Iris inspira

Hoy me ha llegado al correo electrónico un email que me ha hecho casi llorar y creo que debo compartirlo. Es un análisis a modo de opinión de una espectadora que ha visto nuestro último cortometraje, "Iris". Decir tiene que no comparto este post para hacer apología del ego, pero si que es cierto que "Iris" está teniendo una acogida muy bonita entre la gente y está evocando cosas, esperemos que entre los festivales de este año haya más benevolencia. Volviendo al tema, quiero agradecer a la autora de ese email sorpresivo que no esperaba, una tal Rosa Gómez que creo que no conozco personalmente, aunque eso es lo de menos. Gracias de verdad por tus bonitas palabras, realmente creo que no merecemos tantos elogios, pero bueno, se agradece, estas cositas dan ganas de seguir soñando con una sonrisa reafirmando que hay personas que están en sintonía con una idea o con una manera de ver las cosas. Sin más, os dejo el email , decirle a Rosa que en cuanto pueda la contestaré personalmente, porque no se si verá este post.

Sin duda alguna...SUBLIME.

A estas horas de la noche y me paro a ver Iris. Veo desde mi punto de vista una Iris Amélie, una Iris Audrey Herpburn, una Iris...en blanco y negro que se queda en mi memoria.
Mezcla de Luc Besson, Woody Allen,...tormento de un escritor ante su obra, su obsesión.
Me gusta la localización, la fotografía, los planos con juegos de luces y sombras, la mirada de Iris, una mujer aniñada y una niña asustada con aires de mujer de película clásica americana...escenas de un escritor donde el humo del cigarrillo es lo único que empaña los pensamientos obsesivos de la noche.

Se plasma los caprichos de los guionistas, escritores, directores...caprichos de noches en vela ante el juicio de un papel en blanco. Miedo al fracaso. Miedo a olvidar algo eterno y plasmado en una obra con cariño y recelo a la opinión de los demás.

Un antes y un después...me veo retratada, horas y horas de trabajo que en este sin sentido tu obra se la da.

A modo de flash me viene a la memoria una de mis películas favoritas desde la infancia y no se por qué..."El apartamento".

Gracias por haber hecho el trabajo que siempre quise y que siempre se queda sólo en mi papel, en el papel en blanco de mi memoria. Sin conocernos me conoces de antemano y retratas a modo de fotografías narradas el tormento de muchas personas.

Todos tenemos alguna vez alguna Iris personal en nuestra vida...escucho a Louis Amstrong...y la mirada de ella a modo de paisaje de las ideas.

Planos cortos, gestos con guiños, inocencia (y no tanto) en la historia.

Simplemente...me encanta.

Puedes tu mismo opinar muchas cosas de esto...y no decirlo, en mi caso cuando me topo con una obra que me marca...tengo que decirlo para que a Iris le sigan muchas más.

Un cordial y cinéfilo saludo, R.Gómez

La pequeña y dulce Iris te diría gracias por hacen que los sueños cobren vida.

