra una vez más, el horror, la tragedia y la injusticia, tan injusto como que esta fuera su última obra. un 8,7.

Crítica dedicada al señor Carlos que lleva ya unos años dando la brasa para que viera la peli, jeje.

NOTA: 8,7/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos abiertos a todo tipo de experiencias...
DURACIÓN: 111 min.
AÑO: 1975
Ficha en IMDB