Reencarnación

Supongo que tengo que admitir que Cómplices, es uno de los grupos pop españoles que siempre han ido conmigo desde la infancia. No es que sean un gran grupo, pero a mi personalmente siempre me han gustado sus letras de buen rollo y melancolía. Teo Cardalda (Que comenzó en el mítico grupo Golpes Bajos) y María Monsonís son los miembros vigentes del grupo, que sacan nuevo disco ahora (Se titula Reencarnación) y que esta noche he podido ver por primera vez en carne y hueso (llevaba quizás más de 10 años oyendo su música pero nunca los había visto en directo) en un mini-concierto de hora y poco (Gracias Esteban por acompañarme y llevarme). La experiencia ha molado, ha sido melancólico, nostálgico y bonito, he recordado cosas de infancia, de pubertad e incluso actuales. Eso si, espero que vengan de nuevo por Málaga para que den un repertorio más amplio y menos centrado en las masas. Os dejo un tema muy inédito de Teo, grabado a piano en su casa, para mi es uno de los que más me gustan por la sencillez que lleva pero está hecho con mucho sentimiento, para vosotros.

Roman Polanski de nuevo en una pesadilla

He de reconocerlo, Roman Polanski se ha convertido en uno de los directores que he ido descubriendo con mucho interés e ilusión, el cine del Polaco hermanado siempre con Francia me parece fascinante, no solo porque es un director muy particular, sino porque todas sus historias han ido influenciadas por su vida, más en concreto, la pérdida de su mujer, la guapísima actriz Sharon Tate, que fue asesinada brutalmente por la banda de Charles Manson, unos radicalistas hijos de su puta madre. Hoy me entero de que Polanski ha sido detenido en Suiza, cuando estaban a puntito de homenajear su carrera a modo de retrospectiva. La causa de la detención ya la sabéis todos: Polanski fue acusado de pederastia en 1979, más en concreto está acusado en suelo de los EEUU de drogar y violar a una menor de 13 años, la joven Samantha Gailey, dijo que Polanski la llevó a la casa de Jack Nicholson en Mulholland Drive para fotografiarla para la revista Vogue. Gailey declaró que Polański le dio champán y metacualona, le tomó fotos en top-less y después la llevó a un jacuzzi, donde la violó, pues Geiley declaró que se negó verbalmente en varias ocasiones. Personalmente, hay mucho que no creo de todo esto, creo que la noticia se exageró, he de llevar un poco la contra de las autoridades de los USA y apoyar a Polanski, creo que este hombre ha tenido toda la vida en su contra, siempre, yo creo que todo esto viene bebido de la polémica, de la demagogia, supongo que el caso no sería para tanto. Polanski se fugó de los Estados Unidos y vivió en Europa tranquilamente hasta el día de hoy con su actual mujer, la actriz Emmanuelle Seigner. En fin, Polanski será siempre un incomprendido y para mi, una persona y figura muy curiosa, analizable e incluso admirada, porque creo que sus películas dicen más de él, que toda la parafernalia que siempre se le ha expuesto injustamente.

Frases de cine

-"En el país de los ciegos, el tuerto es el Rey" -
("Minority Report", Steven Spielberg, 2002)

¿Dónde te escondes?

¿Dónde te escondes creador de palabras? ¿Dónde has dejado tu caballo alado disfrazado de coraza?. Me prometiste durante un tiempo palabras, más que palabras. Tienen un significado, las he comprendido pero sigo sin aplicarlas, sigo escuchando tu voz cada día, redunda, gusta, pero redunda. Me prometías ir juntos a través de la vida con un blues cansado y una armoniosidad invisible. Me besaste más allá de la nada y me volviste a enseñar que era tu verdad, aquella que iba conmigo, que caminaba dentro de un mismo patrón sin que todo lo demás me molestase, porque tú sabías que hacía falta para acallar las miles de voces que ahora resuenan dentro de un hombre tambor como yo. Andrajoso de vestiduras con gomillas de quita y pon, inspiras un amor incontenible, asustadizo y poderoso que lleva al profundo odio. El mundo no te necesita, pues las palabras no demuestran interés en estos tiempos que nunca han cambiado, sin ir más lejos, ella cambió y nosotros dejamos de mover el tiempo. Es imperdonable mi pesar hacia un amigo que cuenta un cuento con indiferencia, quizás es un desvío hacia una nueva de tus collejas, hacia una estabilidad que elimina el fanatismo radical. La mente sigue oyendo la letra que idolatraba tiempo atrás, pero ahora simplemente es un recuerdo montado en un cochecito de juguete infantiloide, luchando contra ese viento idiota que ya no importa que despeine mis sueños, mis pesares, mi ilusión. La palabra indiferencia estuvo dentro de un contexto que ahora me ha enseñado mi verdadera alma, el "esnob" de rizados cabellos cual imitador barato ha reconocido su eclecticismo ante lo que acontece. Me sorprenderá, quien sabe, encontrarme, o más bien reencontrarme con usted en su jardín místico un día de lluvia. Ese que ya te comenté en el que escribía a máquina sin parar, convencido de los buenos tiempos que pasamos juntos, y que tú de nuevo, tocaras mi pelo despeinando de manera burlesca y humilde mis ideas, ordenando el tiempo con un cigarrillo encendido y tocando la armónica de lo esencial. Sé que ahora lo pago por los que se van con un filo demasiado afilado, muy peligroso. Pero recuerda joven dama de los ojos tristes, que la vieja antigüedad andante puede que vuelva a mi con nuevos matices, pero tú , coleccionista, morirás en el recuerdo, quedando inmortalizada como la más patética de mis puras y sentidas emociones de un idolatrado fanatismo.

