2009/11/23

Repetición

Hablaré hoy quizás de una banalidad, dirán, este texto se queda en la superficie. La vida señores y señoritas, está escrita y basada en hechos banales de gran calibre. Es por eso que la personas buscan parecerse a aquellas que admiran, buscan el contrario para amarlas, para llenar su propio vacío, y cuando se dan cuenta de que esa persona es perfecta, es idónea, resulta que se va como ha venido, dejando de nuevo el vacío. Es curioso, porque después seguiremos buscando la repetición, la rutina de las caras, de las personalidades, para estar bien con nosotros, pero ojo, si es como nosotros, huiremos en estampida. Incluso decimos: Ese gilipollas es como este otro gilipollas, e incluso peor que aquel gilipollas, para poder catalogarlo. Si queremos a nuestros padres o madres, buscamos en el semejante algo que nos recuerde a ellos, algo a lo que buscar cariño. Si por el contrario huimos de ellos, buscamos lo opuesto, lo doloroso, lo no correcto, una desmedida de las circunstancias para sentirnos algo diferentes, vivos del equívoco hedonismo. Es inevitable decir que el ser humano puede no ser rutinario, cuando ves que alguien come siempre lo mismo, cuando dice las mismas idioteces, cuando piensas: cambiará, y sabes bien que nunca lo hará. Somos lo que somos y eso nos define bien, quien busque más allá entra en la gama de los soñadores con fechas caducadas, pues todo eso termina, pero lo otro permanece virulentamente en el día a día. Y así perdemos nuestro tiempo, buscando simplemente la repetición de todo, criticando los finales felices muertos de envidia, pues la tragedia es larga y continuada, extenuante, si habéis oído bien, placentera y extenuante. Y cuando abráis los ojos, ya será tarde para echarse atrás, en el caso de que los abráis y no veáis algo que os guste cuando en su día os gustó. Por el contrario, enhorabuena, le ha tocado la lotería y encima no había tongo, ¡Qué chollazo!.


"Away We Go": Una película para quedarse

Sam Mendes, es un señor muy inteligente. Si alguien busca buen cine contemporáneo y si encima se pregunta donde está el futuro del cine americano cuando ya no estén los grandes que aun siguen en pie, aquí tienen la respuesta. Este hombre ha logrado otra joya dentro de la reinvención de su propio cine, pero sin dejar de lado su sello, sus historias, sus elementos, "Away We Go" o "Un lugar para quedarse" es una maravilla, pues es una película entrañable, que sigue de manera más independiente (de hecho me ha sido imposible verla en la cartelera por la poca distribución de la misma en nuestro país...no comment....) el camino marcado por la maravillosa "Revolutionary Road", con otro tono, con humor pero a su vez con dureza, franqueza y sin pretensión, esto es cine señores. "Un lugar donde quedarse" es la historia de una joven pareja que va a tener su primer hijo, y que se dedica a recorrer los Estados Unidos en busca del mejor lugar para comenzar asentarse y comenzar como familia. Cuando Burt (John Krasinski) y Verona (Maya Rudolph) descubren que están a punto de tener un niño, sufren una crisis de pánico. No soportan el pueblo donde viven, y ahora que los padres de Burt se mudan de allí, pierden el sistema de apoyo con el que contaban. Ambos deciden entonces emprender un viaje en busca del sitio ideal para echar raíces y criar un niño. De paso, visitan a una serie de parientes y amigos. Algunos son absolutos excéntricos, otros son conmovedores, pero todos ayudarán a Burt y a Verona a encontrar su destino. Acabarán por descubrir que para crear un hogar, sólo se necesitan el uno al otro.

Y de ésta sencillísima sinopsis argumental, se podría definir el tono del film, eso si, el libreto de Dave Eggers y Vendela Vida tiene el encanto propio de contar una road movie diferente, basada en unos diálogos muy anodinos, magistrales, entrañables, llenos de comedia y drama que hacen que el público sienta debilidad por los dos fantásticos protagonistas. Una pareja joven que renuncia a casarse, que siguen sus propias leyes y normas, que no riñen, que se quieren, que viven el día a día desde una ingenuidad tan magnífica que hasta dan ganas de ir con ellos hasta el final, quedarse con ellos en ese lugar que buscan a través de diversas y esperpénticas personas cercanas a sus entornos (van viajando buscando la ciudad donde vivir, y es curioso donde acaba todo, toda una lección de sabiduría muy espiritual para aquellos que dicen que van a viajar, y viajar para sentirse libres y cultos en la vida, grave error... y Mendes lo representa con un elemento ya muy destacable de su cine, el agua, el mar...la libertad ante las puertas de casa...). Los secundarios aportan a la película un dinamismo curioso, hace que el público sea partícipe de la mentalidad de los protagonistas (las escenas del carrito de bebe es sencillamente perfecta para simbolizar la sencillez, la felicidad de la libertad expresiva o la cotidianidad de la felicidad humana con lo realmente humilde, como son estos dos personajes, tan maravillosos). La historia se pone en momentos, muy seria, tanto que llega con mucha más fuerza, pues la soledad, la muerte en lo que parece la perfección, o la pureza de lo que no se divisa se captan con unos tajantes momentos, el de la pareja que pierde el bebé es un ejemplo de la magnifica representación del libreto hacia el perfil de la vida en general, su análisis minucioso de como son las relaciones, las personas, la injusticia, la realidad. Una realidad que no obstante, no es puramente trágica como pasaba en "Revolutionary Road", ese film y este comparten puntos similares en sus contextos, pero son diferentes en la resolución y planteamientos más analizables, pues esta es mucho más optimista que aquella, siendo quizás más amplia en cuanto a emociones o sentimientos encontrados (Puede hacer reír, entrañar, llorar y estremecer por partes iguales), lo que está claro es que aquí no están DiCaprio y Winslet (digo esto no de manera despectiva, sino de cara a la popularidad...Mendes sabe lo que hace y porque lo hace, es inteligente al hacer esta película de ésta manera y ver las similitudes con "Revolutionary"), este film, o la historia en sí es para un público más introspectivo, más selectivo y concienzudo con la vida, eso es objetivo porque el film apenas está teniendo relevancia, ni de cara al público, ni en los cines, ni en general, cosa que sorprende ya de entrada, eso si, ambos tanto "Revolutionary Road" como éste, son sencillamente magistrales en todos los sentidos.