"La chica del puente": Encuentra la suerte

"La fille sur le pont" film dirigido por Patrice Leconte, puentes, cuchillos en definitiva una excelente historia de amor que cimenta su base en el movimiento francés de la llamada "nouvelle vague", siendo ejemplar y recordando a grandes obras de Godard y Truffaut, la comparación es inevitable, pero la película tambien bebe de aciertos tan reseñables como importantes. La historia habla de Gabor, n lanzador de cuchillos que salva la vida a Adèle al convencerla de que no se lance al Sena desde uno de sus puentes. Adèle siempre ha tenido mala suerte con todo el mundo, Gabor es un poco mentiroso pero en el fondo tiene buen corazón. Los dos deciden unir sus vidas y si por alguna razón tienen que estar separados, saben que pueden hablarse en la distancia. Pero Adèle, tiene un problema, es una persona inestable y se cansa pronto. A priori tenemos un guión con infinidad de referencias a los grandes impulsores de la nouvelle vague no solo en la no-linealidad y la distribución argumental, sino también en el uso de la estética y la fotografía en blanco y negro como un elemento importante para contar la historia. El elemento inicial del libreto son mensajes morales y vivencias de la pareja protagonista a modo de unos (siempre) diálogos rápidos, ingeniosos y perfectos, la sensibilidad de cada escena, el tratamiento de las mismas y la creatividad de cada pasaje hace que el film no sea del todo un revival de la Francia cinematográfica de aquellos días de nueva ola. El mensaje argumental es el amor, un tema casi manido, y digo casi, porque este film es de los pocos que contemporáneamente trata de buscar los recovecos humanos en la inestabilidad de las almas, corazones de esto. La suerte es otro tema del film, el azar no se espera, viene y va, sí, pero hay que cogerlo y lanzarse al vacío (es por eso la metáfora del puente, donde de verdad empieza la historia, la escena inicial sobra un poco, aunque capte bien la esencia de la protagonista). La conexión de los personajes, que solo funcionan cuando ambos están juntos, es algo natural, enérgico, sutil y precioso. El sexo se representa con el arte y la farándula (genial, genial y genial), la incertidumbre femenina se manifiesta con los consejos del protagonista cuando ella se pierde entre encuentros con otros hombres (hay que aplaudir cuando estas partes hacen acto de presencia, muy inteligentes), en general una historia evolutiva, que a veces tira para la reminiscencia en todos los sentidos pero con mucha dignidad, cariño e inteligencia.

El reparto está centrado sobretodo en sus dos protagonistas, la pareja artística que se unen con la magnificencia del uso de la palabra, el sentido común o el alarde inteligente. Para empezar, la chica, una belleza que parece salir de una nueva versión de "Al final de la escapada" (ojo al peinado que se hace dentro del film, una clara referencia a esa gran película de Godard), una belleza de ojos grandes que se come la pantalla, hablo de Vanessa Paradis, un personaje bien interpretado que consigue que nos enamoremos todos de ella. Y por otro lado, el hombre de los cuchillos, en encantador de serpientes (me gusta este símil) interpretado por Daniel Auteuil, uno de los mejores papeles del film por no decir el mejor, me ha encantado, sus ocurrencias, sus miradas, su reflexiva catarsis trasgresora dentro del film y hacia el espectador, excelente, toda una lección. Buenos secundarios (aunque no destaquen del todo) sobretodo los novios del barco al final del film, creo que son muy representativos y sacan una sonrisilla. Patrice Leconte tras la cámara despliega una alarde de creatividad que ya llama la atención desde la primera escena. Para empezar la fotografía en blanco y negro es una cosa muy atípica en un film del 1999. El uso de la cámara se basa en las leyes de la nouvelle vague (un poco menos descaradas, sobretodo en el montaje, que es más "actual"), así nos encontraremos con muchos planos y cortes rápidos, ángulos de todo tipo (contrapicados, primeros planos, aberrantes), el uso en partes insospechadas de la dolly cam para dar algo de respiro al ojo (aunque contadas veces), no hay planos secuencia, pero la escena inicial podría considerarse como tal por lo largo que son los cortes. Otra curiosidad que creo que es propia de mención es el buen uso del montaje en una secuencia en concreto, donde los personajes se hablan si estar ambos en escena y en diferentes partes del mundo, original, bello y es algo que me ha sorprendido. Buena y gran dirección sin artificios, marca realmente, y digo más, es un film que está a la altura de la nueva ola, pero claro, de la era contemporánea.

En algún puente, símbolo de libertad e intranquilidad, pues siempre en funcionamiento está, encontraremos a alguien que nos coma la moral antes de decidir tirarnos al vacío, pues quizás la respuesta esté en encontrar la mitad del billete que hará que su conjunto todo tenga el valor que llena el corazón, "La chica del puente" es un film magnífico, y creo que es una joya del buen cine francés tras la nueva ola, un cine que innovó, era creativo y en mi opinión único, dos añitos después, Francia entregaría como otro soplo de aire fresco, "Amélie". Un 9,5.