"Inglourious Basterds": Agridulce ucronía Tarantiniana

Quentin Tarantino, es sin duda uno de los directores de moda, tenía yo ganas de ver esta película, esperada creo que por todos los que adoramos su cine, un cine que viene directamente de las influencias de un cinéfilo como es Quentin, y por otro lado, un cine que influye a grandes rasgos (los cuales me incluyo). Tenía ciertas dudas en hacer la reseña de el nuevo y extravagante film del enfant terrible de Hollywood, ya que "Inglourious Basterds" me ha generado una sensación muy extraña, por un lado disfrutable, por otro lado me quedo pensativo en que Tarantino, está casi apuntito de sobrepasar una línea peligrosa que se verá más determinante de cara a sus próximos proyectos, esa es la línea de la prepotencia y los delirios de grandeza y objetivos sumamente pretenciosos (aunque esto último casi siempre estuvo dentro de él como una virtud talentosa), pero ojo, vayamos por partes. Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “The Basterds” (Los cabrones), los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreto que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse...

Libreto del propio director que se divide en cinco capítulos (en un principio se rodaron 10, osease que el film elimina unos cinco...) propios de la narrativa no-lineal y estrepitosa de Quentin. El arranque del film es sencillamente magistral, una escena propia del mejor Western de Leone, con ese granjero francés ocultando judíos, y la magnífica presentación a modo de monólogo (una de las mejores líneas escritas en un guión por Tarantino en su carrera, estoy casi seguro) del prácticamente protagonista del film, el cabronazo coronel Lanza, interpretado por un sublime Christoph Waltz. A raíz de ahí, aparecen los bastardos y el film comienza a mostrar un ritmo más pausado en su parte central, con escenas igual bastante alargadas (para mi pierde un poco el norte en su parte central), pero recuperando el vuelo en la (nuevamente Leone está presente) magistral escena de la taberna. El libreto juega muy bien con dos bazas, la primera, seguir la original y dinámica estela narrativa (aunque en menor medida y menos lograda) de Kill Bill, de hecho son obras que comparten ciertas similitudes en sus formas, saliendo más airosa aquella interpretada por Uma Thurman. Y la segunda, el suspense, que se consigue a través de lo que mejor sabe hacer Tarantino: Los diálogos, muchos de ellos muy bien escritos, otros sin embargo, carecen de introspección que parecen quedarse laargos y sobrantes. No obstante, la parte final toma una importante y arriesgada decisión, matar a los nazis en un puro genocidio por parte de los judíos (es curioso que no haya polémica tal y como están las cosas con los judíos en el mundo), Tarantino se pasa pero creo que con bastante acierto, mete una ucronía masacrando nazis dentro de un cine (curiosa manera de llevarselo a su terreno), Tarantino mete cosas propias, no hay más que fijarse, incluso los gustos fetichistas y anárquicamente misóginos están justificados (de hecho esto lo arrastra desde "Death Proof" siempre siendo sutil con este punto, claro, no vayamos a joderla con las feministas), no es casualidad que la masacre se lleve a cabo en un cine. De hecho Tarantino siempre ha dicho que cualquiera que ame de verdad con pasión el cine y quiera hacerlo, no hace falta que estudie en una academia ni sepa de lentes, aquí se pone en práctica esto, Tarantino mete una utopía vengativa, mofándose con la pasión de cambiar la historia con un film en llamas, con muerte y destrucción, algo que siempre le ha sido impuesto por la crítica. Y es que Tarantino, se burla de aquellos que lo tildaron de "director violento", pues aquí lo hace a propósito y con saña para remarcar su libertad creativa, cerrando con un estruendoso cataclismo el capítulo del cine en llamas, donde no se libran ni nazis, ni judíos ni las mujeres, todos cual bastardos caen a base de la pluma pueril y cabronaza de Tarantino.