El reparto está francamente extraordinario. Los protagonistas, la parejita, Burt y Verona, interpretados por el televisivo y siempre fantástico John Krasinski ("The Office"), este chico me encanta en todos los aspectos, es genial, y su papel es adorable, humilde, sincero y uno se siente muy identificado a nivel personal con él. Igual pasa con el de la chica, Verona, interpretada por Maya Rudolph, toda una sorpresa de actriz, no tengo mucho más que dar elogios a la pareja de la película, son diferentes, son fantásticos personajes y actuaciones realmente conseguidas, hay que verlos para que formen parte de nuestros corazones casi al instante. Del coral reparto secundario, nombraría alguna cara conocida que si que aparece por ahí, una pequeñita intervención (genial por cierto) de Jeff Daniels y Catherine O'Hara, la extravagante aparición de Allison Janney (uno de los personajes más desternillantes y curiosos de la película a nivel secundario), o Maggie Gyllenhaal que aquí está bastante bien metida en un papel un tanto repelente, ya veréis, es genial también. Reparto centrado sobretodo en la pareja protagonista, pero la frescura, el humor, la rareza humana y lo esperpéntico lo aportan el dinamismo in situ del excepcional reparto coral de secundarios, muy bien elegido, cada uno aportando el elemento representativo que necesita la historia.

Analizando la dirección de Sam Mendes, uno llega a la conclusión ya comentada. Sam Mendes es un genio de las nuevas generaciones de directores que nos vienen de Hollywood, y si no al tiempo. El film está dirigido de manera natural, casi parece ir haciéndose improvisadamente, pero nada de eso, todo está muy bien medido, los encuadres son muy anodinos (Mendes se acerca más a un cine más social, más independiente, puramente americano pero sin olvidarnos de su estilo fílmico, que si que está, solo hay que ver el film, porque no se puede explicar en un papel), la fotografía es desaturada como el film en su globalidad, todo respira un aire frío pero muy muy acogedor, vuelvo al tema de que el film te va entrando hasta que te sacude y te llena de tal manera que hay que aplaudir la labor de Mendes, un director que me ha cautivado como nunca en muy poco tiempo con una filmografía diversa pero excelente, es un consuelo saber que aun existe la magia en el cine con los directores más actuales. La banda sonora, contiene en su mayoría, temas de un tal Alexi Murdoch, otro descubrimiento para mí, con una canciones sencillas pero bonitas, muy bien insertadas dentro del film. Aparecen también un tema de George Harrison, o dos de Bob Dylan (uno de ellos "Mr. Tambourine Man" lo canta la protagonista en una escena muy alegórica, donde la letra cobra un sentido especial, ya conocéis mi gusto por Bobby, lo cual incrementó mi emoción de esta escena en sí...). Como mención especial, destaco el montaje, muy directo, sencillo pero efectivo (que no efectista...) y muy dinámico, sin pararse en redundancias y tomando un camino realmente genial (cuando el film se acaba uno siente que ha pasado un ratito estupendo y da pena que se haya acabado tan prontito...eso es algo que muy pocas películas hacen sentir al espectador...).

En definitiva, una sorpresa, el film viene a demostrar que la vida se basa simplemente en ir conociendo el camino poco a poco, al ritmo que nos de la real gana, con libertad a ser no como los demás quieran o queramos copiar, sino compartir la emoción por lo desconocido, ser soñadores y la importancia de las raíces, de ver el hueco vacío y saber rellenarlo con la sabiduría de la belleza humana, que de vez en cuando existe, y cuando pasa, es por lo que de verdad merece la pena vivir. Mendes lo ha vuelto a hacer, me da una razón para ver que es un tío que te hace una adaptación de un cómic pero como él quiere hacerlo, que tiene a los estudios contentos, que te hace un peliculón de Óscar como "American Beauty" o "Revolutionary Road" y que encima remata la faena pasando por el cine americano puramente Indie, pero con todos sus elementos. Mendes en un tipo libre y curioso, como los personajes de sus películas, libre pero preocupado por vivir, por mostrarse altruista, humilde, pragmático, un maestro (o por lo menos para mí lo es ya con todas las letras). Y es asi, amigos, como nace una joya, un 10, veremos lo que sigue, porque el señor Mendes ahora se enfunda de nuevo otra faceta, la de adaptar un cómic fantástico...¡¡¡Qué cosas!!! Amo a este cineasta, ¡Cohone!.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Pasar de "Crepúsculo", en definitiva, del cine facilón y superfluo para ver una autentica PELÍCULA como ésta. Recomendable en V.O.S.
AÑO: 2009
DURACIÓN: 98 min
Ficha en IMDB
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2009/11/18