NOTA: 9,5/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E. Para seguidores de la nouvelle vague.
AÑO: 1999
DURACIÓN: 90 min
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"El Curioso caso de Benjamin Button": Una vieja, bonita y larga historia

David Fincher ha vuelto a dar en el clavo tras la infravalorada y excelente "Zodiac", esta vez la academia ha nominado a mansalva, 13 Oscars para la entrañable historia de Benjamin Button. La agonizante en un hospital y con la única compañía de su hija, la anciana Daisy repasa el diario de Benjamin Button, un hombre nacido en extrañas circunstancias. En contra de los dictámenes de la naturaleza, Benjamin nació con el aspecto físico de un anciano y a lo largo de su vida fue rejuveneciendo progresivamente. Para Benjamin su rareza no fue obstáculo para correr grandes aventuras, visitar lugares de todo el mundo y conocer al amor de su vida, una bailarina llamada Daisy. Así comienza "El Curioso Caso de Benjamin Button", una adaptación de la historia de los años 20 del siglo pasado escrita por F. Scott Fitzgerald. El responsable de escribir el guión, es el conocido Eric Roth (guionista de "Forrest Gump") que da su toque y estilo a la historia. Para empezar el film tiene dos partes diferenciales, se podría decir que una narra los acontecimientos del descubrimiento de la vida de Benjamin Button, y todo lo que eso conyeva (muy propio de Roth situar históricamente a los personajes con eventos muy característicos, en este aspecto el guión parece tener muchas referencias en su primera mitad con "Forrest Gump") ya que el actractivo de esto está en la curiosa manera que nace el personaje, como va evolucionando físicamente y como el elemento de la muerte es usado como advertencia para el segundo acto del film. Digamos que el guión expone una serie de infinitos temas, yo diría que casi todos los recobecos esenciales de la vida, ya sea lo esencial (la historia de amor entre los protagonistas, una historia tan atípica como típica a la vez, genial e indescriptible) como la profundización metafísica y entrañable de todo el complejo análisis. Buenos diálogos, simpáticos momentos (ojo al anciano que va contando sus siete descargas eléctricas por un rayo, genial simbolismo de la casualidad o del destino), y algo global, pues la historia juega con la vida y la muerte, como si estas se dieran la mano y vivieran un momento único, fugaz y hermoso al encontrarse ambas en el meridiano, y al separarse todo es dureza, es imposivilidad y tal como dice el film: cuando se acaba, no queda más que redimirse.

Un sutil relato hecho con cariño, largo, si (y eso que Fincher ha recortado...veremos si hay montaje del director) pero da al público buenas razones para no perder e inhundar nuestro tiempo es dejar pasar las oportunidades, de dejar cruzar nuestras vidas con naturalidad (una de las secuencias más espectaculares del film, es precisamente esa en que varias vidas influyen indirectamente en el personaje de Cate Blanchett) y dejar de lado la superficialidad de la vejez, la inocencia de la juventud, TODO parece tener un aire poético muy visual, muy bonito, que da alas (como el colibrí que vuela más allá de su conocimiento en el film..., ¡Oh! como la plumita de Forrest Gump, jeje) a que el espectador se diga, que bonito es vivir, que duro será vivir la primera mitad, y cuando llegue el segundo acto (En el que el film ya se pone dramático y presenta la historia de amor en su plenitud dando un giro acertado que cambia bastante la narrativa) estemos dispuesto a servirnos de las emociones, sabiendo claro está, que al final habrá que redimirse inevitablemente, pero siempre podemos contar nuestros curiosos y bellos casos, seamos diferentes, sigamos el mismo camino, pero por carreteras diferentes.