Y para terminar de analizar el libreto donde por cierto he obviado dos superficialidades que pensé al término de la película erróneamente (por eso mi agridulce sensación de ponerle nota definitiva hasta que no la vea por segunda vez, algo que me pasó también con "Jackie Brown" que mejoró bastante al verla por segunda vez), la primera es que Tarantino ha hecho un panfleto de alabanza al pueblo judío, pues no, es imposible, y segundo, que Tarantino ha relatado un hecho histórico hasta que se ha cansado y ha tirado de la algarabía explosiva, error de nuevo. Todas mis respuestas se reducen a una sola cosa: Tarantino ha hecho una caricaturesca película con tono de mala leche y de niño enrabietado pero apasionado por contar a través de sus pintorescos personajes algo que realmente le motiva descargando una técnica de pulso firme y de pinceladas gamberristas. Por otro lado, llego a una mala conclusión con el final, quizás porque me lo tomo en serio, puede ser (Si me hubiese tomado en serio el final de "Death Proof" fuera de su contexto de film que homenajea a las dobles sesiones y que el propio director no se toma en serio, quizás este punto no lo tuviese en cuenta para los basterdos, pero no puedo obviarlo tratándose de un film más serio que aquel), ese donde Pitt se marca una esvástica a golpe de cuchillo y suelta como si fuera el propio director a modo de onanismo personal: "Esta es mi obra maestra", apareciendo posteriormente el crédito: Dirigida por Quentin Tarantino. Aquí es donde pienso que Tarantino se auto proclama, usa la autocomplacencia y está a un puntito de volverse un prepotente, espero equivocarme al segundo visionado, espero equivocarme en el futuro, pero este final anticlimático en mi opinión (después de quedarse a gusto en el fantástico cierre del cine en llamas) quita algún aliciente inteligente a la película y reta al espectador que ha seguido con ahínco a este genio, que lo miremos de nuevo con el dedito señalado para lo próximo que haga, quizás eso es lo que quiere, admitamos que Quentin siempre fue un provocador, y eso le gusta a él y en parte a nosotros, porque en definitiva Tarantino es Tarantino, y nadie escribe y relata como él.

El reparto, muy bien en general. Quizás el más flojo sea Brad Pitt, asumiendo el rol del yankee prototípico de las películas machorras, un personaje que si no fuera interpretado por Pitt, seguramente no daría nuevamente la etiqueta al film de: "El más taquillero y comercial de Tarantino", cuando realmente creo que sigue siendo un film tremendamente independiente. Les siguen los Bastardos todos geniales obviando al pesado de Eli Roth, que para mi sobra (ojo a la presentación con Morricone de fondo, mola, si, pero se le da demasiada importancia a Roth), luego tenemos los geniales papeles de la guapísima Mélanie Laurent (una sorpresa sin duda), la musa fetichista del director dentro de la peli, Diane Kruger, que está bastante correcta. El ya comentado Christoph Waltz, para mí el mejor personaje de la peli junto con el corto pero genial papel de Til Schweiger como el bastardo con mala ostia, genial. Por ahí aparecen también los rostros del televisivo B.J. Novak ("The Office"), Daniel Brühl o una conocida en la filmografía de Tarantino que la vimos amputada y puteada en "Kill Bill Vol. 1", la actriz Julie Dreyfus. Un reparto coral, muy acertado y bien interpretado.

Y técnicamente destacar a Quentin, de nuevo poniendo la creatividad en dosis más amplias y quizás algo más contenidas en esta película, aunque si que rueda dos o tres pasajes memorable para la retina (esos zooms o el montaje rápido de algunas escenas clave a lo Leone, o los paneados largos en el cine que recuerdan a "Kill Bill" son geniales), luego las conversaciones están contenidas pero rodadas con cierta parsimonia algo que hace que el film sea más serio en su concesión (de ahí mi dilema ya comentado). Tarantino sigue siendo un detallista, enmarca unos planos perfectos y da lo que tiene, eso si, con un toque más contenido y menos sorprendente. La música no original como viene siendo habitual, contiene unos geniales temas estupendamente elegidos por Tarantino, desde las innumerables referencias musicales de Morricone (que está más presente que nunca), pasando por David Bowie o Nick Perito. Temas que van perfectamente con el film y que hacen nuevamente una banda sonora que pasará a la historia por ser incluida en una película de Tarantino (por cierto, esta vez no se han incluido diálogos entre canción y canción del score que se vende en tiendas...algo que ya parecía habitual en los scores de Tarantino).

"Inglourious Basterds" es un film extraño y complejo donde hay que bucear más que quedarse con el primer visionado. No sé exactamente que sensación me da hasta que no la vuelva a ver, espero que pronto para darle la determinación correcta. No obstante sigue siendo un film muy analizable, escapista y a su vez interesante. No me impacta tanto como "Pulp Fiction" o "Kill Bill", pero bueno, veremos que es lo próximo. De momento y puede que cambie, le otorgo un estirado 8.

NOTA:8/10
RECOMENDACIÓN: Seguidores del director. Ver en V.O.S
AÑO: 2009
DURACIÓN: 153 min
Ficha en IMDB
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Hasta siempre Patrick

Muere un gran actor vencido por el cáncer a los 57 años, el gran Patrick Swayze. Yo lo recordaré por esa película de mi infancia que tantas y tantas veces he visto en casa, la mítica "Ghost". El actor tiene en su filmografía títulos como: "Dirty Dancing", el film de acción repetido hasta la saciedad "Le llaman Bodhi" o la peli de culto "Donnie Darko", entre otras. Hasta siempre Patrick.