"Camino": La Cenicienta

Siempre he pensado que Javier Fesser, es uno de nuestros directores más geniales, y también bastante infravalorado por el público en general. Su cine es pura maestría, y con cada película, este hombre se reinventa. Fesser filmó la que fue la mejor película española del año para la academia (con la que por una vez estoy de acuerdo, ya que todavía pienso que lo de Jaime Rosales fue un chiste de parte del Ministerio de Cultura), "Camino", y no solo la mejor del 2008, para mi, también una inteligentísima película que podría estar entre una de las mejores pelis españolas de la década. "Camino" cuenta una aventura emocional en torno a una deslumbrante niña de once años, muy religiosa, que se enfrenta al mismo tiempo a dos acontecimientos que son completamente nuevos para ella: enamorarse y morir. "Camino" es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella, y que pretenden en vano sumir en la oscuridad su deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz. Inspirada en la verdadera historia de Alexia González Barros, la hija menor de una familia perteneciente al Opus Dei, que falleció en 1985 a los 14 años de edad, y que actualmente está en proceso de canonización. El guión, lo firma también Javier Fesser, perfectamente escrito, rematado e hilvanado (bonita palabra para enmarcar la última mitad del film). Empezaré a comentar los dos temas centrales en los que se debate el film, muy interesantes, y de como uno deja en "bragas" al otro de manera sorprendente. Bien es sabio la cierta polémica religiosa que ha levantado el libreto de Fesser, bien es cierto también que a la familia de la protagonista real no ha quedado satisfecha con el film, con estos datos, digo: Fesser ha dado en el clavo con todo y me explico. El film narra la tortuosa enfermedad de una niña normal, alimentada por los extremismos de su madre una sesgante religión cristiana, tema recurrente del que ahora os hablaré, pero dejadme que os diga que lo principal, lo esencial y lo que verdaderamente distingue a los que la critican por su falta de respeto a la religión (erróneamente) a esos otros que sabemos bucear en el lenguaje de los sentimientos, de las imágenes y de la belleza de la ilusión de una niña a la que la vida le parece un sueño cuando peor lo está pasando es para quitarse el sombrero ante tal canto a la vida, la ilusión, la magnificencia de enamorarse de lo esencial. Fesser hace un juego interesante de palabras, mezclando esto que os digo, con ciertas reminiscencias a "La Cenicienta" de Disney ( Presente en el subtexto de la propia historia y de la protagonista, sutil alegoría de la tragedia a través del cariño hacia esa magnífica película de Walt Disney a la que Fesser homenajea de la mejor manera posible) con todo lo que conlleva el tema del Opus Dei, y la religión, siempre el verdadero problema.

Aquí estamos viendo como este elemento (eso si, criticado de manera inteligente, sin caer en la demagogia y siendo totalmente magistral a mi juicio) es la principal decadencia a la ignorancia del ser humano, al rechazo directo de la vida en sí por la radicalización y dedicación a Jesús, Dios y la madre que los parió. Es el elemento agobiante del film, recurrente sí, pero necesario para ver con nuestros propios ojos como se puede manipular la ingenuidad de una niña, como se le puede ir la perola a una madre, y como un padre humilde, inteligente y entrañable intenta poner orden dentro del caos, terminando como siempre, en la injusticia de la vida. Fesser no se mete con la religión, simplemente hace un paralalelismo muy interesante con todo lo que rueda. De hecho se queda con el público en el inicio del film, donde nos preguntaremos del porque tanta exageración por buscar a "Jesús" y del mal uso mediático de los curas que acompañan a la niña en los últimos momentos del film. Todo cobra fuerza, emoción en los giros del final, donde Fesser firma con garra, determinación y pulso, todo un canto a la libertad. Camino es la verdadera cenicienta, digo verdadera, porque es una Cenicienta anclada a una realidad palpable, fría, ignorante y asfixiante con casi todo lo que le rodea, el amor, su ilusión por amar cada detalle es lo que realmente destaca el guión, la imaginación de una niña que quiere verse mejor, lo hace dentro de su ficción (algo tan bello y tan cinematográfico que me siento totalmente integrado en este mensaje), el resto, la religión, es un obstáculo. Fesser no se mete con la fe (de hecho ésta película es pura fe por los sueños y la magia ante la imposibilidad), un ejemplo claro es una de las mejores escenas que recogue el film: Camino está muy enferma y su padre la graba en la sala del hospital. La niña empieza a decir que ve al demonio en la habitación y la madre rápidamente reza para que la niña (medicada y por supuestisimo, muy sugestionada por la constante insistencia religiosa de su madre) deje de verlo. Más tarde dice que en el mismo sitio donde vio "sombras", ahora ve a Dios sentado, diciéndole al padre que lo grabe con su cámara Súper 8. Momento que la cámara captará justo en las últimas imágenes de la película con un asiento vacío rodado por el padre, seguido por un corte en negro. Dios no existe porque a Dios no se le ve por ningún lado y lo que no vemos se escapa de lógica, es ignorancia pura, es un problema, cuando en realidad, el mensaje introspectivo es muchísimo más útil, la felicidad, la libertad de pensamiento. Es un sutil mensaje visual que Fesser ha bordado, aplaudo y vuelvo a aplaudir este final.

El reparto es fantástico. La protagonista, una primeriza actriz revelación, Nerea Camacho, todo un descubrimiento. La niña está para enmarcarla, totalmente increíble el papelón que representa y la fuerza que tiene cuando la ves en pantalla. El resto no se quedan cortos, los padres, geniales papeles, el de la madre, un papel de esos que bien podrían entrar dentro de los "hijasputillas" con bastante impotencia ante los hechos, interpretado fabulosamente por Carmen Elías (por cierto, vuelvo a recordaros la reminiscencia con la Cenicienta, pues este personaje deja retales de la madrastra, como el detalle de las cartas o la imposición ante su hija...). El padrazo, que papelón, que ternura, entrañable el actor Mariano Venancio (que también ha trabajado ya antes con Fesser en "Mortadelo y Filemón") realmente me ha sorprendido, es uno de los mejores personajes secundarios del film, estando en total armonía con el sector del público que entienda bien la película. También aparece por ahí Manuela Vellés (por cierto, muy bella esta mujer...) en el papel de la hermana, bien representado, contando quizás mucho más con los gestos, las miradas, un papel redimido que casa perfectamente con el de la niña en cierto sentido. Del resto de secundarios, me ha gustado ver a Emilio Gavira (Rompetechos en "Mortadelo y Filemón") con un simpático personaje en el genial imaginario de Camino. Un reparto genial. En la dirección, Javier Fesser rueda con un montaje muy acelerado en cuanto al uso de planos, encuadres cerrados, una fotografía muy muy cuidada y una soltura dignas de mención. No solo en cuanto al pulso dramático, pues también el film tiene sus momentos alegóricos, de efectos especiales muy bien resueltos y ensamblados. La técnica es elegante y urbana, directa, sencilla y también compleja, estudiada. Una dirección (también justamente premiada en los Goya) que está perfecta, Fesser es un crack, ya lo ha demostrado de sobra a lo largo de su peculiar cine. Rafael Arnau firma la banda sonora original de la película, muy espectacular, con muchas influencias varias (desde Elfman, pasando por Williams, respetando las distancias claro) muy acertada y destacando, muy bonita partitura, aunque los temas no originales, hay algunos que me parecen un poco innecesarios con el tono de la película (Shakira o Russian Red en alguna ocasión corta), pero bueno, ahí quedan.