En el reparto, el personaje que hace girar cual magnolia el film es el de Bejamin Button, un Brad Pitt que compone (una vez más al ladito de David Fincher) uno de los personajes más extraños y geniales de su carrera. Hay una evolución tremenda, desde la voz, hasta el maquillaje y efectos especiales (una secuencia muestra un Brad Pitt de 25 años, pero reales, por lo visto es un efecto digital en la cara de Pitt que ha hecho que podamos verle como si acabase de rodar "Entrevista con el Vampiro", impresionante) una convinación que quizás muchos no den méritos a Pitt, pero los tiene, no hay más que ver el film, sobretodo en su versión original. Mención también para la señorita Cate Blanchett, que al igual que Pitt compone un personaje genial, con matices a lo largo del tiempo (va evolucionando como el de Pitt y Blanchett realmente lo borda, como siempre), me encanta esta actriz, es una de las grandes del cine actual. Por ahi queda en un segundo plano la señorita Julia Ormond (quien se lo iba a decir en los 90) que pone la voz narradora del film, correcta sin mucho más que decir. Del resto, destacar los enormes trabajos de unos secundarios corales geniales, Tilda Swinton aparece y marca el punto y seguido de la historia en las secuencias del hotel, donde Benjamin conoce el encantamiento del amor, es una parte quizás algo pausada pero realmente mágica, me encantó el personaje de la Swinton. Otro, el capitán del barco (la parte donde el acontecimiento historico hace acto de presencia) interpretado por Jared Harris (que recuerda al Teniente Dan jeje) muy buena su aportación. Además antes de terminar con el buen reparto del film, no quiero olvidarme de la nominada al Oscar, la "madre" de Bejamin en el film, un tierno papel muy bien interpretado por Taraji P. Henson que merece también buena mención en el film (aunque he echado en falta una "despedida" mejor, quizás esto sea por los cortes en el montaje).

David Fincher ha salido mosqueado de la productora porque no le han dejado hacer el film a su gusto, dicho esto, quiero exponer que su trabajo vuelve a ser un referente para creer que tenemos a un director que puede dejarnos una joya por cada trabajo que haga, y aunque su trabajo en "Zodiac" me parezca más creativo que este, su manera de rodar es icónica y memorable en cada secuencia, la elegancia de los planos, el buen dinamismo de las conversaciones, el uso casi masivo y ambicioso de los escenarios y localizaciones. Fincher en mi opinión ha dejado su film más ambicioso y grande dentro de lo que podríamos decir "superproducción" del buen sentido, con su estilo y una factura intachable, veremos que pasa en los Oscars. Por cierto, no viene mucho a cuento, pero producen los habituales de Spielberg, Kathleen Kennedy y Frank Marshall, me pica un poco la curiosidad, que hubiese hecho el tito Steven con esta historia, nunca lo sabremos, ni falta que hace con Fincher detrás. La música original la firma el genial Alexandre Desplat, que merece sin duda el Oscar, su partitura es bellísima, creo que es de lo mejor que he oído este año, ciertamente un gran score que va con el film en todo momento sin llegar a ser grandielocuente ni pasado de roscas. Como último, señalar el montaje del film, casi tres horas que pasan volando, con buen ritmo, aunque en mi opinión, me gustaría saber cual era la versión aun más larga de Fincher, alguna cosa se quedaría por ver y "ejecutar", esperaremos pues.

En definitiva, la nueva joya antológica de David Fincher tiene todas las de ganar si se va con aires de disfrute a la sala de cine, hay que estar abierto a lo que se cuenta, sobretodo, ser un poquito niños, ancianos, soñadores con el amor y sobretodo apreciar los detallitos de la vida, pues aquí hay uno que remueve, emociona, y se llama CINE con mayúsculas, de la mano de un genio contemporáneo que promete ser un grande del Hollywood actual. Un 9.

NOTA: 9/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 166 min
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"La Duda": Plumas desparramadas en el aire