"Une Femme Mariée": El triángulo equilátero de la comprensión

Jean-Luc Godard es uno de esos cineastas con los que comparto bastantes sensaciones visuales y sentimentalistas al ver sus extraños films. Por decir que es uno de los directores más prolíficos y a su vez criticados, este film posterior a la excelente "Vivir su vida" (que bien podría este film su secuela natural) y "Al final de la escapada", bien podría ser el celuloide más esperpéntico que he visto de su extensa filmografía hasta la fecha. "Une Femme Mariée" retoma el papel femenino como método a base de capítulos narrativos, para analizar o simplemente especular con la figura de la mente femenina, algo que Godard vuelve a rodar con sutileza, el poder de la imagen y la magnificencia de la sugerencia. El film narra la vida de Charlotte (Macha Méril), una mujer casada de París que tiene una aventura con otro hombre (Bernard Noël). Al quedarse embarazada, Charlotte desconoce quién es el padre de su hijo, por lo que tendrá que decidirse entre su marido (Philippe Leroy) o su amante. Libreto inexplicable con palabras, quizás decir que se trata el tema del adulterio es quedarse en lo llano. Godard explora la mente humana, más en concreto los miedos y desequilibrios sentimentales de la protagonista femenina a través de pasajes moralistas, llenos de contenidos monologistas e imagenes llenas de erotismo, belleza, sutileza y poesía de encuadres perfeccionistas. El guión deja clara una cosas desde el principio, la vida, como el cine, es bella, ¿Cómo se hacen ambas cosas para que resulten estimulantes para el ser humano?, imposible de explicar. No se llegará nunca a la conclusión de que el amor, la belleza de la vida y los desvaríos sexuales, de la mente, sentimentales, llevan errores, virus, bucles interminables por los que la mujer parece no dejar nunca de perderse (al contrario, el hombre ama, sin más, sin preguntarse si está bien o mal en sus actos, un punto muy interesante, al que Godard le dedica palabra e imagen de frialdad y crudeza por partes iguales, no hay más que ver el final).

El guión cuenta con una parábola irónica muy importante hacia el espectador, pues Godard lo reta constantemente a ponerse al nivel intelectual de la mente de sus personajes, por ello nada mejor que ilustrar esto que digo y los demás puntos de esta también extravagante reseña inexplicable, que con unas citas textuales del propio film.

"Antes de ser un hombre de afirmación, soy un hombre de comprensión. Es la definición más seria de inteligencia. La inteligencia es comprender antes de afirmar".

Que el personaje de Charlotte se mida el pecho, mientras su hijo canturrea y Godard lo muestra con un plano amplio y puramente costumbrista no es casualidad, pues es una mofa hacia la ignorancia de no saber que es un triángulo equilátero, lo que precede a esa cita de arriba de uno de los personajes femeninos. Al igual que la risa que sale de uno de los discos que pone Charlotte vienen a desequilibrar el estado anímico de los personajes de manera no-lineal, casi experimental por parte del director, una manera de perfilar el conflicto de la personalidad de Charlotte, personaje interpretado por una sublime y magnífica chica Godard al 100%, la bellísima Macha Méril. No hace falta decir que es un personaje completo, realista y digno de alabanza. Personaje complejo, que para comprender lo que le pasa hay que ver el film, para entrar dentro de la mente de una adultera, y encima darle toda la razón, adorarla como ejemplar belleza femenina en todos los sentidos, con naturaleza. Ella misma se retrata en una de las mejores escenas de la película, donde los personajes sueltan un monólogo filosófico bastante inspirador:

"La memoria, todo eso no hace falta. Prefiero el presente. es más el presente es más exitante. -- El amor, hay que vivirlo. Hay que vivir el presente.-- Lo más importante para mí, es comprender lo que me pasa.Para comprenderlo, trato de ver lo que se parece, todo lo que he visto y conocido en los demás. Me gusta el presente porque no me deja meditar, no puedo pensar. No, no puedo comprender. Él es más fuerte que yo, el presente. Lo que me gusta, lo que me interesa es esta cosa que se me escapa, que no consigo controlar. Y por eso me gusta. Me gustaría controlar eso porque no soy un animal... a veces lo siento, me gustan los animales, son naturales, sus movimientos. Son siempre hermosos. Pero nosotros tenemos que comprender. ¿Soy Feliz?, No, no soy feliz porque...porque precisamente no tengo vida presente. Porque estoy al día conmigo misma, no me sorprende nada de lo que me sucede. Sí, sí, hay un montón de cosas de las que me avergüenzo. Cuando sucedían, no supe, no supe prepararme. Y me avergoncé después. No había sabido que no estaba bien. Pero mientras, no. Durante el presente, no.Porque durante el presente, yo no puedo, se me escapa, No sé lo que sucede. El presente me vuelve loca. "

Del resto del reparto, señalar los dos papeles masculinos del film que forman ese triángulo amoroso tan dispar, el amante actor (vaya escena tan grandielocuente al final, genial) interpretado por Bernard Noël , y el marido, sin duda el personaje con más paciencia y pasión hacia una mujer que he visto, interpretado por Philippe Leroy, el marido enamorado pase lo que le pase a su mujer, todo un punto. Un buen reparto, Godard reparte el pastel y no se centra solo en la chica (aunque en introspección lo haga), buenos diálogos (a veces rozan la perfección) que completan unos personajes complejos y bastante más espirituales que físicos, hay que verlos.

