2009/04/22

Y asi fue la participación de "Iris" y "Desconocido"

Ayer Martes 21 estuvimos presentando a concurso nuestros dos cortometrajes seleccionados, "Iris" y "Desconocido", que se proyectaron junto con un buen número de videocreaciones del festival de Málaga en el segundo día de concurso. Decir por mi parte que la experiencia ha sido impresionante, el apoyo de los conocidos, de conversaciones con otros creativos, la experiencia dentro de la sala, las entrevistas, los "photocalls", los abrazos, los aplausos, en fin una pasada que aunque salga con cara de "pillao" en todas las fotos, pues disfruté mucho, una experiencia creo que irrepetible para el equipo de Luigi Arts. Dar las gracias a los miembros del equipo que alli estaban ayer: Esteban, Eu, Andrea y Jessica, y los que no también, estabais alli de algun modo. Ya ganar algo la verdad me da bastante igual (de hecho el último chivatazo que tengo es que el jurado ya ha dado el fallo a los cortos, asi que... me quedo más tranquilo), creo que hemos ganado mucho espiritualmente con este genial día, gracias a todos. Os dejo con alguna otra foto de la prensa y con un vídeo del photocall ese, jejeje.



2009/04/15

"Crash" (David Cronenberg): Chatarra psicótica

Me sigo acercando al peculiar cine del señor David Cronenberg (vi pocas, pero para mi "Promesas del Este" sigue siendo genuina en todos los sentidos), esta película que nos ocupa "Crash" es un redundante (en el buen o mal sentido depende de quién la vea) análisis de la fría y perdida sociedad de nuestro tiempo, desde un prisma bastante raquítico, visceral y sucio por parte de Cronenberg. Una noche James Ballard estrella su coche contra el de Helen. Ambos son ingresados en un hospital tras haber experimentado una extraña atracción el uno hacia el otro momentos después del choque. Tras el accidente, en la vida de James se abrirá una nueva puerta que le conducirá a un mundo prohibido, dominado por un oscuro juego de peligro, sexo y muerte. Guión del propio David Cronenberg, que adapta la novela original de James Graham Ballard en formato cine. Como ya he dicho, la historia parte de una unanimidad fría, atípica y una atmósfera un tanto estridente. Cronenberg mezcla la muerte y el sexo alabando la metáfora de una sociedad perdida, decadente y descarrilada, que se ve inmersa en instintos más que en posiciones o mentalismos profundos. Esto a priori puede disgustar al espectador, pues el equilibrio lleva bastante a la psicosis o la sugestión, estamos ante el cruce de mostrar la visceralidad del sexo y ensuciarla con la visión del peligro, la sensación de muerte. Es curioso, porque el film, guste más o no en su argumento (que tiene, aunque se pueda recrear demasiado en sus dos puntos claves sin ir mucho más allá, el sexo y el morbo psicótico) saca cosas de la mente del espectador. Inevitablemente tengo que sincerarme ante el libreto y el modo, pues el film excita con mostrar lo desagradable del alma humana, demostrando que dentro de cada ser, hay mentalidad oscura, tenebrosa, calculadora, instintiva, animal e incluso ofensiva. Es lo que hay, quizás el mensaje anárquico que respira el film, radicalize en cierto sentido las críticas, o te gusta, o simplemente no compartes o no llegas a lo que se muestra. En mi caso, empatizo en momentos y desgloses de mensajes impresos en la trama, pero me resulta ciertamente redundante en muchos momentos (aunque menos más que el film no sobrepasa la hora y media, sino a ese ritmo argumental sería algo más repetitiva seca y fría de lo que ya es) y aunque recrearse también está bien dentro de un contexto, creo que no profundiza demasiado en sus personajes, más bien en las frías acciones (como pasaba en esa película inferior a esta cinematográficamente hablando pero que me viene a la cabeza por la temática parecida, "9 Songs" de Michael Winterbottom). Quizás este sea el cometido del guión, si es así, conseguido: El sexo, la chatarra quemada y la perdición anárquica de esas mentes que se ven en el film, representan la sociedad de hoy en día, hipócrita, banal, visceral, superficial y animal.