"La Duda", film importante en los Globos de Oro y ahora en la próxima ceremonia de los Oscars aun más. El film expone lo que su nombre indica, una duda globalizada donde entra en juego el alma humana y la moralidad de los actos. Un film de unas interpretaciones excelentes que dirige el desconocido John Patrick Shanley, que además adapta el guión del film con gran soltura. Pues estamos ante un film de diálogos sólidos y de emociones introspectivas por parte de los personajes, gran parte del libreto se da rienda suelta a la especulación, el mensaje alegórico que se representa en las secuencias de los "sermones" y monólogos del personaje del reverendo son geniales, por no hablar del choque entre personajes de diferentes condiciones, por un lado el tema religioso (que que evidenciado al final de la película de manera sutil) y por otro el humano, que llega a meter en el mismo saco, la hipocresía, la intolerancia, el presentimiento o el juicio mas progresista o contrastando con lo conservador. El choque humano es brutal, abriendo la vereda al propio espectador, haciéndole dudar ante lo que ve con acierto, siendo verdugos de un hecho casi anecdótico y supuesto que va a más, sobretodo cuando me refiero a indagar en el fondo del guión, cuando uno se centra en analizar los bien perfilados personajes (sobretodo el de Streep) y contemplando con ese tono irónico, juzgando por nosotros mismos, o simplemente dejandose llevar por una historia de personajes, simple que no fácil, con un final realmente necesario y quizás bastante alentador. El libreto recoge muchos puntos interesantes, y cuando flaquea, utiliza el detalle como punto de inflexión (el viento que vuela las hojas que Meryl Streep recoge es un punto que subraya la personalidad de los personajes y la metáfora expuesta en el film, el de las plumas de la almohada que se vuelan sin remedio a poder recogerlas todas, genial) por lo que su visionado es bastante recomendable, eso si, gran trabajo actoral sobretodo que da ese punto más a las hojas escritas que por si solas podrían haber resultado más lineales sin el repartazo que hay detrás.

Y como venía diciendo, el reparto de 10. Por un lado, Meryl Streep firma el mejor papel dentro del film, su personaje pasa de ser totalmente apático para el público, a dar un juego totalmente impecable dentro de la película, yo pondría el Oscar en la mesa para Streep sin lugar a dudas. Las escenas impagables que comparte Streep en el despacho de la misma con otro de mis actores preferidos, Philip Seymour Hoffman, son para quitarse el sombrero, el actor interpreta de nuevo un antológico y reservado personaje que juega mucho más con la suposición y el rostro que con las palabras, eso si, el actor se come la pantalla en todas sus escenas de manera impecable (perfectamente podría haber estado nominado en los Oscars). Y por último señalar el papel más comedido (pero no menos importante, ya que da ese punto de inflexión para que el film respire y el espectador tenga simpatía por las situaciones frías que se presentan) el de Amy Adams, la monja inocentona (Adams parece que lo va a tener difícil para salir de este tipo de papeles) que forma el petate en la residencia y que va poniendo el juego entre los pesos pesados del film, Streep y Hoffman. En los secundarios no me olvido del pequeño papelito de la genial Viola Davis que sinceramente se merece la nominación al Oscar, pues su pequeña escena (en la que pasea por una calle casi abandonada de New York y se exponen temas tan interesantes como la homosexualidad, el acoso, el racismo, está perfectamente situada) es de lo mejor del film junto con las secuencias que suceden dentro del recinto o la oficina del personaje de Meryl Streep.

En la cámara, el señor John Patrick Shanley para nada hace un mal trabajo o mediocre como he leído por ahí, de hecho ya es mucho conseguir unas actuaciones que eleven el peso del film, y eso es casi la mitad del apartado cinematográfico que nos ocupa. Por otro lado en cuanto a la técnica, el director utiliza el clacisísmo, pocos y característicos escenarios para centrar la acción (el espectador sabe donde está cuando se familiariza con el entorno y por tanto vive más claustrofóbicamente la narración, este punto es quizás de lo mejor de la dirección de Shanley) las conversaciones largas tienen ritmo, los sermones en la iglesia también disponen de una buena distribución de planos, e incluso aquellos de puro lirismo se utilizan bien dentro del film (el de las plumas ya comentado), como curiosidad personal que me he fijado, el realizador utiliza en algunos momentos muy puntuales los planos aberrantes o inclinados cuando los personajes están desmoralizados o justo antes de que suceda algo relevante, algo muy de la vieja escuela también. Una dirección para mi muy conseguida y más que correcta. La poca música (unas pocas melodías repartidas tímidamente a lo largo y ancho del film) la coloca el genial Howard Shore, sin destacar mucho la verdad, aunque tampoco molesta.