"Camino" más bien que un cockail sobre sentimientos y religión, yo tengo más claro de que es un canto libre entre la vida y la muerte, la vida engloba los pequeños detalles, la ilusión, los sentidos, la belleza, el arte (Camilo José Cela amigos, Viena, el teatro, las cartas, el cariño...), y en la muerte la adultez putrefacta de la religión, del radicalismo, de la hipocresía, la manipulación, el rechazo a ser humanos y declinar a ser títeres de, insisto, una religión que no nos hace falta, repito, es innecesaria, reincido, es un obstáculo para ser verdaderamente libres. En definitiva, una joya que al principio choca un poco por su extrema determinación dramática, pero que poco a poco va cogiendote por el gaznate, te exprime, te hace reír , llorar, exclamar, gritar, soñar, los elementos de una excelente película contemporánea, para que luego digan que no las hay, y sobretodo, para los que digan que el cine español no tiene grandes films. Así da gusto, señor Fesser. Así, sí. Un 10.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos de verdad.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 143 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube



2009/11/17

Nuevos Pósters

Aquí os dejo recién salidos del horno, los dos pósters oficiales de nuestra sesión doble de cortometrajes a estrenar: "El Beso" y "Separados", de las que os hablé hace poquito. Podéis ampliarlos para verlos bien si pulsáis en los títulos de los cortos un poquito más arriba. Espero que os gusten.

"La Cabina": El retrato opresivo

Dicen de "La Cabina" del mítico Antonio Mercero ("Farmacia de Guardia") que el "film" (en realidad es un cortometraje para televisión más bien) guionizado por José Luis Garci es de lo mejorcito que se ha hecho en el género de terror (como género no efectista claro...) de nuestro cine. He tenido que verlo para deciros que en realidad el cortometraje refleja bien una España que estaba en el final de una dictadura fascista donde todo era en un sentido falso, bastante inmaculado. Así pues Garci y el propio Mercero retratan usando el suspense y porque no, el terror, misterio e inclusive la ciencia ficción, para enmarcar al genial personaje del recientemente fallecido José Luis López Vázquez en una cabina (roja no por casualidad) de claustrofóbicas vistas a una sociedad que ignora la desfachatez de un mundo bastante putrefacto en sus entrañas. Era un reflejo muy acertado de un régimen que siempre afectó al pueblo en este sentido, y "La Cabina" muestra a una España muy caricaturesca (con unos personajes bastante exagerados y algo cómicos) pero profundiza en eso mismo, en dejar bien claro el mensaje en un subtexto que quizás ahora se vea más claro, pero para la ingenuidad de aquellos días supongo que podría considerarse bastante acertado. Tanto es así que es fácil ver como con pequeños detalles, se da bastante caña a la crítica con el poder de la imagen (usando el terror y el misterio "Hitchcockniano" como excusa en la superficie), ejemplos: El espejo en el que se refleja José Luis López Vázquez viéndose encerrado en la cabina y rodeado por la gente que lo toma a cachondeo. El funeral que se encuentra en mitad de la nada en mitad de la carretera. Quizás la idea no deje de ser una anecdótica apuesta de cortometraje alargada quizás en exceso (aunque tampoco molesta nada), pero queda muy bien reflejado su mensaje, sus buenas ganas por determinar el desasosiego de un personaje ante el mundo que ve tras un habitáculo hermético, un ataúd silencioso y discreto. De hecho el final no puede ser más determinante e inquietante, pues a día de hoy, quizás de otra forma, podría valer el mensaje aplicado a la democracia, al miedo, la crítica a una sociedad despreocupada y dormida, supongo que una idea que sacándola de la fecha en la que fue rodada, transgrede en el tiempo muy pero que muy bien.

Si hablamos del reparto del corto, habrá que darle todos los méritos a José Luis López Vázquez, que se curra a un personaje sin apenas diálogos ni movimiento, dentro de la cabina, siendo en todo momento expresivo y creíble, una gran interpretación, creo que de las más recordadas del actor en el mundo audiovisual. Del resto de secundarios, hay alguna cara conocida (televisivas sobretodo) por ahí hay una pequeña aparición del actor Agustín González o el corpulento Tito García. El reparto coral es bastante excentrico y correcto en su global. En la dirección, cabe destacar el uso Hitckcockniano que Antonio Mercero da a la cámara, usando de vez en cuando planos muy elegantes con grúa, y encuadrando con cierto lenguaje algunos planos (Aquellos que de manera contrapicada salen los edificios enfocados en la cabina por ejemplo), también es cierto que su técnica es tan eficaz como repetitiva en algunos momentos sobretodo hacia el final, donde la narración parece dormitarse antes del shock y giro final, donde Mercero no juega con el ritmo, y mete muchísimas panorámicas que restan un poco de desasosiego al espectador. Quitando este punto, Mercero está bastante correcto, siendo éste, un trabajo más que digno para la televisión, algo que parece que hoy en día se ha perdido (hablando a nivel nacional), usar la cámara en las series de televisión con clase y soltura cinematográfica. La música seleccionada para algunos momentos van perfectamente con el tono del metraje, inquieta por cierto, el tema cantado a coro del final.