Reparto centrado en unos pocos actores, puntualizo que quizás el mejor perfil actoral lo tengan los secundarios del film, muchos más interesantes que los principales. Por ello, el protagonista, interpretado por James Spader, es un personaje desaprovechado al máximo, lo único que hace es dejarse llevar por el resto de personajes y contar la historia a través de ellos, no de él, el actor no lo hace mal, pero en ningún momento el público empatiza con este personaje, mucho más perdido que el resto. El mejor sin duda es este genial actor secundario de Hollywood, el personaje de Vaughan interpretado por Elias Koteas, que puntualiza la excentricidad y psicosis de un personaje extraño y obsesionado por los accidentes, que busca la muerte por sus propios métodos y la representa con grandilocuencia, genial, el mejor del film como ya he dicho. Destacar algunos papeles femeninos, dispuestos a generar todo tipo de sensaciones sexuales, ya sean provechosas, deleznables, repulsivas o estridentes, ahi tendremos a la guapísima Deborah Kara Unger, fumadora femme fatale de necias acciones perdida en una inmensidad tremenda, de no saber quién es, de no saber encontrarse en la vida (la escena final justifica lo que digo, y cierra con cierta mala leche misógena por parte de Cronenberg, cosa que me hizo soltar una carcajada), buen rol. Rosanna Arquette también tiene un pequeño papel (hay una escena que mantiene con el protagonista que realmente..., en fin no sabría definir lo repulsiva que me pareció, muy conseguido su papel), o por ejemplo Holly Hunter, que tiene un papel bastante extravagante e irreconocible. En general, un reparto seco, frío, pero que tiene algún momento curioso, mención aparte para el comentado Elias Koteas.

En el apartado de dirección, Cronenberg acierta bastante bien, pues lleva con buen pulso las secuencias de un guión bastante distante, y pone la carne en el asador cuando requiere que el público atienda en algunos pasajes. Por un lado, muy artesanales las escenas rodadas en los coches, los accidentes son claros (no hay cámara mareante ni artificios para ocultar carencias narrativas) y al igual que las escenas de sexo (que están bastante bien rodadas) todo es muy visceral y directo, la buena ambientación con colores muy fríos recrean un film muy extraño (me vienen a la cabeza dos películas con este síntoma, "Mulholland Drive" de David Lynch, y "La Ley de la calle" de Coppola) buena dirección de Cronenberg. La música original es del conocido Howard Shore, que compone unos temas muy interesantes y distorsionados, que van perfectamente con la película, genial.

En reglas generales, no sabría catalogar el film, pues no es mala película, pero tampoco es esa obra maestra que dicen algunos. El film, es ante todo, muy curioso, pues quién la vea sacará cosas, y el que no lo haga, pues sencillamente no conectará con las imágenes sin mucha más importancia, así que es un film bipolar, para mi, curioso, aunque se recree y redunde un poquito para ser tajante (algunos films no necesitan esto la verdad) como ya he dicho. Un 6,5.

NOTA: 6,5/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos abiertos a todo tipo de ideas. Ver en V.O.S.E.
AÑO: 1996
DURACIÓN: 96 min
Ficha en IMDB

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"Rosemary´s baby": Conspiración