"...Me petrificó de amor, nos convertimos en una sola. ¡Ah, el amor!, la única alegría en el mundo. La única liberación...la única verdad ¡Para encontrar la armonía!". "Yo siempre tengo miedo de que estés interpretando una una comedia". "Tengo miedo. ¿En qué está mal el placer físico? ¿Acaso no es amor? - No, no es lo mismo. El placer físico no está mal, ya que debe conducir a esa concepción que se desea."

Jean-Luc Godard vuelve a estar perfecto en la cámara e impregnando de su curiosa y detallística personalidad cada fotograma del metraje. Los encuadres son precisos, bellos llenos de calidad fílmica y lírica metáfora en sus contextos. El montaje es decisivo y experimental en ocasiones (la escena donde Charlotte ve una revista y piensa con texto incluído en pantalla es algo que no se puede olvidar para el que lo ve, sensacional), aunque en cierto sentido, las características de la nouvelle vague se ocultan un poco más aquí, es evidente el insistente uso de las formas que marcaron una revolución en el cine de este movimiento artístico. Godard se planta con planos muy imaginativos, no le importa llevar la cámara en una silla de ruedas visible por los cristales de un curioso y moderno cine, en esos chulos planos secuencia de seguimiento. Le gusta llenar el vacío con poca cosa y adornar la sexualidad, el erotismo con lo que no se muestra a simple vista, siendo muy poderoso con las formas, con el medio y la elegancia. Un portento sin duda alguna, Godard pasará a la historia por ser un genio, os guste o no su cine.

Y al finalizar la intensa hora y media de metraje, "Une Femme Mariée" termina donde empieza, con una mano tendida en una cama, siendo abandonada, ignorante al contacto y destinada al impulso vacío. Godard con solo eso, es capaz de transportarnos humanidad, de hacernos remover la mente durante el visionado de la película además de quedar grabada en la retina para siempre (como ya me pasó con "Vivir su vida" para mí, su mejor film por el momento, algo más redondo que éste). Un film particular, no apto para todos los paladares, incluyendo los cinéfilos, así que no sabría que deciros, hay que verla para sacar tu propia opinión. Para mí, un 9 redondito.

NOTA:9/10
RECOMENDACIÓN: Para cinéfilos que busquen extravagancia. Ver en V.O.S
AÑO: 1964
DURACIÓN: 96 min
Ficha en IMDB
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La risa no se finge

Cuando a uno le da por mirar carteles, quizás fantasea con ese afán filosófico, casi nulo de contentarse con un cambio mental más bien. Quizás eso me haya pasado viendo los carteles de White Label en los que aparecen por un lado Quentin Tarantino con un lema, que según me señaló una amiga entre risas burlescas un día que lo vimos, es como si yo lo hubiera tomado prestado; el lema en cuestión era: "Escribo mi propio guión". Estos días he visto el que tiene la cara de mi querido Andreu Buenafuente, con ese otro lema que puede aplicarse de cara a nuevos tiempos: "La risa no se finge". Buenafuente vuelve a la tele con nueva temporada el Lunes 21, ya se echa un poco de menos, por lo menos por mi parte, porque cuando él empieza, sé que ha pasado el Verano, que han pasado cositas, pero que nada realmente ha cambiado mi vida, y que nuevamente estaré en el sofá las madrugadas solitarias riéndome con Andreu, Berto, Joan Eloi y compañía. Comienza otra vez la rutina de la normalidad, la extrema normalidad. Puede que el mensaje de la marquesina de Andreu sea una señal para que la idea pragmatica se aplique por lo menos en mi futuro: No fingir ni una risa, no dejar pasar ni una hipocresía y en parte vivir contento. De eso se trata. Gracias Andreu, te veo el Lunes como siempre, con mis cenas nada normales para esas horas, y los largos anuncios pornos de la Sexta, para variar.

Frases célebres

"La vida es una película para mayores de 18 de años"
- Seth Rogen - (Actor y amiguete de Judd Apatow)

Ciencia Ficción-B: "El Planeta Prohibido" e "Invasores de Marte"

Hace tiempo, me propuse seriamente dedicar (solo o mejor en compañía) un tiempecillo al género que me hizo fascinarme por el cine. Más concretamente a esos films pre Lucas, Kubrick, Carpenter o Spielberg, esos que marcaban cierta tendencia incluso en su etapa más dorada y a su vez dantesca para la Ciencia Ficción, los años 50. Una etapa marcada por unos films estadounidenses que fueron inluyentes en la imaginación de cineastas de hoy en día, y que promulgaban a los cuatro vientos (con sutiles alegorías y metáforas con licencias que permite el género, claro está) el miedo a la guerra nuclear, a los comunistas (en plena guerra fría) y a la debilidad de los USA ante su propia confianza. Estos días en mi estancia por Asturias he podido ver en compañía un par de films que siguen mi andadura por este tipo de films que empezó la insuperable "Ultimátum a la Tierra" de Robert Wise, y que espero que no termine aquí. Os haré una pequeña mención de cada una a modo de cortas reseñas, espero que os mole la idea.