"La Cabina" marcó a una generación de espectadores en nuestro país. Obra de culto y con una gran interpretación de López Vázquez. Un intento por hacer algo diferente, de género e inclusive con un gran mensaje en su interior que deja helado al espectador. Curioso y recomendado de ver. Un 8.

NOTA:8/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos y seguidores de Mercero/López Vázquez
AÑO: 1972
DURACIÓN: 35 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube



2009/11/16

"Separados" y "El Beso": Proyectos nuevos

Es curioso el ritmo creativo-cardiaco que llevamos en Luigi Arts tanto con los cortometrajes en los que hemos colaborado de manera tan fantástica ("La Visita" de Eulogio, que tiene nuevo tráiler) como en la producción de varias cosas a la vez, que por primera vez en nuestra corta historia estamos probando crear. "La Bella Confusión" es el corto que por excelencia debería venir ahora en orden de estreno, pero supongo que como ya sabréis, los retrasos en el montaje y demás complicaciones, se alargarán hasta el año próximo (debido a que hay que rodar algunos planos de nuevo con Clementina Gades, si no hay más percances...). Entre tanto, hemos recuperado un par de guiones que teníamos escritos desde hace un tiempo. Ideas cortas, sencillas de realizar pero con un contenido interesante, o al menos eso creo. La cosa era grabar ambas con el mismo reparto, nuevas incorporaciones para nuestra productora (y prometedora, ya os lo adelanto, unas personas geniales con las que hemos trabajado) Rodri, Marina y Bea. También el reto, era, grabarlo en un mismo día sin apenas descanso. "Separados" es la primera historia, con Rodri y Marina a la cabeza del reparto con un pequeño cameo de Esteban Somosierra y el resto del equipo al final. Éste se ha grabado en su mayoría, falta una parte que se rodará de aquí en unas semanas. Llegó la tarde-noche, y rodamos al completo la segunda historia, un bonito suceso con moraleja que se llama: "El Beso". Título que ya da algunas pistas, pero que os digo, es bastante curioso. Para "El Beso" he preparado bastante el "decorado" (remover muebles por casa y habituar un poco todo), la luz (aunque hay partes que con el ritmo de rodaje se descontroló un poco y tengo algo de grano en los planos, pero bueno, no es mucho problema) y la interpretación nuevamente de Rodri, Marina y Esteban (aquí con más protagonismo).

Quiero agradecer a todos, a Esteban, Rodri Marina, en especial a Bea, que se lo curró sin salir como protagonista de los cortos, maquillando, ayudando con el atrezzo y la producción, ella nos buscó a Rodri, a Marina y bueno es un descubrimiento sin duda alguna para un futuro de proyectos interesantes, espero. Sin duda, un día muy completo, podéis ver algunas fotos de prueba y del rodaje pinchando aquí. "Separados" y "El Beso" se irán completando de cara a final de año, espero sacarlos los dos a la misma vez, así, la ausencia de "La Bella Confusión" será menos dolorosa, jeje. Espero que estéis preparados para lo que viene, nosotros hemos recuperado la ilusión por hacer cosas, está siendo un año (audiovisualmente hablando) redondo. Gracias.


2009/11/12

Frase Célebre

"Aunque las reglas están hechas para los sabios y los idiotas, yo no tengo nada, chica, con lo que vivir de acuerdo". - Bob Dylan -

2009/11/07

Trailer Oficial: "La Bella Confusión"

Pues ya traigo para todos vosotros el tráiler de nuestra última producción, "La Bella Confusión". Ayer lo estrenamos en pantalla grande en la proyección del corto de nuestro compañero Eulogio Varela y hoy lo traigo de manera oficial a la red.
"Fredo, es un escritor al que todo lo que escribe y rodea parece carecer de un sentido. Por ello, se replantea, concienzudo, su falta creativa recurriendo a sus experiencias personales con las mujeres, la crítica, el declive de las palabras escritas en su máquina, o en definitiva la visión de su propia obra..."
Ni que decir tiene que lo podéis ver pinchando aquí, y deciros que por favor, marquéis la casilla de HD para verlo, así lo disfrutaréis a la mejor calidad posible. Espero que os guste.

2009/11/06

Momentos

Hay momentos que van más allá de las cosas materiales. Hay cositas a las que se les deja a un lado la pretensión, la ambición, la prepotencia. Son esos momentos detallistas tan simples, como cuando se apagan las luces de un cine y como niños, esperamos con ilusión lo que vamos a ver. Es cuando el silencio de un teatro expone el respeto a la obra sin ninguna palabra. Es cuando se oyen caer gotitas de lluvia por el cristal. Es cuando se ríe haciendo arte, es cuando se abraza cuando se debe. Una sonrisa tímida, una mirada directa, observar como duerme, cada milímetro del cabello que cae por sus mejillas. Una canción que hacía tiempo que no escuchabas. Una lágrima que cae por la belleza de lo introspectivo. Más allá de los encuentros furtivos, de la soledad, todos sabemos que la vida merece la pena por estos pequeños momentos. El resto, como diría un buen amigo, es paja. Hoy puede ser un gran día...