"La Duda" saca a relucir a esas personas juiciosas que llevamos todos dentro, pone la introspección dentro de la pantalla y las muestra con unas interpretaciones memorables, un film que recomiendo ver con paciencia y atención, pues tiene un contenido bastante comentable e interesante, quizás más del punto de vista social que cinematográfico, pero igualmente curioso. Un 8 redondito, y van unos pocos.

NOTA: 8/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 104 min
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Vanity Fair y el cine del año

Con motivo a la celebración de la gala de los Oscar, la revista norteamericana Vanity Fair dedica algunas fotos a las figuras del director, actor y actrices de los pasados filmes más destacados del 2008. Algunas son geniales, aquí os dejo (precedidas del señor Eastwood of course) las que más me han gustado:

Gus Van Sant y Sean Penn (Milk)

Nicole Kidman y Baz Luhrmann (Australia)

Penélope Cruz y Woody Allen (Vicky Cristina Barcelona)

Sam Mendes y Kate Winslet (Revolutionary Road)

Christopher Nolan y Heath Ledger (El Caballero Oscuro)

"Valkiria": Declive interno

Bryan Singer regresa a las pantallas con este thriller dramático sobre la operación Valkiria, que intentó asesinar desde el interior de las doble "S" al mismísimo Adolf Hitler sin éxito y con un final trágico donde los haya. Singer cuenta de nuevo con el guionista de la sobrevalorada y correcta "Sospechosos habituales" Christopher McQuarrie, esta vez elaborando un guión clásico, con los tres actos y dando muy bien el clavo en basarse en cada dato que saca el film sobre la operación, las situaciones de la Alemania que veía caer el régimen de Hitler y porsupuesto utilizando la carta del suspense como baza más interesante de la curiosa trama, una trama real que por cierto, no se ha llevado con asiduidad al cine, por lo que la originalidad de la misma hay que valorarla también. Así pues el libreto empieza sentando las bases, quizás le cuesta arrancar dada la cantidad de personajes que tiene que presentar, la cantidad de información que debe llevar al espectador para que este, disfrute de un nudo y desenlaces totalmente espléndidos a nivel de disfrute cinematográfico e incluso palomitero, de esos que pasan volando y que se siguen con un interés inusitado, como ese metafórico niño que flipa viendo imagenes en la sala de cine. El film no es partidista en ningún momento, por lo que el mensaje patriótico-americano queda absuelto con acierto (bien por Singer), e incluso juega con un punto interesante, sobretodo en su parte final, ya que se humaniza en cierto sentido el miedo que había entre los propios soldados nazi ante el cambio o el progresismo de algunos, es por ello que la operación fracasa, por eso si, un malvado Hitler que aunque está genial representado en sus escenas, aquí es el antítesis de todo, pero con cierta lógica a lo que se está contado, siendo el malo sin más pero con motivos lógicos. La misión del protagonista del film, la del coronel Stauffenberg (papel de Tom Cruise) va guiando la trama principal, e incluso la parte más típica (cuando entra la familia de por medio) parece perfilar bien al personaje, el drama que vive sobretodo al final, donde el espectador puede llegar bastante convencido del excelente montaje en paralelo que el film expone en los últimos minutos, para terminar con la caída de unos héroes que lo intentaron, intentaron ser libres antes de que el propio imperio cayera inevitablemente, marcando el olvido, recalcando la importancia de los hechos, de la lucha, en general una historia curiosamente llevada, bastante entretenida y chula.