Roman Polanski iniciaba su carrera Norteamericana rodando un film mítico, que ha pasado a la historia por narrar una terrorífica historia a través de la senda dificil, la sutileza, la psicología y el lenguaje cinematográfico en estado puro. "Rosemary´s baby" (titulada horrorosamente en España como "La Semilla del diablo") nos presenta a Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) y su esposo Guy (John Cassavetes) que se mudan a un lujoso apartamento en Nueva York. Allí conocerán a sus curiosos y entrometidos vecinos, los Castevet (Ruth Gordon -ganadora del Oscar® a la mejor actriz secundaria- y Sidney Blackmer). Pero cuando Rosemary se queda embarazada, comenzará a sospechar que todos los que la rodean están tramando algo siniestro para ella y para su bebé nonato. El libreto cinematográfico lo firma el propio Roman Polanski, basándose a pies juntillas (fue minucioso en adaptar bien hasta cada detalle decorativo de los sets) en la novela literaria realizada por Ira Levin. El guión parte de una base dramática, pues grave error es catalogar el film dentro de una película de terror al uso, pues no lo es en absoluto. Polanski traza una línea muy compleja en lo que se refiere al uso cinematográfico para sorprender y aterrar, hablo de la sutileza, el uso del suspense a través del lenguaje narrativo muy arraigado en el perfil de los personajes, el diálogo y la evolución dramática de las situaciones, teniendo un culmen bastante atípico, frío y desolador, quizás como nunca antes mostrado en un film, siendo referente en muchos sentidos, original y curiosa. Polanski se obsesiona de nuevo con la sociedad conspiradora (luego lo mostraría para mí con más acierto en la genuina "El quimérico inquilino" que comparte muchos puntos similares con este film), poniendo la claustrofóbia ante todo lo demás a su protagonista (Rosemary) y cargando las tintas al mareo de la perdiz, el espectador se pierde con Rosemary, se asfixia con ella, y no sabe realmente lo que pasa hasta el final. Quizás la única pega del libreto sea que se juege a estirar demasiado el chicle y se pierda la frescura inicial, esto ocurre en mi opinión claramente en una escena justo antes del giro final, cuando Rosemary parece "salvarse" de su comunidad conspiradora y acude al doctor en el que confiaba, aqui parece ser evidente que Polanski quiere confundir más aun al público con algo quizás sobrante y dejando que el aire entre en la mente del espectador, se pierde un poco el efecto sorpresa, aunque, se recupera en un desenlace tan estremecedor como pesimista, genialmente resuelto y quedando como referente en la historia de los finales del cine. En reglas generales un guion muy bien escrito, que juega con puntos muy difíciles entre el drama, el suspense y el terror psicológico sin mostrar absolutamente nada, lo consigue porque se la juega en muchos momentos, acierta, es un guión único en su tiempo e incluso hoy en dia, nadie ha conseguido lo que Polanski se propuso: Narrar una historia aterradora y estremecedora sin artificio alguno, solo puro celuloide vírgen.

El elenco de actores es sumamente importante en "Rosemary´s Baby", ya que las actuaciones llevan la película, decir que es un film de actores sería mentir, pero si que es cierto que es uno de los pilares básicos para modelar la excentricidad y el buen hacer del film. Por un lado papelón de Mia Farrow como Rosemary, totalmente acertada y diría que uno de los papeles más destacados de su filmografía. La Farrow se mete de lleno en un personaje que muestra gestos, miradas y hasta cambia de aspecto físico, en una evolución que sorprende por su tremendismo final, donde la ingenuidad pierde a ritmo de conformismo y desolador paisaje dramático, tremendo. El personaje del marido Guy Woodhouse, lo interpreta un misterioso John Cassavetes, que va demorando un papel con varios escalafones, muy preciso y en realidad, el verdadero apoyo del público para empezar las sospechas y el suspense, un personaje importante y esencial dentro de la película, que funciona a la perfección, Cassavetes impone y parece cómodo en cada escena. Mención especial para los tremendos secundarios, la ganadora del Oscar por este papel, la actríz Ruth Gordon, que da juego al rol de la vecina de al lado, un papel que parece ser simpático en principio, pero que misteriosamente va cambiando de bando a lo largo del metraje,Gordon está estupenda, Oscar merecido. Como final, destacar el pequeño papel de Maurice Evans como Hutch, su presencia es bastante tranquilizadora y da un puntito de reflexión dentro de la película. Un reparto genial, muy centrado en las actuaciones dramáticas que ponen el punto a favor de casi todo el film, realmente destacable y disfrutable para los cinéfilos.