2009/11/04

"Repulsión": Bestias

Roman Polanski y su cine, toda una exposición de sensaciones psicológicas, que como he dicho ya en otro de sus films que he analizado, rebosan ciertas inquietudes morales, psicóticas, y porque no decirlo, enfermizas, de la oscura mente humana. Con "Repulsión" vuelve a dar de lleno en la clautrofóbica visión de una joven, Carole, ingenua de mentalidad e inexpresiva de sentimientos, ve como el mundo conspira ante sus ojos cuando su hermana, se va de vacaciones en el piso que ambas comparten. El guión original está escrito por Roman Polanski y Gérard Brach, nuevamente Polanski acontece los hechos en el interior de un inmueble normal, anodino, e incorpora el terror a los personajes jugando con la atmosfera, la carga visual y la psicología del asco en este caso. Asco por la vida, por el ser humano como tal, por ser visceral, putrefacto y sexualmente repelente (el sexo en el film está representado de manera oscura y degradante para la protagonista, que se imagina continuamente como es violada, tremendo).

Y es realmente esa claustrofobia de Polanski que tanto me gusta, la que crea la situación, la que con un ritmo pausado (que no lento) nos va diciendo verdades una tras otras. Desde la introspección de un personaje femenino realmente impresionante que pasa de ver con ingenuidad las opciones que le brinda el destino (y su belleza física), a la evolución de la negación a la vida, a sentir, y ver como con pocas palabras (apoyado siempre por la magnífica representación de la mujer que Polanski graba con su cámara), se ve sumida en la oscuridad de la muerte, la soledad (curiosa compañera en el caso de la protagonista), las grietas (buena metáfora), el silencio, la comida pudriéndose en la encimera como rechazo a la nutrición. Todo lo que contenga la metáfora sobre la vida (incluida la postal que manda la hermana a casa) es cancelada por Polanski con un mensaje tan pesimista como de costumbre, aunque aquí, el film desasosiega, asusta, aterroriza, inquieta, y mil adjetivos más hasta encerrarnos por completo en la mente de Carole, una mente a la que es difícil dar un final justo. Polanski y compañía cierran la historia de la mejor manera, buscando en una fotografía, la visión de una niña que ha olvidado que tiene que crecer, que tiene que amar, que tiene que hacer contentar a los hombres, que debe trabajar, que debe sangrar y sudar. El mismo ojo que empieza el film, lo acaba pero no con un progresismo optimista, sino más bien mirando al pasado, viendo realmente el asco que puede tener una persona ante todo lo que le rodea y que esto paralice los sentidos, en el caso del libreto, paraliza al espectador. Chapó Polanski, te entendemos.

En el reparto, y como por ejemplo pasaba en "Vivre sa vie" (film que por cierto me ha causado un impacto visual y moral similar a éste), está dominado por un protagonista absoluto, un personaje femenino que va evolucionando desde la ingenuidad del desconocimiento, a la tragedia junto con el espectador. Ella es la bellísima Catherine Deneuve en su segunda película como actriz, un personaje tremendo, memorable, analizable y sublime con todas las letras posibles, la "culpa" la tiene Polanski, creo que uno de los directores que mejor han sabido escribir personajes femeninos con un aura especial, con mucha fuerza. El resto, secundarios más bien, destacar a la hermana del personaje de Carole, interpretada por Yvonne Furneaux, muy correcta en su papel. Ian Hendry el novio de la hermana, con cierta carga salvadora al final del film. En definitiva todo el reparto contribuye a crear el trastorno del personaje de Deneuve, algo similar a "Rosemary´s Baby", donde Polanski parece que volvía a hacerse un auto-homenaje con temáticas similares a este film (como también pasa en la fabulosa "El Quimérico Inquilino", donde el propio director se interpreta en una situación similar al del personaje de Carole en este film, curioso).

Dirección impecable. Polanski creo que rueda su mejor película a nivel artístico-visual, o por lo menos de las que llevo vistas es la más redonda, la más creativa. Es impresionante el uso de la fotografía en blanco y negro, los claroscuros creando unos planos inquietos (incluyendo la cámara al hombro en los momentos de tensión, algo que creo que Polanski casi que impuso en su cine, y que hoy en día films de terror usan como supuesta "novedad"), aparte del viaje que lleva la cámara a través del piso en algunos momentos (con sutiles movimientos, dejando clara la posición de los actores, sumando la composición, en planos de larga duración). El film está perfectamente filmado, y es un disfrute para cualquier cinéfilo al que le inquieten las imágenes, aquí hay una mina de encuadres milimétricamente minuciosos, perfectos, imperfectos pero bellos, y un largo etc..., una nueva reivindicación de decir en voz alta: Free Polanski YA!, por Dios, este hombre no debería estar en la cárcel, que lo intercambien por Jorge Javier Vázquez. En la partitura original de la banda sonora, el desconocido Chico Hamilton, compone unos inquietantes acordes que van perfectamente con el tono del film, a la altura de otras producciones de Polanski, donde la música es un sello de identidad para inquietar.

"Repulsión" nos hará vomitar (metafóricamente hablando) como seres humanos, nos hará abrir un poquito los ojos ante la incomprensión de las preguntas sin respuestas: El ser humano como tal. Como la bestias de la gran metrópolis habitada por personas puede acabar con la belleza de la ingenuidad, más allá del físico, de lo sexual, del enamoramiento. Posiblemente una joya de Roman Polanski en su etapa primeriza, para mí este hombre es ya un genio del séptimo arte, parece que como siempre, para el resto del mundo, esos que lo juzgan y lo encarcelan, no es más que repulsivo, eso si, la ventaja la tiene el Polaco, pues ya lo sabe y seguramente nos deleitará en un futuro con su particular protesta hacia la vida, sí, sí y sí. Un 10.