"EL PLANETA PROHIBIDO" ( Fred M. Wilcox, 1956)

Ver al mítico Leslie Nielsen en su juventud (sin las canas) y haciendo un papel heróico y peripuesto (o más bien serio), o la sexualmente explosiva (a modo de sugerencia todo, con esos vestiditos y piernecitas al estilo pin-up de los 50) Anne Francis poniendo cachonda literalmente a la tripulación (con unos diálogos muy cómicos, ingenuos pero muy disfrutables y redondos) la nave que llega a ese planeta prohibido donde se oculta el extravagante Dr. Edward Morbius, un misterio que no se revela hasta el final. Colorista, simpática, pulp, bobalicona pero divertidísima hasta decir basta. Un film que es sumamente inteligente que tiene mucho más de lo que puede parecer a simple vista (aunque se la pueda tachar de infantiloide en estos días) toda una hazaña para la época. Los efectos, los decorados, e incluso el guión siguen siendo magníficos para su visionado actual. De hecho, el robot de protocolo, el mítico Robby, es un precedente o inspiración de Lucas para su C3-PO en la Guerra de las galaxias. Destacar la fabulosa dirección de Fred M. Wilcox, la fotografía, la magnífica dirección artística, y el puntito metafísico del guión, un giro final sumamente interesante. Me extraña mucho que no se haya "remakeado" este film, no hablaré muy fuerte por si acaso.


NOTA:8,7/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Amantes del género.
AÑO: 1956
DURACIÓN: 98 min
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"INVASORES DE MARTE" ( William Cameron Menzies, 1953)

Antes de que Tobe Hooper ("Poltergeist") la "remakeara", el clásico de William Cameron Menzies horrorizó la imaginación de miles de influenciados directores (Por ejemplo, Spielberg se declara totalmente influido por este film), "Invasores de Marte" parte de una premisa interesante, el miedo bajo los pies de una familia, y desde el punto de vista de un niño al que no cree nadie más allá de la misteriosa, acojonante y carismática colina de un tranquilo valle. El miedo se va apoderando de él cuando ve como los habitantes son "poseidos" por unos hostiles alienígenas y son devueltos a la superficie, pero claro, ya con signos de hostilidad. El film se mueve con destreza al principio, con unos decorados muy oscuros, expresionistas y casi desoladores, desde el punto de vista del menor. Ahora, mediante que el film avanza pierde totalmente el norte. Más concretamente en la llegada del ejército americano en acción, donde el film se convierte en un arma propagandística anti-comunista (de manera casi descarada, con planos bélicos que sobran por completo, o la marcha guerrillera de la banda sonora, fuera de lugar después de sorprender con una primera mitad esencial, una pena). La parte final, la verdad, decepcionante, pues el film se traba en unos diálogos tontos, situaciones dantescas, surrealistas y sumamente cómicas (los alienígenas dan risa, las cuevas y lo que acontece en ellas son dignos de un show de Benny Hill). Y ni que decir del cutre final, (cuando se recuerda la película a modo de interminable flashback para el espectador tonto me parece un descojone total, además de que se repiten los momentos más surrealistas del film) y cuando parece que ya no se puede caer más bajo, y cuando aceptas que bueno, es un film de serie B, aparece el verdadero final, donde ahora sé con certerza de donde sacaron los guionistas de "Los Serrano" su "original" final, como el de tantos muchos casos, igual este fue pionero, cosa que dudo, ahi estaba ya el mítico final de "El Mago de Oz", jeje.

No obstante, este film de actuaciones forzadas, decorados toscos y reutilizados (algunos con su particuar encanto, todo sea dicho) tiene una primera mitad bastante aprovechable, donde se ve claramente lo trascendente que fue en directores de la talla de Spielberg o John Carpenter por poner dos ejemplos claros.