Curiosa la técnica de Polanski tras la cámara. Esto se ve con clarividencia nada más empezar el film, mostrando planos muy coloridos y guiando la cámara a través de las habitaciones con unos pocos cortes y muy precisos en la angulación (una escena, la de la foto de arriba, muestra la cámara a ras de suelo paneando de un lado a otro, para resaltar el cambio de atmosfera y el giro que tomará el film con respecto a los personajes, colcándolos metafóricamente hablando en una posición bastante atípica y no muy favorecerdora). Polanski se luce en el suspense (sobretodo en los 10 minutos finales, donde la cámara parece ser la propia visión de Rosemary y a su vez se intuye una leve influencia "Hitchcockiana") e impresiona en la famosa escena de la posesión, mostrando con efectos ópticos y de manera onírica este pasaje, bastante psicodélico y perfectamente rodado, pues impacta visualmente. Del resto, destacar el fantástico uso de la cámara en unos pocos interiores, pues siempre se utiliza al recurso dramático representado en los planos, cambiantes y muy pensados, como ya dije, la sutileza y el lenguaje de las imágenes crean el "terror", se riza el rizo y se juega acertadamente con conseguir este elemento, muy difícil, y que hoy en día (e incluso en la época del film) desgraciadamente no existe. La banda sonora corre a cargo de un amiguete que Polanski se llevó a Hollywood exclusivamente para este trabajo, Krzysztof Komeda compuso unos temas realmente inquietantes y genuinos, el tema inicial en la escena que recorre el famoso Dakota Building de Nueva York (donde curiosamente asesinarían poco después al mítico John Lennon y a la esposa del propio Polanski, la actríz Sharon Tate) con el coro de la propia Mia Farrow, en esa nana desgarradora que pone la guinda al recalcar el alma fría del film, la música es casi perfecta en todos los aspectos, aunque tampoco aparezca constantemente (más atípico aún en un film Hollywoodiense de terror, por ello que se confunda el género del film en sí).

"Rosemary´s Baby" es un film atípico e inigualable en todos los sentidos, consigue mucho con poquito, y se va perfilando poquito a poco a cada paso que da (como pasa en las buenas pelis) con un guión que sabe hacia donde va y de donde viene. Quizás personalmente el film sea comparable a otro del director con la misma tónica, "El quimérico inquilino", me parece que dentro del tema conspiratorio ese film jugaba con mejores bazas e inquietaba con momentos más sublimes, no obstante, este film iba antes, y Polanski rueda de maravilla, acierta más que aquel film en un guión mucho más elaborado, más redondo y eso sí, un final que remata la faena, que aterra, que encoge el alma, que se recuerda. Recomendable sin duda. un 10.

NOTA: 10/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E./ Amantes del buen cine.
AÑO: 1968
DURACIÓN: 136 min
Ficha en IMDB

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2009/04/14

Desde Arriba

Puff arriba del todo uno se aburre, se ve la visión de los ambiciosos en demasía. Encima me llevaba mis pensamientos y mi máquina de escribir para sentirme seguro, PEERO, me acabo de dar cuenta de que no tiene papel ni creatividad.

Yo me voy para abajo, se está bien observando. En Verano quizás te haga otra visita altas esferas, pero no pienso quedarme.

2009/04/10

"Iris" y "Desconocido" a concurso en el Festival de Málaga de Cine Español

Pues si, era la noticia que no me dejaban soltar hasta que no fuera oficial al 100% y así lo ha sido. Nuestros dos últimos cortometrajes, "Desconocido" e "Iris" han sido seleccionados a concurso para la 12 edición del Festival de Málaga de cine español . El equipo de Luigi Arts, yo incluido, estamos muy contentos y ya solo el hecho de que los cortos se vayan a proyectar en la capital y en un festival de tanto renombre pues nos entusiasma más allá de pensar en el premio y esas cosas. Será una experiencia para recordar y estoy seguro que es algo único, así que os damos las gracias a todos y os invitamos el día 21 de Abril a las 19:00 a la proyección de los cortometrajes (y supongo que a votar los cortometrajes favoritos) en el Centro Cultural Provincial de Málaga, situado en C/Ollerías (está a la salida de C/Carretería y cerquita de Tejón y Rodríguez). La entrada tengo entendido que es gratuita, así que allí estaremos para permitirnos soñar con nuestra ilusión un poquito más. Podéis ver la selección de cortometrajes de nuestra categoría pinchando aquí, los cortos tienen hasta una curiosa ficha técnica en la web del festival. La verdad, no me lo esperaba, que ilusión y que sensación extraña tengo a la vez, jeje, creo que esto ya es mucho, habrá que disfrutarlo.