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Ver en V.O.S.
AÑO: 1965
DURACIÓN: 105 min
Ficha en IMDB
Trailer en Youtube

Galería


2009/11/03

Proyección: "La Visita" y el trailer oficial de "La Bella Confusion"

Os informo de dos noticias relacionadas con estrenos de cortometrajes donde Luigi Arts ha tenido su lugar. Por un lado, el próximo Viernes 6 de Noviembre, nuestro socio y colaborador Eulogio Varela, estrena su cortometraje en pantalla grande: "La Visita", y supongo que posteriormente lo traerá a la red para que lo veáis. El evento será una velada especial en la casa de la cultura de Arroyo de la Miel (Benalmádena, Málaga), a las 20:30 de la tarde. La proyección se iniciará con algunos avances de otros proyectos, los cuales, uno de ellos y en exclusiva será el trailer de nuestro complejo y nuevo cortometraje en gestación: "La Bella Confusión". Luego se proyectará para toda la platea el cortometraje que FX Benalmádena, Luigi Arts y Teatreros Benalmádena han producido, doy fe, con el mejor resultado posible. Quedáis invitados al estreno, a una galería de fotos del rodaje que se expondrá y a una comilona de catering que habrá por allí. Si queréis saber más sobre "La Visita" os dejo con un enlace a su web oficial, pichad aquí.

En cuanto a "La Bella Confusión", el tráiler tendrá una duración corta, más concretamente de: 1 minuto y 17 segundos. El tráiler es bastante dinámico y me ha quedado un poquito épico, lo veréis en exclusiva los que vayáis a la proyección de "La Visita" el Viernes. Para los que no puedan ir, pues podréis verlo en HD aquí en el rinconcito al día siguiente de su estreno, el día 7 de Noviembre. Algo que deciros de como va el corto. De momento no hay fecha de estreno y puede que se atrase un poco más (Teníamos pensado estrenarlo el 11 de Diciembre) hasta principios de año, porque se van a volver a grabar algunas escenas de nuevo (esto no va a acabar nunca), pero bueno, como veo que sois pacientes, el resultado final tendrá sus frutos, jeje. El tráiler os quitará el gusanillo. Por otro lado, creo que antes del estreno de "La Bella Confusión", rodaremos dos cortometrajes más que se irán estrenando (al estilo de "Fotos", ideas más simples que no fáciles, con una producción más corta), os dejo los títulos de los nuevos proyectos: "Separados" y "El Beso". Seguiremos informando, ¡Ah!, nos vemos el Viernes o el Sábado.


"El Imaginario del Doctor Parnassus": Mágica humildad

Terry Gilliam es un director particular. Sencillamente mágico. Hay que adentrarse en su mundo y dejarse llevar, es por ello que también es un incomprendido. Bebiendo de toda su filmografía y quizás de todos sus referentes más destacables (entre ellos Fellini), "El Imaginario del Doctor Parnassus" es una de esas películas que no se pueden explicar con las palabras, son de esas, que si se tiene una mentalidad abierta a la metáfora y parábola moral hacia el mundo, la vida y la fantasía, la mezcla edulcorada en el buen sentido se acogerá con los brazos abiertos, Gilliam es un tipo humilde y de una imaginación desbordante. El doctor Parnassus (Christopher Plummer) tiene el valioso don de desarrollar la imaginación de otras personas. Ese es el secreto del éxito de su función, que lleva a cabo con la ayuda del sarcástico Percy (Verne Troyer) y el versátil Anton (Andrew Garfield). Sin embargo, la magia de Parnassus está a punto de volverse en su contra. El doctor lleva años apostando con el diablo, Mr. Nick (Tom Waits) y ha llegado a jugarse la posesión de su hija Valentina (Lily Cole), cuando cumpla 16 años. Ajena a todo ello, Valentina se enamora del forastero Tony (Heath Ledger), mientras su padre busca una solución para no perderla.

El libreto está firmado por el propio Terry Gilliam, que esta vez queda acompañado por Charles McKeown. La película refleja una moraleja que parte de un concepto muy espiritual, a su vez que visual. No es una película fácil al uso, no es un film de fantasía a lo "Harry Potter" y juega con muy buenas cartas de magia. El mundo de la farándula, el circo y un imaginario del Doctor Parnassus que lee las mentes de aquellos que se dejen ver ante la inmortalidad de los actos. En parte estamos ante un análisis de bien y el mal, representados perfectamente por los redondos personajes creados por Gilliam. Así pues, el diablo (Un genial Tom Waits, que le queda el papel como un guante) apuesta con los sentimientos del Doctor, que ambicionó la belleza de una mujer que la encandiló, pagando el pato de la inmortalidad, curioso. La historia se repite con ciertos matices en una actualidad oscura (el único colorido que muestra el film, es cuando se cruza el espejo de la imaginación, el resto ocurre en una Inglaterra descolorida y sucia), donde el personaje de Heath Ledger, su verdadera última aparición en pantalla tras su muerte, como siempre, una interpretación perfecta, que ha tenido que ser completada por sus amigos más allegados: Johnny Deep (el más discreto y anecdótico dentro del film, aunque aportando su carisma), Jude Law (algo exagerado, aunque correcto), y Colin Farrell (el que mejor imita la idiosincrasia interpretativa de Ledger en mi opinión, y el mejor matiz del personaje hacia el final del film). Digamos que el personaje de Ledger, comparte con el actor, ciertas similitudes (ver su primera escena choca e inquita por partes iguales, ya que aparece ahorcado en un puente...) el film lleva su personaje a un juego bonito, curioso y original, Tony representa la avaricia, la ambición y el uso descontrolado del ego, la labia o el poder. El guión se viene arriba con estos temas morales, donde se nos cuenta (Como en la vida) con imágenes de cierta trascendencia lírica, como de insensibles y débiles somos los humanos, dejándonos siempre vencer por la erótica de la apariencia, el error, las modas (cuando el personaje de Ledger cambia por completo la función, es un buen ejemplo de como se hacen ciertas distinciones radicales sobre las apariencias o las personas, muy bueno). Finalmente, la historia se cierra con un final feliz, aunque algo agridulce, Gilliam vuelve a traernos sus obsesiones con los vagabundos infelices, pero nos permite vislumbrar como la humildad gana a la codicia, una codicia que se ahorca al ritmo de una flauta representativa que simboliza la arrogancia y la presuntuosa manía de quedarnos cegados ante lo que creemos, es un sonido celestial, un material que nos define en contra de los andrajosos pero directos vestidos, y lo que más me mola: Esto es un canto desnudo hacia la imaginación, los sueños, el amor y los sentidos. Hay que saber verla, eso si, no os garantizo que os guste. Por mi parte, genial cuento de hadas con mensaje hacia el previsible mundo en que vivimos, carente de magia, de números reales, lleno de artefactos caros.