NOTA:5/10
RECOMENDACIÓN: Ver con cerveza y pizza, rodeado de colegas cinéfilos.
AÑO: 1956
DURACIÓN: 78 min
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"District 9": Liberarse de la humanidad

"Distrito 9" es la Ópera prima de una nueva promesa, el director Neill Blomkamp, una película fascinante en todos sus aspectos. Toda una sorpresa después del flojo veranito de cartelera. Bajo presupuesto donde no lo aparenta en absoluto, contenido, film divertido, reflexivo, bien tratado, en general, lo tiene todo para los que amamos ese género (últimamente algo denostado, para que engañarse) llamado ciencia-ficción. Tras la llegada de una enorme nave espacial extraterrestre a Johannesburgo (Sudáfrica), a los alienígenas recién llegados a la Tierra se les obligó a vivir en condiciones penosas como "refugiados", en una especie de campo de concentración construido en las afueras la ciudad. Todo empezó unos veinte años atrás, cuando los extraterrestres tomaron el primer contacto con nuestro planeta. Los humanos esperaban un ataque hostil, o un gran avance tecnológico de la raza alienígena. Pero nada de ello sucedió. Los propios extraterrestres eran refugiados de su propio mundo. Sin saber bien que hacer, se confinó a los alienígenas en un campo de refugiados, el "Distrito 9", hasta que las naciones del mundo decidieran qué hacer ante la nueva y extraña situación. Pero el tiempo pasó...

El guión del propio Neill Blomkamp acompañado de su colega Terri Tatchell habla de muchas cosas. Lo primero, el trasfondo, muy analizable, lo segundo, el tema de la ciencia ficción que se usa como excusa para contar algo más serio y relevante en mi opinión (aunque divino género el que se ha elegido, claro que sí), pues el tema clave del film es la capacidad del ser humano para repudiar todo lo que traspasa una lógica ignorante, la libertad es el metafórico punto de partida (la nave que espera inmóvil en el cielo es todo un alegato a la libertad que ansiamos conseguir pero que vemos bastante innacesible, como los sueños, algo onírico casi) y no es el único, pues no es casualidad que el libreto (y ahora voy con el trasfondo) situe la acción en Sudáfrica, concretamente en Johannesburgo, ciudad donde conviven en la actualidad, pobres y ricos, gente humilde y a su vez guetos destinados al conflicto constante. No es casualidad que el poder armamentístico de las gambas (los magníficos Aliens del films) sea el aliciente de poder tanto para los peces gordos, como para la plebe conflictiva de los barrios chungos del propio Distrito 9. Y ojo, el film no trata de concienciar al espectador con un simplista y demagogo panfleto político, pues logra perfectamente trasmitir cierta distancia e inteligencia con todo lo que toca (quizás expresando con la visceral violencia un punto real de inflexión, donde vemos a que conduce la verdadera absurdez humana, algo que nos ha enseñado creo, la historia: el simple y llano sufrimiento y la muerte, sin más). Totalmente Inglés en sus formas (en el buen sentido), con unos personajes bien tratados, con un planteamiento no novedoso, pero si perfectamente llevado. La primera mitad es prácticamente un documental, y la segunda un magistral film de acción con tintes de todo un poco, desde Aliens, pasando por un E.T. contemporáneo con metralla, hasta cerrarnos de golpe y porrazo con un final bastante intranquilo, que deja con ganas de más miel, aunque eso si, bastante redondo en su conjunto. No se puede evitar mirar dentro del guión, para darnos cuenta de que hay contexto (el que diga que no, pertenece a ese grupo de personas que estallan en mil pedazitos de visceras dentro del film, pues el verdadero miedo y enemigo no son ni los humanos ni los extraterrestres, sino más bien la ignorancia y la ambición de la supremacía del pensamiento lucrativo).

Y si el guión incorpora el elemento interpretativo, hay que hacer mención ya en este apartado de la reseña a los aliens del film, impresionantes en todo momento, parecen reales, y esto me sorprende, pues Michael Bay se gasta millonadas en sus robots de la medicore Transformers 2, cuando en esta película los personajes generados por ordenador y robots varios, son reales, se palpan, están perfectamente incluídos dentro y al servicio de la historia. De hecho yo propondría algún premio para la gamba protagonista, pero que leches, no se lo dieron a Andy Serkis, esta vez tampoco será excepción. Dejando las perfectas criaturas (y memorablemente originales, todo sea dicho ya de paso) de lado, el protagonista que "hermana" los conflictos y da humanidad a toda la historia que se relia y acontece en ese campo de concentración que bien podría representar toda la flaqueza humana (me refiero al Distrito en sí), es el personaje de Wikus Van De Merwe, interpretado por un desconocido para nuestras retinas, el actor Sharlto Copley, que se defiende perfectamente, espero que este actor siga demostrando que sabe no sobreactuar cuando la situación puede irse de madre, perfecto. Del resto de secundarios, podría destacar el rudo papel del Americano "tocawebos" por excelencia (villano de manual, pero bien metido dentro del film, con un toque casi anticlimático , pero ya digo, merece la pena solo por ver como acaba, y no digo más) interpretado por David James, o la mujer del protagonista, presente de alguna manera como contexto amoroso y puntual conexión sentimental del film, interpretado por Vanessa Haywood. Un reparto centrado en su protagonista de carne y hueso, y sin duda, marcado por los verdaderos espectadores de la masacre y del genocidio, los extraterrestres (ojo, que no Judíos, pues estos no dispondrían de nave nodriza hasta mucho más tarde, y en cambio la usaron mal en estos días... jeje, curioso simil creo vislumbrar).