2009/04/01

"La escafandra y la mariposa": Vida subjetiva

Recuerdo en la gala de los Oscars del 2008 la buena acogida que tuvo este film francés co-producido en Estados Unidos ni más ni menos que por Kathleen Kennedy (habitual de Spielberg), "La escafandra y la mariposa" es un film durísimo y bastante desgarrador narrado con un prisma bastante diferente de Julian Schnabel. El guión cuenta la historia (basada en hecho real) de Jean-Dominique Bauby, carismático redactor jefe de la revista francesa Elle, que sufrió una embolia masiva. Después de pasar 20 días en coma descubren que es víctima del locked-in syndrome (encerrado en sí mismo), por el que queda totalmente paralizado, sin poder moverse, comer, hablar ni respirar sin asistencia. Jean-Dominique es prisionero de su propio cuerpo, siendo sólo capaz de comunicarse con el exterior mediante el parpadeo de su ojo izquierdo. Forzado a adaptarse a esta única perspectiva, Bauby crea un nuevo mundo a partir de su imaginación y su memoria. Y con esa tesitura el libreto se mueve por terrenos fríos y distantes para el espectador, aunque dando de lleno en el mensaje principal, el afán optimista por admirar la belleza interior de la propia vida, de las palabras leídas una por una y significando todo, del amor por revolotear imaginativos en nuestro mundo, apartando la dura realidad en una claustrofóbica vista subjetiva que mete aún más al espectador dentro de los pasajes (algunos llenos de nostalgia, otros de dureza, crudeza y desaliento, otros con cierta simpatía y comicidad muy bien suministrada...).

Pasajes que van bien encaminados, pues la historia se sigue con ímpetu pese a la parsimonia dinámica de todo el libreto o del propio montaje fílmico. No obstante, el mensaje sobre la vida, sobre metaforizar el sufrimiento y el color en partes iguales (pues el film está lleno de imágenes que simbolizan la mente del protagonista, aunque realmente pienso que no hacía falta, por ejemplo, llevarnos a lo abstracto, me refiero a esas imágenes imaginativas en ciertas partes que hacen que el film arranque en cierto sentido la buena congoja dramática climática al espectador). Los diálogos funcionan, sobretodo en los momentos de antología, esos por ejemplo del inicio, donde la voz en off tiene un papel fundamental, a medida que pasa el film, parece que todo fluye de manera más intuitiva y lírica, así que los pasos del libreto se ven un poco a la legua, y es aquí quizás, su parte final, la que parte de poca garra, una garra que lleva durante casi todo el metraje. Pues la metedura (y lo digo así porque no funciona en mi opinión) de la parte religiosa es un tanto contradictoria, el pasaje de Lourdes está justificado, pero en cierta medida el film lleva un camino aquí espiritual nada recomendable, cuando antes no se lo ha tomado demasiado en serio como para que el espectador desee ser tolerante y reminiscente con este tema espiritual. Los secundarios son geniales, y otros papelitos como el del padre del protagonista, podrían haber tenido una relevancia un tanto mayor, aunque se perdona. Resumiendo, buen guión (evitaré compararlo en menor medida con "Mar adentro" porque no quiero decir esto, mierda lo he hecho...) con un inicio genial, un nudo que se mantiene bien alto (destacar la parte de la playa, de lo mejor del film, de una belleza especial), con un desenlace algo predecible, carente de la fuerza inicial (aunque el pasaje donde el protagonista y su hijo van en el coche, viéndose el "suceso" es bastante asfixiante y bien logrado para la tensión dramática del film, quizás lo más reseñable de la parte final).