Ojo al repartazo del film. Para empezar el ya nombrado Tom Cruise, correcto (que no espléndido) en su papel de Stauffenberg, el parecido físico con el personaje real es también impresionante. Por el reparto pasean los nombres de los geniales Kenneth Branagh, muy convincente, el siempre genial Bill Nighy (que vuelve a bordar un papel que está plagado de emociones y miradas intensas), Tom Wilkinson en un papel muy a su medida, Terence Stamp o la actriz alemana que está ahora saltando hacia Hollywood, Carice van Houten que aparece poco pero está bastante bien en su papel al igual que la anecdótica aparición de Bernard Hill (Theoden en "El Señor de los Anillos"). Quizás estemos ante esas películas donde todo el reparto funciona como un solo actor en potencia, donde todas las representaciones son muy buenas y están a un nivel equilibrado. En cuanto a la dirección, el señor Bryan Singer creo que deja una de sus películas mejor dirigidas (aunque aun no he visto toda su filmografía al completo), pues su puesta en escena es bastante creativa, el uso elegante de la cámara, la buena puntualización para contar la historia de un lado a otro (Algo que muy pocos directores llevan con soltura) la "Spielbergrización" de su parte intermedia y final son dignas de mención. El suspense (la escena del atentado a Hitler está perfectamente rodada y es genial) que consigue eleva su figura en la dirección, algo que había perdido yo un poquito después de ver "Superman Returns". John Ottman, ejerce de editor (con gran acierto, solo hay que ver la mencionada parte final para darse cuenta de que este tío sabe lo que hace) y de compositor de una banda sonora oscura pero que va perfectamente integrada con el film, gran trabajo de Ottman dentro del film (ya que también ejerce de productor).

En general, un film muy bien hilvanado , que entretiene a la platea con un buen suspense, una historia interesante (además de bien escrita) y una factura genial de su realizador, que parece retomar un camino muy a tener en cuenta en sus próximos films. Un 8.

NOTA: 8/10
RECOMENDACIÓN: Ver en V.O.S.E.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 120 min
Ficha en IMDB
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Perdido con el hilo de perdidos

Esto es un post a nivel personal, libre de spoilers graves. Como algunos saben ya ha comenzado la nueva y esperada quinta temporada de Perdidos (Lost), la cosa prometía bastante, pero en mi opinión la historia sigue dando tumbos de un lado a otro sin resolver gran cosa. Quizás aun me precipito, solo llevamos 3 episodios nuevos, pero creo que el ir y venir de los personajes con el rollo que está sucediendo en la isla me hacen perder un poco el hilo. De hecho otra cosa curiosa es que mientras se ve todo el conflicto uno no para de hacerse auto referencias a lo ya visto para saber si hay relación y sobretodo, conexión argumental (la habrá, pero muchas cosas se olvidan de un año para otro). Espero que la cosa se ponga más emocionante para los próximos episodios, porque realmente estoy empezando a perder un poco la paciencia y el interés que siempre he tenido y me ha despertado "Lost", sigo diciendo que la tercera temporada fue realmente insuperable.

Piano Man

Hacía tiempo que no os traía un buen tema musical al rinconcito. He aquí a Billy Joel y Elton John, un genial tema "Piano Man", que lo disfrutéis.

BSO: "Defiance" de James Newton Howard

Lo que está claro es que este año en los Oscars hay buena competición para la categoría de "Mejor Banda Sonora original". Grandes Scores los que llevo oído, si tuviese que elegir, realmente difícil lo tengo. Hoy he podido oír de lo mejorcito que ha compuesto James Newton Howard en años, se trata de la banda sonora de "Defiance" dirigida por el ejemplar Edward Zwick. No he contemplado el film, pero creo que el score es fabuloso, los solos de violín de Joshua Bell que acompañan a la orquesta de Howard son realmente preciosos, y en muchos momentos recuerda a esa obra maestra que compuso John Williams para Steven Spielberg, hablo claramente de "La Lista de Schindler". En fin a ver quien se lleva el gato al agua, yo apuesto o por Howard, o por Desplat, y por supuesto por Thomas Newman, espero decidirme para la porra. Recomendada queda.

La Escenaza: "bitch...you don't have a future"

El magistral recital de hostias como panes a lo Sergio Leone, por parte de Quentin Tarantino en una de sus obras maestras, "Kill Bill Vol.2". Viendo esta parte la verdad es que me apetece ver ambos volumenes de un tirón, hace siglos que no las veo. Esta escena es antológica, "bitch...you don't have a future" sencillamente brutal...