A los ya comentados Ledger, Deep, Law, Farrell y Waits, sigo con el reparto que engloba el film. Christopher Plummer interpreta perfectamente al Doctor Parnassus, dando cierta presencia mística y sabihonda al personaje. La hija del Doctor y piedra angular de la historia, queda interpretada por Lily Cole, una chica que ciertamente tiene algo, una sencilla belleza celestial, buena interpretación. Destacar también al chico de buenas intenciones, interpretado por Andrew Garfield (un personaje necesario para comprender el mensaje de film) o el de el enano Percy, interpretado por Verne Troyer, con algunos momentos bastante graciosos y geniales. En general, un reparto muy diverso, con mucha efectividad y que será recordado por ser la última y mágica aportación al cine de Heath Ledger cambiando de faceta, una faceta de desconocido, algo que llama la atención, porque su personalidad creo que tiene mucho que ver, pero bueno, ahí es nada. En la dirección, Terry Gilliam vuelve a estar de toma pan y moja, esta vez quizás sobrexpuesto a crear un mundo propio con mucha presencia visual, contando con muchísimos planos barrocos de efectos especiales y coloridos cuando se trata de ser abstracto, surrealista e incluso mágico. Es aquí donde la técnica del ex-Monty Phyton queda por encima de la media. El film tiene un ritmo muy conseguido, no te suelta desde el principio, la atención del espectador queda maravillada con cada imagen, cada fragmento que no esperamos, supongo que como dentro del film, esto es un truco de magia de un mago sonriente llamado Gilliam, al que nadie aplaude, pero que unos pocos sabemos verlo con la boca abierta y los ojos de unos niños perdidos llenos de ilusión por este medio, el del espectáculo, la ficción, el CINE en este caso. La música original, está perfectamente orquestada por Jeff Danna y Mychael Danna, que crean una precisa y correcta banda sonora. Como puntualización final, destacar el diseño artístico y el vestuario del film, incluyendo los efectos especiales, que no contar con mucho presupuesto, son realmente fantásticos. Rompo aquí una lanza para Terry Gilliam y su equipo.

"El Imaginario del Doctor Parnassus" va a dividir muy bien a la crítica y al público, más bien estos últimos, pues demostrará a estos que si no les entró por los ojos, es mas bien que no les entró por la mente, y si les gustó por los ojos y mente, demostrarán eso que os he dicho arriba, que algo de la magia no se ha perdido, algo sigue vivo, pero no se puede explicar, no se puede describir. Hay que verlo. The Show must go on señor Gilliam. Un 9.

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos de mentalidad abierta.
AÑO: 2009
DURACIÓN: 122 min
Ficha en IMDB
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Hasta Siempre...

Nos ha dejado un grande de la comedia y de la interpretación de nuestro país. Hasta siempre Don Jose Luis López Vázquez.

"The Big Bang Theory", Season 1: Divertidísima

Hoy os vengo a hablar de una serie que empecé a ver hará un tiempecillo (por recomendación de Rubén, un amigo tan o más friki que los protagonistas de la propia serie). Al término de su primera temporada (actualmente en USA, la serie va por la tercera) puedo ya deciros que la serie creada por Chuck Lorre y Bill Prady ("Dos hombre y medio" y "Las chicas Gilmore" respectivamente) ha sacado la mejor de mis sonrisas y opiniones. "The Big Bang Theory" es una típica sit-com (comedia de situación) Americana, con todo lo que eso conlleva, eso si, muy bien hecha, con unos guiones que aportan frescura al género televisivo más usado y perfeccionado por los Americanos, y que aquí da un pasito más allá, introduciendo la jerga o cualidades culturales de nuestro tiempo (quizás un factor que la haga un poco menos global, y que esté destinada a los que realmente simpatizan con las situaciones). La serie trata sobre dos "frikis" o dos "cerebritos" que comparten piso: Leonard (Johnny Galecki) y Sheldon (Jim Parsons). Al pisito de enfrente se une el factor detonante de los conflictos, la vecina Penny, que resulta ser un continuo detonador para el desorden obsesivo-compulsivo de los chicos. Las emisiones de normalidad de Penny también provocan alteraciones sobre el resto de la pandilla: a Wolowitz (Simon Helberg) se le disparan las hormonas cada vez que la ve mientras que Rajesh (Kunal Nayyar) se muestra incapaz de emitir una sola vocal en su presencia.

Queramos o no, una serie con la que sentirse identificado, todos los que pensamos con el cerebro, tenemos un lado nerd, situaciones como las que pasan en la serie y conversaciones cinéfilas, "comiqueras", informáticas e insustancialmente disfrutables. Los personajes son geniales, Leonard (el protagonista por así decirlo) y Sheldon (Jim Parsons, vaya descubrimiento de extravagancia), uno de los mejores personajes de la serie que va cobrando más y más protagonismo con el paso de los capítulos, ya que sus extrañezas y neurosis varias hacen de él, uno de los personajes más histriónicos de la serie. Tengo que admitir que los capítulos de la primera temporada me han pasado volando, es una serie con un buen ritmo, uno no se cansa de ver episodios seguidos y realmente todo es tan divertido que "Big Bang Theory" se convierte en una de las herederas más directas de la que para mí, es la mejor Sit-Com de la historia de la televisión: "Friends". Ahora haré un ligero parón antes de empezar la segunda temporada (de la que me han dicho que pega un lbajón...), no obstante, recomendada queda a todo el mundo. Hace falta reír en estos días inciertos.