Reparto lleno de personalidades conocidas del cine francés. Para empezar, el personaje principal, interpretado por un genial Mathieu Amalric (lo hemos podido ver como villano Bond en "Quantum of Solance") que se mete en la piel de este hombre, y aunque se vea poco su rostro, todos formamos parte de su personaje y su vida, genial. Le acompaña su ex-mujer, la preciosa Emmanuelle Seigner que aporta tan solo con sus miradas, su rostro, su pelo, sus ojos una ternura y una compresión de feminidad superiores que dan mucha vida al film. Secundarios de lujo, las asistentas del protagonistas, una la que le enseña a comunicarse, genial papelón de Marie-Josée Croze (esta actriz la recordarán de la famosa asesina de "Munich" de Spielberg) que mantiene quizás algunas de las mejores escenas de la película. Anne Consigny interpreta a la otra doctora, quizás un pelín menos aprovechada que el resto, pero correcta. El siempre genial y reseñable actorazo de la inolvidable "El Séptimo Sello" o "Minority Report", Max von Sydow, que tiene una pequeña aportación, pero sus dos escenas son realmente geniales. Por último no me olvido del correcto papel de Marina Hands como la amante del protagonista, en un segundo plano, pero presente en la parte final del film. Un reparto muy bueno que funciona perfecto dentro de la película.

Es curioso ver como está rodada la película, quizás el punto fuerte para que el film pase más reconocida entre las mentes que la vean sea por la dirección tras la cámara de Julian Schnabel y la atípica fotografía de Janusz Kaminski (otro habitual de Spielberg). El uso casi impuesto de la cámara subjetiva que hace partícipe al espectador como si fuera el propio ojo del protagonista es original, y a su vez claustrofóbico, efecto que puede gustar a unos y alarmar a muchos otros cinematográficamente hablando, pues la película usa este recurso en casi todo el metraje, y el film dura casi dos horas. Lentes distorsionadas, algunos planos borrosos, cortes precipitados a lo "nouvelle vague" y colores fríos para retratar el universo del film, a mi el supuesto abuso de la cámara subjetiva incluyendo que casi todo está rodado con cámara en mano y bastante amateur (eso si, hecho a propósito y bien planificado) me parece un punto muy a tener en cuenta para que el film tenga estilo y sea bastante diferente u original, por mi perfecta dirección, muy impactante, directa y en total complicidad hacia el espectador, que incluso queramos o no, nos metemos en la piel (literal) de cada escena que sufre o vislumbra el protagonista. Destacar el montaje, muy bien resuelto, sobretodo sorprende mucho el principio, con esos créditos iniciales y la primera escena en el hospital. Música original (y no original con temas muy bonitos, todo sea dicho) compuesta por Paul Cantelon, muy intimista (hasta a veces se pasa de tanta simplicidad y sentimentalismo, pero bueno) aunque para mí destaca mucho más las canciones no originales que van en momentos muy determinados dentro del film.

"La escafandra y la mariposa" antepone ante todo, no un drama psicológico para el espectador, sino más bien, ganas de vida, medición de momentos humanos y una reflexión introspectiva en todos los sentidos. Un film de realización curiosa de ver, original en algunos momentos y también predecible en su final, aun así, buen film. Un 7,7. Ah por cierto, para los "frikis", que me los veo venir ya, el señor Lenny Kravitz tiene un pequeño papel en el film.

NOTA: 7,7/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 112 min
Ficha en IMDB

Trailer en Youtube



Encuentros con la banda sonora

Si disponéis hoy de unos 12 minutos libres, pulsad el link sonoro de abajo y disfrutad de una pieza única del maestro John Williams, procedente de la genial banda sonora y película del maestro Steven Spielberg, "Encuentros en la tercera fase", sin palabras, genial.