En la dirección, acunado por Peter Jackson (productor del film), Neill Blomkamp usa la técnica de la cámara en movimiento constante, casi documenta todo el conflicto dando un dinamismo que entraría bastante en el contexto de realismo (hay muchas películas que dan mareos innecesarios con la cámara que no consiguen este punto, el realismo que quieren dar), Blomkamp se abre con una técnica no muy personal (aunque que coño, es su primer film y el chico parece que se convertirá en una nueva promesa del cine de género, sino tiempo al tiempo) pero sí perfectamente rodada, desde las escenas de acción (tremendas, algunas con una violencia casi explícita, que no gratuíta, y con un ritmo narrativo dignos del mejor Spielberg) pasando por el contexto emotivo de los personajes sin caer en el recurso fácil (aunque algún momento heróico de esos, se puede ver por ahí, sin mucho que reprocharle tampoco, seamos honestos). Genial Ópera prima y dirección, habrá que seguir muy de cerca la trayectoria de Blomkamp en el futuro. La banda sonora original, corre a cargo de un contenido y perfecto Clinton Shorter, otro compositor joven y desconocido que deja algunas notas bonitas y directas que van perfectamente con el tono desenfadado del film. Mención aparte también para los ya comentados efectos especiales, que espero, si la vida es justa y objetiva para lo que se merece, se lleven el Oscar este año al menos en esta categoría (porque verla entre mejor película será una utopía casi seguro).

"Distrito 9" cumple, pasa el requisito de calidad cinematográfica en todos los sentidos y encima te habla de cosas que nos afectan con un elemento fantástico, como se hacía en los mejores años del género, pues este film consigue algo tan básico y precioso como el mensaje que trasmite, hace que un niño grande como yo, se encoja en la butaca como un cachorrillo entusiasmado por la imágen, algo que pasa cada vez menos, y eso es ya mucho. No inventa nada, pero tampoco lo pretende, de hecho por esa falta de pretenciosidad, el film consigue ser tan magnífico, una joya trascendente creo yo, de esas que se recordarán con culto y cariño de aquí a unos años venideros. Un goze para los amantes de la BUENA ciencia-ficción. Un merecido 10, y para mi, de momento, lo tercero mejor del año en una pantalla de cine con permiso de "Revolutionary Road" y "Up".

NOTA:10/10
RECOMENDACIÓN: Cinéfilos. Amantes del género. Ver en V.O.S.
AÑO: 2009
DURACIÓN: 112 min
Ficha en IMDB
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El Fotograma

Últimos Días

Son los días que acontecen a un nuevo cambio,
aunque aun no llueve... Son días de catarsis, lluviosos.

Añoro ver caer todas las gotas del invierno, recordar como caen sin cesar sobre el asfalto que refleja el fracaso que ignoran las demás. No importa, caen bellas, precipitándose, todas buscan su sitio, caigan donde caigan, arrastradas por la corriente irán al mar. Allí se perderán.De lo bello y dulce a lo salado. Observo a una gotita en la ventana, ella parece resistir ante la tormenta. Enfurecida naturaleza con la vida, castiga aquello que las nubes, sus padres y madres no supieron decirles. Moribunda, la sotengo en mi mano, se resbala, pero la vuelvo a salvar. Sé que tarde o temprano el sol, la piel o el tiempo la secará y una lágrima de mis ojos la reemplazará.No hay que entristecerse por estos días lluviosos que vendrán, pues mucho se les ha ignorado siempre. No hay que entristecerse porque ellas, las gotas, caen ignorantes estrellándose en el suelo, frágiles, escupidas por botas y paraguas. Yo en cambio sigo en la ventana viendo un bucle, viendo ante mi aquello que es inevitable, irremediable, que pasa así para todos, aquello que no persigo, esa facilidad dictatorial en la que no creo. Reservo un trozo de hielo lejos de aquí, para cuando me vaya obligado, con esas gotas inútiles y yo también me derrita por la misma mano que usé para socorrer a mi gotita risueña de agua dulce. La vida es cruel, la naturaleza es femenina, y el hombre se vuelve necio.

Serán días lluviosos, de lejos oigo el sonido del redoble, las oigo caer en la lejanía. Apago la luz y ya no estoy. Son días lluviosos.

Perfil Sencillo

Tan simple, sencillo, anodino, vulgar, reflexivo, se puede analizar. Adoro a Anna Karina, sin más, bueno y a Godard también, esta película no sale de mi mente.

Frases Célebres

"Siempre que me preguntan que si fui a una escuela
de cine, respondo: "No, yo fui a ver películas" - Quentin Tarantino -

Que mejor manera de empezar la andadura de Septiembre con una cita de este señor, que me hará quizás (y con toda seguridad) el mejor regalo el día de mi cumpleaños: Estrenar "Inglourious Basterds" (día 18) en las salas españolas. Quentin Tarantino hasta en la sopa nenes, la verdad es que esta cita es grandiosa, se la podría mandar aprender a más de una o una, jeje.